miércoles, 21 de octubre de 2026

MUJERES ESCLAVISTAS


 Más de 1.000 mujeres británicas invirtieron en el comercio de esclavos

Aamna Mohdin





Varias pinturas del siglo XVIII representan a mujeres blancas adineradas con jóvenes sirvientes esclavizados, que a menudo llevaban un solo pendiente de perla.
Compuesto:Palesa MonarengComposite




Una investigación revela que las mujeres utilizaron las ganancias del tráfico de africanos esclavizados para asegurar el futuro de sus familias.

Los investigadores descubrieron que las mujeres compraban, vendían e intermediaban acciones en la Royal African Company, la South Sea Company y otras empresas independientes, y utilizaban las ganancias del tráfico de africanos esclavizados para asegurar su independencia financiera y mantener a sus familias.
Para cuando la RAC, que traficaba con unas 150.000 personas esclavizadas, se disolvió en 1752, las mujeres representaban aproximadamente el 10% de los accionistas.


El Registro de Traficantes de Esclavos Británicos, muestra que mujeres de todos los estratos sociales desempeñaron un papel activo en la financiación y el mantenimiento del tráfico transatlántico de africanos esclavizados.



En los siglos XVII y XVIII, era frecuente que los europeos adinerados fueran retratados con niños negros esclavizados como sirvientes. Este retrato muestra a la condesa de Dysart, a una joven que se cree que es Lady Frances Tollemache y a un joven sirviente negro, alrededor de 1740.



Entre los inversores figuraban desde reinas y princesas hasta miembros de la nobleza titulada, comerciantes, tenderos y pastores de vacas.
Los archivos incluyen cartas en las que las mujeres hablan de los beneficios obtenidos con las "acciones africanas", mientras que los registros de la empresa muestran que una inversora, Helen Gladman, solicitó al RAC que transportara a una joven africana desde la isla de Sherbro, frente a Sierra Leona, a Inglaterra para que trabajara en su casa.
Los investigadores descubrieron que las mujeres participaban en prácticamente todos los niveles de las actividades de la empresa. Actuaban como intermediarias, suministraban mercancías, incluidos barriles y espadas que se comercializaban en la costa atlántica africana, administraban los bienes de la empresa y utilizaban sus redes familiares y sociales para fortalecer las finanzas y la influencia política de la compañía.

Lila O'Leary Chambers, profesora de la Universidad de Cambridge que investigó la participación de las mujeres para el proyecto del registro, dijo: "Esta investigación demuestra realmente que esto no fue solo una moda pasajera".“En toda la historia de la Compañía Real Africana y sus diversas formas, hubo mujeres que contribuyeron económicamente y esperaron un beneficio económico del comercio de esclavos.”

Las mujeres invirtieron desde los primeros años de la esclavitud, desde el apoyo de la reina Isabel I en la década de 1560 hasta el préstamo de 1000 libras esterlinas de Lady Elizabeth Craven para financiar un viaje a Gambia a través de la Compañía de Guinea. Algunas inversoras, incapaces de escribir sus nombres, firmaban los registros de la compañía con una "X" temblorosa.
La investigación identifica a 1100 inversoras a lo largo de la historia de RAC, South Sea Company y otras empresas, aunque es probable que la cifra real sea mayor. De las 457 mujeres cuyo estado civil se pudo determinar, casi la mitad eran viudas y algo más del 42 % eran solteras. Del 7 % que estaban casadas, la mayoría pertenecían a la aristocracia.

Para muchos, estas inversiones fueron cruciales para lograr la independencia económica. "Tomaban la decisión de invertir, o heredaban acciones y de repente contaban con este otro activo que no tenían antes", dijo Chambers.



Sarah Longrich aceptó una transferencia de 100 libras esterlinas de George Mordaunt el 7 de abril de 1720. Se destaca la sección donde se mencionan sus acciones en la Royal African Company. Como no sabía escribir su nombre, Longrich hizo una marca en la página.
Algunos se convirtieron en operadores activos y compraban y vendían acciones para amigos y familiares, añadió. «No era una carrera profesional como ellos la veían, pero nosotros podríamos pensar: esto se ha convertido en tu trabajo».
Chambers afirmó que la investigación cuestionaba directamente la narrativa convencional según la cual "las mujeres blancas llegan en el momento de la abolición, ven el sufrimiento de las personas esclavizadas, se identifican con esa opresión y luego trabajan para reformar o, en última instancia, abolir la trata de esclavos y la esclavitud misma".

El trabajo para desmentir esa idea errónea se basa en décadas de investigación de historiadores del Caribe y África occidental, como Eric Williams, Elsa Goveia y Walter Rodney. Proyectos más recientes dirigidos al público, como el archivo Legacies of British Slavery, compilado por historiadores del University College London, han contribuido a difundir esta historia a un público más amplio. El archivo reveló que, tras la abolición de la esclavitud en gran parte del imperio en 1833, había mujeres vinculadas a la propiedad de personas esclavizadas que recibieron compensación. Las personas esclavizadas no recibieron nada.
“Pero esto cuenta una historia mucho más larga, y eso nos ayuda a ver más allá de una narrativa simplista que sitúa a las mujeres históricamente como menos complejas de lo que realmente eran.”

