LA VENGANZA DE LAS MUJERES SURREALISTAS

 

Despedidas, excluidas y ahora adoradas: la venganza de las mujeres surrealistas

Eliza Goodpasture

Toda la diversión… La Verbena de Maruja Mallo, 1927. Fotografía: Album/Alamy

Descartadas como "musas" y sin acceso al movimiento, aun así produjeron una obra extraordinaria que recién ahora se está valorando. Entramos en un mundo de culto oculto que rompe con el género.

“Por supuesto que las mujeres eran importantes”, dijo el artista Roland Penrose en 1982, “pero fue porque eran nuestras musas”. Penrose estaba hablando con la historiadora de arte Whitney Chadwick, quien lo estaba entrevistando para un libro que estaba escribiendo sobre las mujeres surrealistas. “No eran artistas”, insistió Penrose, quien pensaba que ni siquiera debería escribir sobre ellas. Pero Chadwick lo hizo de todos modos, y el resultado, su libro de 1985 "Mujeres artistas y el movimiento surrealista", cambió fundamentalmente nuestra comprensión tanto del surrealismo como de las artistas femeninas.

Frida Kahlo: Breton descubrió su obra en México en 1938. En 1939, en el texto que escribió para el catálogo de su primera exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva York, la reconoció como una auténtica surrealista. 

En los cuarenta años transcurridos desde entonces, muchas de las mujeres sobre las que Chadwick escribió han ganado una mayor fama, pero en los últimos años hemos presenciado una explosión de interés por las mujeres surrealistas. El año pasado se cumplió el centenario del Manifiesto Surrealista, que en realidad eran dos manifiestos contendientes publicados por grupos rivales de surrealistas (hombres) en París. Por eso no sorprende que hayamos visto tanto interés por el movimiento. Pero sí es sorprendente que el centenario haya provocado un frenesí de interés por las mujeres, que en realidad estaban excluidas de esos grupos. De hecho, muchas ni siquiera estaban en París. ¿A qué se debe esta repentina ampliación del enfoque?

Escalofriante… una obra de Claude Cahun de 1936. Fotografía: Nils Jorgensen/Shutterstock

Cuando Chadwick le preguntó a la surrealista Leonor Fini sobre la afirmación de Penrose sobre las musas, ella respondió con su característica franqueza, calificándola de “tontería”. Fini nació en Argentina y pasó un tiempo en Italia antes de terminar en París. Era abiertamente bisexual y pasó la última parte de su vida viviendo en una relación poliamorosa con dos hombres y docenas de gatos. “Soy pintora”, dijo una vez, “no una mujer pintora”.

Sus palabras reflejan la compleja política que implica dedicarse al arte siendo mujer. Si bien sus vidas estuvieron definidas por sus experiencias de haber nacido mujeres, y muchas de ellas crearon arte que trataba explícitamente sobre la feminidad y la sexualidad, también desafiaron las suposiciones basadas en su género que hicieron sus pares masculinos y el público espectador.

 

El único género que me conviene es el neutro”… Claude Cahun. Fotografía: Album/Alamy

Claude Cahun, ya en 1914, fue incluso más allá que Fini en su identificación radical como lesbiana y no binaria. Se la cita célebremente diciendo: “¿Masculino? ¿Femenino? Depende de la situación. El neutro es el único género que siempre me conviene”. La fotografía de Cahun, que actualmente es objeto de una exposición itinerante cortesía de la Hayward Gallery de Londres, fue realizada con su pareja, Marcel Moore, una lesbiana que también vivía de manera andrógina.

Incluso entre las mujeres surrealistas que no se identificaban como queer, suele haber un elemento de rareza en su obra, ya sea a través de una exploración de la “feminidad divina” o a través de un sentido más fundamental de enigma. La difunta académica estadounidense Eve Kosofsky Sedgwick describió “queer” como una “malla abierta de posibilidades” entre géneros y sexualidades, una forma definitoria de utilizar la palabra que la ha convertido en un término tan generalizado hoy en día, que a veces significa nada más que “imposible de categorizar”.

Composition with figures on a terrace, 1938, Leonor Fini, Colección privada.

Fini y Cahun trabajaban en el centro surrealista de París, pero muchas de las otras mujeres que recibieron nueva atención no lo estaban. Ithell Colquhoun fue una surrealista británica y actualmente es el tema de una gran retrospectiva en la Tate St Ives. Es una exposición trascendental que defiende con fuerza el poderoso legado de Colquhoun. Colquhoun estaba relacionada con tantos grupos ocultistas y espirituales en Gran Bretaña que es difícil contarlos a todos. Desde el druidismo hasta el tantra y el cristianismo, pasó su vida buscando una verdad superior, todo ello reflejado en su obra.

