DISPUTA POR LA CÚPULA DE LA ÓPERA DE PARÍS

 

La disputa por la cúpula de la ópera de París entra en la arena legal.

Kim Willsher

El techo original de la Ópera de París fue pintado por Jules-Eugène Lenepveu. 

Fotografía: Amis de Lenepveu J Moatti

Un descendiente de un artista del siglo XIX exige la retirada de los lienzos de Marc Chagall de la década de 1960 que cubren el fresco original.

En 1962, el entonces ministro de Cultura francés, André Malraux, al parecer aburrido por el ballet que estaba viendo en la ópera de París, alzó la vista hacia el techo clásico y decidió que necesitaba una renovación.

En su hastío, Malraux pensó que su amigo y artista Marc Chagall, que estaba sentado a su lado en el Palais Garnier en aquel momento, era el hombre indicado para el trabajo y le encargó la creación de un nuevo techo.

Durante los dos años siguientes, Chagall trabajó en secreto y de forma gratuita para producir 24 lienzos enormes y coloridos con forma de cuña, que fueron instalados sobre el techo clásico original del siglo XIX por el ahora olvidado artista Jules-Eugène Lenepveu.

Los lienzos de Marc Chagall (arriba) se instalaron sobre la obra de Jules-Eugène Lenepveu. 

Fotografía: Michal Sikorski/Alamy

Hoy, más de cuatro décadas después de la muerte de Chagall, uno de los descendientes de Lenepveu está planeando emprender acciones legales para que se descubra y restaure el techo original.

Arnaud Carayon afirma que lleva tres años "pidiéndolo amablemente", e incluso ha escrito dos cartas al presidente francés, Emmanuel Macron. Ahora ha encargado a un abogado que lleve el caso a los tribunales.

“El techo de Lenepveu está clasificado como monumento histórico y, sin embargo, no se ha visto en 60 años y no tenemos ni idea de en qué estado se encuentra”, dijo Carayon.

Hoy en día, todo el mundo ha olvidado a Lenepveu. Desafortunadamente, la ola del impresionismo lo arrasó, pero en su época fue una verdadera estrella. Y lo que es más importante, fue elegido expresamente para decorar el techo de la ópera por Charles Garnier, quien diseñó absolutamente todo en el teatro, hasta el último pomo de la puerta.

“Pero, por un capricho, Malraux decidió que no estaba de acuerdo con la elección de Garnier.”

El teatro de ópera de Garnier fue encargado por Napoleón III e inaugurado en enero de 1875 en presencia de miembros de la realeza europea y figuras políticas, entre ellas el entonces alcalde de Londres, Sir William Cotton.

Lenepveu, amigo y colaborador artístico de Garnier, creó una obra clásica y alegórica pintada al óleo directamente sobre las placas de cobre de la cúpula. La obra, titulada Las Musas y las Horas del Día y de la Noche, y catalogada como patrimonio histórico en 1923, se consideró que armonizaba a la perfección con el ornamentado estilo Segundo Imperio del palacio de Garnier.

Lenepveu, quien llegó a dirigir la Academia Francesa en Roma, realizó posteriormente una serie de frescos de Juana de Arco en el Panteón de París, pero su nombre es poco conocido hoy en día.

Se dice que Malraux quería darle a la anticuada ópera un aire más moderno y vanguardista. Los 24 lienzos de Chagall, con forma de rebanada de pastel, se unieron alrededor de la lámpara central, cubriendo 220 metros cuadrados (2368 pies cuadrados) de la cúpula. La obra está dividida en distintos colores: rojo, azul, verde, amarillo y blanco; y presenta bailarines, ángeles, músicos y nombres de compositores.

El vestíbulo de la ópera tras la finalización de las obras de restauración en 2004. 

Fotografía: Alfred/EPA

Incluso antes de que se instalara la obra de Chagall, la disputa entre tradicionalistas y modernistas estalló y llegó al otro lado del Canal de la Mancha.

El Real Instituto de Arquitectos Británicos (RIBA), con sede en Londres, escribió al ministro de Cultura solicitándole que abandonara sus planes de cubrir el techo original. «El carácter único de este edificio (la ópera) reside en que todos sus elementos —arquitectura, pinturas, esculturas y mosaicos— conviven en armonía», escribió RIBA. Su petición fue ignorada.