Para Chambers, la acumulación de más de 1.000 nombres fue en sí misma un "golpe bajo", debido a la falta de información similar sobre mujeres africanas esclavizadas.
“Los historiadores y activistas se han esforzado mucho por localizar los nombres de las personas esclavizadas, reconstruir sus biografías y dar una idea de su mundo”, dijo Chambers.
“La oportunidad comparativa de realizar esta investigación para las personas que invirtieron es realmente sorprendente.”

Olivette Otele, destacada catedrática de los legados y la memoria de la esclavitud en la SOAS University of London, afirmó que, si bien la falta de detalles comparables sobre las mujeres africanas esclavizadas sigue siendo sorprendente, "cuanto más sepamos sobre los esclavistas, mayores serán las posibilidades de conocer la historia de las mujeres esclavizadas a través de los archivos, porque a veces, mediante los diarios, se pueden encontrar más detalles".
Añadió que los archivos por sí solos no pueden contar la historia completa, y que las investigaciones futuras deberían considerar otras pruebas para ayudar a recuperar la vida y la capacidad de acción de las mujeres esclavizadas. «Estas mujeres fueron las transmisoras y guardianas de sus culturas allá donde fueron arrebatadas», afirmó. «A través de la comida, la música y la danza, transmitieron su resistencia y su capacidad de acción».

La investigación también reveló que, dado que las inversoras aparentemente no tenían derecho a voto ni ocupaban cargos en los consejos de administración, a menudo recurrían a esfuerzos informales para influir y dar forma a una empresa.
Las actas de las reuniones muestran a mujeres actuando como testigos, gestionando la casa de reuniones, entregando los bienes intercambiados por vidas africanas, solicitando salarios, transmitiendo información y, lo más importante, prestando dinero y comprando y vendiendo acciones.
Según la legislación inglesa, las mujeres solteras o viudas controlaban sus propios bienes y podían actuar como personas jurídicas, mientras que las mujeres casadas no.
“Eso se vuelve realmente importante para la Royal African Company, que atraviesa una crisis financiera tras otra”, dijo Chambers. “Las mujeres les proporcionaron esta importante fuente de capital a la que podían recurrir”.
A principios del siglo XVIII, el secretario de la RAC, John Perry, escribió a inversoras, entre ellas Lady Dorothy Thomas y la Sra. Stacy, instándolas a canjear las deudas de la empresa por acciones y a persuadir a amigos y familiares para que hicieran lo mismo.
Chambers afirmó: “Se trata de un proyecto financiero, pero también político, porque él sabe que, aunque no ocupen cargos oficiales, las mujeres tenían una gran influencia sobre sus familiares y sobre la percepción que se tenía de las empresas”.

La empresa sobrevivió el tiempo suficiente para atraer al menos a 60 nuevas inversoras entre 1713 y 1719, seguidas de otras 250 mujeres durante un resurgimiento a principios de la década de 1720.

El testamento de Mary/Maria Stanley, destacando la sección que menciona las acciones de la Royal African Company que dejó a su hijo.


La investigación también reveló que muchos inversores comprendían la violencia que sustentaba su riqueza. Algunas viudas solicitaron a los tribunales una compensación económica, es decir, bonificaciones que se debían a sus maridos en función del número de personas esclavizadas que habían traficado.
“Me preguntaban: se suponía que debía recibir una compensación por las 28 personas a las que traficó. ¿Dónde está? Soy su viuda y necesito ese dinero”, dijo Chambers.
Chambers también pudo cotejar la información de algunas inversoras con retratos de mujeres con hijos negros que trabajaban como sus sirvientas.
Las mujeres dejaron acciones de RAC a sus hijas para reforzar su situación económica, o utilizaron los ingresos de las inversiones para mantener a familiares viudos, discapacitados y vulnerables.

En una carta, Mary Stanley se comprometió a dejar 300 libras esterlinas en acciones de la RAC y sus ganancias a su hijo, Peter, con la condición de que si el marido de su hija no le proporcionaba "lo necesario para vivir", Peter usaría las acciones para mantenerla.

Para Chambers, la investigación reveló una flagrante contradicción entre las mujeres blancas británicas que utilizaban sus inversiones para proteger a sus propias familias, al tiempo que invertían en la destrucción de familias africanas.
«No se puede separar la forma de concebir la inversión de estas estructuras de parentesco, intimidad y violencia», afirmó. «Ese beneficio proviene de negar esos mismos lazos de parentesco a los africanos y de negarles la capacidad de garantizar la seguridad de sus propios hijos».

“Eso es muy importante para esta historia en particular, pero también para entender cómo la esclavitud moldea el capitalismo en general.”

