MONET PINTA EN VENECIA

 

Cómo Monet capturó Venecia en sus últimos años.

Verónica Esposito

Claude Monet – Gran Canal, Venecia, 1908. Fotografía: Saravuth Neou/Museo de Bellas Artes, Boston.

Una nueva exposición reúne las numerosas pinturas venecianas del artista, una combinación perfecta entre artista y lugar que casi no se concretó.

Claude Monet tenía 68 años cuando por fin pisó Venecia, manteniendo sorprendentemente su distanciamiento de una ciudad que durante siglos ha atraído a muchos de los mejores pintores de Europa. Cuando Monet finalmente llegó, creó decenas de cuadros, y las obras venecianas del impresionista francés son ahora el tema de una exposición en el Museo de Young de San Francisco, titulada simplemente Monet y Venecia.

«Quizás se trataba de inseguridad, ya que Venecia había sido retratada de forma tan célebre por tantos grandes nombres de la historia occidental», dijo Melissa Buron, quien co-curó esta notable exposición con Lisa Small. Como explicó, dado el prestigio artístico de Venecia, incluso un maestro como Monet tendría motivos para sentirse intimidado por el lugar.

Además de reunir dos docenas de obras del francés en Venecia, la exposición también ofrece pinturas venecianas de otros grandes artistas, como James McNeill Whistler, Pierre-Auguste Renoir, John Singer Sargent, JMW Turner y Paul Signac. La muestra se completa con varias obras tempranas de Monet y algunos nenúfares de su última etapa, sumando en total más de 100 obras. El resultado es una tarde de ensueño, etérea y cautivadora, repleta de detalles que deleitan la vista.

Aunque desde fuera parezca una combinación obvia la de Monet y Venecia, lo cierto es que el mundo quizás nunca llegó a conocer la legendaria ciudad de los canales y puentes a través de los ojos del gran impresionista. La visita de Monet a Venecia estaba prevista inicialmente para apenas dos semanas —tiempo insuficiente para que se secara la pintura—, pero prolongó su estancia a dos meses, lo que le permitió crear decenas de óleos.

Vista de la instalación de Monet y Venecia. Fotografía: Gary Sexton/Photography by Gary Sexton. 

Imagen cortesía de los Museos de Bellas Artes de San Francisco.

“Queríamos destacar en la exposición que su viaje a Venecia no estaba predestinado”, dijo Buron. “Al principio pensé: ‘Es un artista del agua y la luz, por supuesto que iría a Venecia’, pero la verdad es que casi nunca sucedió”.

Según Buron, cuando Monet y su esposa Alice llegaron a Venecia, el artista se integró fácilmente en la comunidad de personas afines que pintaban los lugares más emblemáticos de la ciudad, rica en canales. Si bien Monet era reconocido por algunos como un pintor exitoso, la pareja logró pasar desapercibida entre los demás turistas. "Fue como una segunda luna de miel para ellos, poder vivir esta experiencia en sus últimos años", comentó Buron.

Monet era amigo de Whistler, Sargent, Renoir y Signac, por lo que conocía al menos algunas de sus obras venecianas. Durante su estancia en Londres en 1871, mientras cumplía condena en la guerra franco-prusiana, pudo haber visto las obras de Turner sobre Venecia en la National Gallery, e incluso adquirió uno de los cuadros postimpresionistas de Signac que representa la emblemática iglesia de Santa Maria della Salute, incluida en la exposición.

Claude Monet – El Rio della Salute, 1908. Fotografía: Cortesía de Hasso Plattner 

Collection / Sammlung Hasso Plattner

Si bien existía cierta rivalidad entre estos pintores, en general era amistosa. «Estoy seguro de que había un espíritu competitivo entre algunos artistas; cada uno intentaba expresar algo sobre Venecia», dijo Buron, «pero también había mucho intercambio, como sugerencias sobre proveedores de materiales de arte». Dichas sugerencias habrían sido muy útiles, ya que Monet no había concebido originalmente la excursión como una empresa artística prolongada, por lo que no había llevado muchos materiales a Venecia y, por lo tanto, era esencial para él encontrar proveedores confiables en la ciudad.

La exposición Monet en Venecia está organizada según las distintas partes de la histórica ciudad que el impresionista pintó: el Gran Canal, el Palazzo Contarini (que pintó desde una góndola), la iglesia de San Giorgio Maggiore y el Palazzo Ducale. La mayoría de los lugares ofrecen múltiples versiones, ligeramente diferentes, de la misma vista, con algunas excepciones, como el único cuadro que Monet pintó de un edificio llamado "la casa roja", una llamativa vivienda de color rojo intenso que se ve al otro lado de uno de los canales laterales más pequeños de Venecia.

La casa roja de Claude Monet 

Con tantas pinturas casi idénticas, la exposición tiene un aire ligeramente diferente al de otras muestras de grandes artistas. El formato invita al visitante a detenerse en cada conjunto de lienzos y a absorberlos detenidamente, para apreciar los sutiles cambios de tono, textura, calidez y encuadre que Monet aportó a cada vista particular de un lugar.

