NIÑOS MENTALES ?

¿Son los "niños mentales" el futuro de la reproducción?

Laura Spinney

Ilustración: Elia Barbieri

Olvídese de los pañales sucios. En Silicon Valley, cada vez se habla más de la descendencia virtual.

Hace unos meses, un investigador de IA europeo asistió a una cena en Silicon Valley. Durante uno de los platos, el anfitrión se dirigió a sus invitados, todos ellos profesionales de la IA. El investigador parafraseó su mensaje así: «¿No es asombroso que seamos la última generación de humanos que tendrá que pensar en la procreación biológica? Tuvimos la suerte de nacer en una época en la que podemos simplemente transferir nuestra conciencia».

“No me lo esperaba”, me dijo el investigador. “Simplemente estaba disfrutando de mi pescado”.

Pero el anfitrión hablaba en serio. Sus palabras le parecieron al investigador el tipo de comentario que una persona bien informada podría haber hecho hace 100 años, una vez inventados los antibióticos: "¿No tenemos suerte de haber venido después ?".  De repente, todos los invitados hablaban de "cuidar a los niños", y el investigador se dirigió a su vecino para preguntarle qué significaba esa frase. "Él dijo: 'Ah, este es el libro', y '¿No lo has leído?', y '¡Dios mío, deberías leerlo!'".

¿Está la humanidad enfrentándose a su propio acto final?

El libro en cuestión era "Mind Children: The Future of Robot and Human Intelligence" de Hans Moravec, publicado por primera vez en 1988, y que en aquel entonces, según el economista y futurista Robin Hanson de la Universidad George Mason, causó gran revuelo en un ámbito reducido: la comunidad de expertos en robótica y aprendizaje automático a la que pertenecía Moravec.

El libro de Moravec es más un tratado filosófico que un manual tecnológico, pero la idea central es que la evolución cultural ha reemplazado hace tiempo a la evolución biológica como la fuerza más poderosa que moldea a la humanidad, y la extrapolación lógica de esto es que la información que codifica nuestro futuro yo pronto estará integrada en hardware y software en lugar de ADN. Estos niños mentales podrían tener cuerpos blandos y maleables, como los niños reales, pero también podrían adoptar un caleidoscopio de otras formas físicas, o incluso no físicas.

Moravec observó que las consecuencias últimas de esta revolución eran desconocidas, pero también parecía acogerla con beneplácito. En un siglo, escribió, existirían máquinas «de las que podríamos sentirnos orgullosos cuando se autodenominaran descendientes nuestras».

Hanson comparte su convicción de que la revolución es inevitable, tan pronto como la IA alcance lo que los expertos denominan inteligencia a nivel humano. «En el futuro, generaremos una explosión de seres semejantes a nosotros, que serán diferentes en muchos aspectos», afirma Hanson. «En la medida en que tengan mentes parecidas a las nuestras, son nuestros hijos mentales».

Angela Aristidou, investigadora del despliegue real de la IA en el University College de Londres, no se sorprende de que el libro de Moravec esté resurgiendo. Afirma que lo que en 1988 podría haber parecido ciencia ficción —y aún podría parecerlo para la mayoría— resulta perfectamente factible para quienes están al tanto.

La postura pronatalista de Elon Musk es la excepción entre los expertos en tecnología, señala, mientras que la idea de que el tiempo se agota para la reproducción biológica es mucho más común, y los presagios de esa profecía (quizás autocumplida) están a la vista de todos. Los asistentes a la conferencia Nvidia GTC de este año en San José, California, una importante conferencia sobre IA, pudieron ver, por ejemplo, un avatar de IA del CEO de Nvidia, Jensen Huang.

Luego está el fenómeno de los matrimonios entre humanos e IA. Obviamente, tales uniones no pueden producir descendencia biológica, pero dado que el humano en la relación generalmente ha creado a su pareja romántica ideal en la IA, Aristidou pregunta retóricamente: "¿Por qué no habrían de idear también a su hijo ideal?".

Al reflexionar sobre este futuro post-biológico, debemos ampliar nuestro concepto de "niño". La nueva entidad podría ser una IA que los padres humanos moldean con amor y en conjunto para fusionar las mejores características de sí mismos, como ya es técnicamente posible con la edición genética en la reproducción biológica. Sin embargo, dado que prescindiremos del nacimiento, la muerte y las generaciones, tal como se entienden habitualmente, también podría tratarse de algo completamente diferente.

Un ser humano podría simplemente transferir su propia conciencia para que sobreviva a su cuerpo físico, en cuyo caso el niño sería algo más parecido a un clon. El ser humano podría transferir parte de su conciencia a su compañero de IA, o, por el contrario, diseñar un compañero de IA que percibiera como su opuesto, creyendo que los opuestos se atraen. En todos los casos, surge una nueva entidad, pero la línea entre el yo, la pareja y la descendencia se difumina. Si esto suena incestuoso, recuerde que no existe riesgo de padecer las afecciones médicas asociadas con la endogamia, aunque sí podría haber otras.

Aristidou no duda de que las IA pueden enriquecer las relaciones humanas. Se ha demostrado que son útiles como asistentes en contextos terapéuticos, por ejemplo, o para superar la soledad. Pero le preocupa qué sucederá cuando las IA se conviertan en sustitutos humanos. Si un humano puede eliminar a su cónyuge IA, se pregunta: "¿Cómo puede funcionar eso como un matrimonio equitativo tal como lo entendemos?".

