MISTERIOS DE NUEVA YORK

Los rumores de oro perdido impulsan incursiones clandestinas en las alcantarillas de Nueva York

Adam Gabbatt

Los informes sobre misteriosas bandas de espeleólogos que exploran las alcantarillas han mantenido a los neoyorquinos en vilo durante el verano. 

Una detención reciente sugiere que los intrusos que invaden el sistema de alcantarillado de la ciudad son atraídos por la promesa de recuperar objetos de valor perdidos.

Hay algo en particular que ha intrigado a los neoyorquinos este verano: la existencia y el paradero de los llamados " hombres topo ", un misterioso grupo de individuos que pasan al menos parte de su tiempo vagando por las alcantarillas de la ciudad.

Esta semana, los neoyorquinos conocieron un poco más sobre este fenómeno cuando dos hombres fueron sorprendidos in fraganti, tras supuestamente salir de un túnel en Manhattan. Sus arrestos han arrojado luz sobre una serie de casos en los que se ha visto a personas levantando tapas de alcantarilla y metiéndose en túneles subterráneos.

Samuel Reveron y Kevin Rodriguez fueron detenidos en Queens después de que la policía los localizara gracias a las grabaciones de vídeo. Al parecer, se les vio entrando en las alcantarillas con otras cuatro personas, que aún no han sido identificadas

Ambos fueron acusados ​​de allanamiento de morada, pero lo que ha resultado particularmente fascinante es el motivo que dieron para su aventura. “Nos metemos en las alcantarillas y buscamos objetos de valor que se quedan atascados en los desagües pluviales y las alcantarillas, oro, cualquier cosa de valor”, declaró Reveron, de 25 años, a la policía tras su detención.

La búsqueda de la banda encaja con un patrón aparentemente erróneo de personas que creen que las alcantarillas de Nueva York están pavimentadas de oro. El año pasado, tres hombres fueron arrestados tras ser supuestamente vistos saliendo de una alcantarilla en Brooklyn. Uno de ellos declaró a la policía : «Bajamos allí porque la gente pierde su oro en esas alcantarillas. Tenemos que recuperarlo y venderlo para ganar dinero».

A pesar de esa ambición desmedida, hay pocas pruebas de que la búsqueda de objetos en las alcantarillas sea un negocio lucrativo. Steve Duncan, un antiguo explorador urbano que ha pasado mucho tiempo en las alcantarillas y los túneles del metro de Nueva York, declaró al New York Times que, en más de cien viajes a las alcantarillas, lo más valioso que encontró fue una tarjeta de crédito caducada.

Sin embargo, la afición por explorar las alcantarillas persiste. En mayo de este año se registraron tres incidentes distintos de personas que descendieron a las alcantarillas, dos de los cuales fueron grabados en video . En las imágenes del primer incidente, tres personas, vestidas con botas altas de estilo vaquero y portando linternas, caminan hacia el medio de la calle en Astoria, Queens. Apartan una lona circular y descienden a la oscuridad de la alcantarilla.

“Tres tipos cualquiera paseando con trajes extraños. Abren la alcantarilla y entran como las Tortugas Ninja”, declaró en aquel momento el testigo presencial Aki Jakupovic a NBC Nueva York.

Jakupovic no es el primero en hacer la comparación con las Tortugas Ninja, un grupo ficticio de híbridos humano-tortuga que, a través de un cómic, una serie de dibujos animados y una película, viven en las alcantarillas. Según la historia oficial, las tortugas mutaron en humanoides tras ser expuestas a una sustancia verde tóxica. Posteriormente, un gran ratón las entrena en artes marciales.

Las tortugas, que son hermanos, luchan contra el crimen y se cruzan frecuentemente con un hombre llamado Shredder y sus cómplices Bebop, un jabalí mutante, y Rocksteady, una especie de rinoceronte. También se topan con Krang, una criatura alienígena amorfa que vive en un robot.

Si bien parece haber habido un aumento en los incidentes relacionados con las alcantarillas este año, no se trata de un fenómeno nuevo. En 2015, un aprendiz del departamento de protección ambiental de Nueva York fue arrestado tras ser sorprendido en las alcantarillas, y el año pasado tres hombres fueron arrestados tras ingresar al sistema de alcantarillado en Brooklyn, supuestamente en un intento por encontrar oro.