El Palacio Garnier permanecerá cerrado por reformas entre 2027 y 2032, y Carayon, presidente de la Sociedad Amigos de Lenepveu, declaró haber escrito a Macron para sugerirle que, tras su reapertura, se exhibieran alternativamente los techos de Lenepveu y Chagall durante una década cada uno. Añadió que el Palacio del Elíseo solo respondió que el presidente estaba «particularmente atento» al tema.

“Desde el principio, el techo de Chagall fue diseñado para ser desmontable. Se puede quitar sin dañarlo. Pensábamos que la idea de alternar techos era muy positiva y prometedora, pero parece que nadie se atreve a tocar el techo de Chagall”, dijo Carayon.

En la exposición de Chagall celebrada en el Centro Pompidou entre 2023 y 2024, la curadora, Anne Montfort-Tanguy, declaró: «El techo [de la ópera] es Chagall: es su autobiografía, su visión de París. Están representados todos los artistas que admiró, así como los que él consideraba los monumentos parisinos más importantes, como la Torre Eiffel… Es una obra conmovedora, fluida, casi cinematográfica. El techo es una obra de arte completa».

“Fue un regalo de Chagall al país que lo acogió; un homenaje a Francia y a París”, añadió Montfort-Tanguy.

Exterior de la Ópera de París, encargada por Napoleón III e inaugurada en enero de 1875. 

Fotografía: Alfred/EPA

Alexander Neef, director de la Ópera de París, declaró a Le Monde : «El debate sobre el techo de Chagall se ha prolongado durante más de 60 años. El techo de Lenepveu está catalogado como monumento histórico desde 1923, por lo que su valor patrimonial está reconocido. Que sus descendientes (los de Lenepveu) deseen defender su memoria es legítimo».

HONRANDO A ALVAR AALTO

 El maravilloso modernista amante de la naturaleza,  Alvar Aalto.

Christian House

Estilos de vida sostenibles: interior de la Casa Aalto, Helsinki.

Fotografía: 2026 Tuomas Uusheimo: www.uush

Su país natal, de mentalidad igualitaria, solía albergar reservas hacia la estrella de la arquitectura. Pero con 13 nuevas inclusiones en la lista de la UNESCO y una nueva exposición en Helsinki, la obra de Aalto finalmente está recibiendo el reconocimiento que merece

A principios de la década de 1950, Alvar Aalto construyó un barco para llegar a su remota residencia de verano en una isla del lago Päijänne, a unos 200 km al norte de Helsinki . Pero el célebre arquitecto finlandés no era un capitán feliz. Bautizó el barco con el nombre —un título tan engorroso como elegantes eran sus edificios— Nemo propheta in patria: «Nadie es profeta en su tierra».

El nombre era una indirecta a Finlandia, país que, según el maestro de la arquitectura, lo había subestimado. Se lamentaba de que otras naciones reconocían su talento más que la suya. Hoy, al llegar a Helsinki, descubro que Finlandia no solo adora a Aalto, sino que lo considera un tesoro nacional.

El mes pasado, trece sitios diseñados por Alvar, repartidos por toda Finlandia, fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Además de este reconocimiento internacional, se están invirtiendo cuantiosos fondos públicos finlandeses en la restauración de sus edificios, y sus diseños se celebran actualmente en la exposición «Aalto Design – Shapes of Wellbeing» del Museo de Arquitectura y Diseño de Helsinki. Norman Foster solo podía soñar con semejante admiración pública. Para muchos finlandeses de hoy, los edificios de Aalto —hábitats luminosos y armoniosos creados desde mediados de la década de 1920 hasta su muerte en 1976— hablan de orgullo nacional en un momento de tensión geopolítica con Rusia y, más allá de este punto, conectan con reflexiones globales sobre el bienestar en el entorno construido.

Como un glaciar: Finlandia Hall, Helsinki 

Fotografía: © 2026 Kuvatoimisto Kuvio Oy and Helsinki Partners

Pero, ¿era cierto que Aalto fue infravalorado en su país? «El nombre del barco no era del todo una broma», señala Sofia Nivarti, autora de Studio Aalto, un nuevo estudio sobre su obra que se publicará a finales de este mes. «Cuanto más éxito tenía a nivel internacional, más se volvía el público local en su contra; imbuidos de una ética socialdemócrata de igualitarismo, los círculos arquitectónicos finlandeses temían el predominio de un solo nombre sobre todos los demás».

