LA INIGUALABLE COLECCIÓN BLAQUIER -ARRIETA VENDE SUS TESOROS

  

Van Gogh se exhibe antes de la venta de su colección privada, "casi mítica"

Châtaigniers en fleurs fue pintado en mayo de 1890, poco después de la llegada de Van Gogh a Auvers-sur-Oise. Tanto esta obra como las demás no se han visto en público en décadas. Fotografía: Sotheby's Nueva York/Colección Blaquier-Arrieta

Châtaigniers en fleurs, valorado en 180 millones de dólares, será subastado junto con otras 11 obras de artistas como Cézanne y Monet.

Durante más de 50 años formó parte de una colección de arte privada con un "estatus casi mítico" que se comparaba con una versión en miniatura del Museo de Orsay de París.

Pero el miércoles, un cuadro de Vincent van Gogh, creado durante los dos últimos meses de su vida, se expuso al público antes de ser subastado con un valor estimado de 180 millones de dólares (136 millones de libras esterlinas).

El cuadro «Castaño en flor» fue pintado en mayo de 1890, poco después de que Van Gogh llegara al pueblo francés de Auvers-sur-Oise. Murió apenas unas semanas después.

La mayoría de las obras de Van Gogh de este período se exhiben actualmente en los museos más importantes del mundo, pero Châtaigniers en fleurs es una de las 12 obras maestras impresionistas y modernas de la colección de la coleccionista argentina Nelly Arrieta de Blaquier, quien falleció en 2020.

Fleurs dans une coupe de Paul Gauguin se encuentra entre las 12 obras que se subastan. Fotografía: Sotheby's Nueva York/Colección Blaquier-Arrieta

Philip Hook , antiguo director de arte impresionista y moderno de la casa de subastas Sotheby's y experto habitual del programa Antiques Roadshow de la BBC One, afirmó que la apertura de la colección a los compradores era un "momento histórico".

“Durante décadas, la colección Blaquier-Arrieta ha sido legendaria: se hablaba de ella en voz baja, se mantenía alejada de la vista del público y ha alcanzado un estatus casi mítico en el mundo del arte”.

“Una de las últimas grandes colecciones privadas de arte impresionista y postimpresionista, se formó cuando las obras más importantes de los grandes nombres aún estaban al alcance.”

Arlequín de Paul Cézanne está valorado en 150 millones de dólares. Fotografía: Sotheby's Nueva York/Colección Blaquier-Arrieta

La subasta de Sotheby's también incluirá el Arlequín de Paul Cézanne, pintado a finales del siglo XIX y valorado en 150 millones de dólares.

Se venderán junto con otras diez obras importantes de Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Claude Monet, Paul Gauguin, Alfred Sisley, André Derain, Henri de Toulouse-Lautrec y Maurice de Vlaminck.

Se espera que los 12 cuadros, que alcanzarán un precio total superior a los 450 millones de dólares, se exhiban en Sotheby's en Londres desde el miércoles durante dos días antes de ser trasladados en avión a Taipéi, luego a Hong Kong y París, previo a la subasta que tendrá lugar el 18 de noviembre en Nueva York.

El jardín de las Tullerías de Claude Monet. 

Fotografía: Colección Sotheby's Nueva York/Blaquier-Arrieta

Van Gogh pintó al menos cuatro obras importantes con castaños en Auvers-sur-Oise durante un período de optimismo y energía tras su alta de un hospital psiquiátrico en Saint-Rémy-de-Provence. Tras su muerte en julio de 1890, Châtaigniers en fleurs pasó a manos de su hermano, Theo. Posteriormente, George Gard “Buddy” DeSylva, compositor y productor de cine estadounidense, fue uno de sus propietarios.

Es uno de los únicos ocho cuadros que Van Gogh pintó en Auvers que se encuentran en manos privadas.

Bâteaux au port de Collioure de André Derain fue pintado en 1905.