“Solo Dios sabe qué buscaban. Sé con toda seguridad que yo no me arrastraría por las alcantarillas de Nueva York, pero estos tres evidentemente buscaban algo”, declaró en aquel momento a los periodistas Bill Bratton, entonces comisionado de policía de Nueva York.

La escapada de Reveron y Rodríguez en septiembre podría haberse considerado una simple anécdota, pero la policía parecía estar especialmente interesada porque coincidió con la reunión de líderes mundiales en la ONU, algunos de los cuales se alojaban en hoteles de lujo cerca de donde los dos hombres se escondieron.

Brian Kennedy, abogado de Reveron, desestimó esas preocupaciones cuando habló con NBC News .

«No parece un caso muy serio», declaró Kennedy a NBC News. «Entiendo que resulte extraño que se alegue que entró en la alcantarilla. Pero no hay ninguna conexión con la ONU, ni con la presencia de Netanyahu, ni con ningún otro tipo de plan nefasto».

Es extraño y peligroso, declaró Rob Wolejsza, portavoz del Departamento de Protección Ambiental de Nueva York. Wolejsza afirmó que era ilegal y extremadamente peligroso entrar en las alcantarillas, y añadió: «Las alcantarillas pueden contener numerosos peligros, como gases tóxicos y potencialmente mortales, superficies inestables, riesgo de inundaciones y espacios confinados. Por estos motivos, nadie debería entrar jamás en una tubería, desagüe, alcantarilla, pozo de registro o emisario submarino».

Queda por ver si la gente hará caso. El mismo día en que arrestaron a Reveron y Rodríguez, otros tres hombres fueron vistos saliendo de una alcantarilla a las 4:30 de la madrugada en Bensonhurst, al sur de Brooklyn.

Según informó ABC7NY , la policía encontró una pala en la alcantarilla, pero los hombres lograron escapar.

MAGRITTE, ESE GENIO INEXPLICABLE

 

Magritte: Esto todavía no es una pipa: el surrealista que satirizó a Freud.

Jonathan Jones

Freud seguramente diagnosticaría un miedo a la impotencia… La lámpara filosofal, de René Magritte, 1936.Fotografía: © 2026 C. Herscovici/Artists Rights Society (ARS), Nueva YorkPhotograph: © 2026 

.

Con sus ingeniosos acertijos, al belga le encantaba satirizar tanto el psicoanálisis como el surrealismo, y de vez en cuando pintaba basura para fastidiar a su familia. ¡Menudo personaje!

René Magritte es el más inexplicable de los artistas. Es mucho más difícil comprenderlo que a grandes figuras modernas supuestamente complejas como Cézanne o Picasso. Al fin y al cabo, el cubismo es un intento perfectamente racional de capturar la complejidad de la realidad. ¿Pero Magritte? Él te confronta con misterios deliberados. Esta exposición presenta ejemplos selectos de su magia en contraste con el arte moderno y está repleta de tesoros peculiares e inesperados que dan giros novedosos y perversos a tu admiración por Magritte.

Un cuadro de nubes blancas y esponjosas me cautivó al otro lado de la galería y aún permanece inefable en mi mente. Es impactante por su sutileza y maestría pictórica. Si crees que Magritte creó sus imágenes surrealistas con un estilo deliberadamente plano, incluso banal, piénsalo de nuevo. Esta sencilla pintura de nubes en el azul del mar está llena de sombras suaves y luz etérea, una visión de la naturaleza brillantemente observada, al estilo de Gainsborough, Constable o Hockney.

Esto no es el cielo… La Maldición, de René Magritte, 1931.

 Fotografía: © 2026 ADAGP, París y DACS, Londres.

Excepto que no lo es. Por muy inocentes que parezcan estas nubes, por muy reales que parezcan, no son tal cosa. No son nubes. Esto no es el cielo. Y la luminosidad del cuadro queda totalmente socavada por su título: La maldición. Magritte lo pintó en 1931, en pleno apogeo del surrealismo, el movimiento artístico revolucionario que, a partir de los escritos psicoanalíticos de Sigmund Freud, extrajo la idea de que nada es inocente y ninguna imagen es simplemente lo que parece.

