LA ISLA QUE VIAJA

 

Una pequeña isla en Canadá apareció, desapareció y reapareció a kilómetros de distancia.

La isla fue avistada por primera vez en el lago Williston a finales de julio. 

Fotografía: Rocky Avery/The Canadian Press

Esta masa de tierra de 152 metros de largo, densamente boscosa, sorprende a los lugareños al aparecer repentinamente en el lago Williston, en la Columbia Británica.

Una isla densamente boscosa apareció misteriosamente en un lago del oeste de Canadá. Con casi 150 metros de largo y 75 metros de ancho, esta masa de tierra sorprendió tanto a los lugareños como a los expertos. No figuraba en ningún mapa ni carta náutica.

Un navegante se acercó y grabó un vídeo de la isla, captando casi 100 árboles meciéndose suavemente en las olas del lago.

Y entonces, al cabo de un día, desapareció.

A principios de esta semana, la isla reapareció por segunda vez, a casi 32 kilómetros de su ubicación original, en un asombroso desplazamiento acuático que ha dejado a los residentes preguntándose cómo una isla entera puede simplemente desaparecer.

El misterio se ha desvelado en medio del lago Williston, un embalse largo y estrecho creado después de que la presa WAC Bennett inundara la región a principios de la década de 1970. Con casi 1700 km² (650 millas cuadradas), es la mayor masa de agua dulce de la provincia más occidental.

Bob Gammer, portavoz de BC Hydro, la empresa de servicios públicos propiedad del gobierno que opera el embalse y la presa, dijo que la isla era "algo realmente impresionante e increíble" cuando vio las imágenes por primera vez.

“En la era de la IA, se necesitaba otra forma de verificación o evidencia, como el testimonio de un testigo presencial que corroborara la información”, dijo. “Y pronto lo conseguimos”.

Las imágenes satelitales confirmaron que la isla era real y que flotaba en el cuerpo principal del embalse, aproximadamente a 60 millas al oeste de la presa.

BC Hydro cree que la isla es el resultado de años de árboles y plantas que crecieron prácticamente sin ser perturbados sobre los restos leñosos a lo largo de las secciones protegidas de la orilla del embalse.

Islas similares han aparecido en todo el mundo, incluyendo el famoso pantano de Forty Acre en Wisconsin. Esta gigantesca isla flotante en el lago Chippewa está formada por turba, lodo, raíces y árboles.

Con una superficie aproximada de 12 000 metros cuadrados, la isla de la Columbia Británica rebosa de vida: aves y pequeños animales habitan entre la mezcla de coníferas y árboles de hoja ancha. Los observadores sospechan que el sistema radicular sumergido en el agua esconde algunos de los mejores peces del lago.

Gammer comparó las condiciones de cultivo con la hidroponía y dijo: "Los árboles bien alimentados que crecen en una fuente de alimento en descomposición con mucha agua... podrían crecer bastante rápido".

El embalse, añadió, está en su nivel más alto en los últimos 14 años, como consecuencia de las grandes nevadas invernales y las constantes lluvias estivales que han elevado los niveles de agua en el río Peace y en el lago.   “De repente, se dan todas las condiciones adecuadas para que potencialmente esta pequeña isla pueda ser trasladada de donde estaba a mar abierto”, dijo.

Entre los avistamientos, la isla podría haberse desplazado hacia la costa. Su aparente desaparición «no significa que se haya hundido en el fondo del embalse», declaró Gammer a la CBC . «Podría haber regresado a una zona más protegida de la costa».

BC Hydro desconoce la edad de los árboles de la isla, pero con las condiciones adecuadas, el bosque podría permanecer allí durante años y seguir creciendo. Los lugareños especulan que los árboles podrían tener décadas de antigüedad.

“No se trata de simples arbustos. Es una isla con árboles más grandes, y es algo que realmente hay que comprender”, dijo Grammar. “No es algo común. Es algo realmente inusual”.

Rocky Avery, amigo del navegante y residente de la zona desde hace mucho tiempo, quien publicó el video en las redes sociales para advertir a otros sobre un posible peligro, dijo que "saltaría a esa isla sin dudarlo si pudiera".

“Probablemente sea un poco inestable en los tramos exteriores, pero con esos árboles enormes en el centro, me imagino que alguien podría caminar sobre él”, dijo.