También le preocupa que surja una sociedad de dos niveles, en la que una élite experta en tecnología y con amplios recursos personalice sus creaciones de IA para lograr un alto realismo, manteniendo el control sobre su configuración y actualizaciones, mientras que el resto tenga que conformarse con productos más baratos y prefabricados que los dejan a merced de los desarrolladores, «como si hubiera tres entidades en esta relación: el humano, el compañero de IA y el desarrollador de IA». Entre los muchos problemas éticos, legales y prácticos que esto plantea, está la cuestión de si el desarrollador sería considerado co-padre de un hijo mental.

Hanson afirma que hay juristas y especialistas en ética que reflexionan sobre estas cuestiones, pero hasta que la sociedad no se tome en serio su futuro postbiológico, las medidas de protección que proponen no tienen ninguna posibilidad de ser debatidas, y mucho menos implementadas.

Nadie está abordando la que probablemente sea la cuestión más espinosa de todas: ¿se enfrenta la humanidad a su propio fin? Hanson afirma que la aparición de formas de vida más complejas no implica necesariamente la extinción de las más antiguas y simples; de lo contrario, no habría más bacterias en la Tierra. Pero si esta idea no resulta del todo tranquilizadora, siga el ejemplo de Moravec y céntrese en lo positivo. «Muy poco se perderá en este traspaso de poderes», escribió en 1988. «Nuestra descendencia artificial tendrá la capacidad, y será beneficiosa, de recordar casi todo sobre nosotros, incluso, quizás, el funcionamiento detallado de las mentes humanas individuales».

MARILYN, SU ÚLTIMA SESIÓN DE FOTOS.

'¿Y si salgo desnuda?' Marilyn Monroe y el desafío de su última sesión de fotos.

Kat Lister

Ya eres famosa, ahora me vas a hacer famosa a mí»… fueron las palabras que el fotógrafo Schiller le dijo a Monroe. Fotografía: Lawrence Schiller/Cortesía de Taschen y Holden Luntz Gallery

Con motivo del centenario de la estrella, Lawrence Schiller rememora la sesión de fotos desnuda que demostró que, lejos de ser una rubia explosiva "desaliñada", Monroe era una astuta controladora de su imagen. 

Pocos días después de rodar una sesión de fotos desnuda en una piscina durante el rodaje de la comedia de 1962, Something's Got to Give, Marilyn Monroe se subió a su T-Bird negro azabache y llevó a su fotógrafo, Lawrence Schiller, a la farmacia Schwab's en Sunset Boulevard. Schiller había traído sus negativos, listos para ser revelados. Y en su bolso, Monroe había traído sus tijeras, que tomó en ese momento y, bajo el resplandor de las farolas de aquel lugar, ahora legendario en Hollywood, comenzó a cortar la película en color.

“ Ziiiiiip , las que no le gustaban”, dice Schiller, animando el sonido. “Z iiiiiip ”. ¿Las destruyó? “Oh, sí, pero eso era parte del trabajo”, ríe el ahora octogenario, el último fotógrafo vivo de Monroe, mientras recuerda cuando tenía 25 años agachándose para recoger los restos y pensando: “Bueno, yo también habría matado esa ”. De hecho, habla de su edición con pura admiración: “No hubo una sola foto que ella destruyera que yo hubiera publicado”.

Dos meses después, Monroe falleció por, supuestamente, una sobredosis de drogas. En las seis décadas transcurridas desde entonces, quizás sea esta faceta negativa de Monroe la que ha sido minimizada en favor del mito: la supuesta rubia explosiva y "desordenada" que luchaba por controlarse y que fue constantemente moldeada por los demás.

Sin embargo, como escribe Rosie Broadley, curadora de la exposición de Monroe que está a punto de inaugurarse en la National Portrait Gallery de Londres, en el catálogo que la acompaña: «Monroe no solo actuaba, sino que también dirigía y se arrogaba el derecho de vetar cualquier imagen que no le gustara». Puede que Richard Avedon, Milton Greene y Bert Stern sostuvieran la cámara, pero Monroe fue fundamental para guiarla.

«Había que entender el trasfondo de Marilyn»… Lawrence Schiller en 2012. 

Fotografía: Stuart C Wilson/Getty Images

Esta pieza central de la exposición de la National Portrait Gallery, inaugurada a principios de este mes con motivo del centenario del nacimiento de Monroe, la muestra retrata no como una espectadora pasiva, sino como la artífice activa de su propia imagen. Según todos los testimonios, Monroe podía ser frágil, pero también tenaz y firme. Broadley afirma que su vitalidad era tan brillante que, con frecuencia, contrastaba con la realidad de su vida y sus dificultades cuando las cámaras se apagaban.

Schiller recuerda aquella vez, en la sesión de fotos en la piscina en mayo de 1962, cuando Monroe saltó al agua y, haciendo caso omiso de las órdenes del director George Cukor, nadó hacia donde la luz era mejor. En una toma, Monroe saca la pierna del agua y la engancha al borde de la piscina, como una ninfa resplandeciente. En otra, se quita la toalla lo justo para dejar al descubierto la parte baja de su espalda, como si fuera un violonchelo, esperando a ser tocado.

