viernes, 2 de octubre de 2026

UN VIAJE HACIA EL FUTURO URBANO



Adentrándonos en las profundidades de la ciudad subterránea de Helsinki.

Gabriella Bennett




La piscina cubierta de Itäkeskus, excavada en la roca granítica, podría albergar a casi 4.000 personas en caso de emergencia. Fotografía: Maarit Hohteri








Bajo la capital finlandesa se extiende un mundo de piscinas, pistas de karts, parques infantiles e incluso una galería de arte.

La luna es una impostora. Nadando de espaldas bajo su superficie, contemplo las escarpadas hondonadas en primer plano. La roca blanca ondula en todas direcciones, un bosque de picos que se alza junto a un desierto de cráteres. Cada vez que me engaño a mí mismo creyendo estar en un lugar celestial, el sonido de los niños chapoteando me devuelve a la realidad.
Esto no es un paisaje lunar, sino la piscina subterránea de Helsinki, excavada en la roca granítica e inaugurada oficialmente en 1993. Hoy en día, Itäkeskus uimahalli es uno de los centros de ocio más visitados de la capital finlandesa, con 400.000 visitantes al año. Durante una semana explorando la metrópolis subterránea de Helsinki, descubriré que los lugareños se mezclan con los turistas.

Mi visita fue una de las doce que realicé a lo largo de tres años para comprender mejor cómo se están reinventando las ciudades. Esta experiencia se convirtió en un libro, Cómo construir una ciudad, para cuya elaboración viajé a lugares que están explorando los límites de la vida urbana en respuesta a un mundo cada vez más incierto.
Muchas ciudades del mundo cuentan con instalaciones subterráneas, pero se cree que la de Helsinki es la única transformada para la paz. Con el aumento de la población debido a la urbanización, se necesitaba una solución más eficiente para las centrales térmicas y los cables de telecomunicaciones. Se podían dispersar en terrenos costosos, excavando las calles y sacrificando parques. O se podían ocultar bajo tierra, ampliándolas a los refugios antiaéreos construidos durante la Segunda Guerra Mundial.
Y eso fue lo que hizo Helsinki. En 2010, su ayuntamiento aprobó la primera ciudad subterránea del mundo con un plan maestro oficial, que alberga cientos de vastas cuevas y túneles artificiales de hasta 90 metros de profundidad. La piscina Itäkeskus se inauguró 17 años antes de que se aprobara este plan de distribución del espacio.

En tiempos de paz, las cuevas funcionan como centros comerciales, parques infantiles, una pista de karts y estaciones de metro, todo ello conectado por casi 293 kilómetros de túneles. En caso de guerra, sin embargo, cada una puede transformarse en un refugio antibombas, parte de una red con capacidad para albergar a 900 000 finlandeses.



Turistas exploran la azotea del museo de arte subterráneo Amos Rex de Helsinki. Fotografía: Paavo Turtiainen/Alamy

La piscina cubierta de Itäkeskus, por sí sola, podría albergar a casi 4000 personas. En menos de 48 horas, se puede vaciar e instalar duchas de desinfección. Durante el resto del tiempo, no hay indicios de su función de protección. Solo las reconfortantes características de una piscina pública: el olor a cloro en la nariz y el calor que envolvía mi piel.

Llegué a Helsinki la mañana del solsticio de primavera, aunque el suelo aún estaba cubierto de una ligera capa de nieve grisácea, y agradecí los vagones con calefacción durante mi viaje de 25 minutos en metro desde el centro de la ciudad. En la estación de Itäkeskus, tras pasar una escuela rodeada de bloques de apartamentos de estilo soviético, los abedules plateados extendían sus ramas desnudas sobre los coches. Desde fuera, un edificio municipal de cristal ofrecía una bienvenida poco inspiradora, pero dentro, descubrí un mundo completamente distinto.
Una amplia escalera me condujo cuesta abajo, enmarcada por muros de piedra encalados. Tras pagar (la entrada a las cuatro piscinas públicas de Helsinki cuesta 6 € para adultos y 3,30 € para niños, lo que las hace populares entre familias y viajeros con presupuesto ajustado), me desvestí en los vestuarios que se extendían desde un núcleo de granito tan alto como una catedral. Los letreros estaban en finlandés, pero el espacio era fácil de recorrer para quienes no eran nativos. El personal hablaba un inglés excelente. Se reveló un paisaje onírico posmoderno: una gran piscina revestida de azulejos de color lavanda, amarillo canario y burdeos.