Vista de la instalación de Monet y Venecia en el Museo de Young de San Francisco, California. Fotografía: Gary Sexton/Photography by Gary Sexton. Imagen cortesía de los Museos de Bellas Artes de San Francisco.

“Existen sutiles variaciones entre ellas, lo cual me parece realmente interesante”, dijo Buron. “Por ejemplo, en los dos cuadros del Palacio Ducal, se ven muy similares, pero se aprecia que uno tiene un brillo ligeramente más cálido que el otro”.

En la última sala de la exposición, Buron presenta varios nenúfares de Monet, argumentando que su estancia en Venecia influyó en la trayectoria de sus últimas obras maestras. Como señala Buron, en vísperas de su viaje a Venecia, Monet había renunciado definitivamente al proyecto de los nenúfares tras la tibia reacción que recibió la serie por parte de su marchante de toda la vida, Paul Durand-Ruel, en 1907. Sin embargo, tras regresar de Venecia, Monet le comunicó a Durand-Ruel que había cambiado de opinión y que seguiría adelante con los nenúfares.

«Creo que, dado que Monet estaba en Venecia, rodeado de agua y luz a diario, es plausible que los nenúfares le sirvieran de inspiración para seguir pintándolos», dijo Buron. «Y tenemos pruebas de que dijo: "Voy a dejar de pintar nenúfares de una vez por todas", para luego volver y crear obras aún más ambiciosas que las anteriores».

Claude Monet – El Palacio Ducal, visto desde San Giorgio Maggiore, 1908. Fotografía: Fundación Solomon R. Guggenheim / Art Resource, Nueva York

Según Buron, la exposición Monet y Venecia reúne la mayor colección de pinturas venecianas del artista bajo un mismo techo desde su primera exposición en 1912. La idea surgió mientras contemplaba una de las representaciones del Gran Canal de Monet, que forma parte de la colección del Museo de Young desde hace mucho tiempo. Fascinada por esta magnífica obra, Buron imaginó una galería repleta de pinturas similares. Y ahora, el público de San Francisco puede disfrutar del fruto de su visión.

“Es la luz, y la forma en que ha capturado este momento tan efímero. Es sencillamente precioso”, dijo Buron, “y esta idea sobre la que escribió es demasiado bella para ser pintada; ¡qué reto fascinante para un artista!”.

La exposición Monet y Venecia se puede visitar en el Museo de Young de San Francisco, California , hasta el 26 de julio.

DERECHO AL ANONIMATO

 

El anonimato en el arte

Una obra de Banksy en Rothesay Avenue, Nottingham, que fue retirada y vendida. 

Fotografía: Carl Recine/Reuters

Nuestra fascinación por las identidades "reales" de artistas y escritores resulta reveladora sobre las actitudes hacia la fama y la autoría.

Esta semana, el secreto peor guardado del arte contemporáneo salió a la luz cuando se reveló que el artista callejero Banksy era en realidad Robin Gunningham, de 52 años, gracias a una investigación de Reuters de 8.000 palabras. Esto habría sido noticia de primera plana si el Mail on Sunday no se hubiera adelantado hace casi dos décadas. Aun así, fue noticia de primera plana.

La semana anterior, miles de amantes de los libros expresaron su pesar por el anuncio en X de la muerte de la novelista italiana Elena Ferrante, supuestamente por parte de su traductora Ann Goldstein. En realidad, fue obra del tristemente célebre bromista italiano Tommaso Debenedetti , quien había creado una cuenta a nombre de Goldstein y repitió la misma broma en 2022.

Banksy y Ferrante comparten la paradójica distinción de ser los artistas anónimos más famosos de la actualidad. Hace diez años, Ferrante fue objeto de una revelación similar cuando un periodista italiano revisó sus finanzas y concluyó que debía ser traductora italiana. Teorías anteriores han planteado que se trata de un hombre o incluso de un grupo de hombres .

Es difícil resistirse a una historia de detectives de la vida real. El vacío dejado por la ausencia de un Banksy o una Ferrante "auténticos" es uno que la gente se ha apresurado a llenar. Pero tales investigaciones revelan más sobre nuestra obsesión con la fama y la autoría que sobre los artistas. El abogado de Banksy argumenta que "violan la privacidad del artista, interfieren con su arte y lo ponen en peligro". Ferrante ha dicho que renunciar a su anonimato sería "muy doloroso" .

Para Banksy, el subterfugio era una necesidad práctica: el arte callejero es ilegal. Pero esta enigmática portada le ha permitido burlarse del establishment artístico, denunciar las injusticias y convertirse en un tesoro nacional (en 2017, «Niña con globo» fue elegida la obra de arte favorita de Gran Bretaña). También ha dejado su huella en el escenario mundial, desde Palestina en 2005 hasta Ucrania en 2022. Ya sea como protección contra la persecución judicial o como una exitosa estrategia publicitaria, su anonimato se ha convertido en parte integral de la marca iconoclasta de Banksy.