Antes de la sesión de fotos, Schiller recuerda que Monroe le dijo: "¿Qué pasaría si me tirara a la piscina con mi traje de baño, como dicen, pero saliera desnuda?". Él respondió: "Ya eres una mujer famosa. Pero si tomo esas fotos, me harás famosa a mí ". A lo que Monroe replicó: "No seas tan engreído, Larry. Podría despedirte en dos segundos". Se ríe. "Esa era la relación que tenía con ella: yo podía hacer una broma, y ​​ella podía responder con una broma más mordaz e incisiva, con mucho trasfondo. Y tenías que entender el trasfondo de Marilyn".

Es una idea subyacente que Eve Arnold, otra de las fotógrafas de Monroe, desarrolló, comparando a la estrella con una mujer en busca de su yo perdido, donde la fotógrafa parecía darle lo que le faltaba. Cuán pertinente resulta esta observación al contemplar las deslumbrantes instantáneas de Schiller donde aparece bañándose desnuda a la luz de la luna, mostrando una alegría que desmiente la difícil situación que atravesaba. Monroe se encontraba en caída libre aquel verano: un año después de su divorcio del dramaturgo Arthur Miller, su cirugía ginecológica y de vesícula biliar coincidieron con una aterradora estancia en una clínica psiquiátrica, además de una creciente dependencia del alcohol y los medicamentos recetados.

Como una ninfa resplandeciente… Monroe en la piscina. Fotografía: Lawrence Schiller/Cortesía de Taschen y Holden Luntz Gallery

A«Llegaba tarde al trabajo», recuerda Schiller. «Y el estudio decía que les costaba millones, mientras que gastaban millones en Cleopatra ». Esto nos lleva a otro trasfondo de Monroe en aquel entonces: Elizabeth Taylor, su romance con Richard Burton que llenaba los tabloides y el «desastre» de 44 millones de dólares que protagonizaban juntos y que casi llevó a la bancarrota a Twentieth Century Fox un año después. «Lo que tenía en mente», dice Schiller, «era: si hago esta sesión de fotos de cierta manera, voy a estar en la portada de todas las revistas del mundo, y Liz Taylor no».

Dejando a un lado la rivalidad, quizás sus juegos desnudos en la piscina también formaban parte de lo que Arnold denominó la fotografía como una forma de "devolverle su identidad". No se trataba simplemente de una competencia por ver quién era mejor, sino más bien de un complejo intento de reivindicación, que, a los 36 años, implicaba tanto recuperar el pasado como cualquier otra cosa.

«No me veo como una mercancía, pero estoy segura de que mucha gente sí», dijo Monroe en la última entrevista antes de su muerte, apenas unos meses después de esta sesión de fotos en la piscina. Esto me recuerda una conversación que tuve con el fotógrafo Douglas Kirkland en 2015, recordando una noche que pasó fotografiando a Monroe desnuda en la cama en 1961. En cierto modo, dijo, pensaba que ella disfrutaba tanto haciendo fotografías como películas. «¿Por qué?», preguntó. «Porque podía escribir el guion sobre la marcha. Podía hacer que las cosas sucedieran. Yo no le decía: "Gira aquí, gira allá, haz esto, haz aquello". Ella lo hacía sola. Esa era Marilyn».

Una vez más, esto evoca lo que la National Portrait Gallery ha denominado la «agencia creativa» de Monroe fuera del aparato del estudio, que le dictaba qué papeles interpretar, cómo lucir y dónde posar. Schiller coincide con esta perspectiva. «No creo que ningún fotógrafo lograra capturar a Marilyn, porque lo que capturaron fue lo que ella quería que capturaran. Quería ser el chapoteo en el agua conmigo. Quería ser el sueño en medio de la noche con Cecil Beaton. En resumen: ella controlaba la cámara».

Feliz cumpleaños a mí… Marilyn cumple 36 años en el set de rodaje de *Something's Got to Give*. Fotografía: Lawrence Schiller/Cortesía de Taschen y Holden Luntz Gallery

Sin embargo, lejos de las cámaras, la historia era muy diferente. En junio, pocos días después de que Schiller la fotografiara sonriendo radiante con su pastel de cumpleaños número 36, Monroe fue encontrada deprimida tras haber consumido muchos medicamentos recetados. Cinco días después, Twentieth Century Fox la despidió por ausencias reiteradas y la demandó por 750.000 dólares por incumplimiento de contrato. La película Something's Got to Give, sobre una mujer que regresa tras perderse en el mar, nunca se terminó.

Al conversar con Schiller, percibo su reticencia a exagerar el tiempo que pasó con la estrella tan cerca de su muerte. «Frente a la cámara», dice, «era alguien a quien yo debía capturar». Sin embargo, reconoce que siempre hubo algo distante, frágil y esquivo en ella. «Era como un ciervo en el bosque. Querías capturarlo antes de que alguien lo matara. Querías inmortalizarlo antes de que dejara de existir». Sintió esto en su última sesión fotográfica. «Querías fotografiarla antes de que alguna tragedia volviera a irrumpir en su vida».