Todo puede ser un símbolo, y probablemente uno subido de tono. Una pipa. O una nariz. El autorretrato de Magritte de 1936, La lámpara del filósofo, combina ambos en una absurda imagen metafreudiana: su nariz se transforma en un tubo carnoso que se curva hacia la cazoleta de su pipa, mientras una vela se retuerce con un movimiento ceroso y serpenteante alrededor de la rígida pata de la mesa. Freud seguramente diagnosticaría un miedo a la impotencia, pero la pintura lo hace tan evidente que resulta cómico. Magritte satiriza el psicoanálisis y el surrealismo mismo por su excesiva lógica en la interpretación de los símbolos.

El movimiento surrealista surgió en París tras la Primera Guerra Mundial, impulsado por poetas y artistas traumatizados por la matanza, que buscaban una renovación creativa refugiándose en sueños y fantasías eróticas. Magritte se convirtió en el máximo representante belga del movimiento, pero lo llevó al límite, a un nivel mucho más complejo y difícil de descifrar.

Le Lieu commun (El lugar común) de René Magritte, 1964. 

Fotografía: © 2026 ADAGP, París y DACS, Londres

Ese cambio filosófico se encuentra en La interpretación de los sueños, una obra maestra moderna prestada por su propietario, el gran (y filosófico) artista estadounidense Jasper Johns. El título en inglés que se utiliza aquí la relaciona directamente con el libro más famoso de Freud, aunque su título original en francés, La Clef des Songes, se traduce como La llave de los sueños. En cualquier caso, esta pintura de 1935 sugiere que los sueños y la realidad son igualmente extraños y que ninguno puede explicarse mediante el complejo de Edipo. Cuatro objetos se muestran sobre un fondo neutro en secciones separadas. Una cabeza de caballo está etiquetada como «la puerta»; una esfera de reloj como «el viento»; debajo de una jarra blanca se lee «el pájaro». Sin embargo, en la esquina inferior derecha, una maleta se identifica correctamente como «la valise».

Es esto último lo que convierte esto en una inquietante demolición de la realidad, más que en una simple fantasía. Si todas las imágenes que vemos en sueños fueran fantásticamente erróneas, sería divertido, pero, según Magritte, una de cada cuatro veces el sueño es real. No se pueden ignorar los sueños ni comprenderlos. Estás perdido.

Pero si bien Magritte rechazaba la excesiva confianza psicoanalítica en la posibilidad de descifrar los sueños, no tenía ningún problema en recordar las pesadillas más vívidas y espantosas. En El placer, una niña se come un pájaro, y en La sala de escucha, una manzana gigante llena por completo una habitación, con su brillante cáscara verde presionando monstruosamente contra las paredes y el techo.

Aquí se encuentran numerosas conexiones con el arte moderno: ¿cuántas instalaciones han evocado esa manzana que devora el espacio? Pero el punto más débil de esta exposición reside en su intento de vincularse con los artistas contemporáneos. Un tren y Aqualung de Jeff Koons, un desnudo de Sarah Lucas de aspecto desgarbado, una obscena estatua de madera de una mujer interactuando con ositos de peluche de Isabelle Albuquerque: estas obras resultan unidimensionales en comparación con los enigmas de Magritte. Gagosian ha hecho un trabajo brillante al apropiarse de su obra, pero cae en la superficialidad comercial al elegir a sus supuestos contemporáneos del siglo XXI.

¿Quién habrá hecho esta basura?, me pregunté, frente a un ridículo garabato caricaturesco de tres piernas pavoneándose independientemente, una con nariz roja, bigote y tocado de plumas, otra fumando en pipa, todo pintado con horribles colores babosos. Entonces vi la firma: Magritte. Este y un par de garabatos igualmente chillones pertenecen al período de la "Vache" (vaca) de Magritte, cuando pintaba deliberadamente cuadros malos y estúpidos para molestar a su familia, amigos y admiradores.

¡Vaya personaje! Podía pintar como Jan van Eyck cuando quería, pero a veces prefería pintar como un idiota torpe. Magritte era demasiado inteligente para respetar nada, y menos aún el arte.

La exposición «Esto todavía no es una pipa: El legado de Magritte» se puede visitar en la galería Gagosian de Londres del 24 de septiembre al 12 de diciembre.

RENOIR Y EL AMOR

 

 Renoir y el amor

Jonathan Jones

Una maravilla frágil y parpadeante... Danza en el Moulin de la Galette, 1876, de Pierre-Auguste Renoir. Fotografía: © Museo de Orsay, Dist. RMN-Gran Palacio / Patrice Schmidt

Ponte tu sombrero de paja y deléitate con estas obras maestras ligeras como un soufflé que celebran los placeres de la vida, desde picnics hasta bailes y juegos entre los arbustos.