Para Ferrante, se trata de una elección artística que la libera de "la ansiedad de la notoriedad", como ella misma lo expresó, y de las exigencias publicitarias de la edición moderna. Pero no es algo nuevo. Jane Austen, las hermanas Brontë, Georges Eliot y Sand publicaron de forma anónima o con un seudónimo masculino porque escribir libros se consideraba impropio de una dama. Como escribió Virginia Woolf : "Me atrevería a suponer que Anon, quien escribió tantos poemas sin firmarlos, era a menudo una mujer". Como parte de su campaña para reescribir la historia del arte, el colectivo feminista anónimo Guerrilla Girls firma sus carteles con los nombres de artistas femeninas como Frida Kahlo o Alice Neel.

A los verdaderos fans de Banksy o Ferrante no les importan sus identidades reales. Al contrario, se dejan seducir por el misterio. Como niños que creen en Papá Noel, nos aferramos a la idea de Banksy, el artista rebelde que aparece por la noche y deja una sorpresa por la mañana. Del mismo modo, admiramos la pureza de un novelista que escribe sin reconocimiento público. La ficción de Ferrante resulta tan íntima precisamente porque no hay un "autor de fama mundial".

Tal discreción radical es rara en una cultura de exposición y fama. La decisión de un artista de permanecer en el anonimato debe respetarse. La creatividad es uno de los últimos grandes misterios de la humanidad. Hay que dejar que la obra hable por sí misma. Como dijo Banksy : "Si quieres decir algo y que la gente te escuche, tienes que llevar una máscara". Su máscara es su arte; no la destruyamos.

AMAMOS EL MARAVILLOSO AZUL

 

“El arte es el azul”: cómo un color cautivó nuestros sentidos

Silvia Hernando

'La habitación azul', de Pablo Picasso.

Con sus 111 tonos, el color es un favorito de las artes, desde el fabuloso ultramar llegado de Afganistán hasta el intenso IKB de Yves Klein, pasando por su invocación en libros, canciones y películas

A la pregunta de cuál es su color preferido, hay buenas razones para sospechar que su respuesta no será otra que el azul. No por dotes adivinatorias: la mayoría de los ciudadanos occidentales coinciden en esa opinión. En una encuesta realizada a 2.000 personas para el long seller Psicología del color (Editorial GG), de la alemana Eva Heller, un 46% de hombres y un 44% de mujeres lo escogieron como su predilecto, mientras que solamente un 1% de hombres y un 2% de mujeres afirmaron que no les gustaba.

 El verde, en comparación, contaba con un 16% de adeptos entre ellos y un 15% entre ellas. Inquiridos por los sentimientos que les inspiraba su favorito, los sujetos del sondeo coincidieron en asociarlo a emociones eminentemente positivas: la simpatía, la armonía, la amistad, la confianza. Aunque muchos de los participantes lo relacionaron con el frío, la inteligencia y lo masculino, en la tradición este ha sido, en contra de la arbitrariedad impuesta sobre la ropita de los bebés, un emblema de lo femenino: Iris (lirio), Celeste o Zafiro son nombres de mujer.

Dos expertos de Christie's frente a la obra 'California, (IKB 71)', 1961, del artista Yves Klein (1928-1962), expuesta para su subasta en París, el 16 de octubre de 2025.

Con sus 111 tonos, del azul email al Chagall, del azul de Copenhague al de medianoche, este color encandila: a diario se ve blue jeans, en la calle se multiplican coches con esa pintura y, extendido sobre las paredes de nuestros hogares, infunde un efecto tranquilizador, tal y como relata Heller. El azul, como en aquella píldora, es el color de las cosas que no cambian. Solo hay un lugar donde el azul no gusta, y ese es el plato. En sus múltiples encarnaciones se antoja divino: vasto, profundo y artístico.

Innumerables escritores, pintores, cineastas y músicos le han cantado sus odas a la musa azul: Van Gogh, Picasso, Matisse o Helen Frankenthaler tuvieron fijación por él, vibra en la exaltación de la pasión del Azul de Rosa Regàs, emociona al ver la vida apagarse en las Noches azules de Joan Didion y en el Tangled Up in Blue del Nobel Bob Dylan. En el icónico Azul de la trilogía cinematográfica Tres colores, de Krzysztof Kieślowski, los filtros y los objetos se bañan de azul para evocar el leit motiv de la búsqueda de la libertad que abandera la película. La melancolía que transportan los aires del blues afroamericano proviene de su significado en inglés: el azul alude al sentimiento oscuro de la depresión (y también, como aquí el verde, a la pornografía).

Pinturas egipcias en Luxor.

Pinturas egipcias en Luxor.

En lengua castellana, el poeta Rubén Darío escribió en Historia de mis libros que el azul es “el color del ensueño, el color del arte, un color helénico y homérico, color oceánico y firmamental, el coeruleum, que en Plinio es el color simple que semeja al de los cielos y al zafiro”. En ese ensayo de 1916, el nicaragüense volvía así la vista a su obra magna, el celebrado libro de cuentos y poemas de 1888 que, con el evocador título de Azul…, inauguró vestido de esa tintura la era del modernismo literario en español, un repliegue del yo hacia el interior arropado por la búsqueda de la belleza formal y el simbolismo.