El día antes de la muerte de Monroe, el 4 de agosto de 1962, Schiller visitó su casa en el barrio de Brentwood, en Los Ángeles. Ella estaba "allí afuera con las flores", recuerda, y hablaron sobre una posible portada de Playboy. "Entonces, a las cinco de la mañana, recibí una llamada de un amigo diciéndome que Marilyn había muerto. Pensé que era una broma". No lo era. "Subí al coche sobre las siete de la mañana y regresé. Para entonces, los medios habían rodeado la casa, el cristal de la ventana de su dormitorio estaba roto y estaban retirando su cuerpo, cubierto con una camilla".

Fue una muerte trágica, dice Schiller, y una a la que se sintió obligado a rendir homenaje. «La fotografía es parte esencial de mi vida», reflexiona. Y, al parecer, también lo era para esta mujer. Y lo sigue siendo. «Marilyn Monroe llegó a mi vida en 1960», escribió en sus memorias de 2021, Marilyn & Me, «y sigue siendo una presencia viva, extraordinaria y palpable». Su magia aún no se ha desvanecido.

MARILYN Y EL ESTRELLATO.

'La novia de América':  la compleja relación de Marilyn Monroe con el estrellato.

Matthew Cantor

En esta foto de archivo del 9 de septiembre de 1954, Marilyn Monroe posa sobre la corriente de aire ascendente de una rejilla del metro de Nueva York durante el rodaje de La tentación vive arriba. Fotografía: Matty Zimmerman/AP

La nueva exposición en el museo de la Academia de Los Ángeles presenta algunas de las pertenencias más íntimas de la estrella que nunca antes habían estado disponibles para el público.

Hay un momento inquietante en Marilyn Monroe: Hollywood Icon, una nueva exposición que se inaugura este fin de semana en Los Ángeles, donde algunas de las últimas palabras grabadas de la estrella emanan de las paredes de la galería.
Su voz, suave y modesta, proviene de una grabación de audio restaurada de su última entrevista, publicada en la revista Life el día antes de su muerte.

“Con la fama, puedes leer sobre ti mismo y sobre lo que otros piensan de ti, pero lo importante es cómo te sientes contigo mismo, para sobrevivir y vivir el día a día contigo mismo”, dijo Marilyn Monroe en 1962. “Me gusta la gente, pero el público me asusta”.

Es un momento que resume la compleja relación de Monroe con el estrellato y la tensión entre su vida pública y privada. Y si bien la exposición está repleta de vestuario espectacular y fotografías, son los objetos íntimos expuestos —cartas, notas, efectos personales— los que causan mayor impresión.

Fotografías de la exposición Marilyn Monroe: Icono de Hollywood, en el Museo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Los Ángeles. Fotografía: Emily Shur/© Fundación del Museo de la Academia

Fotografía: Emily Shur/©Fundación del Museo de la Academia

La exposición es una de las varias que se realizan este año —incluidas las del British Film Institute y la National Portrait Gallery de Londres— para celebrar el centenario de Monroe, y los comisarios colaboraron para garantizar que cada una fuera única, según Sophia Serrano, comisaria del evento del Academy Museum. 

Esta colección de vestuario, pertenencias, documentos y grabaciones multimedia se presenta con el estilo elegante y sofisticado característico del museo: un vestíbulo de entrada cuenta con una alfombra roja y una enorme pantalla de vídeo donde Monroe lanza besos al visitante; sus canciones suenan de fondo durante toda la exposición, que está decorada en rojo, con candelabros y cojines en forma de corazón, un guiño a su interpretación de Diamonds Are a Girl's Best Friend, así como a la imagen que proyectaban los estudios sobre ella, que la presentaban como la "novia de América", explica Serrano.

El vestido rosa que lució en esa escena —que, según señala Serrano, rara vez se ha exhibido en público— ocupa un lugar de honor. Otros objetos, como un vestido de la película Love Happy, así como varias cartas y fotografías, nunca han estado disponibles para el público. Entre los trajes más memorables se encuentra un elaborado conjunto de lentejuelas con una gran cola de plumas de una aparición benéfica en el Madison Square Garden, donde Monroe llegó montada en un elefante y anunció su nueva productora; en el otro extremo se encuentran los sencillos pijamas de La tentación vive arriba. El vestido blanco original, famoso por ondear al viento sobre una rejilla del metro en esa película, no aparece en la exposición, pero hay una réplica del mismo diseñador, William Travilla.

En una de las paredes cuelga un par de vaqueros de Monroe, con una leyenda que destaca su papel en la popularización de la ropa vaquera femenina. Son mucho menos llamativos que la mayoría de sus atuendos, pero, junto con una colección de sus pertenencias, que incluye un teléfono, una silla, guiones con anotaciones, una copa de vino y una agenda, ofrecen una visión fascinante de la vida privada de Monroe. Resultan especialmente impactantes las cartas y notas escritas por y sobre Monroe. Un par de páginas presentan las reflexiones de la actriz, escritas en forma de asociación libre: «Me da miedo decir algo sobre ella por temor a que piense que intento halagarla y, por lo tanto, atraparla para que me aprecie», garabateó en una nota rodeada con un círculo sobre una persona no identificada. En otro lugar, escribe: «Me doy cuenta de que la sinceridad a menudo se confunde con estupidez». En una carta manuscrita dirigida al director John Huston, Monroe, que tenía interés en el psicoanálisis, rechaza un papel en una película sobre Sigmund Freud , escribiendo: "Tengo información fidedigna de que la familia Freud no aprueba que nadie haga una película sobre la vida de Freud, así que no querría formar parte de ella".