«Sabían cómo divertirse», me dijo una vez David Hockney, señalando con regocijo las colillas de cigarrillos y puros que cubrían el suelo bajo los bailarines de Renoir. También hay pipas de arcilla rotas bajo las faldas rosas ondulantes y los pantalones azules de la pareja en su lienzo alto y estrecho de 1883, Baile en Bougival, mientras acercan sus rostros, se abrazan y dan piruetas en el espacio suave y aireado que Renoir te hace sentir además de ver. Es un baile vespertino al aire libre, rodeado de esponjosos árboles de color lima. Una pareja sentada a una mesa se muestra más amigable con cada trago de cerveza.

¡Y qué decir de los almuerzos! Renoir parece haber inventado el almuerzo francés pausado, relajado y fluido, que inspiró mil fantasías de bistró. En Después del almuerzo, otra obra que deleitaría a Hockney, vemos una mesa al aire libre, cubierta con un mantel blanco, cuidadosamente dispuesta con tazas de café, jarras y vasos de porcelana, y a una mujer bebiendo un licor mientras el hombre barbudo con el que almuerza enciende un cigarrillo, saboreando el momento mientras la colilla brilla con un rojo intenso contra los tonos azules, blancos y plateados pálidos. El almuerzo en el restaurante Fournaise (El almuerzo de los remeros) se detiene en el mismo momento culminante: un hombre recostado, absorto en su ensoñación fumando, mientras los amantes, o a punto de serlo, al otro lado de la mesa conversan con profunda emoción.

El amor está en todas partes… Baile en Bougival, 1883, de Pierre-Auguste Renoir. Fotografía: © Museo de Bellas Artes de Boston, Picture Fund

Pierre-Auguste Renoir, nacido en 1841 y fallecido en 1919, fue testigo del auge y la caída de la civilización burguesa francesa, cuyos placeres celebra con tanta pasión. Su hijo, el director de cine Jean Renoir, revisita el mundo de su padre con la melancolía del paso del tiempo en su recreación cinematográfica de un picnic impresionista, Partie de Campagne : allí se percibe la fragilidad de la felicidad. Pero en las pinturas de Pierre-Auguste no hay castigo. Nadie contrae sífilis, ni muere ahogado en alcoholismo, ni se ahoga en el Sena. Esta es la exposición de arte más alegre del año.

¿Y por qué no ? Esta magnífica exposición deja al descubierto que Renoir es el más radical de los impresionistas, lo que resultará chocante para cualquiera que lo considere el más sentimental y cursi. El impresionismo surgió como una etiqueta peyorativa aplicada a un grupo heterogéneo de artistas en la Francia de la década de 1870 que intentaban plasmar la vida moderna en movimiento. Es Renoir quien abraza con mayor entusiasmo esta filosofía de vida. No se limita a pintar la luz cambiante del instante fugaz, sino que nos invita a vivirlo plenamente.

Este ideal de disfrutar la vida tal como viene hace que su obra maestra, Baile en el Moulin de la Galette, cedida por el Musée d'Orsay, sea tan grandiosa como una pintura histórica y tan ligera como un soufflé. Mientras multitud de personas disfrutan de la compañía mutua en este lugar de encuentro al aire libre en Montmartre, sus coqueteos, anhelos y consuelos quedan atrapados en una danza moteada y dinámica de luz dorada y sombra fresca. La luz es tan etérea y omnipresente que convierte el lienzo abarrotado en una maravilla frágil y parpadeante, un breve momento de revelación que uno podría tener, sentado en silencio entre la multitud por un segundo, y ver un vestido azul y blanco, un sombrero de paja, el rostro sensible de una mujer mientras abraza a su amiga, la admiración abierta de un joven mientras la mira.

La exposición se titula Renoir y el amor, y el amor está presente en cada rincón. En una calle lluviosa, bajo la sombra de los paraguas, un hombre mira con ternura a una mujer que parece absorta en sus pensamientos. En lo que a primera vista parece un simple cuadro de un astillero junto al Sena, Vista de Bougival, presenciamos una cita romántica: la mujer baja su sombrilla, dejando que su perro juegue al sol, mientras conversa profundamente con su amado.