Caminando junto a las letras, aquel movimiento permeó todas las artes. Ya había sentenciado Víctor Hugo que “el arte es el azul” (l’art c’est l’azur), y sobre esa premisa y bajo el influjo del libro de Darío se inauguró en 2019 en CaixaForum Azul, el color del modernismo, un recorrido tras la estela de ese color en los pintores e incipientes cineastas del periodo de entre finales del siglo XIX y principios del XX. 

Con obras de Santiago Rusiñol, Joaquín Torres García o Gustave Courbet, aquella muestra probó que sí, el azul de origen natural y sus entonces novedosos tonos artificiales, como el azul de Prusia, resultó ser un color predilecto del modernismo. También los renacentistas europeos veneraron el fabuloso lapislázuli y, en el siglo XX, exploradores como el neodadaísta Yves Klein hicieron oficio de su búsqueda cercana a lo místico del azul más puro, materializado en el IKB, el Internacional Klein Blue.

'El descendimiento' (hacia 1436), de Rogier Van der Weyden. La composición de la escena y el destacado color azul ultramar dirigen la mirada del espectador a la figura de la Virgen.

Instalados en una visión abismada del azul, uno de los tres colores primarios junto al rojo y el amarillo, ni causa actualmente la misma impresión que les generaba a los modernistas ni ellos llegaron a él con la misma predisposición que sus antecesores. Como amplía la comisaria de aquella exposición de CaixaForum, Teresa M. Sala, “la percepción de los colores cambia”. Y explica: “No es igual ahora que cuando no existía la electricidad, o que cuando empezó a ampliarse la paleta a través de los pigmentos artificiales durante la industrialización”. Y, sobre todo, como ya introdujo Goethe en su Teoría del color (Editorial GG), conviene separar la óptica del color descubierta por Newton de la psicología de su percepción, algo que con el tiempo fueron asimilando todos los artistas y diseñadores contemporáneos.

'El guante blanco' (1925), de Miró, y 'Vista de Notre-Dame' (1914), de Matisse, en la exposición Miró-Matisse en la Fundación Miró de Barcelona.

Sujeto a las oscilaciones del gusto y las modas, la percepción del color es una cuestión de sentido, el de la vista, y también sensibilidad, esa de la que daba líricas pinceladas Rubén Darío en su descripción del “color del ensueño”, pero que el historiador Michel Pastoureau puntualizaría indirectamente en obras como su monumental Azul.* Historia de un color (Folioscopio): no podría decirse que se trate de un color helénico ni homérico. Como también recuerda Daniel Entrialgo en el reciente Cuando el mar no era azul (Espasa), el autor de la Ilíada describe el mar como del color del vino, y por la imprecisión de la terminología que usaban y lo infrecuente de su plasmación artística, los estudiosos de finales del siglo XIX llegaron a plantearse la duda de si griegos y romanos eran ciegos de azul.

'Untitled (Blue placebo)', 1991, obra de Félix González-Torres expuesta 

en el MACBA de Barcelona en 2021.

Ahora se sabe que los sentidos de las civilizaciones antiguas funcionaban exactamente como los nuestros, de modo que resulta crucial no ignorar “la distancia, a veces considerable, que existe en todas las épocas, todas las sociedades y todos los individuos, entre el color “real” (si es que ese adjetivo significa algo), el color percibido y el color nombrado”, como escribe Pastoureau.

Para los romanos, al hecho de que el pigmento azul resultaba difícil de obtener y fijar con la naturaleza que tenían a su alcance, se sumaba la circunstancia de que lo relacionaban con los bárbaros, de tal manera que no existía ni un solo tono que les resultara aceptable. “Resulta poco estético cuando es claro e inquietante cuando es oscuro, (porque) se asocia a menudo con la muerte y los infiernos”, apunta Pastoureau.

'La joven de la perla', de Johannes Vermeer (1665-1667).

Listado como una de las maravillas de los viajes de Marco Polo, si existe una variante mítica del color azul esa es el ultramar, obtenido, como explica el diseñador italiano Riccardo Falcinelli en Cromorama (Taurus), de “la reducción a polvo de una piedra semipreciosa, el lapislázuli, que llega a Europa en naves provenientes de países lejanos, de ‘más allá’ del Mediterráneo”. Aunque existen depósitos de lapislázuli en minas de Chile, Zambia y Siberia, su procedencia fundamental se sitúa en las montañas de Afganistán.

Lapislázuli, muy utilizada en la joyería durante siglos.

En un viaje arriesgado en busca de aquella roca casi mágica, la periodista británica Victoria Finlay se trasladó en el 2000 hasta el hogar de los Budas de Bāmiyān, poco antes de que los talibanes destruyeran aquellas figuras colosales acompañadas de frescos decorados en azul. “El ultramar brillaba aún —apenas— en las arruinadas paredes”, rememora Finlay en Color. Historia de la paleta cromática (Capitán Swing), “y era extraordinario pensar que este fue el primer uso conocido del pigmento”.