Marilyn Monroe: Icono de Hollywood. Fotografía: Emily Shur/©Academy Museum Foundation

También existe un intercambio de telegramas entre el director Billy Wilder y el entonces esposo de Monroe, el dramaturgo Arthur Miller , en el que Wilder critica el comportamiento de Monroe en el set: «Su mayor problema es que no comprende los problemas de los demás». Miller le responde: «Tus chistes, Billy, no son lo suficientemente graciosos como para disimularlo. Eres un hombre injusto y cruel. Mi único consuelo es que, a pesar de ti, su belleza y humanidad brillan como siempre lo han hecho».

A lo largo de las galerías vemos cómo la preocupación por la imagen pública pesaba sobre la actriz; hay recortes de periódicos que ella misma hizo de artículos sobre sí misma y detalles de sus colaboraciones con diseñadores y fotógrafos favoritos (una imagen tiene una gran X pintada encima después de que la rechazara como posible portada de Vogue; en otra, después de las críticas a sus elecciones de moda, usa un vestido de saco de patatas). Un vídeo de apariciones en televisión sirve como recordatorio del impactante sexismo que sufrió, así como de su sentido del humor: cuando un entrevistador fuera de cámara le pregunta si pesa lo mismo que en un evento anterior, ella dice que es la misma, "pero es un traje diferente". Otra voz pregunta: "¿Eres una chica feliz ahora?". Su respuesta: "Eh".

Aun así, era más que capaz de transmitir felicidad, tanto en la pantalla como en la vida real. «Durante horas bailó, cantó y coqueteó; era como Marilyn Monroe», señala el fotógrafo Richard Avedon en una cita grabada en una pared de la exposición. «Y cuando la noche terminaba... se sentaba en un rincón como una niña, con todo olvidado».

Marilyn Monroe: Icono de Hollywood. Fotografía: Emily Shur/©Academy Museum Foundation

En la entrevista con Life, cuenta que su infancia fue difícil, pero que encontró alegría en la imaginación y el juego. «Entonces oí a alguien decir: "Eso es actuar". Y yo dije: "¡Eso es lo que quiero ser!"», afirma.

“Pero luego creces y te das cuenta”, dice con una risa amarga, “de que te lo ponen muy difícil para jugar”.

La exposición Marilyn Monroe: Icono de Hollywood estará abierta del 31 de mayo de 2026 al 28 de febrero de 2027.

TECNOLÓGICAS: LA MODA EN MANOS DEL DIABLO

 

Las grandes tecnológicas se han infiltrado en el mundo de la moda.

Hannah Marriott

Anna Wintour y Lauren Sánchez Bezos asisten a la rueda de prensa de la Gala del Met 2026 en el Museo Metropolitano de Arte el 4 de mayo de 2026 en la ciudad de Nueva York. Fotografía: Roy Rochlin/Getty Images 

Anna Wintour ha recibido a los Bezos —y su patrocinio— con los brazos abiertos. Pero tras una polémica Gala del Met, los expertos del sector se muestran menos entusiasmados.

La rueda de prensa de la exposición de primavera del Met Costume Institute siempre es un evento solemne, pero este año parecía más bien un discurso de una "dama feudal a sus siervos" o, quizás, de "María Antonieta en los últimos días de Versalles". Allí, entre las espectaculares esculturas de mármol del ala estadounidense del museo, se encontraba una radiante Lauren Sánchez Bezos, a quien Anna Wintour presentó como una "fuente de alegría", antes de añadir que "ella y su marido, Jeff, han demostrado con este evento que realmente les importa contribuir a la sociedad". 

Mientras tanto, en el mundo exterior, las protestas contra la participación de los Bezos llevaban días en pleno apogeo. La discrepancia entre lo que se decía en la calle y el respeto que se respiraba en la sala de techo de cristal era desconcertante.

La Met Gala se ha convertido recientemente en un foco de protestas contra los excesos, pero esta fue la más polémica hasta la fecha, debido al patrocinio de 10 millones de dólares de sus copresidentes honorarios, los multimillonarios Jeff Bezos y Lauren Sánchez Bezos. No era la primera vez que Jeff Bezos financiaba la gala: Amazon fue su principal patrocinador en 2012. Sin embargo, el evento de este año se celebró en un momento de creciente desigualdad, ya que la fortuna personal de Bezos ha crecido exponencialmente y sus decisiones para congraciarse con Donald Trump lo han vuelto menos popular que nunca entre la élite neoyorquina de la moda y las artes, de tendencia progresista.

En protesta por la gala, el grupo Everyone Hates Elon proyectó entrevistas con trabajadores descontentos de Amazon en la fachada del ático de Bezos en Manhattan y distribuyó 300 recipientes de orina falsa dentro del museo, para destacar los informes de los conductores de Amazon sobre tener que trabajar tan sin descanso que deben orinar en botellas. 