Algunos inversores financiaron escuelas, iglesias, organizaciones benéficas y universidades que aún existen hoy en día. Lettice Cornwallis, por ejemplo, financió la educación y organizaciones benéficas mientras, en correspondencia familiar, hablaba sobre la posibilidad de adoptar un niño africano para su familia.

“Esta es una conversación cotidiana que se da en los hogares”, dijo Chambers. “Se ve en la correspondencia. Hay cartas llenas de noticias y chismes sobre alguien que se casa, alguien que está enfermo o que tiene una nueva receta para un licor, y luego: por cierto, ¿cómo van sus acciones de South Sea Company o Royal African Company?”.

La investigación reveló que las inversoras habrían tenido contacto con personas africanas en Gran Bretaña, tanto libres como esclavizadas. Dame Hester Buckworth, quien compró acciones de RAC por valor de 1000 libras esterlinas, conocía a Robert Negar, descrito en el testamento de su esposo como su "sirviente negro".
Se cree que otra inversora, Sarah Cornish, compartía vivienda con un hombre africano llamado Paupey, cuya situación legal en Inglaterra aún no está clara.

Chambers suele retomar la historia de Susanna Sedgewick Phipps, quien mantuvo vínculos financieros con el RAC durante toda su vida. Su nieto, James Phipps, trabajó posteriormente en el Castillo de Cape Coast y se casó con una mujer afro-holandesa llamada Catherina. En su testamento, reconoció a sus hijos, algunos de los cuales vivieron más tarde en Inglaterra. Uno de sus descendientes, James Townsend, se convertiría con el tiempo en el primer diputado negro electo de Gran Bretaña.
Otras mujeres llamaron la atención de Chambers por la aparente banalidad de sus preocupaciones. Menciona a Sarah Clerke, quien escribía cartas frustradas a su sobrino porque quería ir a Tunbridge Wells a visitar el balneario y necesitaba el dinero de sus inversiones africanas para poder hacerlo.



La ilustradora Palesa Monareng dio vida a este niño, inspirándose en la imagen de un niño esclavizado en el retrato de Lady Grace Carteret, condesa de Dysart, con un niño y un sirviente negro, circa 1740. Era una de las muchas pinturas de la época que representaban a mujeres blancas adineradas con jóvenes sirvientes esclavizados, quienes a menudo llevaban un solo pendiente de perla y servían a su ama. Ilustración: Palesa Monareng





























lunes, 19 de octubre de 2026

MICA : LOS NIÑOS MINEROS


Niños de cinco años conforman la mayor parte de la fuerza laboral minera de mica de Madagascar

Kate Hodal










La investigación revela que miles de niños están recolectando en condiciones letales el mineral ampliamente utilizado por las empresas automotrices y electrónicas

Según un importante grupo de derechos del niño, los niños de cinco años representan más de la mitad del número de mineros que buscan mica en Madagascar.
Una investigación de un año realizada por Terre des Hommes Países Bajos descubrió que al menos 11.000 niños entre las edades de cinco y 17 años están empleados en la extracción y el procesamiento del mineral brillante y resistente al calor, que se utiliza en todo, desde maquillaje hasta pintura de automóviles y en gran medida prevaleciente en la industria automotriz y electrónica.




Los investigadores descubrieron que los niños representan hasta el 62% de la fuerza laboral minera en general, y los mineros descienden profundamente en el suelo para cortar la mica a mano.
El trabajo es peligroso, con niños quejándose de dolores musculares, llagas abiertas y problemas respiratorios, según el informe, publicado esta semana por Terre des Hommes y el Centro Holandés de Investigación sobre Corporaciones Multinacionales. Debido a su pequeño tamaño, los niños son obligados a descender a pozos y túneles estrechos, sin medidas de seguridad, para excavar y extraer el mineral. 
"El hecho de que más de la mitad de todos los mineros sean menores de edad es impactante y debería verse como un llamado a la acción mundial", dijo Jos de Voogd de Terre des Hommes.



“Casi el 90% de toda la mica extraída en Madagascar se exporta directamente a China, y nuestra investigación descubrió que ninguna de las compañías involucradas está haciendo su debida diligencia para averiguar de dónde proviene su producto o cómo son las condiciones de trabajo. Necesitan asumir la responsabilidad y detener la explotación infantil ".


La sequía, la inestabilidad y la pobreza extrema en las regiones del sur de Madagascar, donde se encuentran las minas de mica, obligan a familias enteras a descender juntas a las minas para recoger, excavar y procesar el mineral artesanalmente, según el informe. De las 13 minas visitadas por los investigadores, solo dos tenían licencias válidas. A los mineros adultos y niños se les paga solo centavos por kilo, menos de la mitad de lo que se paga en India, a pesar de que las exportaciones aumentaron en un factor de 30 desde 2008, según el informe.