'Pared abierta' (Open Wall), 1953, de Helen Frankenthaler, obra incluida en la exposición del Museo Guggenheim de Bilbao ‘Pintura sin reglas’.

Cuando en 2019 el Museo del Prado restauró una de sus obras más conocidas, La anunciación pintada por el temprano maestro renacentista Fra Angelico en torno a 1430-1432, la luminosidad recuperada del lapislázuli que decora las bóvedas y el manto que cubren a la Virgen resultó un auténtico descubrimiento: el pigmento, hasta entonces opaco y plano, volvió a la vida en su tono más intensamente brillante y profundo. “La diferencia reside en la calidad del ultramar y la técnica usada por el pintor”, sentencia Almudena Sánchez, la mano a cargo de aquella restauración. Dos cualidades excelentes de las que La anunciación puede presumir. “A partir del siglo XVII”, agrega Sánchez, “el lapislázuli se usa mucho menos, sustituido por la azurita, pero esta tiende a alterarse con el tiempo”. Viendo su extraordinario comportamiento después de 600 años, no extraña que el ultramar ostente el récord de ser el color más caro de todos los tiempos.

'La anunciación', de Fra Angelico.

Aunque el azul no se afianzó como un favorito hasta los siglos XVII y XVIII, apreciado por fin, como dice Pastoureau, como “un color bonito, el color de la Virgen y de los reyes” y rivalizando así con el rojo, desde un recién descubierto pigmento de época paleolítica hasta su utilización en los templos egipcios, la porcelana china o las vidrieras góticas, el azul se nos presenta como un color fascinante cuyas huellas pueden rastrearse a lo largo y ancho del curso de la historia. Como narra Benjamín Labatut en Un verdor terrible (Anagrama), incluso ha cambiado su rumbo: el primer pigmento sintético moderno, el azul de Prusia, dio origen al cianuro de hidrógeno empleado para elaborar el letal pesticida Zyklon, y fue usado por líderes nazis como Hermann Göring para suicidarse antes de recibir su castigo. Hoy ondea como el color de la paz, encarnado en una bandera azul, y en las vestimentas de todas las épocas ha sido la tintura más popular, extraída de la planta del índigo.

Woman in Blue, Richard Burlet (1957)

Su simbolismo, quizá por encima de otros colores, se despliega como un enigma inabarcable, un círculo cromático sin principio ni fin, como demuestra la amplísima impronta que ha dejado en las artes, y que llega hasta hoy inscrita en la obra de creadores actuales como el malogrado Matthew Wong. Ahora que las miradas brillan todo el tiempo con el azul que las pantallas reflectan en nuestras pupilas, quizá haya llegado el momento de salir a la calle y volver a observar el cielo a todo color, con sus sombras de gris nube, naranja amanecer o violeta crepúsculo.

*AZUL - HISTORIA DE UN COLOR 

Michel Pastoureau

La historia del color azul en la cultura occidental es la de una auténtica transformación. Para los griegos y los romanos, este color contaba poco e incluso era desagradable a la vista; se le consideraba un color bárbaro. Pero hoy en día, el azul es, con gran diferencia, el color favorito para una gran parte de la población. Toda historia del color es, ante todo, una historia social, y Michel Pastoureau cuenta la historia de esta transformación, enfatizando las prácticas sociales del azul léxico, tejidos y vestimenta, vida cotidiana, simbolismo y su lugar en la creación literaria y artística. Esta edición aporta la representación de distintas tonalidades de azul para acompañar la lectura fascinante de la historia de este color.

WILLEM DE KOONING Y LA CRUDEZA DE LOS COMIENZOS

 

La exposición de Willem de Kooning devela la intensidad cruda de sus primeros trabajos.

Verónica Esposito

Calle Gansevoort, Willem de Kooning, 1949. Fotografía: Colección Anderson de la Universidad de Stanford. Donación de Mary Margaret Anderson.

La exposición en el Museo de Arte de la Universidad de Princeton captura la fuerza apremiante de los años decisivos del icónico expresionista abstracto, entre 1945 y 1950.

Willem de Kooning celebró su primera exposición individual en la galería Charles Egan en la primavera de 1948, poco antes de cumplir 44 años. La exposición, un rotundo éxito, consolidó su reputación, reposicionó al artista y lo catapultó a la fama internacional a principios de la década de 1950. Al final de la década, muchos lo considerarían el pintor más importante del mundo.

El Museo de Arte de la Universidad de Princeton ofrece ahora una especie de revisión de la transformadora exposición que catapultó a la fama a Willem de Kooning con "Willem de Kooning: Los años decisivos" , que abarca el periodo de 1945 a 1950. Con 18 pinturas que revelan a un artista explorando la transición entre la figuración y la abstracción, muestra cómo de Kooning encontró su propia relación singular con ambos estilos. Si bien "Los años decisivos" no incluye la misma selección de pinturas que la exposición de Egan, sí permite al público adentrarse de forma íntima en la vida creativa del artista durante ese periodo.