Parte del rechazo provino de los propios expertos en moda: la exeditora de Vogue EE. UU., Gabriella Karefa-Johnson, copresentó un evento rival, Ball Without Billionaires, donde trabajadores de Amazon desfilaron en la pasarela, y rechazó un trabajo con un cliente ideal para boicotear el evento. «La moda siempre ha tenido talento para el lavado de imagen. En estos momentos, envuelve a los individuos más siniestros en seda, bajo el cálido resplandor de las luces intermitentes, y logra convencernos de que es cultura. Esto no es nuevo. Pero tengo mis límites», escribió Karefa-Johnson en su Substack.

Una persona coloca carteles instando a boicotear la Met Gala financiada por Bezos en la ciudad de Nueva York el 15 de abril de 2026. Fotografía: Angela Weiss/AFP/Getty Images

Otra línea de críticas provino de una fuente muy inesperada: El diablo viste de Prada 2, una película cuya icónica editora, Miranda Priestly, se inspiró en la propia Wintour. Estrenada unos días antes de la gala, su trama, inquietantemente obvia, se centraba en los intentos del magnate tecnológico Benji Barnes por comprar la revista Runway, que estaba en decadencia, para su novia, Emily. Si bien Barnes es un personaje ficticio, tiene ciertas cualidades similares a las de Bezos, incluyendo su transformación tras el divorcio (en la película, impulsada por Sculptra, Ozempic e inyecciones de testosterona), y la historia se hace eco de rumores infundados de que Bezos quiere comprar Vogue para su esposa.

 Barnes pronuncia un monólogo escalofriante sobre la IA, anticipando un mundo donde la revista se publicará sin intervención humana. "El futuro simplemente se nos viene encima como la lava de Pompeya", dice, encogiéndose de hombros, mientras Priestly, la villana de la primera película, se resiste heroicamente. Critica duramente los intentos de Emily por entrar a la fuerza en Runway utilizando el dinero de su pareja con una pulla muy al estilo de Priest: "No eres una visionaria, eres una vendedora".

Según la guionista Aline Brosh McKenna, la similitud de la trama con rumores reales es una coincidencia; pero elegir a un oligarca voraz de Silicon Valley como tirano de la clase alta de la moda en una de las películas más taquilleras del año también refleja el espíritu de la época. La reacción cultural ha sido tal que cabe preguntarse si la creciente relación de la moda con los magnates tecnológicos acabará por romperse.

La Met Gala desempeña un papel único en la cultura de la moda, al ser la única gran alfombra roja anual que permite a los diseñadores dar rienda suelta a sus instintos más audaces y creativos; por eso los vestidos son mucho más arriesgados, y a veces hilarantes, que los de los Óscar. 

La gala también financia el Costume Institute del Met, una de las colecciones de ropa histórica más grandes y completas del mundo, y sus exposiciones, la más reciente de las cuales, Costume Art, contó con la participación destacada de Sánchez Bezos (y su dinero). Este año, la gala recaudó 42 millones de dólares. Las entradas costaban la escalofriante cifra de 100.000 dólares, frente a los 35.000 de 2022, un aumento que coincide con una lista de invitados cada vez más orientada al sector tecnológico, que incluía al cofundador de Google, Sergey Brin, Mark Zuckerberg y personal de OpenAI. Cualquier insinuación de que Bezos, Brin y Zuckerberg, quienes se han aliado con Trump mientras su administración recortaba la financiación de las artes, asistieron a la Met Gala porque les importa la preservación de prendas de archivo resulta un tanto ridícula.

Jeff Bezos y Lauren Sánchez Bezos asisten a la Gala del Met de 2026. 

Lo que los magnates tecnológicos buscan en la moda, al parecer, es prestigio cultural. Para los Bezos, el evento es solo el último paso en una campaña constante para ganar reconocimiento en el mundo de la moda, gran parte de ella facilitada por la revista Vogue estadounidense. La revista publicó un elogioso perfil de Sánchez Bezos en 2023 y reforzó ese respaldo con una portada digital de su boda en 2025. En los últimos seis meses, la pareja ha asistido en primera fila a los desfiles de la Semana de la Moda de París y ha anunciado donaciones de decenas de millones de dólares en subvenciones y becas destinadas a tejidos sostenibles. Wintour, quien dejó su puesto como editora de Vogue estadounidense en 2025 para asumir un cargo más importante en la editorial Condé Nast, continúa supervisando la Gala del Met. Tiene un historial de incorporar al mundo de la moda a personas que considera cultural y comercialmente influyentes —Kim Kardashian, por ejemplo— incluso cuando la opinión pública argumenta que no se han ganado ese prestigio.

La industria suele coincidir con la visión de Wintour. De hecho, muchos diseñadores de renombre han trabajado con Sánchez Bezos, entre ellos el "arquitecto de imagen" Law Roach y Schiaparelli, quien la vistió para la Gala del Met con su estética preferida centrada en el escote y la figura de reloj de arena (aunque, significativamente, en Instagram, ninguno parece haber publicado una imagen de su trabajo).