En busca de una verdad superior… Ithell Colquhoun. Fotografía: Guy Carrard/© Man Ray Trust / ADAGP París, Centro Pompidou

Al igual que Fini, Colquhoun se sentía atraída por personas de todos los géneros y su arte era a menudo explícitamente sexual. Realizó una pintura que mostraba cuerpos masculinos castrados y fue censurada de inmediato por su contenido impactante. Otras obras muestran paisajes abstractos, similares a vulvas, exploran imágenes de diosas y emplean técnicas que introducen un elemento de azar, para permitir que el inconsciente se apodere del acto creativo.

Desde hace mucho tiempo existe una conexión entre las mujeres y la magia (pensemos en brujas, diosas, sanadoras y narradoras de cuentos). Y durante casi el mismo tiempo, esta conexión ha estado cargada de una sensación de amenaza. El poder místico e intangible que podían ejercer las mujeres amenazaba a los sistemas patriarcales y necesitaba ser controlado. En el arte occidental, se lo consideraba absurdo o irrelevante. Colquhoun fue expulsada del grupo surrealista británico debido a su fascinación por las sectas ocultistas, que llegaron a dominar su obra.

El surrealismo, aunque es claramente extraño, no se preocupaba por lo sobrenatural. Los movimientos de París y Gran Bretaña lo rechazaron. Su interés por la mente inconsciente era en gran medida científico, aunque también fuera irracional (o tal vez antirracional). Hoy, sin embargo, hay mucho más interés en estos temas: la biógrafa de Colquhoun, Amy Hale, lo ha llamado el "giro chamánico", ya que nuestra conciencia colectiva se vuelve más abierta a las creencias esotéricas. El otoño pasado, la galería londinense Lévy Gorvy Dayan presentó Enchanted Alchemies, una muestra que se centró en surrealistas místicos y ocultistas. Casi todas eran mujeres, entre ellas Eileen Agar, Leonora Carrington, Fini y Colquhoun.

 

Explícitamente sexual… Ithell Colquhoun, Scylla (méditerranée), 1938 Fotografía: Joe Humphrys/© Spire Healthcare, © Noise Abatement Society, © Samaritans

Mary Wykeham, surrealista británica cuya obra se exhibe en la exposición Forbidden Territories: 100 Years of Surreal Landscapes (Territorios prohibidos: 100 años de paisajes surrealistas) de Hepworth Wakefield , encontró la plenitud espiritual de una manera ligeramente diferente: después de una vida tumultuosa como enfermera en tiempos de guerra, activista política y artista profesional, se hizo monja. Muchas de sus obras supervivientes están realizadas en papel, lo que las hace más frágiles y de menor escala. Están llenas de líneas geométricas o en espiral, casi completamente abstractas. Como todas las obras surrealistas, se esfuerzan por desbloquear la mente inconsciente, pasando por alto la racionalidad en favor de una exploración a menudo inquietante del yo interior.

Lee Miller, Retrato del espacio, cerca de Siwa, Egipto, 1937.

Otra surrealista británica, Lee Miller, siguió un camino completamente diferente: después de construir una exitosa carrera como fotógrafa surrealista y modelo en París, se convirtió en fotoperiodista durante la Segunda Guerra Mundial. Miller estuvo presente en la liberación de los campos de concentración de Buchenwald y Dachau, y la foto de ella bañándose en la bañera de Hitler se ha vuelto icónica. A menudo recordada más como modelo y musa (estuvo casada con Penrose), Miller vio recientemente su historia contada nuevamente en Lee, una película protagonizada por Kate Winslet en el papel principal.

Esta foto se llama "Lee Miller en la bañera de Adolf Hitler" y se tomó en el departamento de Hitler en Munich, en 1945.

Maruja Mallo. Fotografía: Album/Alamy

Maruja Mallo, que pronto será objeto de una gran retrospectiva en el Centro Botín de Santander, España, vivió y trabajó en Madrid. Conoció a importantes surrealistas españoles como Salvador Dalí y Federico García Lorca, pero a diferencia de ellos, permaneció en España durante toda su carrera, salvo su exilio en Argentina durante la guerra civil. Su obra incorporó imágenes populares españolas, pero se volvió más geométrica y abstracta. Mallo fue escritora y pintora, y colaboró ​​en revistas y libros.

El surrealismo fue un movimiento especialmente multidisciplinario. Junto con la escritura, el cine era popular, lo que vinculaba el movimiento a la modernidad a pesar de sus impulsos hacia la atemporalidad. Esta plétora de medios refleja que el surrealismo es, en esencia, una práctica de pensamiento radicalmente diferente, utilizando palabras e imágenes; cualquier medio, de hecho, siempre que saque al mundo el inconsciente.