"Quería esperar hasta tener un conjunto de obras con las que se sintiera realmente satisfecho", dijo John Elderfield, experto en De Kooning y cocurador de la exposición, explicando por qué el pintor tardó tanto en realizar su primera exposición individual. "Preparó una exposición con una docena de obras".

Por aquel entonces, De Kooning se había labrado una reputación algo marginal, muy apreciado por los entendidos pero aún no ampliamente admirado. El influyente ensayista y crítico de arte Clement Greenberg contribuyó a que saliera de ese anonimato con una reseña de la exposición de la Galería Egan que atrajo la atención de mucha más gente hacia él.

La exposición "Los años de la ruptura" ofrece una mirada concentrada a muchas de las obras más emblemáticas de este período particularmente prolífico en la carrera de De Kooning, brindando al público la oportunidad de contemplar piezas clave como «Viernes negro» y «Estanque oscuro». La paleta de colores de la muestra es notablemente limitada, con predominio de negros y tonos tostados entre pinceladas ocasionales de color, como el amarillo eléctrico de «Secretaria» y el cautivador ocre de «Calle Gansevoort». Las líneas sinuosas del artista danzan sobre los lienzos en éxtasis controlados, y su uso preciso del sombreado convierte muchas de estas obras en auténticos deleites del espacio negativo.

Willem de Kooning. Black Friday, 1948.

«Hay algo en el hecho de que reduzca sus recursos y trabaje sin usar colores cromáticos que realmente les da a estas pinturas una intensidad especial», dijo Elderfield. «Utiliza el negro como color, lo que hace que estas pinturas parezcan extraordinariamente vívidas y muy presentes».

"Buzón de correo", Willem de Kooning, 1948. Fotografía: Colección de Bettina Bryant.

Entre mediados y finales de la década de 1940, De Kooning trabajó con ahínco para consolidar su arte, emergiendo como uno de los líderes de la escuela de Nueva York. «Lo que ocurrió en los años 40 fue absolutamente transformador en su carrera», afirmó Elderfield. «En ese periodo de cinco años, se convierte en un artista de absoluta madurez».

En esa década se produjo la primera adquisición museística de una de sus pinturas; una obra titulada simplemente «Pintura», adquirida por el MoMA en 1948, figura entre las piezas presentadas en «Los años de su consagración». Este fue también un periodo en el que de Kooning desarrolló una especie de rivalidad con su homólogo expresionista abstracto, Jackson Pollock . «Parte de su desarrollo como artista estuvo ligado al revuelo que Pollock estaba causando en aquel momento», afirmó Elderfield. «Algunas de sus obras posteriores a la exposición de Egan parecen competir con las de Pollock».

A pesar del innato talento creativo de De Kooning, no era particularmente hábil para promocionarse ni para desarrollar su carrera artística. Su esposa, Elaine, también artista, solía actuar como su publicista informal, impulsando la exposición de Charles Egan y ayudando a De Kooning a obtener el reconocimiento que su arte merecía. «Su esposa se dio cuenta de que otros artistas recibían mucha atención mediática por sus exposiciones, así que lo animó a exponer la suya», comentó Elderfield. «Creo que De Kooning sentía que no tenía un conjunto coherente de pinturas y que ella lo estaba presionando».

Elaine también ayudó a de Kooning con una tarea que a él le interesaba poco: encontrar títulos para sus pinturas. Junto con otros simpatizantes de la galería Egan, Elaine participó en sesiones de nombramiento donde les daban nombre a las obras. "Estaban todos sentados en las galerías, bebiendo, pasándolo bien, y decían: '¿Cómo vamos a llamar a estas?'", dijo Elderfield. "Eran nombres que creían que la gente recordaría". Según Elderfield, a de Kooning le importaban tan poco los títulos de sus obras que a veces ocurría que quien adquiría una obra era quien la bautizaba. "En un caso, alguien compró una obra y le puso nombre, y a de Kooning no pareció importarle", dijo.

El deleite de Bill Lee, Willem de Kooning, 1946. Fotografía: Colección privada.

A partir de la década de 1950, De Kooning se reinventó continuamente, regresando a la figuración con sus famosas pinturas de mujeres. Este giro era característico del artista, quien mantuvo una sensibilidad inconformista y rebelde durante toda su vida. La decisión, sin duda, no fue bien recibida por todos. Pollock, su eterno rival, lo consideró un traidor. «Pollock dijo: "Has traicionado la causa al volver a pintar figuras"», comentó Elderfield.

Sin embargo, las pinturas de mujeres sí impactaron a Bob Dylan, a quien Elderfield acompañó personalmente a la monumental exposición de De Kooning en el MoMA en 2011, una muestra que él mismo organizó. «Bob Dylan dijo que quería recorrer la exposición conmigo y comentó cómo el estilo de De Kooning cambiaba constantemente», dijo Elderfield. «Cuando llegamos a las pinturas de mujeres, me dijo: "Aquí es cuando De Kooning se electrificó"».