Después de una serie de investigaciones de alto perfil en la industria de la mica en la India, donde 20.000 niños estaban empleados y se creía que el 90% de las minas operaban sin licencias, el gobierno indio prometió en 2017 legalizar la extracción del preciado mineral. Sin embargo, según una exposición publicada  por la Fundación Thomson Reuters, la minería ilegal sigue rampante en Jharkhand, un importante estado minero de mica donde los niños continúan trabajando, y mueren, mientras buscan el mineral.

Madagascar es el tercer exportador de mica más grande del mundo, con ganancias por un valor estimado de $ 6.5m, según el informe. La empobrecida nación isleña ha superado a India como el mayor exportador de mica en láminas, que se utiliza en automóviles y aviones para aislamiento eléctrico y térmico, sin embargo, las tres cuartas partes de los 25,6 millones de habitantes de Madagascar viven con menos de $ 1,90 por día.


Los investigadores descubrieron que incluso si los niños pequeños que buscaban mica trabajaban un día completo, su salario nunca era suficiente para pagar más de una comida.
"Lamentablemente, este tipo de abuso atroz es muy común en las cadenas de suministro de minerales", dijo Eniko Horvath, del Centro Internacional de Recursos Empresariales y de Derechos Humanos.
"Este informe subraya la necesidad de que las empresas realicen una diligencia debida de derechos humanos rigurosa en todas sus cadenas de suministro para evitar el abuso de los trabajadores y las comunidades vulnerables".

Según la Terre des Hommes, la mica de Madagascar termina en alambres, cables, electrodomésticos, la industria automotriz y más allá. Aproximadamente el 87% de toda la mica extraída se transporta en barco a China, donde se procesa o envía a las empresas. Aproximadamente 100 importadores y exportadores, algunos de ellos empresas de electrónica de alto perfil, fueron identificados por los investigadores, pero solo 30 fueron contactados para hacer comentarios. De ellos, solo dos respondieron, según Terre des Hommes.
La ONG está pidiendo a las empresas que investiguen todos los aspectos de sus cadenas de suministro de mica y se involucren en programas destinados a mejorar las condiciones de trabajo para los mineros, como la Iniciativa de Mica Responsable en India.

"No estamos pidiendo un boicot a la mica desde Madagascar, porque las personas en la región donde se extrae son muy pobres y dependen de la mica y del ingreso que proporciona"

"Pero la explotación de los niños debe detenerse, y las empresas deben tomar medidas para pagar a los mineros adultos precios más altos para que puedan ganar un salario digno".




















viernes, 16 de octubre de 2026

DISPUTA POR LA CÚPULA DE LA ÓPERA DE PARÍS

 


La disputa por la cúpula de la ópera de París entra en la arena legal.

Kim Willsher






El techo original de la Ópera de París fue pintado por Jules-Eugène Lenepveu. 
Fotografía: Amis de Lenepveu J Moatti







Un descendiente de un artista del siglo XIX exige la retirada de los lienzos de Marc Chagall de la década de 1960 que cubren el fresco original.

En 1962, el entonces ministro de Cultura francés, André Malraux, al parecer aburrido por el ballet que estaba viendo en la ópera de París, alzó la vista hacia el techo clásico y decidió que necesitaba una renovación.
En su hastío, Malraux pensó que su amigo y artista Marc Chagall, que estaba sentado a su lado en el Palais Garnier en aquel momento, era el hombre indicado para el trabajo y le encargó la creación de un nuevo techo.

Durante los dos años siguientes, Chagall trabajó en secreto y de forma gratuita para producir 24 lienzos enormes y coloridos con forma de cuña, que fueron instalados sobre el techo clásico original del siglo XIX por el ahora olvidado artista Jules-Eugène Lenepveu.



Los lienzos de Marc Chagall (arriba) se instalaron sobre la obra de Jules-Eugène Lenepveu. 
Fotografía: Michal Sikorski/Alamy

Hoy, más de cuatro décadas después de la muerte de Chagall, uno de los descendientes de Lenepveu está planeando emprender acciones legales para que se descubra y restaure el techo original.
Arnaud Carayon afirma que lleva tres años "pidiéndolo amablemente", e incluso ha escrito dos cartas al presidente francés, Emmanuel Macron. Ahora ha encargado a un abogado que lleve el caso a los tribunales.
“El techo de Lenepveu está clasificado como monumento histórico y, sin embargo, no se ha visto en 60 años y no tenemos ni idea de en qué estado se encuentra”, dijo Carayon.
Hoy en día, todo el mundo ha olvidado a Lenepveu. Desafortunadamente, la ola del impresionismo lo arrasó, pero en su época fue una verdadera estrella. Y lo que es más importante, fue elegido expresamente para decorar el techo de la ópera por Charles Garnier, quien diseñó absolutamente todo en el teatro, hasta el último pomo de la puerta.
“Pero, por un capricho, Malraux decidió que no estaba de acuerdo con la elección de Garnier.”