“Estamos en una ola de redescubrimiento en torno a las mujeres en general”, dice la comisaria de la Tate St Ives, Katy Norris, “y eso nos está permitiendo reconocer las diferencias entre ellas: no eran un único grupo escindido”. De hecho, el impulso surrealista básico de los sueños, la sexualidad y la obsesión tuvo un alcance y un atractivo globales: a diferencia de los movimientos de vanguardia anteriores de principios del siglo XX, que a menudo buscaban derribar los ismos anteriores, el surrealismo dejó rápidamente de ser tan centralizado. La diversidad entre las vidas, los estilos y las prioridades de sus adeptos es enorme. “El surrealismo responde a la incertidumbre”, dice Norris, “por lo que nos habla ahora en tiempos de incertidumbre”.

 

                                                  Chamánica… Leonor Fini. Fotografía: Album/Alamy

Hoy en día, ese impulso de examinar el propio yo interior resulta muy familiar, pero la magnanimidad de las surrealistas –con su inquebrantable impulso a plasmarse en su arte en toda su irracional y extraña gloria– es diferente de la oleada de narcisismo autocrítico impulsado por las redes sociales que es tan prominente hoy en día. El feroz individualismo de estas artistas, de estas mujeres que eran tan implacablemente ellas mismas, es un tónico. No es de extrañar que estén captando la atención del público como nunca antes. En un mundo que parece cada vez más impredecible, hay una verdadera resonancia en el hecho de que las mujeres acepten la inestabilidad y la utilicen para alimentar su trabajo creativo. Es, dice Norris, “una tormenta perfecta”.

IN MEMORIAM

 

Jack Vetriano

1951-2025

Jack Vettriano | The Singing Butler

NUESTRA HUMANIDAD: NUESTRO LEGADO ?

"Tecnofósiles": el testamento eterno de la humanidad:  serán bolsas de plástico, ropa barata y huesos de pollo

Damián Carrington

La moda rápida y las latas de bebidas son los materiales de la era tecnológica que más probablemente perdurarán como fósiles, dicen los científicos

Como testamento eterno de la humanidad, las bolsas de plástico, la ropa barata y los huesos de pollo no son un legado glorioso. Pero dos científicos que investigan qué artículos de nuestra civilización tecnológica tienen más probabilidades de sobrevivir durante muchos millones de años como fósiles han llegado a una conclusión irónica pero instructiva: la comida rápida y la moda rápida serán nuestra impronta geológica eterna.

“El plástico será sin duda un ‘tecnofósil’ característico, porque es increíblemente duradero, lo estamos fabricando en cantidades enormes y se distribuye por todo el planeta”, afirma la paleontóloga Sarah Gabbott, experta en la formación de fósiles de la Universidad de Leicester. “Así que, dondequiera que excaven las civilizaciones futuras, encontrarán plástico. Habrá una señal de plástico que envolverá el planeta".

Los envases de comida rápida dominan el plástico oceánico, pero las latas de aluminio para bebidas también serán parte de nuestro legado. Los metales puros son excepcionalmente raros en el registro geológico, ya que reaccionan fácilmente para formar nuevos minerales, pero las latas dejarán una huella distintiva.

“Van a estar presentes en los estratos durante mucho tiempo y, con el tiempo, se esperaría que pequeños jardines de minerales arcillosos crecieran en el espacio donde estaba la lata. Va a ser un tipo de fósil nuevo y distintivo”, afirma el geólogo Jan Zalasiewicz, uno de los principales defensores del Antropoceno como una nueva época geológica que refleja el impacto de la humanidad moderna en el planeta, quien, junto con Gabbott, ha escrito un libro sobre tecnofósiles, "Discarded."

 

El auge de la producción masiva de prendas sintéticas significa que la ropa entrará abruptamente 

en el registro fósil de la humanidad. Fotografía: Sarah Gabbott y Jan Zalasiewicz

Otro alimento básico de la comida rápida, el pollo, también está destinado a la inmortalidad. Los huesos son bien conocidos como fósiles, pero si bien los de los pollos de engorde modernos son frágiles (se los cría para vivir rápido y morir jóvenes y gordos), su gran volumen garantizará que muchos sobrevivan y perduren en el registro geológico.

En cualquier momento, hay alrededor de 25 mil millones de pollos vivos en el mundo, mucho más que el ave silvestre más abundante de la Tierra, dicen Gabbott y Zalasiewicz, lo que los convierte probablemente en el ave más abundante en toda la historia del planeta. La aparición repentina de grandes cantidades de un ave monstruosa cinco veces más grande que su antecesor silvestre sin duda sorprenderá a los paleontólogos del futuro.

La ropa también entrará abruptamente en el registro fósil de la humanidad. Durante milenios, la ropa se fabricaba con materiales naturales y de fácil descomposición, como el algodón, el lino y la seda. Hoy, la creciente población mundial suele llevar prendas sintéticas producidas en masa que se desechan rápidamente.