Fotografía: Colección Sotheby's Nueva York/Blaquier-Arrieta

Simon Shaw, asesor artístico sénior de Sotheby's, dijo que la colección parecía "un pequeño museo, un Musée d'Orsay en miniatura, que ahora abre sus puertas por primera vez".

EL PODER DE LOS FRAGMENTOS

Las esculturas pueden tener mucho más poder cuando están rotas

Philip Oltermann

Fragmento de una estatua del gobernante Akenatón, del siglo XIV a. C. Fotografía: © The Metropolitan Museum of Art/Art Resource/Scala, Florencia

Desde los labios fruncidos y casi besables de un faraón hasta un Mussolini con un agujero en la cabeza, una nueva exposición explora cómo algunos fragmentos antiguos hablan con mayor profundidad que tesoros completamente intactos.

Se decía que la nariz de Cleopatra VII era tan hermosa que cambió el curso de la historia: si hubiera sido más corta, escribió el filósofo francés Blaise Pascal, "la faz de la tierra habría cambiado". Sin embargo, una visita al Palazzo Strozzi en Florencia le convencerá de que la nariz de Cleopatra era solo el segundo rasgo más impresionante que jamás haya adornado el rostro de un faraón egipcio. Entre los más de 80 objetos expuestos en una muestra que se inauguró la semana pasada, se encuentra una escultura asombrosamente realista que muestra los labios de Akenatón, del siglo XIV a. C.: la forma de una gaviota que descansa sobre una almohada de carne exuberante, a la vez severa y sensual, casi incómodamente besable.

Fue Tomás de Aquino quien formuló la teoría de que percibimos la belleza en las cosas cuando están intactas y completas, pero la escultura de Akenatón resulta tan impactante precisamente por tener una imperfección importante. Como todos los objetos expuestos en Florencia, se trata solo de un fragmento: un trozo de piedra caliza pulida hallado en los vertederos al sur del Gran Templo de Atón, en la ciudad de El-Amarna, del que solo se aprecian la nariz y la boca del gobernante.

Atención… fragmentos de esculturas que forman parte de la exposición Broken. Fotografía: Roberto Serra/Iguana Press/Getty Images

«Una de las cualidades únicas de los fragmentos es que centran la atención en los detalles», afirma CD Dickerson, experto en arte renacentista y barroco. «No te habrías fijado en la sutil manera en que el labio está tallado con precisión en esta piedra si hubiera formado parte de una estatua más grande con muchos otros detalles. Los fragmentos te hacen pensar en los objetos de una manera diferente».

Titulada «Roto: El poder de los fragmentos», la exposición que Dickerson ha comisariado conjuntamente para el Palazzo Strozzi y la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. explora por qué, a lo largo de la historia, la gente se ha esforzado tanto por dañar o destruir esculturas y estatuas cuidadosamente elaboradas. Pero, en el proceso, plantea una pregunta aún más intrigante: ¿por qué algunas obras de arte ejercen una atracción emocional más poderosa cuando están rotas que cuando están intactas?

Muchos de los objetos aquí expuestos hablan de fisuras históricas. Hay una estatua decapitada de tamaño natural de un prior arrodillado procedente de Romainmôtier, Suiza, probablemente decapitado durante el frenesí iconoclasta de la Reforma Protestante. El pie izquierdo y la mano derecha desmembrados del rey Luis XIV son todo lo que queda de un monumento ecuestre al monarca francés después de que la revolución arrasara la Place Vendôme de París y erigiera una guillotina en su lugar. El busto de Mussolini, obra del escultor modernista Adolfo Wildt, fue adornado con una simple bala en la frente tras la caída del régimen fascista.

Los vándalos seguían una tradición ancestral, afirma el cocurador Andrew Sears. «En todo el mundo antiguo, durante los cambios de régimen o las transformaciones religiosas, era práctica común destruir las imágenes del gobernante anterior, pues se creía que contenían algún tipo de fuerza vital del mismo».