Gammer advirtió a los navegantes que no intentaran ser los primeros en pisar la zona, advirtiendo que el vídeo muestra árboles moviéndose de un lado a otro sobre una "capa delgada y delicada de troncos", y añadió que es "muy inseguro" y "muy inestable".

Las publicaciones de Avery en redes sociales sobre la isla provocaron un gran revuelo y una clara alusión a la situación política actual en Canadá. Recientemente, el presidente estadounidense Donald Trump decidió cambiar el nombre del lago Ontario tras el fracaso de las negociaciones comerciales entre ambos países. Este anuncio ha generado indignación, frustración y burlas entre la población canadiense.

“Me sorprende que Trump no haya nombrado la isla ni la haya reclamado”, comentó un usuario en la publicación de Avery

MESSI

Gracias Messi, te queremos, siempre vas a ser nuestro capitán. Que buen ídolo sos y el mejor ejemplo de ser humano para nuestros hijos!

Gracias eternas!

FREDY MERCURY: SPLENDID THINGS

 

Las "cosas espléndidas" de Freddie Mercury se exhibirán en el V&A.

Nadia Khomami

Freddie Mercury, que habría cumplido 80 años este otoño, en el videoclip de «Made in Heaven». 

Fotografía: Simon Fowler

 

Ocho trajes que abarcan la carrera del líder de Queen aparecerán en una prueba gratuita desarrollada con su ex prometida.

Ocho trajes famosos usados ​​por Freddie Mercury, incluyendo el atuendo que aparece en la portada del álbum debut de Queen y el mono del video de Bohemian Rhapsody, se exhibirán en el V&A de Londres este otoño para conmemorar el que habría sido el 80 cumpleaños del cantante.

Freddie Mercury | Splendid Things, una muestra gratuita desarrollada con la ex prometida y amiga cercana de Mercury, Mary Austin, estará disponible del 24 de octubre de 2026 al 17 de enero de 2027. Austin presta siete de los looks, que abarcan la carrera de Mercury desde la década de 1970 hasta sus últimos años.

Entre las piezas se encuentra un conjunto monocromático usado en uno de los primeros conciertos de Queen en el Imperial College y que aparece en la portada del álbum debut homónimo de la banda. También se exhibirá el mono "Mercury Wing", diseñado por Wendy de Smet y usado durante la gira A Night at the Opera en 1975-76, así como en el innovador video de Bohemian Rhapsody.

La corona y la capa de Mercury, diseñadas por Diana Moseley y usadas durante la gira Magic Tour de Queen en 1986, también estarán presentes. Lució este atuendo en la última presentación en vivo de la banda en Knebworth ese año. La exposición también incluirá un vestuario del videoclip de «Made in Heaven», así como accesorios y prendas de su guardarropa personal.

Freddie Mercury con la corona y la capa diseñadas por Diana Moseley que lució en 1986. 

Fotografía: Denis O'Regan

El sendero debe su nombre a un comentario que Mercury hizo en 1978: «Me gusta estar rodeado de cosas espléndidas. Quiero llevar una vida victoriana rodeado de un exquisito desorden».

Austin conoció a Mercury cuando ella tenía 19 años y él 24, mientras ambos trabajaban en el ambiente de la moda Biba en Kensington. Mercury, cuyo nombre de nacimiento era Farrokh Bulsara y que nació el 5 de septiembre de 1946 en Zanzíbar, vendía sus obras de arte y ropa vintage en un puesto del mercado de Kensington. Se comprometieron el día de Navidad de 1973, el mismo año en que Queen lanzó su álbum debut.

Su relación terminó a mediados de la década de 1970, pero siguieron siendo muy amigos durante el resto de la vida de Mercury. Cuando falleció en 1991, le dejó a Austin su casa en Kensington, Garden Lodge, y sus pertenencias.

Austin ha descrito la ropa de Mercury como fundamental para la imagen que creó como artista. «La ropa formaba parte de esa exploración», afirma en A Life in Lyrics, que se publicará en septiembre. «Freddie comprendió desde el principio que no solo vestía ropa; estaba creando una imagen acorde con la magnitud del espacio y la inmensidad del público».