“Estamos fabricando cantidades ridículas”, afirma Gabbott: unos 100.000 millones de prendas al año, el doble que hace 20 años. “A la gente le sorprendería saber cuánta ropa hay en el medio ambiente. Trabajo limpiando ríos en la ciudad de Leicester y aproximadamente una cuarta parte de lo que sacamos es ropa. También la tiramos a vertederos, que son como gigantescas tumbas de momificación”. Como dicen los geólogos en su libro: “Ya está claro que gran parte de la moda moderna acabará siendo, en el sentido más profundo posible, verdaderamente atemporal”.

El último de los tecnofósiles emblemáticos es también el ejemplo más sólido: el hormigón. Es esencialmente una roca, por lo que se conserva fácilmente y existe en cantidades colosales. Cada año se fabrica hormigón suficiente para proporcionar cuatro toneladas a cada persona de la Tierra, lo que se suma a las reservas existentes de 500.000 millones de toneladas.

 

Según los científicos, las ciudades que se hunden, como Nueva Orleans, son propicias para la fosilización. Fotografía: Brett Duke/AP

Ciudades zombis

Todos los fósiles necesitan un poco de suerte para conservarse. Por lo general, eso significa que deben quedar enterrados bajo sedimentos en lagos y mares. Por eso, es probable que se formen fósiles colosales de hormigón en ciudades que se hunden, como Nueva Orleans.

La mitad de la ciudad ya está bajo el nivel del mar y el pronóstico de Gabbott y Zalasiewicz es sombrío: “Es una ciudad zombi, que morirá ahogada, probablemente a finales de este siglo, y por lo tanto está madura para la fosilización”. Rascacielos, cimientos de edificios, losas de pavimento, revestimiento de alcantarillado y los diques marinos de la ciudad serán todos candidatos para la preservación.

Un signo inequívoco de la civilización humana serán nuestros propios huesos, y aquellos de nosotros que estemos enterrados ya habremos dado el primer paso hacia la fosilización. Pero, una vez más, sólo aquellos enterrados en lugares que se hunden tienen probabilidades de conservarse.

Después del bronce y el hierro, bienvenidos a la era del plástico, dicen los científicos

“Los cementerios de montaña no durarán mucho”, dice Zalasiewicz. “Pero si estás en el delta del río Mississippi, en los Países Bajos o en el delta del Yangtsé, los cementerios de allí sobrevivirán, en general”. Aun así, es más probable que los paleontólogos del futuro encuentren los restos de nuestro ganado de granja, que pesa mucho más que nosotros .

Para evaluar qué detritos humanos sobrevivirán, Gabbott y Zalasiewicz hacen analogías frecuentes con fósiles existentes. Los graptolitos, un grupo extinto hace mucho tiempo de pequeños animales marinos que se alimentaban por filtración y los tubos orgánicos en los que vivían, son fósiles comunes de hace unos 500 millones de años. "Los tubos parecen haberse convertido en algo plástico y algunos, cuando los extraes de la roca, todavía son elásticos; es extraordinario", dice Zalasiewicz.

Las paredes celulares de las algas verdes proporcionan otro análogo del plástico. “Los fósiles de casi 50 millones de años están hechos de este material que es químicamente indistinguible del polietileno”, dice Gabbott. Los geólogos concluyen: “Es probable que nuestros plásticos desechables persistan en la Tierra prácticamente para siempre”. Para siempre es mucho tiempo y, en realidad, todos los fósiles durarán tanto como el planeta, pero el sol tardará unos 5.000 millones de años en engullir la Tierra.

Las minas, los pozos de sondeo y los lugares de pruebas de armas nucleares han dejado una huella "prácticamente indeleble" en el planeta. Fotografía: Mike Bowers

Cicatrices subterráneas

Los fósiles no son sólo objetos que quedan atrás, sino también rastros de la actividad de la vida escritos en las rocas, y la humanidad está dejando una huella gigantesca. Por ejemplo, hemos perforado más de 50 millones de kilómetros de pozos de petróleo y gas, cada uno de los cuales atraviesa estratos geológicos.

También se han llevado a cabo alrededor de 1.500 pruebas de armas nucleares bajo tierra . Si bien son relativamente raras, los resultados fueron geológicamente espectaculares: grandes cuevas esféricas revestidas de roca fundida que se derrumbaron en una masa de escombros radiactivos y están rodeadas por una compleja red de fracturas. Junto con las minas y otros pozos, "esta erupción mundial de cicatrices subterráneas es prácticamente indeleble", dicen Gabbott y Zalasiewicz.