En la primera mitad de la década de 1950, Aalto «no logró obtener una cátedra en su alma mater, la Universidad Tecnológica de Helsinki», explica Tommi Lindh, director ejecutivo de la Fundación Alvar Aalto. Y el ego de un arquitecto estrella es algo frágil, incluso en el frío e igualitario norte.

En Helsinki, Lindh me lleva a recorrer el Instituto Nacional de Pensiones, sede del sistema de seguridad social finlandés, un enorme edificio de ladrillo diseñado por Aalto entre 1953 y 1957. Se conserva en perfecto estado, hasta sus ingeniosos paneles de calefacción en el techo, claraboyas angulares y un ascensor paternóster en funcionamiento. Este monumental edificio de ladrillo es uno de los cinco sitios de Aalto en Helsinki reconocidos por la UNESCO, junto con la Casa de la Cultura (encargada por el Partido Comunista Finlandés en 1952 con el objetivo de «hacer de la cultura patrimonio de toda la nación»), el Finlandia Hall, el inmenso centro de conciertos y conferencias con aspecto de glaciar, y tanto la casa como el estudio de Aalto.

Como si el viento las hubiera doblado… sillas de Aalto. 

Fotografía: Fundación del Museo Finlandés de Arquitectura y Diseño.

En la exposición «Formas del Bienestar», los comisarios han ampliado la historia de Aalto para incluir la obra de su primera esposa, Aino, y de su segunda esposa, Elissa, ambas arquitectas de gran talento. La muestra también revela que las consideraciones experienciales —y el amor por la naturaleza— que Aalto aportó a sus edificios influyeron en su enfoque del mobiliario y los sistemas de iluminación: sus lámparas colgantes evocan colmenas y medusas, y sus sillas de madera parecen haber sido dobladas por el viento. «Mientras reconsideramos nuestra relación con la naturaleza y buscamos formas de vida más sostenibles, la obra de Aalto Studio ofrece una perspectiva valiosa», afirma Pilvi Kalhama, directora del Museo de Arquitectura y Diseño.

Villa Mairea, terminada en 1939, suele considerarse la obra maestra del diseño residencial de Aalto

Villa Mairea, interior

Como era de esperar, el estilo hogareño de Aalto también se aprecia en su casa de Munkkiniemi, el elegante y arbolado barrio de Helsinki, el equivalente a Hampstead. Terminada en 1936, la Casa Aalto es una serie de ventanales luminosos con vistas a un campo deportivo, un lugar tranquilo, solo interrumpido por el canto de los pájaros y bañado por la luz del día. Sus pinturas abstractas monocromáticas aún cuelgan de las paredes, y su sombrero Homburg permanece guardado en un armario.

Pionero del bienestar: una antigua habitación de paciente del Sanatorio de Paimio, convertida en una "sala de retiro" para visitantes. Fotografía: © Fundación Sanatorio de Paimio

En contraste, el Finlandia Hall, terminado en 1971 y considerado por muchos su mayor obra maestra, presenta a los visitantes a Aalto en su faceta más sinfónica. Estar en su sala de conciertos, una colección irregular de planos geométricos blancos sobre blanco, es como estar dentro de un cubo de hielo. Una renovación de 136 millones de euros entre 2022 y 2024 supuso el revestimiento de la fachada del edificio con mármol Lasa Bianco Nuvolato de la más alta calidad y la apertura de un espacio de exposición permanente dedicado a la vida y obra de Aalto.

Tras la independencia de Finlandia de Rusia en 1917, el entorno construido —y la huella de Aalto en él— desempeñó un papel fundamental en la configuración de una nueva identidad nacional. «Aalto no se limitó a crear un estilo nacional, sino que, a través de su obra, expresó valores que se asociaron estrechamente con la Finlandia moderna», afirma Pilvi Kalhama. «La funcionalidad, el propósito, la calidad estética y una visión progresista fueron elementos centrales de su arquitectura y diseño. Estas cualidades aún reflejan una actitud finlandesa más amplia hacia la vida cotidiana».

«A veces gruñón, pero en el fondo alegre y jovial»… Alvar Aalto. Fotografía: Pertti Ingervo

Como temían sus compatriotas, el éxito internacional de Aalto ha eclipsado en gran medida los logros de otros arquitectos finlandeses. Sin embargo, hoy en día, los finlandeses parecen menos agobiados por su legado. «Es prácticamente imposible crecer como arquitecto finlandés sin que Aalto forme parte de tu pensamiento. Pero eso no significa que todos queramos diseñar como él», afirma Asmo Jaaksi, socio fundador de JKMM Architects, estudio que rehabilitó y restauró la Casa de la Cultura de Aalto y que ganó el concurso internacional para diseñar el nuevo Museo de Arquitectura y Diseño en el puerto sur de Helsinki (con apertura prevista para 2030). «Lo que más admiro de Aalto es su independencia de pensamiento, su disposición a experimentar y su instinto para priorizar a las personas y la naturaleza. Creo que estaría bastante decepcionado si todos siguiéramos imitándolo».