Freddie Mercury en el videoclip de Made in Heaven. Fotografía: Simon Fowler

Austin afirmó que la ropa y los trajes que se exhibirán en el V&A "cuentan una parte importantísima" de la historia de Mercury, tanto dentro como fuera del escenario: "Nunca fueron meros accesorios, sino que sus trajes y prendas eran esenciales para sus actuaciones, su visión creativa y su expresión personal en general, cuidadosamente diseñados para crear un impacto visual y emocional duradero que ha trascendido generaciones y que aún resuena hoy en día".

Las instalaciones han sido diseñadas por Tom Piper, cuyo trabajo incluye producciones para la Royal Shakespeare Company, las amapolas de la Torre de Londres y las exposiciones del V&A, Alice: Curiouser and Curiouser y Taylor Swift | Songbook Trail.

Cada una de las seis paradas de la ruta estará ambientada de forma diferente, utilizando decorados, sonido e iluminación para evocar momentos de la carrera de Mercury.

Kate Bailey, conservadora principal de teatro y artes escénicas del V&A, afirmó que la exposición exploraría el "amor de Mercury por las 'cosas espléndidas'" y su interés por el arte, el diseño y la moda.

EL GATO QUE LUCHÓ CONTRA MUSSOLINI

 

Las hermanas fotógrafas Wulz convirtieron a la mascota familiar en un arma.

Joanna Moorhead

«Los gatos simbolizan la libertad»… la famosa imagen «Yo + Gato», que combina los rostros de Wanda y Mucincina. Fotografía: Wanda Wulz/Archivi Alinari-Collezione Zannier, Florencia

Wanda y Marion Wulz desafiaron el patriarcado desenfrenado de la Italia fascista disparando a bailarinas, esgrimistas y otras mujeres famosas, así como a su gata Mucincina.

En aquellos tiempos fascistas —dice Federica Muzzarelli sobre la Italia de los años 20 y 30—, las mujeres no eran libres. Se las consideraba madres y amas de casa. Pero las hermanas Wulz estaban decididas a forjar su propio destino. Eligieron la fotografía como una forma de independencia y para demostrar, a través de sus imágenes, que las mujeres podían vivir de esa manera.

Muzzarelli es la curadora de Wanda y Marion Wulz: Fotografía de vanguardia en la Italia del siglo XX, una exposición que pronto se inaugurará en la Colección Estorick de Londres. Las hermanas Wulz experimentaron con imágenes fusionadas y alteradas más de medio siglo antes de la invención de Photoshop. La imagen más famosa que surgió de su estudio fue I + Cat, un autorretrato de Wanda superpuesto al rostro de la mascota familiar. Pero la exposición busca mostrar a Marion bajo una nueva luz, demostrando que no era una simple asistente, sino que estaba a la altura de su hermana en términos fotográficos, ya que juntas defendieron el feminismo en la Italia fascista, manteniendo viva la idea de la emancipación femenina en una época de ideología patriarcal desenfrenada.

Wanda Wulz

Wanda, nacida en Trieste en 1903, era una prometedora bailarina y música; Marion, dos años menor que ella, había estudiado arte y quería ser pintora. Pero tras heredar el estudio fotográfico de su padre, fundado a su vez por su abuelo, se dieron cuenta de que representaba la mejor vía hacia un futuro independiente. «Fotografiaban a mujeres modernas bailando, practicando deporte, haciendo gimnasia», cuenta Muzzarelli. Mujeres artistas, poetisas, escritoras y actrices posaron para las hermanas. Entre ellas se encontraban la pintora Leonor Fini y la campeona olímpica de esgrima Irene Camber.

Mujer moderna… la esgrimista Irene Camber. 

Fotografía: Marion Wulz/Archivi Alinari-Archivio Studio Wulz, Florencia

En 1932, Wanda expuso seis obras, entre ellas I + Cat, en la Exposición Nacional de Fotografía Futurista. La muestra se organizó para conmemorar el décimo aniversario de la revolución fascista, pero, según Muzzarelli, a Wanda nunca le interesó eso. Simplemente quería demostrar, como la única mujer participante, que era tan capaz como los hombres.