Igualmente duraderas, pero mucho más sutiles, serán las señales químicas tóxicas dejadas por la humanidad, en particular las llamadas “sustancias químicas eternas ”, como el PTFE. El metal de una sartén antiadherente probablemente se disuelva a lo largo de millones de años bajo tierra, dicen los geólogos, pero el revestimiento de PTFE persistirá como una película delgada y flexible.

La humanidad ha creado muchas sustancias químicas casi indestructibles, como las dioxinas y el DDT. Dado que se han encontrado moléculas similares producidas por bacterias en rocas de 1.600 millones de años de antigüedad en Australia Occidental, estas sustancias químicas parecen haber llegado para quedarse. “Estas sustancias químicas eternas están literalmente en todas partes”, afirma Gabbott. “Luego se introducen en los sedimentos y allí se quedan”

Otra parte de la firma subrepticia de la humanidad es la presencia de elementos radiactivos esparcidos por todo el mundo por las pruebas de bombas nucleares sobre la tierra, principalmente entre 1952 y 1963. Estos forman una señal tan clara que fueron juzgados como el mejor candidato para indicar el amanecer del Antropoceno .

El cableado de los dispositivos electrónicos puede resultar muy llamativo, ya que los minerales que se forman a partir del cobre son brillantes y de hermosos colores. Fotografía: Sarah Gabbott y Jan Zalasiewicz

Estos signos químicos pueden parecer crípticos y poco probables de ser desenterrados en un futuro lejano. Pero los geólogos encontraron un rastro similar que acompañó la desaparición de los dinosaurios: sedimentos delgados enriquecidos con iridio, un elemento que se encuentra en los meteoritos. "El pico de iridio no es en absoluto obvio, a menos que tengas un espectrómetro superpoderoso y tomes la muestra del nivel justo. Y sin embargo, lo encontramos", dice Zalasiewicz.

Es probable que nuestra era digital deje menos rastros que los siglos en que el conocimiento se almacenaba en papel. Las hojas y los árboles fósiles antiguos muestran que el papel tiene una capacidad sorprendentemente alta para fosilizarse, y el grafito que se usa en los lápices también es robusto. “Resulta entrañable pensar que los garabatos fosilizados de los niños pueden ser los que mejor sobrevivan: un retrato de una familia fuera de una casa, tal vez, con el sol brillando y un arco iris atravesando el cielo”, dicen Gabbott y Zalasiewicz.

Los chips de ordenador, aunque numerosos, son diminutos y el silicio es muy reactivo con el oxígeno, por lo que es poco probable que sean importantes como fósiles en el futuro. Pero el cableado de los dispositivos electrónicos puede llamar la atención, ya que los minerales que se forman a partir del cobre son brillantes y de hermosos colores, desde la azurita hasta la malaquita y la bornita. Los paneles solares también pueden alcanzar la inmortalidad gracias a su forma distintiva y al gran volumen que se produce.

Su exploración de fósiles futuros ha llevado a Gabbott y Zalasiewicz a sacar algunas conclusiones. Una de ellas es que comprender cómo los desechos humanos pueden convertirse en fósiles indica cuál es la mejor manera de detener la acumulación de desechos en el medio ambiente.

“En la formación de fósiles, los primeros años, décadas, siglos y milenios son realmente cruciales”, afirma Zalasiewicz. “Esto coincide con el tiempo en el que tenemos la capacidad de hacer algo al respecto”.

Gabbott afirma: “El mensaje principal es que la cantidad de cosas que estamos produciendo actualmente es asombrosa, está fuera de escala”. Todo lo que producían los seres humanos en 1950 era una pequeña fracción de la masa de toda la materia viva de la Tierra. Pero hoy en día supera a todas las plantas, animales y microbios y se prevé que se triplique para 2040

“Esto va a durar millones de años, y algunos de ellos liberarán sus toxinas y sustancias químicas en el mundo natural”, afirma, lo que nos plantea a todos preguntas serias: “¿Necesitas eso? ¿Realmente necesitas comprar más?”

EN SAN VALENTÍN: BOGDANKA POZNANOVIC Y SU CORAZÓN

 

En el día de San Valentin

Redescubriendo a Bogdanka Poznanovic* con su performance Corazón-Objeto en Acción en este día.