El teatro de ópera de Garnier fue encargado por Napoleón III e inaugurado en enero de 1875 en presencia de miembros de la realeza europea y figuras políticas, entre ellas el entonces alcalde de Londres, Sir William Cotton.

Lenepveu, amigo y colaborador artístico de Garnier, creó una obra clásica y alegórica pintada al óleo directamente sobre las placas de cobre de la cúpula. La obra, titulada Las Musas y las Horas del Día y de la Noche, y catalogada como patrimonio histórico en 1923, se consideró que armonizaba a la perfección con el ornamentado estilo Segundo Imperio del palacio de Garnier.

Lenepveu, quien llegó a dirigir la Academia Francesa en Roma, realizó posteriormente una serie de frescos de Juana de Arco en el Panteón de París, pero su nombre es poco conocido hoy en día.

Se dice que Malraux quería darle a la anticuada ópera un aire más moderno y vanguardista. Los 24 lienzos de Chagall, con forma de rebanada de pastel, se unieron alrededor de la lámpara central, cubriendo 220 metros cuadrados (2368 pies cuadrados) de la cúpula. La obra está dividida en distintos colores: rojo, azul, verde, amarillo y blanco; y presenta bailarines, ángeles, músicos y nombres de compositores.



El vestíbulo de la ópera tras la finalización de las obras de restauración en 2004. 
Fotografía: Alfred/EPA

Incluso antes de que se instalara la obra de Chagall, la disputa entre tradicionalistas y modernistas estalló y llegó al otro lado del Canal de la Mancha.
El Real Instituto de Arquitectos Británicos (RIBA), con sede en Londres, escribió al ministro de Cultura solicitándole que abandonara sus planes de cubrir el techo original. «El carácter único de este edificio (la ópera) reside en que todos sus elementos —arquitectura, pinturas, esculturas y mosaicos— conviven en armonía», escribió RIBA. Su petición fue ignorada.

El Palacio Garnier permanecerá cerrado por reformas entre 2027 y 2032, y Carayon, presidente de la Sociedad Amigos de Lenepveu, declaró haber escrito a Macron para sugerirle que, tras su reapertura, se exhibieran alternativamente los techos de Lenepveu y Chagall durante una década cada uno. Añadió que el Palacio del Elíseo solo respondió que el presidente estaba «particularmente atento» al tema.
“Desde el principio, el techo de Chagall fue diseñado para ser desmontable. Se puede quitar sin dañarlo. Pensábamos que la idea de alternar techos era muy positiva y prometedora, pero parece que nadie se atreve a tocar el techo de Chagall”, dijo Carayon.

En la exposición de Chagall celebrada en el Centro Pompidou entre 2023 y 2024, la curadora, Anne Montfort-Tanguy, declaró: «El techo [de la ópera] es Chagall: es su autobiografía, su visión de París. Están representados todos los artistas que admiró, así como los que él consideraba los monumentos parisinos más importantes, como la Torre Eiffel… Es una obra conmovedora, fluida, casi cinematográfica. El techo es una obra de arte completa».

“Fue un regalo de Chagall al país que lo acogió; un homenaje a Francia y a París”, añadió Montfort-Tanguy.



Exterior de la Ópera de París, encargada por Napoleón III e inaugurada en enero de 1875. 
Fotografía: Alfred/EPA


Alexander Neef, director de la Ópera de París, declaró a Le Monde : «El debate sobre el techo de Chagall se ha prolongado durante más de 60 años. El techo de Lenepveu está catalogado como monumento histórico desde 1923, por lo que su valor patrimonial está reconocido. Que sus descendientes (los de Lenepveu) deseen defender su memoria es legítimo».




































miércoles, 14 de octubre de 2026

HONRANDO A ALVAR AALTO



 El maravilloso modernista amante de la naturaleza,  Alvar Aalto.


Christian House


Estilos de vida sostenibles: interior de la Casa Aalto, Helsinki.
Fotografía: 2026 Tuomas Uusheimo: www.uush










Su país natal, de mentalidad igualitaria, solía albergar reservas hacia la estrella de la arquitectura. Pero con 13 nuevas inclusiones en la lista de la UNESCO y una nueva exposición en Helsinki, la obra de Aalto finalmente está recibiendo el reconocimiento que merece

A principios de la década de 1950, Alvar Aalto construyó un barco para llegar a su remota residencia de verano en una isla del lago Päijänne, a unos 200 km al norte de Helsinki . Pero el célebre arquitecto finlandés no era un capitán feliz. Bautizó el barco con el nombre —un título tan engorroso como elegantes eran sus edificios— Nemo propheta in patria: «Nadie es profeta en su tierra».
El nombre era una indirecta a Finlandia, país que, según el maestro de la arquitectura, lo había subestimado. Se lamentaba de que otras naciones reconocían su talento más que la suya. Hoy, al llegar a Helsinki, descubro que Finlandia no solo adora a Aalto, sino que lo considera un tesoro nacional.