Quizás esté casada… El paseo marítimo, 1870, de Pierre-Auguste Renoir. Fotografía: Museo J. Paul Getty, Los Ángeles, California.

Tampoco se trata solo de heterosexualidad. Los curadores citan un cuento de Maupassant para sugerir que «La barca», en la que una mujer rema con otra sobre el agua brillante, alucinógena y bañada por la luz, podría ser una escena lésbica. ¿Quién sabe? Pero no cabe duda de que Renoir, al igual que Maupassant y Zola, concibe a las mujeres como personajes autónomos. En «Plaza Clichy», se centra tan exclusivamente en el rostro sonrojado de una mujer con abrigo y sombrero de piel a punto de cruzar la calle que la multitud que la sigue se difumina. Es un primer plano cinematográfico de antes de la era del cine; no es de extrañar que su hijo se dedicara al cine.

Renoir pinta el momento, pero también es un narrador. Casi cada almuerzo, cada paseo en bote y cada caminata por el parque parecen una introducción pausada a lo que vendrá después. Las parejas, o las mujeres solitarias, en los palcos del teatro justo antes de que comience la función lo fascinan. Los parques también son escenarios. El Paseo, pintado en 1876, recrea las escenas de amor del siglo XVIII de Watteau, donde un hombre lleva de la mano a una mujer elegantemente vestida hacia los arbustos. Ella parece insegura. Quizás esté casada. O quizás ahí reside la amenaza que Renoir normalmente no percibe.

Renoir puede parecer un artista blando, sobre todo si se le compara con el realismo duro e irónico de Manet. Además, su carrera decayó en la última etapa. La National Gallery lo reconoce al incluir su obra antiimpresionista y de desnudos, Los grandes bañistas . La obra es divertida a su manera, pero es el Renoir joven quien brilla aquí como un artista moderno verdaderamente excepcional. Recordemos los buenos tiempos. Sean felices, enamoren, mis amigos .

En la National Gallery de Londres , a partir del 3 de octubre.

UN VIAJE HACIA EL FUTURO URBANO

Adentrándonos en las profundidades de la ciudad subterránea de Helsinki.

Gabriella Bennett

La piscina cubierta de Itäkeskus, excavada en la roca granítica, podría albergar a casi 4.000 personas en caso de emergencia. Fotografía: Maarit Hohteri

Bajo la capital finlandesa se extiende un mundo de piscinas, pistas de karts, parques infantiles e incluso una galería de arte.

La luna es una impostora. Nadando de espaldas bajo su superficie, contemplo las escarpadas hondonadas en primer plano. La roca blanca ondula en todas direcciones, un bosque de picos que se alza junto a un desierto de cráteres. Cada vez que me engaño a mí mismo creyendo estar en un lugar celestial, el sonido de los niños chapoteando me devuelve a la realidad.

Esto no es un paisaje lunar, sino la piscina subterránea de Helsinki, excavada en la roca granítica e inaugurada oficialmente en 1993. Hoy en día, Itäkeskus uimahalli es uno de los centros de ocio más visitados de la capital finlandesa, con 400.000 visitantes al año. Durante una semana explorando la metrópolis subterránea de Helsinki, descubriré que los lugareños se mezclan con los turistas.

Mi visita fue una de las doce que realicé a lo largo de tres años para comprender mejor cómo se están reinventando las ciudades. Esta experiencia se convirtió en un libro, Cómo construir una ciudad, para cuya elaboración viajé a lugares que están explorando los límites de la vida urbana en respuesta a un mundo cada vez más incierto.

Muchas ciudades del mundo cuentan con instalaciones subterráneas, pero se cree que la de Helsinki es la única transformada para la paz. Con el aumento de la población debido a la urbanización, se necesitaba una solución más eficiente para las centrales térmicas y los cables de telecomunicaciones. Se podían dispersar en terrenos costosos, excavando las calles y sacrificando parques. O se podían ocultar bajo tierra, ampliándolas a los refugios antiaéreos construidos durante la Segunda Guerra Mundial.

Y eso fue lo que hizo Helsinki. En 2010, su ayuntamiento aprobó la primera ciudad subterránea del mundo con un plan maestro oficial, que alberga cientos de vastas cuevas y túneles artificiales de hasta 90 metros de profundidad. La piscina Itäkeskus se inauguró 17 años antes de que se aprobara este plan de distribución del espacio.