En inglés decimos “wear your heart on your sleeve” para indicar ese momento en el que alguien declara sus sentimientos a otro. Expresar el propio amor, en inglés, equivaldría a llevar el corazón en la manga, en un gesto que es la suprema exteriorización de la propia interioridad. Este es mi corazón, haz lo que quieras con él. De niños lo dibujábamos tímidamente al pie de nuestros libros de texto escolares, mientras que ahora lo compartimos sin miedo en forma de algunos emoticonos. De hecho, resulta casi gracioso pensar en escribir: "Si pasas por Esselunga, ¿puedes traerme un bote de pesto?", sin añadir un corazón al final. Ahora todo es cuestión de cortesía. Rojo, luego blanco, luego ahora con las nuevas actualizaciones también fucsia y azul claro. Se ha convertido en un gesto casi automático acompañar un mensaje en Instagram con un corazoncito: lo hemos usado tantas veces que ahora lo hemos despojado de significado. En 1970, el símbolo del corazón, con sus dos tiernas curvas y su base puntiaguda, todavía pertenecía a la esfera femenina, a pequeños dibujos garabateados apresuradamente en un cuaderno, un automatismo típico de las mujeres que se pensaba que construían su imperio sobre los sentimientos y el amor. En 1970, la artista de performance Bogdanka Poznanović construyó una acción artística de reivindicación feminista en torno a la forma del corazón. Se llama Acción Corazón-Objeto y consiste en llevar una escultura de un corazón gigante por las calles de la ciudad serbia de Novi Sad.

Cortesía del Museo de la Vanguardia

Cortesía del Museo de la Vanguardia

Cuando lo personal es político

Action Heart-Object es una de las primeras acciones imaginadas por Bogdanka Poznanovic, una artista de vanguardia serbia que en su práctica artística cruza el pensamiento feminista y el arte de performance social en un momento – los años 1960 y 1970 – en el que el mundo del arte está cambiando profundamente.

 La corriente en la que se inserta entonces en los manuales es la feminista pues conceptualmente sus obras exploran el cuerpo femenino, la identidad y la emocionalidad, reivindicandolas. A menudo se la compara con artistas como Marina Abramović y Yoko Ono porque las tres parten de sus propios cuerpos en su práctica artística. Se convierte en un medio para hablar de otra cosa, del papel de la mujer en la sociedad y en el arte. "Lo personal es político", decían las feministas de la segunda ola en los años 60, el momento histórico en el que realmente se movía Poznanovic. Lo que ese eslogan tantas veces repetido significaba la creencia de que las experiencias personales de las mujeres tenían su raíz en la situación política en la que crecieron y, por tanto, en la desigualdad de género que siempre habían sufrido.

En el caso de la acción pública realizada en las calles de Novi Sad, duró desde el 20 de septiembre de 1970 hasta el 29. Había creado una escultura de un corazón de dos metros por dos metros y 20 centímetros de espesor, envuelto en tela roja, en cuyo interior había instalado un metrónomo que latía a 80 pulsaciones por minuto, exactamente como un corazón humano. Cuatro personas lo llevaron por las calles de Novi Sad, con el deseo de crear una procesión participativa de personas siguiendo un solo corazón. Se trataba entonces de llevar por la ciudad una escultura –física, concreta– que representa tradicionalmente todo lo que los humanos llevamos reprimido en nuestro interior: la vulnerabilidad del amor y todas las emociones que nos da vergüenza expresar. Sacarlos a pasear e incluso por la ciudad era una manera de hacerles reflexionar sobre el conflicto entre interioridad y exterioridad; Fue un punto de partida para cuestionarnos si la práctica cotidiana de nuestras acciones correspondía a la filosofía que teorizamos en palabras . Las obras de Poznanovic, especialmente Action Heart-Object , fueron fundamentales en la década de 1970 porque demostraron cómo el arte es capaz de expresar experiencias humanas, especialmente para las mujeres. Su manera de explorar temas tan íntimos y emocionales de un modo tan directo la ha convertido en una exponente clave del arte de la performance. Desgraciadamente, en Occidente permaneció prácticamente desconocido. Hay un documental de tres minutos en Mubi que rastrea el funcionamiento del corazón, se llama Heart.

*Bogdanka Poznanovic nació en Begec, en 1930, en Vojvodina*. Obtuvo su título en pintura en la Academia de Bellas Artes de Belgrado. La práctica artística de Poznanovic incluye medios visuales tradicionales y nuevos, pintura y arte postal. Fue miembro del Consejo Editorial de las revistas Polja y Tribina mladih . Recibió una beca del gobierno italiano para residir y especializarse en su trabajo en Florencia y Roma en 1968/1969, y más tarde en Venecia en 1977. Poznanovic es profesora de Investigación de Intermedios desde hace mucho tiempo en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad.

*Voivodina, oficialmente Provincia Autónoma de Voivodina​ es una provincia autónoma que se localiza en la parte norte de Serbia. Su capital y ciudad principal es Novi Sad. La segunda urbe en importancia es Subotica.

LA ESTETICA BEIGE

La triste estética beige: ¿por qué el mundo de repente se ha vuelto grisáceo?

 Kate McCusker 

 

“No veréis a mis hijos con colores primarios ni secundarios”… Mina Tran y su familia.