A un lado del colosal hangar, los hombres hacían muecas de dolor al sumergirse en un triángulo de agua helada. Al otro, se desplegaba un paisaje onírico posmoderno: una gran piscina revestida de azulejos lavanda, amarillo canario y burdeos, con enormes triángulos de plástico azul cerúleo y lila suspendidos sobre sus cabezas. Las únicas ventanas se encontraban en la torre de vigilancia de un socorrista, junto a una cascada cuyo rugido llenaba el aire.

Nadar bajo la luna artificial fue una experiencia de otro mundo. Tras cincuenta largos, me gané mi recompensa. La entrada incluía el acceso a un gimnasio, que no visité, además de un jacuzzi, un baño de vapor y dos saunas, que sí utilicé. Un dibujo en la puerta mostraba un bañador tachado en rojo, así que me quité el mío con cuidado, me senté en el banco y me recordé a mí misma que el pudor es una aflicción exclusivamente británica. Dentro, estaba tan oscuro que apenas podía distinguir a los demás. La poca luz creaba el efecto de un confesionario.



La iglesia de Temppeliaukio está semienterrada en el barrio de Töölö. 
Fotografía: Danny Lehman/Getty Images

A mi alrededor, bullían conversaciones en finlandés, inglés americano y alemán. Salían a la luz los detalles cotidianos de la vida. Me uní a la charla, pidiéndole recomendaciones para cenar a un desconocido y preguntándole si debía atreverme a meterme en la piscina. Si no te detienes a pensar en ello, podrías olvidar el verdadero propósito de este lugar.
Fue algo a lo que volví una y otra vez durante los días siguientes mientras deambulaba por las instalaciones experimentales del museo de arte subterráneo Amos Rex de Helsinki (desde 20 €; entrada gratuita para niños), cuyas claraboyas con forma de antenas emergían de la acera sobre pilares de hormigón cerca del elegante distrito comercial de Kluuvi. Y en la exquisita iglesia de Temppeliaukio del barrio de Töölö (8 €; entrada gratuita para niños), medio enterrada en un gigantesco montículo de roca.

Todas eran muestras de una ciudad sumamente receptiva. Todas eran también refugios antibombas. Prueba de que se puede diseñar para el futuro con brío y belleza. Helsinki demuestra que es posible lograrlo todo.


Cómo construir una ciudad: Viajes hacia el futuro urbano, de Gabriella Bennett, publicado por Headline.






































miércoles, 30 de septiembre de 2026

LA INIGUALABLE COLECCIÓN BLAQUIER -ARRIETA VENDE SUS TESOROS

  

Van Gogh se exhibe antes de la venta de su colección privada, "casi mítica"






Châtaigniers en fleurs fue pintado en mayo de 1890, poco después de la llegada de Van Gogh a Auvers-sur-Oise. Tanto esta obra como las demás no se han visto en público en décadas. Fotografía: Sotheby's Nueva York/Colección Blaquier-Arrieta






Châtaigniers en fleurs, valorado en 180 millones de dólares, será subastado junto con otras 11 obras de artistas como Cézanne y Monet.

Durante más de 50 años formó parte de una colección de arte privada con un "estatus casi mítico" que se comparaba con una versión en miniatura del Museo de Orsay de París.
Pero el miércoles, un cuadro de Vincent van Gogh, creado durante los dos últimos meses de su vida, se expuso al público antes de ser subastado con un valor estimado de 180 millones de dólares (136 millones de libras esterlinas).
El cuadro «Castaño en flor» fue pintado en mayo de 1890, poco después de que Van Gogh llegara al pueblo francés de Auvers-sur-Oise. Murió apenas unas semanas después.