En tiempos de paz, las cuevas funcionan como centros comerciales, parques infantiles, una pista de karts y estaciones de metro, todo ello conectado por casi 293 kilómetros de túneles. En caso de guerra, sin embargo, cada una puede transformarse en un refugio antibombas, parte de una red con capacidad para albergar a 900 000 finlandeses.

Turistas exploran la azotea del museo de arte subterráneo Amos Rex de Helsinki. Fotografía: Paavo Turtiainen/Alamy

La piscina cubierta de Itäkeskus, por sí sola, podría albergar a casi 4000 personas. En menos de 48 horas, se puede vaciar e instalar duchas de desinfección. Durante el resto del tiempo, no hay indicios de su función de protección. Solo las reconfortantes características de una piscina pública: el olor a cloro en la nariz y el calor que envolvía mi piel.

Llegué a Helsinki la mañana del solsticio de primavera, aunque el suelo aún estaba cubierto de una ligera capa de nieve grisácea, y agradecí los vagones con calefacción durante mi viaje de 25 minutos en metro desde el centro de la ciudad. En la estación de Itäkeskus, tras pasar una escuela rodeada de bloques de apartamentos de estilo soviético, los abedules plateados extendían sus ramas desnudas sobre los coches. Desde fuera, un edificio municipal de cristal ofrecía una bienvenida poco inspiradora, pero dentro, descubrí un mundo completamente distinto.

Una amplia escalera me condujo cuesta abajo, enmarcada por muros de piedra encalados. Tras pagar (la entrada a las cuatro piscinas públicas de Helsinki cuesta 6 € para adultos y 3,30 € para niños, lo que las hace populares entre familias y viajeros con presupuesto ajustado), me desvestí en los vestuarios que se extendían desde un núcleo de granito tan alto como una catedral. Los letreros estaban en finlandés, pero el espacio era fácil de recorrer para quienes no eran nativos. El personal hablaba un inglés excelente. Se reveló un paisaje onírico posmoderno: una gran piscina revestida de azulejos de color lavanda, amarillo canario y burdeos.

A un lado del colosal hangar, los hombres hacían muecas de dolor al sumergirse en un triángulo de agua helada. Al otro, se desplegaba un paisaje onírico posmoderno: una gran piscina revestida de azulejos lavanda, amarillo canario y burdeos, con enormes triángulos de plástico azul cerúleo y lila suspendidos sobre sus cabezas. Las únicas ventanas se encontraban en la torre de vigilancia de un socorrista, junto a una cascada cuyo rugido llenaba el aire.

Nadar bajo la luna artificial fue una experiencia de otro mundo. Tras cincuenta largos, me gané mi recompensa. La entrada incluía el acceso a un gimnasio, que no visité, además de un jacuzzi, un baño de vapor y dos saunas, que sí utilicé. Un dibujo en la puerta mostraba un bañador tachado en rojo, así que me quité el mío con cuidado, me senté en el banco y me recordé a mí misma que el pudor es una aflicción exclusivamente británica. Dentro, estaba tan oscuro que apenas podía distinguir a los demás. La poca luz creaba el efecto de un confesionario.

La iglesia de Temppeliaukio está semienterrada en el barrio de Töölö. 

Fotografía: Danny Lehman/Getty Images

A mi alrededor, bullían conversaciones en finlandés, inglés americano y alemán. Salían a la luz los detalles cotidianos de la vida. Me uní a la charla, pidiéndole recomendaciones para cenar a un desconocido y preguntándole si debía atreverme a meterme en la piscina. Si no te detienes a pensar en ello, podrías olvidar el verdadero propósito de este lugar.

Fue algo a lo que volví una y otra vez durante los días siguientes mientras deambulaba por las instalaciones experimentales del museo de arte subterráneo Amos Rex de Helsinki (desde 20 €; entrada gratuita para niños), cuyas claraboyas con forma de antenas emergían de la acera sobre pilares de hormigón cerca del elegante distrito comercial de Kluuvi. Y en la exquisita iglesia de Temppeliaukio del barrio de Töölö (8 €; entrada gratuita para niños), medio enterrada en un gigantesco montículo de roca.

Todas eran muestras de una ciudad sumamente receptiva. Todas eran también refugios antibombas. Prueba de que se puede diseñar para el futuro con brío y belleza. Helsinki demuestra que es posible lograrlo todo.