 Fotografía: Cortesía de Mina Tran

Ya sea avena, hueso, arena o beige, esta paleta de colores tiene un fuerte efecto anestésico y se ha convertido en el estilo líder en moda e interiorismo de nuestra era 

 No es que  Mina Tran, de 39 años, quiera una vida completamente desprovista de colores brillantes. Simplemente no los quiere cerca de su casa ni de los armarios de sus hijos.“No puedes evitarlos”, dice la doctora y madre de tres hijos de Texas. “Se infiltran en áreas de mi vida que no puedo controlar. Sales a la calle y el césped está verde”. Tampoco puede impedir que sus hijos crezcan y desarrollen su propio gusto, ni que sus familiares les compren cosas en rojos y azules chillones, ni que su marido los vista –y no le produce ningún placer contarlo– “con cosas coloridas de Amazon sin que yo lo sepa”. Pero por ahora, en las pequeñas áreas de su vida sobre las que tiene influencia, Tran sueña en tonos topo y beige, pergamino y bizcocho. Tran es una “triste mamá beige” sin tapujos, una mujer decidida a mantener a raya los estridentes utensilios de la infancia y, en su lugar, fomentar una paleta sobria de beige sobre beige. “No verás a mis hijos con colores primarios o secundarios, a menos que sean pijamas”, dice Tran. ¿Juguetes de plástico policromados? Olvídate de eso. ¿Una sala de juegos en tecnicolor, incluso? “Tenemos una zona de juegos y esa zona de juegos también es el espacio de estar. No quiero mirar algo rosa fuerte y verde neón todos los días”, dice. Así que eso también es un rotundo no. "Es un look que está por todo Instagram". 

Fotografía: Oleksandra Yarova/Getty Images 

No es la única. Ya sea que intercambien consejos sobre cómo comprar juguetes austeros u ofrezcan visitas guiadas a las lujosas habitaciones de sus hijos, las mamás de color beige triste abundan en las redes sociales. Dado que su apodo se lo dio la bibliotecaria Hayley DeRoche, quien se burló del manual de ropa infantil monótona de “Werner Herzog” en una serie de TikToks satíricos, las mamás de color beige triste no tienen la culpa; son solo un subgrupo del gupo de personas de color beige triste que se ha estado abriendo camino en nuestros algoritmos (y en nuestras cestas de la compra) durante años. “Es un estilo que está por todo Instagram”, dice Isabelle Gregory, la propietaria de 25 años de una casa de color beige sobre beige en Hampshire. “Tiene un aire fresco y limpio”. Kim Kardashian fue una de las primeras en adoptarlo, con su “monasterio minimalista” de 60 millones de dólares con espacios cavernosos en tonos neutros y escasa evidencia de cualquier habitación humana. Molly Maison, de la ex estrella de Love Island Molly-Mae Hague , es la pesadilla de cualquier bebedor de vino tinto, mientras que el nuevo programa de Netflix de Meghan Markle , With Love, Meghan, contiene una letanía de beige, desde velas personalizadas hasta flores. Después de la pandemia, queremos que nuestras casas sean más amables con nosotros porque pasamos más tiempo en ellas. El beige es un color neutro y cálido. “La gente de mi edad se ve muy influenciada por lo que se publica en las redes sociales”, afirma Gregory, que trabaja en el ámbito educativo. “Y si eso es lo que todo el mundo busca en Internet, entonces eso es precisamente lo que mucha gente tenderá a captar”. “El beige triste me parece perfecto, porque es lo que siento cuando lo veo”, afirma Keith Recker, pronosticador de tendencias y especialista en color. “Desde el punto de vista del espíritu de la época, creo que el beige es un refugio frente a las narrativas dominantes”, es decir, la política, la guerra y la inminente catástrofe climática. “Es una zona neutral, no tienes que posicionarte. Es conservador ”. Y no va a desaparecer en un futuro próximo: el color del año 2025 de Pantone es el moca mousse , un tono descrito como “cálido” e “imbuido de riqueza”, pero que, para el ojo inexperto, podría parecer marrón. En los desfiles de moda masculina de primavera/verano 2025, los tonos neutros de piedra aumentaron un 155% con respecto al año pasado, mientras que los neutros fueron la tercera combinación de colores más popular en la pasarela de moda femenina, detrás del blanco y el negro, según el pronosticador de tendencias WGSN. Sólo los maximalistas más acérrimos se libran de la tendencia del beige triste. Escribo esto con un jersey beige (técnicamente “cappuccino”). Mi sofá de Ikea es del color de un día nublado. Hace poco, mientras buscaba un vestido, pensé que debería optar por un color neutro, para que combine mejor con el resto de mi vestuario, que ya es bastante beige. Es difícil, parafraseando a Martin Amis , resistirse a ser una hoja en el viento de la tendencia y la moda. 