«Demostró tener la habilidad y la destreza para crear un fotomontaje», afirma Muzzarelli. Su técnica para «Yo + Gato», que consistía en superponer un negativo sobre otro, se inventó a mediados del siglo XIX, pero Wanda la utilizó de una forma novedosa, asignando a uno de los rostros el suyo y al otro el de Mucincina, la gata de la familia. Ambos negativos estarán presentes en la exposición de Londres, así como la obra terminada. «Wanda quería explorar la idea de la identidad femenina, del gato como criatura libre, símbolo de libertad», explica Muzzarelli, quien cree que otra fotografía que Wanda mostró en la exposición de 1932 —«Desayuno futurista»(Colazione futurista), que muestra objetos del tocador de una mujer— también se incluyó para transmitir un mensaje feminista.

La exposición fue la única incursión de Wanda en el futurismo, pero los años que siguieron fueron la época dorada de las hermanas. Continuaron viviendo en el bloque de apartamentos del centro de Trieste donde habían nacido y donde se ubicaba su estudio. Este se convirtió en el centro de un salón informal femenino.

'Querían lucir perfectas'... la bailarina Alba Wiegele.

 Fotografía: Marion Wulz/Archivi Alinari-Archivio Studio Wulz, Florencia

«Durante varios años», explica Claudia Baroncini, directora de la Fondazione Alinari per la Fotografia, propietaria del archivo de las hermanas, «la diseñadora de moda Anita Pittoni vivió con ellas. Junto a ella, crearon una especie de club de artistas: mujeres que querían experimentar con nuevas formas de vida. Así, impulsaban un estilo de vida diferente a la par de una fotografía diferente. Y, por supuesto, la fotografía siempre ha sido una fusión de ideas y realidad. En definitiva, vivían su arte».

Su primer papel en el estudio fue el de modelos: de niños, su padre, Carlo, las vestía con esmero para fotografiarlas. Por eso, siempre fueron muy conscientes de la autoimagen, del disfraz y del simbolismo de la apariencia. Como fotógrafos de retratos, eran expertos en "mejorar" el aspecto de sus modelos. "Eran muy hábiles con los negativos", dice Baroncini, "creando sombras para modificar la forma de la boca o los ojos, o para mejorar la calidad de la piel. Al observar los negativos, se aprecia el gran trabajo que realizaban para que sus copias fueran perfectas. Y eso significaba que las mujeres famosas querían ser fotografiadas por ellos, porque querían lucir perfectas".

También se fotografiaron mutuamente: la exposición incluirá un impactante retrato de Wanda realizado por Marion, en el que aparece con gafas de motociclista, y otro en el que está vestida de Cleopatra, mientras que las fotos que Wanda le hizo a Marion la incluyen luciendo diseños de Pittoni, junto con un primer plano de aspecto extraordinariamente moderno con ojos brillantes.

En la primavera de 1945, al finalizar la Segunda Guerra Mundial, Trieste fue liberada del dominio fascista por el ejército yugoslavo. Desde la terraza de su apartamento, Marion fotografió tanques y soldados, y más tarde las celebraciones en la calle con la llegada de las tropas angloamericanas. «Estas imágenes demuestran que formaba parte integral de la colaboración artística», afirma Baroncini.

Aunque las mujeres trabajaron hasta la década de 1970, nunca recuperaron el éxito de sus inicios. La situación económica se complicó y cerraron su estudio en 1981, aunque continuaron dedicándose a la fotografía. Tras la muerte de Wanda en 1984, Marion, que vivió nueve años más, documentó su vida y su trabajo juntas en una serie de diarios.

«Sus vidas habían sido duras», dice Baroncini, «y no se dieron cuenta de la importancia de su trabajo para la historia de la fotografía. Wanda tuvo un breve momento de fama durante el período futurista, pero les sorprendería mucho saber que, más de 120 años después de su nacimiento, se les reconoce como grandes fotógrafos».

En la Colección Estorick, Londres, del 16 de septiembre al 20 de diciembre.

IN MEMORIAM : LA ENORME YAYOI KUSAMA

 

Yayoi Kusama, la artista japonesa una superestrella mundial, fallece a los 97 años.

Tim Jonze y Sian Cain

Yayoi Kusama de pie en el interior de una instalación inmersiva con paredes azules y patrones de lunares

 

Desde la década de 1950 hasta la de 2020, Kusama produjo pinturas, esculturas e instalaciones de gran formato llenas de vida que a menudo se inspiraban en su experiencia con las alucinaciones.

Desde la década de 1950 hasta la de 2020, Kusama produjo pinturas, esculturas e instalaciones de gran formato llenas de vida que a menudo se inspiraban en su experiencia con las alucinaciones.