En algunos casos, estas esculturas desfiguradas permanecían expuestas como elemento disuasorio. «Fueron hechas para ser exhibidas de esa manera», afirma Sears. Un busto del siglo XIX que representa a Germánico, heredero de Tiberio, fue mutilado con maestría, sus lóbulos superiores de las orejas cortados y su frente adornada con una cruz por cristianos que protestaban contra la deificación de los emperadores romanos. Se nos asegura que el pasado era un país extranjero con rituales crueles.

 Busto de Mussolini de Adolfo Wildt, 1923. Fotografía: Collezione Carlo Eleuteri

La obra Broken se vuelve más sorprendente e interesante al explorar la fragilidad como algo más que el resultado de fracturas históricas. Una sección titulada «Esculpiendo el fragmento» comienza con una intrigante figurilla dogū del antiguo Japón. Se sabe poco sobre estas pequeñas estatuillas de arcilla cocida con ojos saltones en forma de grano de café, salvo que se han encontrado en pedazos en numerosos yacimientos funerarios de Japón.

Las investigaciones actuales indican que la función de las figurillas dogū podría haber sido similar a la de las piñatas de cumpleaños modernas: romperlas para celebrar no solo el fin de lo viejo, sino también el comienzo de lo nuevo. «Es evidente que la cultura consistía en crear estas esculturas para romperlas intencionadamente, y que las comunidades compartieran los pedazos entre sí», afirma Dickerson. «Nuestra percepción contemporánea de que las culturas antiguas eran más violentas no siempre es precisa».

La indagación de Dickerson y Sears en los rincones más recónditos de los almacenes de los museos ha revelado escasa evidencia de la equiparación que Aquino establecía entre la rotura y la fealdad. A menudo, ocurría lo contrario. De Tenochtitlán, la capital azteca de principios del siglo XV, presentan una estatua de una figura reclinada que fue decapitada intencionadamente como parte de una campaña para reconstruir un templo. Inspirándose en el estado ruinoso de su entorno, los mexicas parecían comprender que la perfección era inalcanzable. Una obra de arte rota era apropiada porque revelaba el verdadero estado del mundo.

La respuesta del Renacimiento a un par de vaqueros desgastados... Modelo de mujer desnuda de Miguel Ángel, de alrededor de 1533. Fotografía: © Photo Giusti Claudio Firenze/Archivio Fotografico, Fondazione Casa Buonarroti

Podríamos pensar que el culto a los edificios en ruinas y las estatuas rotas es una obsesión de los románticos, de las pinturas de Caspar David Friedrich o del «colapso colosal» de Ozymandias de Percy Shelley . Pero Dickerson afirma que la fascinación por las ruinas ya estaba arraigada en el arte y la literatura del Renacimiento desde el siglo XIII en adelante. Una de las piezas más impactantes de Florencia es una escultura de terracota de Miguel Ángel que representa a una mujer sin cabeza ni brazos. Datada alrededor de 1533, parece dañada, pero no lo está. En realidad, fue la respuesta del Renacimiento a unos vaqueros desgastados: un análisis técnico reciente de los puntos de rotura del torso sugiere que Miguel Ángel esculpió deliberadamente un fragmento, en homenaje a las imponentes antigüedades que se excavaban en Roma en aquella época.

Cuerpos destrozados en la gran pantalla… Charlize Theron (de rodillas) en Mad Max: Fury Road (2015). Fotografía: Photo 12/Alamy

La exposición culmina con reinterpretaciones artísticas contemporáneas de esculturas rotas, como un pie de Louise Bourgeois con una férula y la estatua ecuestre plegable del artista alemán Julius von Bismarck, que representa a su antepasado canciller, Otto. Si esto suena un tanto autocontrolable, es porque la dicotomía entre integridad y rotura sigue presente en todas partes de la cultura popular moderna una vez que uno empieza a buscarla. Aquí están las cuentas de redes sociales de extrema derecha con bustos clásicos inmaculados como avatares, la estética impecablemente lisa del iPhone, las máscaras planas de la tendencia de maquillaje de la "chica limpia" ; allá está el auge de los cuerpos rotos en la gran pantalla, desde Furiosa, la manca de Mad Max, hasta actores principales con labio leporino como Tom Burke y Franz Rogowski, y los "lisiados, bastardos y cosas rotas" de Juego de Tronos.