Disputa entre influencers... Sydney Gifford (izquierda) está demandando a Alyssa Sheil (derecha) por supuestamente copiar su estética. Composición: @sydneynicoleslone/@alyssasheill

El pasado mes de abril, la gran beigificación alcanzó nuevas cotas cuando la influencer Sydney Gifford presentó una demanda contra su colega Alyssa Sheil , alegando que Sheil se había apropiado de su estética. Ambas mujeres son evangelistas del look totalmente neutro; ambas viven en un mundo donde todo es beige y limpio y se puede comprar a través de un enlace de afiliado de Amazon. Ver imagen en pantalla completa Disputa entre influencers... Sydney Gifford (izquierda) está demandando a Alyssa Sheil (derecha) por supuestamente copiar su estética. Composición: @sydneynicoleslone/@alyssasheill Sheil dice que asocia su look con la estética de “chica limpia”, una invención de TikTok que es sinónimo del pelo de Hailey Bieber y la tez radiante de Sofia Richie. “Si buscaras en Internet, verías muchos moños peinados hacia atrás, aros dorados, chicas haciendo pilates, todas esas cosas que hago prácticamente todos los días y con las que realmente me identifico”, dice la texana de 21 años. Su casa también es un reflejo de su vestuario: mucha madera y cemento en diferentes tonos beige. “Mi novio intenta hacer una tostada y queda como una miga y ya la estoy limpiando antes de que termine de comer”, dice. Hacen una hora de tareas domésticas todas las noches después de comer y una limpieza profunda los domingos, un “reinicio dominical”, en la jerga de TikTok. ¿Cómo se siente al ser acusada de estar triste y beige? “Bastante neutral”. Joa Studholme, asesora de color de Farrow & Ball, cree que la proliferación del beige es una reacción al gris, a veces llamado “gris millennial” gracias a su asociación con una generación de inquilinos sin ideas. “Hace cinco años, cualquier tipo de calidez estaba mal visto”, dice. “Creo que la gente era bastante optimista y encontraba la vida bastante fácil, por lo que no necesitaban ninguna comodidad en sus hogares. Ahora, después de la pandemia, queremos que nuestras casas sean mucho más amables con nosotros porque pasamos más tiempo en ellas. El beige tiene un matiz más rojizo que el gris. Es un neutro con calidez: los tonos beige son más suaves, más acogedores y un poco menos duros”. Muchos evangelistas del color beige alaban la cualidad anestésica del color. “Puedo apreciar las casas coloridas”, dice Lilly Moffatt, higienista dental de 27 años, “pero cuando entro en ellas, simplemente no me hacen sentir cómoda. No me siento tranquila ni relajada. Tengo un trabajo muy frenético y ajetreado y solo quiero llegar a casa y sentirme relajada y no tener estampados y colores llamativos en la cara. A veces, el color puede sumarse al caos de una vida ajetreada”. También está la cuestión de la longevidad: Moffatt dice que la casa de sus padres, que tiene papel tapiz con estampados de peces y murales pintados a mano por su padre, se redecora todos los años. Pero para Moffatt y su pareja, que hicieron gran parte de la renovación ellos mismos, eso está fuera de cuestión. "Sólo quiero volver a casa y relajarme"... La sala de estar de Lilly Moffatt.

Fotografía: cortesía de Lilly Moffatt “La economía influye: la gente se preocupa por cómo gasta su dinero y dónde lo invierte”, afirma Leatrice Eiseman, directora ejecutiva del Pantone Color Institute. 

“En la mente humana, los tonos claros como el beige son fiables: es el color de la esfinge. La gente suele referirse a los tonos beige como eternos y clásicos. También asocian estos tonos con la naturaleza, la arena y la piedra: son fiables”. Eiseman ve el beige menos como una tendencia que como una presencia: “Siempre está ahí ” . Pero algunos encuentran esta presencia un poco amenazante. “Es la nada. ¿Adónde nos llevan estos influencers? ¿Cuál es la idea? Es fingir que la falta de una idea es una idea”, dice Recker. Cita una frase mordaz de Karl Lagerfeld: “Perdiste el control de tu vida, así que te compraste unos pantalones de chándal”. Eso es lo que siente sobre el beige. “No sabes qué hacer, así que estás sentado con tu beige. ¿Y ahora qué?” ¿Estamos todos tan agotados colectivamente por la vida y corroídos por las redes sociales que no podemos pensar en una sola idea original? Tran tiene muchos detractores de la estética beige en su vida, pero son ellos los que la entristecen. “Solo voy a decir que tal vez lo estás criticando porque tú mismo no puedes lograrlo. O quieres ser así, pero simplemente no sabes cómo”, dice. Un oat, un bone, un sand o un nude son un buen lugar para comenzar.