Tras la gala, los expertos en moda con los que hablé expresaron su continua incomodidad por el patrocinio de Bezos, que consideraban decepcionantemente representativo de la dirección que está tomando Condé Nast, que recientemente cerró su publicación más progresista, Teen Vogue. También les decepcionó que tantas celebridades, normalmente muy activas políticamente, asistieran a la gala a pesar de la polémica. (Entre quienes desfilaron por la alfombra roja se encontraban Anne Hathaway, Bad Bunny, Rihanna, Margot Robbie, Beyoncé, Nicole Kidman y Venus Williams. Taraji P. Henson y Mark Ruffalo fueron de los pocos que publicaron vídeos en contra de Amazon; los informes de los medios sobre boicots por parte de Meryl Streep y Zendaya no fueron confirmados).

Pero entonces, las personas con las que hablé no se sentían capaces de expresarse. Un creativo del mundo de la moda me dijo que el evento le había parecido "horrible" y "de mal gusto". "Si por mí fuera, sería el fin de la Met Gala", dijo, pero no quería criticar a sus buenos amigos —diseñadores y estilistas— que habían trabajado en los looks de la alfombra roja. Otra diseñadora emergente, cuyo trabajo apareció en la exposición de primavera del Costume Institute, me dijo que no se enteró de la participación de los Bezos hasta mucho después de haber empezado a trabajar en el desfile. Se sentía profundamente ambivalente al respecto, preocupada de que la estuvieran utilizando como un símbolo, "porque sabemos que a los Jeff Bezos de este mundo no les importa lo que tengan que decir las personas sin recursos". Finalmente, decidió que no podía rechazar la exposición. "Es muy difícil intentar luchar contra esto antes de tener el poder de cambiar las cosas".

Sergey Brin, cofundador de Google, asiste a la Gala del Met de 2026. 

Fotografía: Taylor Hill/Getty Images

La situación en el mundo de la moda es desalentadora, afirmó. Una de las razones por las que los multimillonarios tecnológicos están de moda es que muchas marcas de lujo —los patrocinadores habituales de exposiciones como la del Met— están pasando por dificultades . El año pasado, Burberry anunció planes para recortar 1700 puestos de trabajo, mientras que Kering, propietaria de Gucci, Saint Laurent y Balenciaga, cerró 133 tiendas. «Es duro ver cómo personas que han trabajado durante años en la industria, que deberían estar protegidas y que han aportado tanta creatividad, son despedidas y pierden su trabajo», declaró la diseñadora. «Y, por el momento, gente como los Bezos son los únicos que financian esto».

A pesar de las críticas, Amy Odell, periodista de moda y autora del boletín Back Row , no cree que los multimillonarios tecnológicos vayan a desaparecer. No se cree los rumores de que Bezos adquiera Vogue, pero existen muchas otras razones por las que querría formar parte de la industria de la moda. Amazon lleva tiempo intentando acercarse al mundo de la moda de lujo, enfrentándose a veces a rechazos altivos (el director financiero de LVMH, Jean-Jacques Guiony, declaró en 2016 que «el negocio de Amazon no encaja con LVMH, punto»).

Y, por supuesto, está el glamour. Quizás los Bezos estén cortejando a la moda porque "les resulta divertido", especuló Odell. "Él está pasando por una crisis de la mediana edad y se está renovando la ropa. Su esposa quiere ser fotografiada y estar en el centro de atención". En una economía de la atención dominada por los oligarcas, teorizó, "las personas más influyentes del sector tecnológico" se están convirtiendo en las Kardashian. "Generan publicidad. Creo que la moda seguirá acogiéndolas. La cuestión es si llegarán a normalizarse como lo hicieron las Kardashian".

Hay aún más razones por las que quienes están en la cima de la industria de la moda estarían deseosos de que esto sucediera. Para empezar, Sánchez Bezos es lo que Odell describe como un "cliente muy importante", uno de los "2% de compradores de lujo que representan el 40% de las ventas; ese es el pan de cada día para las marcas de lujo, no los clientes aspiracionales". Condé Nast, por su parte, vería a Bezos como un aliado, ya sea por donaciones al estilo de la Met Gala o por acuerdos como el reciente que permite a Amazon extraer contenido de las publicaciones de Condé para podcasts generados por IA .

Ya sea porque la gala se ha vuelto tan compleja e polémica, o porque Wintour, de 76 años, se jubilará algún día, el Costume Institute parece estar considerando su próximo paso. Su curador principal, Andrew Bolton, declaró al New York Times que para 2028 o 2030 el instituto habrá ahorrado suficiente dinero en un "fondo de dotación" como para no necesitar más el apoyo de la gala anual. Bolton dijo: "La Met Gala es extraordinaria, pero a veces eclipsa todo lo demás", y agregó que la dependencia del departamento de ella le parecía precaria. "¿Qué pasaría si hubiera otro desastre mundial y la gente dijera: 'No puedo ir a una fiesta'?" Cada año, dijo, la gala se ha vuelto más grande y de mayor repercusión, y "llegará un punto en que eso no será sostenible".

Anne Hathaway asiste a la Gala del Met de 2026. Fotografía: TheStewartofNY/Getty Images

Dicho esto, Odell menciona una entrevista en un podcast posterior a la gala con el director ejecutivo de Condé Nast, Roger Lynch, en la que afirmó que la controversia de este año fue «buena… ¡la intriga en torno a este evento no deja de crecer!». Quizás, añadió Odell, «confían en que la memoria de internet sea frágil. Quizás simplemente no les importa, porque no hablan con la gente común».