El mes pasado, trece sitios diseñados por Alvar, repartidos por toda Finlandia, fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Además de este reconocimiento internacional, se están invirtiendo cuantiosos fondos públicos finlandeses en la restauración de sus edificios, y sus diseños se celebran actualmente en la exposición «Aalto Design – Shapes of Wellbeing» del Museo de Arquitectura y Diseño de Helsinki. Norman Foster solo podía soñar con semejante admiración pública. Para muchos finlandeses de hoy, los edificios de Aalto —hábitats luminosos y armoniosos creados desde mediados de la década de 1920 hasta su muerte en 1976— hablan de orgullo nacional en un momento de tensión geopolítica con Rusia y, más allá de este punto, conectan con reflexiones globales sobre el bienestar en el entorno construido.



Como un glaciar: Finlandia Hall, Helsinki 
Fotografía: © 2026 Kuvatoimisto Kuvio Oy and Helsinki Partners


Pero, ¿era cierto que Aalto fue infravalorado en su país? «El nombre del barco no era del todo una broma», señala Sofia Nivarti, autora de Studio Aalto, un nuevo estudio sobre su obra que se publicará a finales de este mes. «Cuanto más éxito tenía a nivel internacional, más se volvía el público local en su contra; imbuidos de una ética socialdemócrata de igualitarismo, los círculos arquitectónicos finlandeses temían el predominio de un solo nombre sobre todos los demás».

En la primera mitad de la década de 1950, Aalto «no logró obtener una cátedra en su alma mater, la Universidad Tecnológica de Helsinki», explica Tommi Lindh, director ejecutivo de la Fundación Alvar Aalto. Y el ego de un arquitecto estrella es algo frágil, incluso en el frío e igualitario norte.

En Helsinki, Lindh me lleva a recorrer el Instituto Nacional de Pensiones, sede del sistema de seguridad social finlandés, un enorme edificio de ladrillo diseñado por Aalto entre 1953 y 1957. Se conserva en perfecto estado, hasta sus ingeniosos paneles de calefacción en el techo, claraboyas angulares y un ascensor paternóster en funcionamiento. Este monumental edificio de ladrillo es uno de los cinco sitios de Aalto en Helsinki reconocidos por la UNESCO, junto con la Casa de la Cultura (encargada por el Partido Comunista Finlandés en 1952 con el objetivo de «hacer de la cultura patrimonio de toda la nación»), el Finlandia Hall, el inmenso centro de conciertos y conferencias con aspecto de glaciar, y tanto la casa como el estudio de Aalto.







Como si el viento las hubiera doblado… sillas de Aalto. 
Fotografía: Fundación del Museo Finlandés de Arquitectura y Diseño.


En la exposición «Formas del Bienestar», los comisarios han ampliado la historia de Aalto para incluir la obra de su primera esposa, Aino, y de su segunda esposa, Elissa, ambas arquitectas de gran talento. La muestra también revela que las consideraciones experienciales —y el amor por la naturaleza— que Aalto aportó a sus edificios influyeron en su enfoque del mobiliario y los sistemas de iluminación: sus lámparas colgantes evocan colmenas y medusas, y sus sillas de madera parecen haber sido dobladas por el viento. «Mientras reconsideramos nuestra relación con la naturaleza y buscamos formas de vida más sostenibles, la obra de Aalto Studio ofrece una perspectiva valiosa», afirma Pilvi Kalhama, directora del Museo de Arquitectura y Diseño.


Villa Mairea, terminada en 1939, suele considerarse la obra maestra del diseño residencial de Aalto



Villa Mairea, interior

Como era de esperar, el estilo hogareño de Aalto también se aprecia en su casa de Munkkiniemi, el elegante y arbolado barrio de Helsinki, el equivalente a Hampstead. Terminada en 1936, la Casa Aalto es una serie de ventanales luminosos con vistas a un campo deportivo, un lugar tranquilo, solo interrumpido por el canto de los pájaros y bañado por la luz del día. Sus pinturas abstractas monocromáticas aún cuelgan de las paredes, y su sombrero Homburg permanece guardado en un armario.



Pionero del bienestar: una antigua habitación de paciente del Sanatorio de Paimio, convertida en una "sala de retiro" para visitantes. Fotografía: © Fundación Sanatorio de Paimio


En contraste, el Finlandia Hall, terminado en 1971 y considerado por muchos su mayor obra maestra, presenta a los visitantes a Aalto en su faceta más sinfónica. Estar en su sala de conciertos, una colección irregular de planos geométricos blancos sobre blanco, es como estar dentro de un cubo de hielo. Una renovación de 136 millones de euros entre 2022 y 2024 supuso el revestimiento de la fachada del edificio con mármol Lasa Bianco Nuvolato de la más alta calidad y la apertura de un espacio de exposición permanente dedicado a la vida y obra de Aalto.