Evidentemente, la respuesta a la pregunta de si existe belleza en la imperfección no es solo una cuestión que cautivó a las civilizaciones antiguas, sino que sigue siendo una de las principales líneas divisorias culturales de nuestro tiempo.

La exposición Broken: The Power of the Fragment se podrá visitar en el Palazzo Strozzi de Florencia del 25 de septiembre de 2026 al 24 de enero, y en la National Gallery of Art de Washington del 13 de marzo al 27 de junio de 2027.

HOCKNEY Y SU PERRO

 

La venta del cuadro de David Hockney que retrata a su querido perro Stanley

Mark Brown

Cuadro de un perro de David Hockney, 1995. Fotografía: David Hockney/Christie’s

Exclusiva: Se cree que Dog Painting 17 es una de las únicas seis obras de la serie Dog Series en manos privadas y la primera en ser subastada.

David Hockney adoraba a sus perros salchicha, Stanley y Boodgie, y los dejaba hacer lo que quisieran; tanto es así que, después de que uno de ellos tuviera un accidente en la casa del actor Dennis Hopper en Los Ángeles, se dice que el pintor bromeó: "Estará seco por la mañana, cariño, y podrás recogerlo sin problema".Pero Hockney no solo mimaba a sus compañeros de cuatro patas, sino que los trataba como modelos para una serie de pinturas, una de las cuales será subastada por Christie 's.

Esta obra es la primera de una serie de pinturas de perros de Hockney, fallecido en junio, que se subasta. «Es una pintura fascinante para nosotros», declaró Tessa Lord, directora de arte de posguerra y contemporáneo de Christie 's. «Su rareza es extraordinaria»

El cuadro se titula « Pintura de perro 17» y muestra a Stanley, el primer perro salchicha de Hockney, acurrucado sobre un cojín, profundamente dormido. Su precio estimado oscila entre 1,5 y 2,5 millones de libras esterlinas y es una de las más de 40 obras que Hockney pintó entre 1994 y 1995 para su serie «Perros».

Stanley, llamado así en honor a Stan Laurel, fue elegido por Hockney cuando era un cachorro en 1987 y lo seguía a todas partes. Boodgie, más reservado, llegó más tarde.

Hockney sosteniendo a uno de sus perros salchicha en 1993. Fotografía: Photo Researchers/Getty Images

Según Christopher Simon Sykes, biógrafo autorizado de Hockney, los amigos del incansable Hockney se quedaron asombrados de que quisiera tener un perro. Pero pronto se dieron cuenta de lo enamorado que estaba de él. El sentimiento era mutuo y los ruidosos perros salchicha pronto se convirtieron en una parte esencial de su ajetreada vida, llena de amigos y visitas, en su casa de Hollywood Hills en Montcalm Avenue.

En su biografía, Sykes escribe que a Hockney no le preocupaba el adiestramiento para ir al baño, y un amigo suyo, Jonathan Brown, recuerda cómo los perros solían defecar en sus zapatos.Durante una visita de Hockney para cenar en la casa de Hopper, diseñada por Frank Gehry, en Venice, Los Ángeles, Boodgie dejó un "regalo" en medio del suelo.  Según Brown, Hockney sí que, en retrospectiva, le regañó a Boodgie diciéndole: «¡No, NO!». Luego, «mientras la mirada de Hopper, propia de un asesino encadenado, se intensificaba, Hockney añadió: “Ah, estará seco por la mañana, cariño, y podrás recogerlo sin problema”».Según cuenta la historia, Hopper se vio obligado a elegir entre dos opciones: el silencio o el asesinato. «Eligió el silencio, pero su aspecto era el de un asesino».