Iglesia de la Cruz de la Llanura, Seinäjoki

En la cúspide de su carrera a mediados del siglo XX, Aalto pudo haberse sentido ofendido por supuestas ofensas, pero su descontento duró poco. «Aalto era un camaleón», afirma Sofia Nivarti. «A veces gruñón, pero a la vez jovial y alegre; a ratos temperamental y divertidísimo; a ratos egocéntrico y otras veces profundamente abnegado y generoso». Era imposible encasillarlo y sus edificios reflejaban las contradicciones de la experiencia humana.

Pronto, los finlandeses reconocieron su visión. En 1955, justo cuando botaba su barco, cuyo nombre resultaba irónico, Aalto fue elegido miembro de la Academia Finlandesa. «Es el único arquitecto en Finlandia que ha recibido este cargo», afirma Lindh. «Eso significa que la época de "nemo propheta in patria " había terminado».

La exposición Aalto Design – Shapes of Wellbeing se puede visitar en el Museo de Arquitectura y Diseño de Helsinki hasta el 3 de enero de 2027. El libro Studio Aalto, de Sofia Nivarti, será publicado por Yale University Press el 27 de octubre de 2026.

LOS HIJOS DE MAMÁ Y PAPÁ

 

Privilegiados: los hijos de familias influyentes conquistaron el mes de la moda.

Chloe Mac Donnell

Apple Martin debuta en la pasarela de Chloé durante la Semana de la Moda de París.

Fotografía: Kristy Sparow/Getty Images

Desde desfilar por las pasarelas hasta acompañar a sus famosos padres, los hijos de las celebridades marcan tendencia.

Las faldas de media melena y los sujetadores usados ​​como tops fueron dos de las principales tendencias del mes de la moda, que concluyó esta semana. Pero la mayor tendencia no tuvo nada que ver con la ropa. Desde Nueva York y Londres hasta Milán y París, los desfiles fueron la prueba definitiva del dominio de los hijos de famosos en la industria.

Ella Bleu, de 26 años, hija de John Travolta, debutó en la pasarela parisina en el desfile de Miu Miu. Apple Martin, de 22 años, hija de Chris Martin y Gwyneth Paltrow, desfiló para Chloé.

Mientras tanto, en el evento Vogue World celebrado en Milán, asistieron Matteo, de 29 años, hijo del tenor italiano Andrea Bocelli; Earl, de 26 años, hijo de Nick y Susie Cave; Ava Phillippe, de 27 años, hija de los actores Reese Witherspoon y Ryan Phillippe; y muchos otros hijos de famosos.

Ava Phillippe en Vogue World: Milano 2026 en la Galería Vittorio Emanuele II en Milán, Italia. Fotografía: Stefania M D'Alessandro/Getty Images para Vogue.

Mark Borkowski, consultor de relaciones públicas, describió el fenómeno de los bebés nacidos por enamoramiento como "un maravilloso cóctel de juventud, nostalgia y glamour heredado".

Fran Hoepfner, autora de *The Field Guide to Nepo Babies*, afirmó que era fundamental que un nepotista tuviera tanto una conexión familiar como una conexión directa o adyacente con la industria. «El simple hecho de tener padres ricos no convierte automáticamente a alguien en un nepotista», dijo. «Simplemente te da suerte».

Anteriormente, los hijos de personas famosas solían restar importancia a sus vínculos familiares o incluso cambiarse el apellido. Nicolas Cage nació con el apellido Coppola —su tío es el legendario cineasta estadounidense—, mientras que Angelina Jolie eliminó el "Voight" de su apellido en un intento por distanciarse de su padre actor, Jon Voight.

Ella Bleu Travolta desfilando para Miu Miu en la Semana de la Moda de París. 

Fotografía: Estrop/Getty Images

Según Borkowski, estamos presenciando la «industrialización de la fama heredada». Lo describió como un cambio cultural. «Durante años, la gente intentó escapar de la sombra de sus padres porque, en realidad, obstaculizaba su carrera. Ahora ya no se disculpan por sus privilegios».