Yayoi Kusama, la artista japonesa autodidacta que alcanzó el estrellato tras décadas viviendo en un hospital psiquiátrico, ha fallecido a los 97 años.Kusama falleció en un hospital de Tokio el 14 de agosto, según anunció su empresa, Yayoi Kusama Inc., en un comunicado hoy jueves.

«A lo largo de una vida extraordinaria dedicada por completo a la creación artística, Kusama desarrolló una carrera de renombre internacional como artista vanguardista pionera, cuya práctica creativa abarcó las artes visuales, la performance, la narrativa y la poesía», rezaba el comunicado. «Siguió pintando hasta sus últimos días, sin soltar jamás el pincel, y continuó explorando el amor eterno y el alma eterna».“Llevaremos adelante los deseos de Kusama y, a través del arte, continuaremos brindando esperanza y fortaleza para el futuro a personas de todo el mundo.”

Reconocible al instante por su llamativa peluca roja de corte bob, Kusama se hizo famosa por sus combinaciones de colores psicodélicos y sus instalaciones de "salas de espejos infinitos", que la ayudaron a encontrar un público enorme en la era de las selfies en las redes sociales: su exposición de 2024 en Australia fue la más popular en la historia del país. Sin embargo, ya había sido pionera en muchos de sus temas recurrentes como joven artista en la década de 1960, antes de caer temporalmente en el olvido.

La obra de Kusama, «La esperanza de los lunares enterrados en el infinito cubrirá eternamente el universo», se exhibió en el Museo Ludwig de Colonia, Alemania, en 2026. Fotografía: Ina Fassbender/AFP/Getty Images.

Además de escultora y pintora, Kusama realizó numerosas performances durante la era hippie que la vincularon con escándalos. Organizó "festivales corporales" con artistas desnudos pintados con lunares y en una ocasión le escribió al presidente estadounidense Richard Nixon ofreciéndole acostarse con él a cambio del fin de la guerra de Vietnam. La noticia de estos hechos horrorizó a su conservadora familia.

Kusama nació en Matsumoto, Japón , en 1929, y sufrió una infancia infeliz a manos de una madre abusiva y un padre infiel. Su adinerada familia administraba viveros de plantas, y Kusama se sentaba a dibujar las flores a pesar de los frecuentes intentos de su madre por detenerla. De niña, Kusama comenzó a experimentar alucinaciones, en las que las flores la rodeaban y le hablaban. Su mecanismo de defensa fue dibujar lo que veía.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Kusama, de 13 años, fue reclutada para producir tela para los paracaídas del ejército japonés. Posteriormente, estudió nihonga, un estilo tradicional de pintura japonesa,en Kioto, pero se sintió frustrada por sus limitaciones. Rechazando el futuro que había planeado, con un matrimonio concertado e hijos, Kusama dejó Japón y se marchó a Nueva York en 1958. Allí, conoció al artista y teórico Donald Judd y alcanzó un gran éxito con sus pinturas de "red infinita": vastos campos de lunares con empaste que se extendían por todo el lienzo. En 1962, vendió la primera de estas obras a los artistas Frank Stella y Judd por 75 dólares. En 2014, su obra White No 28 se vendió por 7,1 millones de dólares en una subasta, un récord en aquel momento para una artista viva.

Kusama junto a su Dot Car (1965) en Scheveningen, Países Bajos. Fotografía: Harrie Verstappen

En 1963, Kusama comenzó a crear "esculturas blandas": muebles y otros objetos, como escaleras, cubiertos con formas fálicas blancas rellenas de tela. Según ella, eran su intento de superar el asco que sentía por el sexo, que le habían inculcado desde pequeña como algo sucio y vergonzoso. A pesar de trabajar libremente dentro de los ámbitos del arte pop y el minimalismo, Kusama no fue bien recibida por el mundo del arte. Siempre sostuvo que muchas de sus ideas de este período fueron apropiadas por artistas blancos masculinos, incluido Andy Warhol, mientras que ella fue borrada de la historia del arte.