Hockney en su casa de Los Ángeles en 1987. Fotografía: Anthony Barboza/Getty Images

Hockney comenzó a pintar perros cuando necesitaba un poco de alegría en su vida. Había perdido a varios amigos a causa del sida y estaba devastado por la muerte de uno de sus amigos más cercanos y antiguos, Henry Geldzahler, quien falleció de cáncer de páncreas. El artista le comentó a un periodista que deseaba "desesperadamente pintar algo lleno de amor".Lord dijo: “Sentía una pérdida de amor tan grande que esto fue una especie de catarsis para él”.

Christie's cree que solo seis de los cuadros de perros están en manos privadas, mientras que los demás pertenecen a la Fundación David Hockney.

El vendedor de Dog Painting 17 lo compró después de que la serie de perros se exhibiera en la galería LA Louver, una muestra muy popular que, según Hockney, atrajo a 7.000 personas en cuatro días, muchas de ellas acompañadas de sus propios perros. Lord comentó que la pintura mostraba una “espontaneidad increíble” y una “fluidez de pinceladas, pero a la vez una textura rica. Se aprecia una especie de veteado bajo el cojín y ese ligero movimiento de la oreja que realmente da vida a Stanley”.

Según ella, el cuadro arroja luz sobre un capítulo importante en la vida de uno de los más grandes artistas de los siglos XX y XXI. «Me encanta esa especie de inocencia que transmite, pero es mucho más que eso. Tiene una universalidad... es mucho más que un simple retrato de un perro».

El cuadro se venderá el 14 de octubre durante la Semana de Frieze y se exhibirá al público —cualquiera podrá verlo gratuitamente— en Christie's en Londres a partir del 8 de octubre.

EL PRERRAFAELISMO Y LAS ARTISTAS

 

Las artistas y el prerrafaelismo una manera de liberarse y salir de casa

La obra 'El pálido semblante del amor verdadero', 1899, de Eleanor Fortescue-Brickdale. Óleo sobre lienzo. Musée d'Orsay, París. Donación del fondo Meyer Louis-Dreyfus para el desarrollo de las colecciones de artistas extranjeros a través de la Société des Amis des Musées d’Orsay et de l’Orangerie, 2022.

La Fundación Mapfre de Madrid reúne el trabajo de las mujeres que aprovecharon los cambios sociales en Reino Unido en el siglo XIX para contribuir a un movimiento pictórico que cambió el romanticismo por el realismo

En la entrada de la exposición Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914), en la Fundación Mapfre de Madrid, hay una cartela que recuerda que este movimiento pictórico que reaccionó contra el canon anterior impuesto por la Royal Academy —al arte siempre le ha encantado matar a sus padres— estuvo liderado por siete hombres, la Hermandad Prerrafaelita. Cuando se termina el recorrido por las salas donde se reúnen más 130 obras que discurren por medio siglo de historia del arte, hay un cartel más grande, de color verde, con los nombres en mayúsculas de las mujeres que consiguieron hacer de las escenas que veían desde sus habitaciones, sus retratos y la naturaleza obras maestras dignas de compartir en igualdad de condiciones durante este episodio.“La exposición no forma parte de los relatos oficiales que se han contado en los libros, sí de la historia del arte que estamos escribiendo tantas instituciones culturales al hablar de movimientos y artistas que quedaron en los márgenes”, defiende Nadia Arroyo, directora del área de Cultura de Mapfre. De alguna manera, la muestra le hace frente hasta a la todopoderosa Taylor Swift. La artista eligió el cuadro de Ofelia, de John Everett Millais, uno de los hombres de la Hermandad Prerrafaelita, como inspiración del primer single de su último álbum (The Life of a Showgirl) y contribuyó así a refijar esta pieza como la obra que mejor ha definido el espíritu de este movimiento con esa naturaleza hiperrealista y a la vez mística, pero sobre todo muy dramática en su romanticismo, casi como la biografía de la propia cantante.