La mayoría de las obras de Van Gogh de este período se exhiben actualmente en los museos más importantes del mundo, pero Châtaigniers en fleurs es una de las 12 obras maestras impresionistas y modernas de la colección de la coleccionista argentina Nelly Arrieta de Blaquier, quien falleció en 2020.


Flores en un cupé de Paul Gauguin
Fleurs dans une coupe de Paul Gauguin se encuentra entre las 12 obras que se subastan. Fotografía: Sotheby's Nueva York/Colección Blaquier-Arrieta


Philip Hook , antiguo director de arte impresionista y moderno de la casa de subastas Sotheby's y experto habitual del programa Antiques Roadshow de la BBC One, afirmó que la apertura de la colección a los compradores era un "momento histórico".
“Durante décadas, la colección Blaquier-Arrieta ha sido legendaria: se hablaba de ella en voz baja, se mantenía alejada de la vista del público y ha alcanzado un estatus casi mítico en el mundo del arte”.
“Una de las últimas grandes colecciones privadas de arte impresionista y postimpresionista, se formó cuando las obras más importantes de los grandes nombres aún estaban al alcance.”

Arlequín de Paul Cézanne está valorado en 150 millones de dólares. Fotografía: Sotheby's Nueva York/Colección Blaquier-Arrieta

La subasta de Sotheby's también incluirá el Arlequín de Paul Cézanne, pintado a finales del siglo XIX y valorado en 150 millones de dólares.
Se venderán junto con otras diez obras importantes de Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Claude Monet, Paul Gauguin, Alfred Sisley, André Derain, Henri de Toulouse-Lautrec y Maurice de Vlaminck.

Se espera que los 12 cuadros, que alcanzarán un precio total superior a los 450 millones de dólares, se exhiban en Sotheby's en Londres desde el miércoles durante dos días antes de ser trasladados en avión a Taipéi, luego a Hong Kong y París, previo a la subasta que tendrá lugar el 18 de noviembre en Nueva York.


El jardín de las Tullerías de Claude Monet.

El jardín de las Tullerías de Claude Monet. 
Fotografía: Colección Sotheby's Nueva York/Blaquier-Arrieta

Van Gogh pintó al menos cuatro obras importantes con castaños en Auvers-sur-Oise durante un período de optimismo y energía tras su alta de un hospital psiquiátrico en Saint-Rémy-de-Provence. Tras su muerte en julio de 1890, Châtaigniers en fleurs pasó a manos de su hermano, Theo. Posteriormente, George Gard “Buddy” DeSylva, compositor y productor de cine estadounidense, fue uno de sus propietarios.

Es uno de los únicos ocho cuadros que Van Gogh pintó en Auvers que se encuentran en manos privadas.

Bâteaux au port de Collioure de André Derain fue pintado en 1905.
Fotografía: Colección Sotheby's Nueva York/Blaquier-Arrieta

Simon Shaw, asesor artístico sénior de Sotheby's, dijo que la colección parecía "un pequeño museo, un Musée d'Orsay en miniatura, que ahora abre sus puertas por primera vez".











































EL PODER DE LOS FRAGMENTOS


Las esculturas pueden tener mucho más poder cuando están rotas


Philip Oltermann





Fragmento de una estatua del gobernante Akenatón, del siglo XIV a. C. Fotografía: © The Metropolitan Museum of Art/Art Resource/Scala, Florencia









Desde los labios fruncidos y casi besables de un faraón hasta un Mussolini con un agujero en la cabeza, una nueva exposición explora cómo algunos fragmentos antiguos hablan con mayor profundidad que tesoros completamente intactos.