De Kooning sigue teniendo repercusión hasta nuestros días, y sus obras baten récords de precio. En 2015, su obra Interchange acaparó titulares al venderse por 300 millones de dólares, un récord en aquel momento para el precio más alto pagado por una pintura. Según Elderfield, las pinturas que alcanzan precios tan estratosféricos son mucho más llamativas que las expuestas en The Breakthrough Years. «Las obras maestras son las que parecen atraer más al público», afirmó. «A los coleccionistas les gusta tener obras que provoquen que la gente entre en su casa y diga: "¡Mira el de Kooning!", pero probablemente no dirían lo mismo de estas obras».

Las pinturas siguen inspirando a otros artistas, como el escultor Richard Serra, entre otros, que se han visto influenciados por las obras expuestas en la muestra "The Breakthrough Years". En definitiva, trabajar con de Kooning es un verdadero tesoro. "Intentar hacer una selección de la obra de de Kooning es como intentar recoger nubes del cielo", comentó Elderfield. "Hay demasiadas". Las 18 pinturas expuestas en Princeton demuestran sin duda por qué.

La exposición Willem de Kooning: Los años decisivos, 1945-1950 se podrá visitar en el Museo de Arte de la Universidad de Princeton hasta el 26 de julio.

Una exposición en el Museo de Arte de la Universidad de Princeton captura la fuerza apremiante de los años decisivos del icónico expresionista abstracto, entre 1945 y 1950.

LAS PINTORAS DE LA EDAD DE ORO DE LOS PAÍSES BAJOS

La exposición de Gante celebra a las artistas femeninas del barroco.

Jennifer Rankin

Autorretrato de la pintora del Siglo de Oro neerlandés, Judith Leyster, 1630.

Ilustración: IanDagnall Computing/Alamy

Muestra en parte un redescubrimiento de más de 40 mujeres, en su mayoría olvidadas, que ejercían su oficio en los Países Bajos.

Durante siglos, la historia del arte de los Países Bajos se ha contado a través de nombres como Rembrandt, Vermeer, Rubens, Van Dyck o Frans Hals. La extraordinaria fama internacional de estos maestros del siglo XVII contrasta, sin embargo, con el relativo anonimato de muchas de sus contemporáneas. El Museo de Bellas Artes de Gante (MSK) propone ahora revisar ese relato con “Unforgettable. Women Artists from Antwerp to Amsterdam, 1600–1750”, una ambiciosa exposición que reúne más de doscientas obras de más de cuarenta creadoras activas en Flandes y la República neerlandesa.

Se cree que Judith Leyster, artista de la Edad de Oro holandesa, tenía unos 21 años cuando pintó su autorretrato en 1630. En la obra que presentó al mundo, Leyster irradia una alegre seguridad. Ataviada con sedas brillantes y un cuello de encaje almidonado, se recuesta en su silla, con la paleta y los pinceles en la mano y un cuadro a su lado.

Esta obra, terminada el mismo año en que ingresó en un gremio de pintores en Haarlem, la consagró como artista consagrada. Fue uno de los primeros autorretratos de una artista en la República Holandesa, un recurso que la mayoría de los pintores varones no adoptaron hasta años después.

Un niño y una niña con un gato y una anguila, 1635, de Judith Leyster. 

Fotografía: The Picture Art Collection/Alamy

Aunque célebre en vida, Leyster cayó rápidamente en el olvido tras su muerte. Un inventario póstumo atribuyó algunas de sus pinturas a "la esposa del difunto", refiriéndose a su marido, el artista Jan Miense Molenaer. Después, desapareció. Sus obras fueron atribuidas a Frans Hals, a otros contemporáneos varones o, simplemente, a "maestro desconocido". Las pinturas que figuraban bajo su nombre gozaban de escaso prestigio. En la década de 1970, un importante museo estadounidense vendió una; otras instituciones dejaron su obra olvidada en sus archivos.

Ahora, la pintora, que lleva un tiempo disfrutando de un resurgimiento, vuelve a estar en el centro de atención, siendo una de las más de 40 artistas femeninas que trabajaron en los Países Bajos durante el período barroco y que participan en una nueva exposición.

Maria van Oosterwijck, Flores en un jarrón ornamental, 1670-1675, lienzo, Mauritshuis, Den Haag. Fotografía: Museo Prinsenhof Delft

La exposición "Inolvidable: Mujeres artistas de Amberes a Ámsterdam, 1600-1750" se inauguró este mes en el Museo de Bellas Artes de Gante (MSK), tras su paso por Washington D. C. La muestra busca reivindicar el papel de la mujer en uno de los periodos más gloriosos de la historia del arte, conocido principalmente por las obras de Rembrandt van Rijn, Johannes Vermeer y Anthony van Dyck. Como reza el lema del MSK: "Los grandes maestros también eran mujeres".