La obra de Kusama solía girar en torno al infinito y la idea de la «autodestrucción», un concepto inspirado en las alucinaciones que la atormentaban. Hablando de su cuadro de 1954, Flor (DSPS), dijo en una ocasión: «Estaba mirando los estampados de flores rojas del mantel de una mesa, y cuando levanté la vista vi el mismo estampado cubriendo el techo, las ventanas y las paredes, y finalmente toda la habitación, mi cuerpo y el universo. Sentí como si hubiera comenzado a autodestrucción, a girar en la infinitud del tiempo infinito y la absolutidad del espacio, y a ser reducida a la nada».

La obra de Kusama, Narcissus Garden, que presentó en la Bienal de Venecia en 1966 sin haber sido invitada. La obra fue finalmente clausurada por la bienal. Fotografía: Yayoi Kusama

En la Bienal de Venecia de 1966, continuó con estos estudios y presentó su infame Jardín de Narcisos, un "lago" de 1500 esferas reflectantes que buscaban crear una sensación de infinito reflejado. Cuando Kusama comenzó a vender las esferas a 2 dólares cada una bajo el lema "Tu narcisismo en venta", la bienal decidió clausurar la iniciativa.

Kusama desarrolló una marcada inclinación por la controversia. Sus "happenings" artísticos fueron a menudo criticados por ser meramente provocadores, pero sus declaraciones políticas parecen ahora adelantadas a su tiempo. En 1968, organizó la primera "boda homosexual" de Nueva York en Tribeca y lavó una bandera soviética "sucia" frente al edificio de las Naciones Unidas en protesta por la invasión de Checoslovaquia.

Para entonces, Kusama mantenía una relación platónica, aunque obsesiva, con el artista autodidacta Joseph Cornell, la cual continuó incluso después de que abandonara Estados Unidos para regresar a Japón. Durante su estancia en Nueva York, había sido hospitalizada con frecuencia, y cuando Cornell falleció en 1972, su salud mental empeoró aún más, sufriendo alucinaciones, ataques de pánico e intentos de suicidio. En 1977, ingresó voluntariamente en un hospital psiquiátrico de Tokio que ofrecía terapia artística y le proporcionó la estabilidad necesaria para dedicarse a sus proyectos sin distracciones. Decidió establecerse allí permanentemente, trabajando desde la mañana hasta la noche en su estudio cercano.

Kusama trabajando en su estudio en Tokio, Japón, en 2017. Fotografía: Toru Hanai/Reuters

Aunque publicó varias novelas durante la década de 1980, el interés por Kusama pareció desvanecerse casi por completo a principios de los 90. Sin embargo, el reconocimiento que se le escapó durante sus inicios artísticos finalmente llegó más tarde en su vida. En 1993 creó una sala con espejos repleta de pequeñas esculturas de calabazas para el pabellón japonés de la Bienal de Venecia, obra que le valió numerosos elogios. Había visto una calabaza por primera vez con su abuelo cuando tenía once años. Al intentar cogerla, pareció que la calabaza le hablaba, y ahora se convirtió en un motivo recurrente en obras como «Todo el amor eterno que siento por las calabazas», de 2016.

El enfoque de Kusama se centró en instalaciones que se basaban en su obra de 1965, Infinity Mirror Room: Phalli's Field. En esa pieza, cientos de formas fálicas suaves y rosadas se disponían en una habitación con espejos. Medio siglo después, estas experiencias inmersivas conectaron con el público a nivel mundial, y las luces de colores y las calabazas pintadas con colores brillantes proporcionaron contenido perfecto para Instagram. No fue casualidad que una exposición suya en el Museo Hirshhorn de Washington D.C. en 2017 tuviera que cerrar temporalmente después de que alguien dañara una obra de arte al intentar tomarse una selfie.

Visitantes en el interior de una de las "salas del infinito" de Kusama en su exposición en la Tate Modern de Londres en 2012. Fotografía: Guy Bell/REX/Shutterstock

Kusama recibió retrospectivas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1998, en la Tate Modern de Londres en 2012 y en el Museo Hirshhorn de Washington D.C. en 2017. Las entradas para sus espectáculos se agotaron rápidamente en todo el mundo y los fans hacían cola durante horas solo para poder disfrutar de una experiencia de 30 segundos dentro de sus instalaciones. A pesar de que algunos críticos se preguntaban si se había convertido en la artista más popular del mundo, Kusama siempre creyó que su lugar en la historia no lo decidiría el establishment artístico.