Se decía que la nariz de Cleopatra VII era tan hermosa que cambió el curso de la historia: si hubiera sido más corta, escribió el filósofo francés Blaise Pascal, "la faz de la tierra habría cambiado". Sin embargo, una visita al Palazzo Strozzi en Florencia le convencerá de que la nariz de Cleopatra era solo el segundo rasgo más impresionante que jamás haya adornado el rostro de un faraón egipcio. Entre los más de 80 objetos expuestos en una muestra que se inauguró la semana pasada, se encuentra una escultura asombrosamente realista que muestra los labios de Akenatón, del siglo XIV a. C.: la forma de una gaviota que descansa sobre una almohada de carne exuberante, a la vez severa y sensual, casi incómodamente besable.

Fue Tomás de Aquino quien formuló la teoría de que percibimos la belleza en las cosas cuando están intactas y completas, pero la escultura de Akenatón resulta tan impactante precisamente por tener una imperfección importante. Como todos los objetos expuestos en Florencia, se trata solo de un fragmento: un trozo de piedra caliza pulida hallado en los vertederos al sur del Gran Templo de Atón, en la ciudad de El-Amarna, del que solo se aprecian la nariz y la boca del gobernante.


Atención… fragmentos de esculturas que forman parte de la exposición Broken. Fotografía: Roberto Serra/Iguana Press/Getty Images

«Una de las cualidades únicas de los fragmentos es que centran la atención en los detalles», afirma CD Dickerson, experto en arte renacentista y barroco. «No te habrías fijado en la sutil manera en que el labio está tallado con precisión en esta piedra si hubiera formado parte de una estatua más grande con muchos otros detalles. Los fragmentos te hacen pensar en los objetos de una manera diferente».

Titulada «Roto: El poder de los fragmentos», la exposición que Dickerson ha comisariado conjuntamente para el Palazzo Strozzi y la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. explora por qué, a lo largo de la historia, la gente se ha esforzado tanto por dañar o destruir esculturas y estatuas cuidadosamente elaboradas. Pero, en el proceso, plantea una pregunta aún más intrigante: ¿por qué algunas obras de arte ejercen una atracción emocional más poderosa cuando están rotas que cuando están intactas?

Muchos de los objetos aquí expuestos hablan de fisuras históricas. Hay una estatua decapitada de tamaño natural de un prior arrodillado procedente de Romainmôtier, Suiza, probablemente decapitado durante el frenesí iconoclasta de la Reforma Protestante. El pie izquierdo y la mano derecha desmembrados del rey Luis XIV son todo lo que queda de un monumento ecuestre al monarca francés después de que la revolución arrasara la Place Vendôme de París y erigiera una guillotina en su lugar. El busto de Mussolini, obra del escultor modernista Adolfo Wildt, fue adornado con una simple bala en la frente tras la caída del régimen fascista.
Los vándalos seguían una tradición ancestral, afirma el cocurador Andrew Sears. «En todo el mundo antiguo, durante los cambios de régimen o las transformaciones religiosas, era práctica común destruir las imágenes del gobernante anterior, pues se creía que contenían algún tipo de fuerza vital del mismo».

En algunos casos, estas esculturas desfiguradas permanecían expuestas como elemento disuasorio. «Fueron hechas para ser exhibidas de esa manera», afirma Sears. Un busto del siglo XIX que representa a Germánico, heredero de Tiberio, fue mutilado con maestría, sus lóbulos superiores de las orejas cortados y su frente adornada con una cruz por cristianos que protestaban contra la deificación de los emperadores romanos. Se nos asegura que el pasado era un país extranjero con rituales crueles.
Fascista caído... Busto de Mussonlini de Adolfo Wildt, 1923.
 Busto de Mussolini de Adolfo Wildt, 1923. Fotografía: Collezione Carlo Eleuteri


La obra Broken se vuelve más sorprendente e interesante al explorar la fragilidad como algo más que el resultado de fracturas históricas. Una sección titulada «Esculpiendo el fragmento» comienza con una intrigante figurilla dogū del antiguo Japón. Se sabe poco sobre estas pequeñas estatuillas de arcilla cocida con ojos saltones en forma de grano de café, salvo que se han encontrado en pedazos en numerosos yacimientos funerarios de Japón.
Las investigaciones actuales indican que la función de las figurillas dogū podría haber sido similar a la de las piñatas de cumpleaños modernas: romperlas para celebrar no solo el fin de lo viejo, sino también el comienzo de lo nuevo. «Es evidente que la cultura consistía en crear estas esculturas para romperlas intencionadamente, y que las comunidades compartieran los pedazos entre sí», afirma Dickerson. «Nuestra percepción contemporánea de que las culturas antiguas eran más violentas no siempre es precisa».