La cocuradora Frederica Van Dam afirmó que la exposición invitaba a los visitantes a reflexionar sobre "¿Por qué no habíamos visto antes obras de arte creadas por mujeres? ¿Por qué nadie se lo había planteado?". El catálogo menciona a 179 mujeres que participaron activamente en la economía artística de los Países Bajos, que corresponden a los actuales Países Bajos y Flandes, en el norte de Bélgica.

Muchos de ellos fueron admirados en vida. Los bodegones de Maria van Oosterwijck adornaban las paredes de los palacios de toda Europa. En 1697, el zar ruso Pedro I visitó la casa en Ámsterdam de Johanna Koerten, especializada en el arte del recorte de papel, una técnica que combina el dibujo, la caligrafía y la escultura mediante el uso de líneas marcadas. Koerten recibió una generosa remuneración por su talento: se estima que una obra de seda tejida al estilo rústico, realizada para la emperatriz del Sacro Imperio Romano Germánico, le reportó más del doble de lo que Rembrandt ganó por La ronda de noche .

Artemisia Gentileschi, Autorretrato como Santa Catalina de Alejandría, c. 1615-17. 

Fotografía: The National Gallery, Londres.

La exposición forma parte de un creciente redescubrimiento de mujeres que estuvieron ausentes durante mucho tiempo de los tomos de la historia del arte, desde la artista barroca italiana Artemisia Gentileschi y su casi contemporánea del sur de los Países Bajos, Michaelina Wautier , hasta la modernista belga Marthe Donas y la impresionista estadounidense Mary Cassatt.

En el siglo XIX, cuando la historia del arte se consolidó como disciplina, las mujeres fueron excluidas de la narrativa. Los historiadores del arte, en su mayoría hombres, "decidían qué era buen arte, qué merecía ser reseñado", afirmó Van Dam. Cuando las mujeres tenían un papel secundario, se las consideraba imitadoras. Ese fue el destino de Rachel Ruysch. Si bien los coleccionistas llevaban tiempo buscando sus bodegones florales —admirados por su asombrosa atención al detalle y sus pinceladas refinadas—, los expertos descartaban su obra por considerarla una imitación.

Clara Peeters. Naturaleza muerta con queso y cangrejo de río, c.1612-21.

El siglo XIX también marcó el auge de la pintura en los museos de arte, eclipsando las artes aplicadas en las que las mujeres destacaban, como el recorte de papel, la caligrafía y la elaboración de encajes. A principios de la Edad Moderna, el encaje alcanzaba precios fabulosos, aunque las mujeres más pobres, monjas y niñas huérfanas que solían confeccionar exquisitos abanicos, velos, delantales y vajillas apenas ganaban una miseria. Estas artistas permanecieron en el anonimato durante toda su vida, firmando con una «X» en los registros de la época.

Adam und Eva mit Kain und Abel puerta Louise Hollandine van de Pfalz rond 1660. Fotografía: Alamy

Si bien muchas artistas femeninas permanecerán olvidadas por la historia, algunas están siendo redescubiertas. La pintora Catrina Tieling había caído casi en el olvido hasta 2025, cuando un historiador de arte neerlandés reexaminó obras atribuidas durante mucho tiempo a su hermano, Lodewijk, y concluyó que, de hecho, estaban firmadas con las iniciales "CT". La exposición incluye la escena rústica de Catrina Tieling que representa a dos pastoras descansando junto a un rebaño de vacas, un raro ejemplo de paisaje italianizante pintado por una mujer.

Autorretrato de Louise Hollandine, c. 1650.

Fotografía: Heritage Image Partnership Ltd/Alamy

También narra algunas decisiones trascendentales y poco convencionales de mujeres. Louise Hollandine se convirtió al catolicismo e ingresó en un convento para preservar su libertad artística. Hija de la realeza exiliada, Hollandine disfrutó de una infancia privilegiada en La Haya, donde se convirtió en una talentosa retratista de amigos y familiares.

Pero en 1657, huyó de su cómoda vida de princesa para hacerse monja benedictina francesa, en lugar de casarse con su sobrino, como deseaba su familia. En el convento, se dedicó a pintar escenas religiosas, aunque muchas no sobrevivieron a la Revolución Francesa. La exposición muestra autorretratos de Hollandine de ambas etapas de su vida. En la primera, se muestra serena y elegante, resplandeciente con ricas sedas y un gran sombrero adornado con cintas; en una obra posterior, transmite una impresión austera, luciendo una cruz y vestida con un hábito de monja blanco y negro, pero aún brillante.

Van Dam espera que se realicen más investigaciones sobre artistas femeninas y que se hagan esfuerzos para que su obra sea más accesible. A través de esta exposición, dijo, "se puede apreciar lo valiosas que fueron para el florecimiento económico y artístico de la época".

“Unforgettable. Women Artists from Antwerp to Amsterdam, 1600–1750”
MUSEO DE BELLAS ARTES DE GANTE. MSK

Fernand Scribedreef 1, 9000
Gante, Bélgica

Del 7 de marzo al 31 de mayo de 2026