«No puedo imaginar cómo me clasificarán después de mi muerte», dijo en una ocasión. «Es agradable ser una marginada».

PAUL REVERE WILLIAMS: ARQUITECTO

 

El  arquitecto Paul Revere Williams luchó contra el racismo y cambió el rostro de Los Ángeles.

Paula Mejía

Paul R. Williams junto a dos hombres en el emplazamiento del proyecto de viviendas Compton Imperial en 1952. Fotografía: Getty Research Institute/Facultad de Arquitectura de la Universidad del Sur de California ©Merge Studios

Crear hogares para Frank Sinatra, Cary Grant y Lucille Ball convirtió a Williams en una estrella. Tres nuevas exposiciones demuestran que pertenece al grupo de los grandes del siglo XX.

Al aterrizar en el aeropuerto de Los Ángeles (LAX), lo primero que se ve al mirar por la ventana es un artilugio futurista y estilizado. Construido a principios de la década de 1960, el Theme Building, que en su día atraía a los viajeros a su restaurante, diseñado por Walt Disney Imagineering y que se alzaba imponente sobre las pistas de aterrizaje, fue obra de un grupo de arquitectos cuyas estructuras contribuyeron a definir la estética de mediados de siglo de la ciudad: William Pereira, Welton Becket, Charles Luckman y Paul Revere Williams.

Paul Revere Williams, el olvidado arquitecto favorito de las estrellas 

 de la edad de oro de Hollywood

«De entre todos estos arquitectos, Williams, el primer arquitecto negro con licencia en California, sin duda fue quien más influyó en el perfil de Los Ángeles. En las seis décadas previas a su muerte en 1980, Williams completó aproximadamente 3000 estructuras, desde residencias unifamiliares y edificios comerciales hasta proyectos de vivienda asequible, el juzgado del condado de Los Ángeles, una remodelación del ahora demolido hotel Ambassador y opulentas residencias para celebridades como Frank Sinatra, Barbara Stanwyck , Lucille Ball y Desi Arnaz. Quizás la más emblemática de todas sea el hotel Beverly Hills; Williams dirigió su renovación, y su característico letrero con arabescos está escrito de su puño y letra.

Sin él, la joya de la corona de Los Ángeles dentro del programa Case Study (que encargaba a arquitectos el estudio y la construcción de viviendas unifamiliares bien diseñadas para ayudar a fortalecer el mercado inmobiliario durante el auge posterior a la Segunda Guerra Mundial), la Casa Stahl, tal vez nunca se habría financiado. «Fue un ritmo frenético», afirma Milton SF Curry, profesor y vicedecano sénior de la Universidad de Cornell. «No creo que muchos de los arquitectos estrella de hoy en día tengan tantos proyectos».

Paul R. Williams, dibujo en perspectiva del edificio de apartamentos Williams, 1958. Fotografía: Getty Research Institute/Escuela de Arquitectura de la Universidad del Sur de California ©Della M. Williams Trust

A pesar de su prolífica obra y su papel fundamental en la configuración de Los Ángeles, el nombre de Williams ha sido, hasta hace poco, una nota a pie de página en la arquitectura. Más allá de ser uno de los primeros arquitectos negros con licencia en Estados Unidos, Williams era conocido por la diversidad de proyectos que emprendió, así como por la meticulosidad y la habilidad que imprimió a estos edificios tan variados. «Su obra merece formar parte del canon de grandes arquitectos como Frank Lloyd Wright , Mies van der Rohe, Le Corbusier, Thom Mayne y Frank Gehry», afirma Curry. «Merecen estar a la altura de Williams, por decirlo de alguna manera».

Williams es el protagonista de una próxima exposición que se presentará en tres instituciones de Los Ángeles. Cada muestra —la primera de las cuales se inaugura el 18 de agosto en el Museo de Arte USC Fisher— se centra en una faceta distinta de la vida, la trayectoria profesional y el impacto social de Williams. La exposición del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles abarca el alcance general de la obra de Williams; la del Instituto de Investigación Getty abordará cómo Williams contribuyó a la construcción de elementos clave de la comunidad afroamericana de Los Ángeles; y la del Museo de Arte USC Fisher exhibirá muchos de sus dibujos de archivo en diálogo con obras de artistas y arquitectos contemporáneos. La inclusión de la USC tiene otro significado: Williams es exalumno de esta universidad.