La indagación de Dickerson y Sears en los rincones más recónditos de los almacenes de los museos ha revelado escasa evidencia de la equiparación que Aquino establecía entre la rotura y la fealdad. A menudo, ocurría lo contrario. De Tenochtitlán, la capital azteca de principios del siglo XV, presentan una estatua de una figura reclinada que fue decapitada intencionadamente como parte de una campaña para reconstruir un templo. Inspirándose en el estado ruinoso de su entorno, los mexicas parecían comprender que la perfección era inalcanzable. Una obra de arte rota era apropiada porque revelaba el verdadero estado del mundo.


La respuesta del Renacimiento a un par de vaqueros pre-desgastados... El modelo de una mujer desnuda de Miguel Ángel, de alrededor de 1533.
La respuesta del Renacimiento a un par de vaqueros desgastados... Modelo de mujer desnuda de Miguel Ángel, de alrededor de 1533. Fotografía: © Photo Giusti Claudio Firenze/Archivio Fotografico, Fondazione Casa Buonarroti


Podríamos pensar que el culto a los edificios en ruinas y las estatuas rotas es una obsesión de los románticos, de las pinturas de Caspar David Friedrich o del «colapso colosal» de Ozymandias de Percy Shelley . Pero Dickerson afirma que la fascinación por las ruinas ya estaba arraigada en el arte y la literatura del Renacimiento desde el siglo XIII en adelante. Una de las piezas más impactantes de Florencia es una escultura de terracota de Miguel Ángel que representa a una mujer sin cabeza ni brazos. Datada alrededor de 1533, parece dañada, pero no lo está. En realidad, fue la respuesta del Renacimiento a unos vaqueros desgastados: un análisis técnico reciente de los puntos de rotura del torso sugiere que Miguel Ángel esculpió deliberadamente un fragmento, en homenaje a las imponentes antigüedades que se excavaban en Roma en aquella época.



Cuerpos destrozados en la gran pantalla… Charlize Theron (de rodillas) en Mad Max: Fury Road (2015). Fotografía: Photo 12/Alamy


La exposición culmina con reinterpretaciones artísticas contemporáneas de esculturas rotas, como un pie de Louise Bourgeois con una férula y la estatua ecuestre plegable del artista alemán Julius von Bismarck, que representa a su antepasado canciller, Otto. Si esto suena un tanto autocontrolable, es porque la dicotomía entre integridad y rotura sigue presente en todas partes de la cultura popular moderna una vez que uno empieza a buscarla. Aquí están las cuentas de redes sociales de extrema derecha con bustos clásicos inmaculados como avatares, la estética impecablemente lisa del iPhone, las máscaras planas de la tendencia de maquillaje de la "chica limpia" ; allá está el auge de los cuerpos rotos en la gran pantalla, desde Furiosa, la manca de Mad Max, hasta actores principales con labio leporino como Tom Burke y Franz Rogowski, y los "lisiados, bastardos y cosas rotas" de Juego de Tronos.

Evidentemente, la respuesta a la pregunta de si existe belleza en la imperfección no es solo una cuestión que cautivó a las civilizaciones antiguas, sino que sigue siendo una de las principales líneas divisorias culturales de nuestro tiempo.




La exposición Broken: The Power of the Fragment se podrá visitar en el Palazzo Strozzi de Florencia del 25 de septiembre de 2026 al 24 de enero, y en la National Gallery of Art de Washington del 13 de marzo al 27 de junio de 2027.