Nicole Kidman llevó a su hija Faith Urban, de 15 años, al desfile de Chanel, mientras que la acompañante de Keri Russell, protagonista de The Diplomat, en el desfile de Louis Vuitton fue su hija Willa, de 13 años. Por otra parte, las supermodelos Karen Elson y Kristen McMenamy bailaron con sus hijas Scarlett Teresa White, de 20 años, y Lily McMenamy, de 32, en la pasarela de H&M .

Cuatro años después de que la revista New York declarara 2022 como el "año de los bebés por enamoramiento" , este auge no muestra signos de desaceleración. El atractivo para las marcas es simple: la elección de un hijo por enamoramiento capta instantáneamente la atención del público masivo.

Matteo Bocelli, hijo del tenor italiano Andrea Bocelli, en Vogue World. 

Fotografía: Valentina S Frugiuele/Getty Images para Vogue.

No se limita solo a la moda. Los créditos de la nueva película de Sentido y Sensibilidad parecen una lista de nepotismos. Esmé Creed-Miles, hija de Samantha Morton, interpreta a Marianne Dashwood, mientras que Eliot Sumner, hijo no binario de Sting, da vida al Sr. Palmer. Por su parte, Aran Murphy, hijo de Cillian Murphy, aparece en televisión como el hijo de Sharon Horgan en Youth, y Joe Anders, hijo de Kate Winslet, protagoniza la adaptación de Netflix de la novela de John Steinbeck de 1952, Al este del Edén.

“Es una herramienta de marketing”, dijo Borkowski. “Contratar a una modelo o actor desconocido es una cosa, pero contratar a la hija de una leyenda de Hollywood le da a una marca toda esa fama heredada y décadas de reconocimiento cultural”.

Internet ha sido fundamental para el fenómeno del nepotismo. En una época en la que cualquiera con un teléfono y acceso a internet puede hacerse famoso, ¿por qué no aprovechar esas raíces familiares ya conocidas? «No hace falta tener un talento innato para crear una base de fans», afirmó Borkowski.

Nicole Kidman con su hija Faith Urban en el desfile de Chanel en París. 

Fotografía: Swan Gallet/WWD/Getty Images

En 2023, Romy Mars, hija de la cineasta Sofia Coppola y del músico Thomas Mars, se hizo viral tras publicar que le habían prohibido salir de casa por haber intentado alquilar un helicóptero para cenar con una amiga utilizando la tarjeta de crédito de su padre.

En el vídeo, ahora eliminado, también reveló que no tenía previsto tener una cuenta en redes sociales. «No quieren que sea una hija de famosos, pero TikTok no me va a hacer famosa, así que da igual», dijo. Tres años después, ha acumulado casi 800.000 seguidores, ha protagonizado una película dirigida por su abuelo y ha publicado un álbum. Su primer videoclip fue dirigido por su madre.

Hoepfner describió el comportamiento de Mars como “pura perfección de niño mimado”. Afirmó que la generación actual “ha aprendido lecciones de sus compañeros millennials mayores, quienes o bien desviaron la atención o intentaron disimular sus privilegios con una falsa humildad”.

Por otra parte, Francesca Scorsese es una actriz y cineasta prometedora, pero son sus videos de TikTok protagonizados por su padre, Martin Scorsese, director de Goodfellas, los que le han granjeado millones de seguidores. En uno de ellos, le pide que identifique "artículos femeninos", incluyendo una copa menstrual, que Scorsese confunde con un recipiente para bebidas; en otro, lo pone a prueba con la jerga de la generación Z.

Aunque alguien intente dejar atrás su apellido, a menudo sigue aprovechándose de sus contactos. En enero, en una publicación de seis páginas en Instagram, Brooklyn Beckham anunció que rompía lazos con sus padres. Esta decisión lo catapultó a la fama. Borkowski describió la constante atención mediática como una mezcla entre «la casa de Gran Hermano y una telenovela», con los seguidores de cada miembro de la familia expectantes por ver qué sucedería a continuación.

Hoepfner dijo: “La verdad es que no hay nada que puedan hacer al respecto de ser hijos de famosos por nepotismo, así que bien podrían asumirlo. La mejor manera de hacerlo en este momento podría ser con descaro, con cierto estilo y elegancia, sobre todo si no lo lamentan de verdad”.