Tras la independencia de Finlandia de Rusia en 1917, el entorno construido —y la huella de Aalto en él— desempeñó un papel fundamental en la configuración de una nueva identidad nacional. «Aalto no se limitó a crear un estilo nacional, sino que, a través de su obra, expresó valores que se asociaron estrechamente con la Finlandia moderna», afirma Pilvi Kalhama. «La funcionalidad, el propósito, la calidad estética y una visión progresista fueron elementos centrales de su arquitectura y diseño. Estas cualidades aún reflejan una actitud finlandesa más amplia hacia la vida cotidiana».



«A veces gruñón, pero en el fondo alegre y jovial»… Alvar Aalto. Fotografía: Pertti Ingervo


Como temían sus compatriotas, el éxito internacional de Aalto ha eclipsado en gran medida los logros de otros arquitectos finlandeses. Sin embargo, hoy en día, los finlandeses parecen menos agobiados por su legado. «Es prácticamente imposible crecer como arquitecto finlandés sin que Aalto forme parte de tu pensamiento. Pero eso no significa que todos queramos diseñar como él», afirma Asmo Jaaksi, socio fundador de JKMM Architects, estudio que rehabilitó y restauró la Casa de la Cultura de Aalto y que ganó el concurso internacional para diseñar el nuevo Museo de Arquitectura y Diseño en el puerto sur de Helsinki (con apertura prevista para 2030). «Lo que más admiro de Aalto es su independencia de pensamiento, su disposición a experimentar y su instinto para priorizar a las personas y la naturaleza. Creo que estaría bastante decepcionado si todos siguiéramos imitándolo».


Iglesia de la Cruz de la Llanura, Seinäjoki




En la cúspide de su carrera a mediados del siglo XX, Aalto pudo haberse sentido ofendido por supuestas ofensas, pero su descontento duró poco. «Aalto era un camaleón», afirma Sofia Nivarti. «A veces gruñón, pero a la vez jovial y alegre; a ratos temperamental y divertidísimo; a ratos egocéntrico y otras veces profundamente abnegado y generoso». Era imposible encasillarlo y sus edificios reflejaban las contradicciones de la experiencia humana.

Pronto, los finlandeses reconocieron su visión. En 1955, justo cuando botaba su barco, cuyo nombre resultaba irónico, Aalto fue elegido miembro de la Academia Finlandesa. «Es el único arquitecto en Finlandia que ha recibido este cargo», afirma Lindh. «Eso significa que la época de "nemo propheta in patria " había terminado».




La exposición Aalto Design – Shapes of Wellbeing se puede visitar en el Museo de Arquitectura y Diseño de Helsinki hasta el 3 de enero de 2027. El libro Studio Aalto, de Sofia Nivarti, será publicado por Yale University Press el 27 de octubre de 2026.
























































lunes, 12 de octubre de 2026

LOS HIJOS DE MAMÁ Y PAPÁ

 


Privilegiados: los hijos de familias influyentes conquistaron el mes de la moda.

Chloe Mac Donnell



Apple Martin debuta en la pasarela de Chloé durante la Semana de la Moda de París.
Fotografía: Kristy Sparow/Getty Images









Desde desfilar por las pasarelas hasta acompañar a sus famosos padres, los hijos de las celebridades marcan tendencia.

Las faldas de media melena y los sujetadores usados ​​como tops fueron dos de las principales tendencias del mes de la moda, que concluyó esta semana. Pero la mayor tendencia no tuvo nada que ver con la ropa. Desde Nueva York y Londres hasta Milán y París, los desfiles fueron la prueba definitiva del dominio de los hijos de famosos en la industria.

Ella Bleu, de 26 años, hija de John Travolta, debutó en la pasarela parisina en el desfile de Miu Miu. Apple Martin, de 22 años, hija de Chris Martin y Gwyneth Paltrow, desfiló para Chloé.

Mientras tanto, en el evento Vogue World celebrado en Milán, asistieron Matteo, de 29 años, hijo del tenor italiano Andrea Bocelli; Earl, de 26 años, hijo de Nick y Susie Cave; Ava Phillippe, de 27 años, hija de los actores Reese Witherspoon y Ryan Phillippe; y muchos otros hijos de famosos.


Ava Phillippe en Vogue World: Milano 2026 en la Galería Vittorio Emanuele II en Milán, Italia. Fotografía: Stefania M D'Alessandro/Getty Images para Vogue.

Mark Borkowski, consultor de relaciones públicas, describió el fenómeno de los bebés nacidos por enamoramiento como "un maravilloso cóctel de juventud, nostalgia y glamour heredado".

Fran Hoepfner, autora de *The Field Guide to Nepo Babies*, afirmó que era fundamental que un nepotista tuviera tanto una conexión familiar como una conexión directa o adyacente con la industria. «El simple hecho de tener padres ricos no convierte automáticamente a alguien en un nepotista», dijo. «Simplemente te da suerte».

Anteriormente, los hijos de personas famosas solían restar importancia a sus vínculos familiares o incluso cambiarse el apellido. Nicolas Cage nació con el apellido Coppola —su tío es el legendario cineasta estadounidense—, mientras que Angelina Jolie eliminó el "Voight" de su apellido en un intento por distanciarse de su padre actor, Jon Voight.