El edificio temático del aeropuerto internacional de Los Ángeles, en 1955, fue construido por un equipo de artistas, entre ellos Williams. Fotografía: Authenticated News/Getty Images

Nacido en 1894, Williams supo desde la secundaria que quería dedicarse a la arquitectura. Como Williams describió más tarde en el ensayo que escribió en 1937 para The American Magazine , " Soy un negro", uno de sus profesores desestimó sus aspiraciones en ese campo "con tanto asombro como si le hubiera propuesto un vuelo en cohete a Marte. '¿Quién ha oído hablar de un negro arquitecto?', preguntó con toda razón". Williams añadió: "Era evidente que mi capacidad personal pesaba menos en su opinión que el peso de mi color de piel. Su consejo —si es que semejante desaliento puede llamarse consejo— fue una invitación a la reflexión".

Al principio de su carrera, Williams comenzó como dibujante y luego solicitó y obtuvo una serie de becas que no revelaban su raza. Por la época en que Williams se inició en el sector, la población de Los Ángeles experimentó un auge; la construcción de viviendas avanzó a un ritmo constante para satisfacer la demanda. Williams, quien fundó su propio estudio, fue contratado para construir casas en un desarrollo en auge y, más tarde, por un grupo de adinerados angelinos, entre ellos Cary Grant, para sus señoriales residencias. Williams era conocido por su capacidad para cumplir con las especificaciones y peculiaridades de sus clientes sin sacrificar la calidad: Sinatra, por ejemplo, quería que el arquitecto le construyera un apartamento de soltero con un botón para extender la cama desde el dormitorio hasta el patio. El talento de Williams se extendió mucho más allá de esos proyectos, pero persiste el mito de que solo construyó mansiones unifamiliares para las estrellas. Lo que realmente distingue a Williams como arquitecto es su atención al detalle y la artesanía.

Paul R. Williams propuso una vivienda de costo mínimo para Excelsonite Inc. el 25 de septiembre de 1959. Fotografía: Getty Research Institute/Escuela de Arquitectura de la Universidad del Sur de California ©Della M. Williams Trust

Cuando Curry vio por primera vez el tesoro de dibujos arquitectónicos de Williams, que se presentan en la retrospectiva, quedó asombrado por su nivel de detalle. «La maestría y la calidad de la obra son extraordinarias», afirma Curry, quien colaboró ​​en la curaduría de la exposición de la USC y, años atrás, cuando era decano de la facultad de arquitectura de la universidad, adquirió allí los archivos de Williams. «Es evidente que poseía un profundo conocimiento de la construcción, la viabilidad constructiva y el poder de los materiales». En un giro inusual para los arquitectos de la época, Williams trabajaba simultáneamente en múltiples géneros y tenía una marcada inclinación por el eclecticismo. (También se hizo conocido por su impactante visión de las escaleras de caracol). «Es una dimensión de él y de su obra que merece ser destacada», dice Curry. «Y se convierte en parte de la historia completa y de la trayectoria de su carrera».

Además, Williams ayudó a construir uno de los primeros proyectos de vivienda pública en Estados Unidos, Langston Terrace Dwellings; abogó por proyectos de vivienda multifamiliar; y experimentó con prototipos de aluminio considerados experimentales en aquel entonces. También trabajó para brindar vivienda asequible a una incipiente clase media negra y a soldados negros, durante una época de políticas discriminatorias de segregación residencial.

El trío de exposiciones de Williams constituye la primera gran retrospectiva de un arquitecto negro. Para Curry, esto demuestra «lo atrasados ​​que estamos en la comprensión, el reconocimiento, el análisis y la teorización del legado de las contribuciones de las personas negras al entorno construido en este país, en un momento en que nos enfrentamos a intentos de erradicar la producción cultural negra». Al reintroducir a Williams al público, la exposición busca hacer accesibles sus archivos para que la investigación académica pueda revelar dimensiones aún desconocidas de su obra, como su uso innovador del color y el mobiliario que diseñó. «Cuando uno abre los archivos, suceden cosas inesperadas», afirma Curry. «Surgen historias y narrativas que desconocíamos».

La exposición "Paul R Williams: Un arquitecto a la vista" se exhibe en el Museo de Arte USC Fisher de Los Ángeles hasta el 13 de marzo de 2027.