Cómo construir una ciudad: Viajes hacia el futuro urbano, de Gabriella Bennett, publicado por Headline.

LA INIGUALABLE COLECCIÓN BLAQUIER -ARRIETA VENDE SUS TESOROS

  

Van Gogh se exhibe antes de la venta de su colección privada, "casi mítica"

Châtaigniers en fleurs fue pintado en mayo de 1890, poco después de la llegada de Van Gogh a Auvers-sur-Oise. Tanto esta obra como las demás no se han visto en público en décadas. Fotografía: Sotheby's Nueva York/Colección Blaquier-Arrieta

Châtaigniers en fleurs, valorado en 180 millones de dólares, será subastado junto con otras 11 obras de artistas como Cézanne y Monet.

Durante más de 50 años formó parte de una colección de arte privada con un "estatus casi mítico" que se comparaba con una versión en miniatura del Museo de Orsay de París.

Pero el miércoles, un cuadro de Vincent van Gogh, creado durante los dos últimos meses de su vida, se expuso al público antes de ser subastado con un valor estimado de 180 millones de dólares (136 millones de libras esterlinas).

El cuadro «Castaño en flor» fue pintado en mayo de 1890, poco después de que Van Gogh llegara al pueblo francés de Auvers-sur-Oise. Murió apenas unas semanas después.

La mayoría de las obras de Van Gogh de este período se exhiben actualmente en los museos más importantes del mundo, pero Châtaigniers en fleurs es una de las 12 obras maestras impresionistas y modernas de la colección de la coleccionista argentina Nelly Arrieta de Blaquier, quien falleció en 2020.

Fleurs dans une coupe de Paul Gauguin se encuentra entre las 12 obras que se subastan. Fotografía: Sotheby's Nueva York/Colección Blaquier-Arrieta

Philip Hook , antiguo director de arte impresionista y moderno de la casa de subastas Sotheby's y experto habitual del programa Antiques Roadshow de la BBC One, afirmó que la apertura de la colección a los compradores era un "momento histórico".

“Durante décadas, la colección Blaquier-Arrieta ha sido legendaria: se hablaba de ella en voz baja, se mantenía alejada de la vista del público y ha alcanzado un estatus casi mítico en el mundo del arte”.

“Una de las últimas grandes colecciones privadas de arte impresionista y postimpresionista, se formó cuando las obras más importantes de los grandes nombres aún estaban al alcance.”

Arlequín de Paul Cézanne está valorado en 150 millones de dólares. Fotografía: Sotheby's Nueva York/Colección Blaquier-Arrieta

La subasta de Sotheby's también incluirá el Arlequín de Paul Cézanne, pintado a finales del siglo XIX y valorado en 150 millones de dólares.

Se venderán junto con otras diez obras importantes de Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Claude Monet, Paul Gauguin, Alfred Sisley, André Derain, Henri de Toulouse-Lautrec y Maurice de Vlaminck.

Se espera que los 12 cuadros, que alcanzarán un precio total superior a los 450 millones de dólares, se exhiban en Sotheby's en Londres desde el miércoles durante dos días antes de ser trasladados en avión a Taipéi, luego a Hong Kong y París, previo a la subasta que tendrá lugar el 18 de noviembre en Nueva York.

El jardín de las Tullerías de Claude Monet. 

Fotografía: Colección Sotheby's Nueva York/Blaquier-Arrieta

Van Gogh pintó al menos cuatro obras importantes con castaños en Auvers-sur-Oise durante un período de optimismo y energía tras su alta de un hospital psiquiátrico en Saint-Rémy-de-Provence. Tras su muerte en julio de 1890, Châtaigniers en fleurs pasó a manos de su hermano, Theo. Posteriormente, George Gard “Buddy” DeSylva, compositor y productor de cine estadounidense, fue uno de sus propietarios.

Es uno de los únicos ocho cuadros que Van Gogh pintó en Auvers que se encuentran en manos privadas.

Bâteaux au port de Collioure de André Derain fue pintado en 1905.

Fotografía: Colección Sotheby's Nueva York/Blaquier-Arrieta

Simon Shaw, asesor artístico sénior de Sotheby's, dijo que la colección parecía "un pequeño museo, un Musée d'Orsay en miniatura, que ahora abre sus puertas por primera vez".