Si es cierto que quienes están en la cima de la industria no pueden oír en absoluto las quejas de la gente común, es fácil imaginar que la gala, y la industria del lujo que representa, se adentrará cada vez más en el mundo de los oligarcas, con los magnates tecnológicos desempeñando todos los papeles protagonistas.

Llegado ese punto, los creativos cuyas ideas y brío siempre han impulsado la industria de la moda quizás no quieran aplaudirlos. Quizás quieran devorarlos.

KEITH HARING HA VUELTO

 

Louis Vuitton revive la colaboración con Keith Haring en un fastuoso desfile en Nueva York.

Jess Cartner-Morley

Motivos de Keith Haring reinterpretados por Nicolas Ghesquière para Louis Vuitton. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

La última colección de Nicolas Ghesquière combina la elegancia de la zona alta de la ciudad con la cultura pop y el estilo callejero del centro.

El atractivo de viajar con estilo contribuyó a convertir a Louis Vuitton en la casa de lujo más grande del mundo, y no se escatimaron gastos para un viaje a Nueva York con el fin de presentar la última colección de Nicolas Ghesquière.

La primera modelo desfiló por la pasarela luciendo una maleta Louis Vuitton de 100 años de antigüedad en la que el artista Keith Haring había dibujado varios de sus característicos monigotes en 1984. Rescatada de los archivos de Vuitton, la maleta anunciaba una colaboración con los herederos de Haring que incluirá el clásico bolso LV Speedy reeditado con los bebés bailarines y los perros ladrando del artista.

La exposición tuvo lugar en las suntuosas galerías de mármol de la Colección Frick de Manhattan, que alberga obras maestras de Ingres, Rembrandt y Vermeer; un honor que se recompensó con un patrocinio de tres años, en el que Louis Vuitton se comprometió a financiar las exposiciones, el acceso del público y un puesto de curador en la galería. A partir del próximo año, las veladas mensuales de entrada gratuita del museo pasarán a llamarse Viernes Gratuitos Louis Vuitton.

Vestidos esculturales en colores vibrantes en la pasarela. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

El glamour neoyorquino de antaño se fusiona con el estilo urbano contemporáneo. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

El fallecido Keith Haring junto a un tramo del Muro de Berlín que pintó con uno de sus característicos bebés gateando, en Berlín, 1986. Fotografía: Elke Bruhn-Hoffmann/AP

Bolsos originales y toques de color. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

Zendaya, Emily Blunt, Anne Hathaway, Cate Blanchett y Oprah Winfrey, sentadas en primera fila, recordaron que Louis Vuitton sigue superando en ventas a sus competidores, mientras que los motivos de Haring —y la participación de la música Alana Haim como modelo— subrayaron la continua capacidad de Ghesquière para sorprender. Ghesquière afirmó que no solo se inspiró en el arte de Haring, sino también en sus «maravillosos valores, como pionero de la unidad y la liberación para tantas personas».

Keith Haring, el artista que encontró en el metro de Nueva York : "un laboratorio de ideas".

El diseñador se divirtió con el contraste entre la ostentación del Upper East Side de la Frick Collection y Haring, quien se hizo famoso por sus bocetos ilegales con tiza en las estaciones de metro de Nueva York. Louis Vuitton, fundada como fabricante de baúles de lujo para pasajeros de primera clase, ahora cobra más de 2000 libras por un bolso.

Sin embargo, su poder reside en el reconocimiento universal que la distingue de otras marcas de élite y le asegura un lugar en la cultura popular. "El punto de partida de esta colección fue la tensión que existe en Nueva York entre la zona alta y la zona baja", dijo Ghesquière. "Quería celebrar esa dualidad".

Zendaya posa para la cámara. Fotografía: Evan Agostini/AP

Las actrices Cate Blanchett y Zendaya. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

Calzado inspirado en Haring. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

El desfile fue una celebración de Nueva York como experiencia de la cultura pop, con bolsos con forma de cajas de comida para llevar, discos y latas de refresco. El centro de la ciudad estuvo representado por fabulosos vaqueros —el denim es la prenda informal estadounidense por excelencia—, mientras que las sedas ricamente plisadas y las gargantillas llamativas evocaban a la élite neoyorquina que antaño vivía y celebraba fiestas en el Frick cuando era una residencia privada.

“Lo especial de este lugar es que se pueden sentir los fantasmas”, dijo Ghesquière. “No solo en el arte, sino también en los muebles, los objetos, el estilo de vida”.

Rose Coffey, analista sénior de prospectiva en Future Laboratory, señala que la cultura de la ciudad y el modelo de negocio de Louis Vuitton comparten un amplio atractivo demográfico. 

La fusión entre moda y arte —un elemento clave en los calendarios de los museos, con exposiciones como la actual muestra de Schiaparelli en el V&A— fue impulsada por Louis Vuitton en 2001, cuando el diseñador Marc Jacobs colaboró ​​con Stephen Sprouse en bolsos con monogramas de estilo grafiti que se convirtieron en objetos de colección. 

Posteriormente, Takashi Murakami y Yayoi Kusama añadieron sus motivos característicos —cerezas y puntos, respectivamente— a los bolsos de Louis Vuitton.