Una mujer caminando por una pasarela.
Ella Bleu Travolta desfilando para Miu Miu en la Semana de la Moda de París. 
Fotografía: Estrop/Getty Images


Según Borkowski, estamos presenciando la «industrialización de la fama heredada». Lo describió como un cambio cultural. «Durante años, la gente intentó escapar de la sombra de sus padres porque, en realidad, obstaculizaba su carrera. Ahora ya no se disculpan por sus privilegios».

Nicole Kidman llevó a su hija Faith Urban, de 15 años, al desfile de Chanel, mientras que la acompañante de Keri Russell, protagonista de The Diplomat, en el desfile de Louis Vuitton fue su hija Willa, de 13 años. Por otra parte, las supermodelos Karen Elson y Kristen McMenamy bailaron con sus hijas Scarlett Teresa White, de 20 años, y Lily McMenamy, de 32, en la pasarela de H&M .

Cuatro años después de que la revista New York declarara 2022 como el "año de los bebés por enamoramiento" , este auge no muestra signos de desaceleración. El atractivo para las marcas es simple: la elección de un hijo por enamoramiento capta instantáneamente la atención del público masivo.


Matteo Bocelli.
Matteo Bocelli, hijo del tenor italiano Andrea Bocelli, en Vogue World. 
Fotografía: Valentina S Frugiuele/Getty Images para Vogue.

No se limita solo a la moda. Los créditos de la nueva película de Sentido y Sensibilidad parecen una lista de nepotismos. Esmé Creed-Miles, hija de Samantha Morton, interpreta a Marianne Dashwood, mientras que Eliot Sumner, hijo no binario de Sting, da vida al Sr. Palmer. Por su parte, Aran Murphy, hijo de Cillian Murphy, aparece en televisión como el hijo de Sharon Horgan en Youth, y Joe Anders, hijo de Kate Winslet, protagoniza la adaptación de Netflix de la novela de John Steinbeck de 1952, Al este del Edén.

“Es una herramienta de marketing”, dijo Borkowski. “Contratar a una modelo o actor desconocido es una cosa, pero contratar a la hija de una leyenda de Hollywood le da a una marca toda esa fama heredada y décadas de reconocimiento cultural”.

Internet ha sido fundamental para el fenómeno del nepotismo. En una época en la que cualquiera con un teléfono y acceso a internet puede hacerse famoso, ¿por qué no aprovechar esas raíces familiares ya conocidas? «No hace falta tener un talento innato para crear una base de fans», afirmó Borkowski.


Nicole Kidman con su hija Faith Urban en el desfile de Chanel en París. 
Fotografía: Swan Gallet/WWD/Getty Images

En 2023, Romy Mars, hija de la cineasta Sofia Coppola y del músico Thomas Mars, se hizo viral tras publicar que le habían prohibido salir de casa por haber intentado alquilar un helicóptero para cenar con una amiga utilizando la tarjeta de crédito de su padre.

En el vídeo, ahora eliminado, también reveló que no tenía previsto tener una cuenta en redes sociales. «No quieren que sea una hija de famosos, pero TikTok no me va a hacer famosa, así que da igual», dijo. Tres años después, ha acumulado casi 800.000 seguidores, ha protagonizado una película dirigida por su abuelo y ha publicado un álbum. Su primer videoclip fue dirigido por su madre.

Hoepfner describió el comportamiento de Mars como “pura perfección de niño mimado”. Afirmó que la generación actual “ha aprendido lecciones de sus compañeros millennials mayores, quienes o bien desviaron la atención o intentaron disimular sus privilegios con una falsa humildad”.

Por otra parte, Francesca Scorsese es una actriz y cineasta prometedora, pero son sus videos de TikTok protagonizados por su padre, Martin Scorsese, director de Goodfellas, los que le han granjeado millones de seguidores. En uno de ellos, le pide que identifique "artículos femeninos", incluyendo una copa menstrual, que Scorsese confunde con un recipiente para bebidas; en otro, lo pone a prueba con la jerga de la generación Z.

Aunque alguien intente dejar atrás su apellido, a menudo sigue aprovechándose de sus contactos. En enero, en una publicación de seis páginas en Instagram, Brooklyn Beckham anunció que rompía lazos con sus padres. Esta decisión lo catapultó a la fama. Borkowski describió la constante atención mediática como una mezcla entre «la casa de Gran Hermano y una telenovela», con los seguidores de cada miembro de la familia expectantes por ver qué sucedería a continuación.

Hoepfner dijo: “La verdad es que no hay nada que puedan hacer al respecto de ser hijos de famosos por nepotismo, así que bien podrían asumirlo. La mejor manera de hacerlo en este momento podría ser con descaro, con cierto estilo y elegancia, sobre todo si no lo lamentan de verdad”.