Taylor Swift :The Life Of A Showgirl

Las artistas que contribuyeron a romper con el romanticismo hacia un arte más realista a partir de 1850 en el Reino Unido, aprovecharon el impulso de la transformación social de la sociedad británica de aquel momento. “No es que la aristocracia perdiera poder, pero sí la autoridad social. Así fue como la clase media ganó espacio en una economía renovada y las mujeres consideraron que podían formar parte de esa nueva liga de influencia. En concreto, algunas de ellas, encontraron en el prerrafaelismo esa oportunidad”, recuerda la comisaria Pamela Gerrish Nunn, historiadora del arte experta en este periodo.

En las primeras salas se suceden las escenas que artistas como Alice Boyd pintó desde su ventana. Joanna Boyce y Jemima Blackburn representaron a los campesinos, y Mary Ellen Edwards retrató interiores burgueses. Es decir, la vida cotidiana recupera valor artístico a través de las composiciones de estas mujeres para tratar de reflexionar sobre el presente. “Las personas de su entorno, muchas veces anónimas, eran esos modelos más accesibles que pudieron convertir en símbolos de la vida moderna”, relata la comisaria. El historiador y crítico de arte John Ruskin, principal defensor movimiento que se enfrentó al propio Charles Dickens —el autor no era tan favorable a esta evolución pictórica— lo resumió así en su obra Las piedras de Venecia: “La función del artista en el del mundo consiste en ser una criatura que ve y siente”.

Una de las salas con los retratos de la exposición prerrafaelita.

El prerrafaelismo también miró a la naturaleza para reclamar un espacio amenazado por la industrialización y la urbanización, con el ferrocarril como uno de los símbolos de esta transformación. Los paisajes que se despliegan por la exposición tienen el mismo aura casi celestial que algunas de las piezas con reminiscencias espirituales. Son sensibles y líricas, es sencillo enmarcarlas en ese momento, por eso se convirtieron en uno de los emblemas de este movimiento. Tras estas piezas, se suceden detalles de la naturaleza, hay obras de animales, hojas, plumas, plantas… Otra vez motivos que podían aislarse en la categoría artística de menores pero que estas artistas consiguieron dotar de altura.

“No hay una respuesta ni un estilo uniforme por parte de las mujeres británicas de aquella época, como tampoco la hay en las artistas, se percibe individualidad en su ambición y optimismo”, describe Gerrish Nunn. En los asideros que encontraron en busca de cada vez una mayor independencia se distinguen esos distintos estilos. El país se industrializaba y modernizaba y la cultura de la fama ampliaba sus límites. Más clientes buscaban retratarse para la eternidad. Ellas supieron ver el negocio, como reza una de las cartelas, algunos de estas pinturas son a mayor gloria de aquellos quienes soltaban los billetes. Pero al mismo tiempo, fueron un lugar de experimentación en las miradas, las poses y cierta ficcionalización.

Una de las piezas que Alice Boyd pintó desde su casa, 'Vista desde la ventana de Balcony House', 1864. Colección particular, cortesía de Christie’s.

En las últimas salas de la exposición los colores se vuelven más intensos, las figuras se rodean de ornamentos cada vez más complejos en las denominadas fancy pictures con las que las artistas seguían atrayendo a potenciales clientes, ahí están las obras de Emma Sandys y Edith Martineau.

A finales del XIX, con mayor acceso a una formación artística rigurosa, a los viajes de estudio y a una educación más amplia, muchas mujeres llegan a la misma altura del camino que habían iniciado sus colegas, se atreven con piezas de mayor envergadura y con una visión artística propia.

Un autorretrato de Mary Severn, de 1862, menos complaciente de los que la artista hacía por encargo.