LA MODA DE LA ROPA DE SEGUNDA MANO

La moda de la ropa de segunda mano se ha vuelto muy cara.

Hannah Marriott 

Una asesora de moda compra en una tienda Goodwill en Los Ángeles. Goodwill, la cadena de tiendas de segunda mano más grande de Norteamérica con 3400 establecimientos, anunció ingresos récord de 7000 millones de dólares el año pasado. Fotografía: MediaNews Group/Los Angeles Daily News/Getty Images

Gracias a los revendedores de la generación Z y a plataformas como Depop, la compra de ropa de segunda mano ha perdido sus raíces subculturales y se ha convertido en un negocio de 350.000 millones de dólares.

Janelle Best, dueña de una boutique vintage, lleva rebuscando en las cajas de las tiendas de segunda mano desde los años 90. Cuando empezó, cuenta, había un estigma al respecto. «O eras un bicho raro o eras pobre, y yo era un bicho raro».

Al principio, lo hacía para conseguir vestuario para sus conciertos en bandas de rock psicodélico. Luego, en 2005, empezó a revender artículos de forma ocasional en eBay. Diez años después, vendía ropa como Desert Stars Vintage en mercadillos callejeros, y en 2023 abrió una tienda especializada en vestidos de seda de alta gama en su apartamento de Williamsburg. Incluso hace tan solo unos años, cuenta, seguía dedicando horas a buscar en tiendas como Goodwill. Los contenedores, dice, "eran un auténtico festín. Había un montón de tesoros". Y entonces, comprar ropa de segunda mano se convirtió en una moda en las redes sociales, dice, "y se desató una avalancha de estudiantes de instituto. Doce personas por contenedor. Todos peleando. De repente, todo el mundo era revendedor, y en lugar de que estos chicos supieran intuitivamente lo que valía la pena, estaban con sus móviles intentando averiguar si tenía valor".

La ropa de segunda mano nunca ha sido tan popular. En TikTok, las adolescentes publican videos de sus compras en tiendas de segunda mano, mostrando con entusiasmo grandes bolsas de ropa adquiridas por menos de 100 dólares. Mientras tanto, en la cima de la moda, los multimillonarios lucen piezas vintage exclusivas para demostrar estatus y buen gusto.

Muchos atribuyen el auge meteórico de la ropa de segunda mano a la generación Z, que, según se dice, es más consciente del medio ambiente y emprendedora que las generaciones anteriores. Sin embargo, el verdadero cambio reside en la tecnología, con plataformas como Depop, The RealReal, Vestiaire Collective, Vinted, ThredUp y Poshmark que hacen que comprar y vender ropa de segunda mano sea más accesible que nunca.

Una persona navega por los anuncios de ropa en Depop, una de las muchas plataformas populares de moda de segunda mano en línea. Fotografía: Alistair Berg/Getty Images

El punto de inflexión fue la pandemia, cuando el tiempo frente a la pantalla se disparó y comprar y vender en línea se convirtió en una forma inusual de "buscar endorfinas", como la escritora y asidua compradora de ropa de segunda mano Linnea Pejcha describe sus propios hábitos en Depop en aquel entonces.

El comercio de ropa de segunda mano experimentó un auge mundial del 28 % entre 2021 y 2022, y ha seguido creciendo desde entonces. Los ingresos no se limitan a las aplicaciones: Goodwill, la cadena de tiendas de segunda mano más grande de Norteamérica, con 3400 tiendas en Estados Unidos y Canadá, anunció un récord de 7000 millones de dólares en ingresos el año pasado, con planes para abrir entre 50 y 100 nuevas tiendas en toda Norteamérica. ThredUp proyecta que el mercado alcanzará los 36700 millones de dólares para 2029, creciendo 2,7 veces más rápido que el mercado global de la moda.

En teoría, el auge de la ropa de segunda mano debería ser una excelente noticia, dada la enorme cantidad de tela que se desecha cada año. Sin embargo, muchos compradores que llevan décadas comprando ropa usada se sienten decepcionados por los cambios que ha sufrido este sector a medida que ha crecido exponencialmente.

Para empezar, no son solo los rockeros más atrevidos quienes venden ropa vintage. Incluso algunos oligarcas se dedican a la reventa. Los asesores de clientes de las principales marcas de moda, quienes tratan con compradores que gastan cientos de miles de euros al año, afirman que algunos clientes tienen tanto estilo que, de forma extraoficial, les ayudan a publicar sus armarios en aplicaciones de segunda mano como estrategia de venta para poder comprar prendas nuevas. Si les ayudan a "deshacerse de parte de su armario", explica la analista Claudia D'Arpizio, líder global de moda y lujo de Bain & Company, "se abre un gran potencial de compra".

Un nuevo informe de Bain reveló que la mitad de los compradores de artículos de lujo consultan el precio de un artículo en el mercado de segunda mano antes de decidir si lo compran nuevo. En el ámbito de la moda vintage de alta gama, ciertas marcas pueden resultar inaccesibles para todos, excepto para los coleccionistas más adinerados, afirma Best. Las piezas de Cavalli, en particular, han disparado su precio, multiplicándose por cinco en cuatro años. Hace unos años, comenta, "todas estas chicas ricas empezaron a acumular marcas como Cavalli y Blue Marine".

Quizás nada de esto sea nuevo. Como con el sexo, cada generación cree haber inventado la moda de comprar ropa de segunda mano, afirma Jennifer Le Zotte, autora de *From Goodwill to Grunge* y profesora de la Universidad de Carolina del Norte en Wilmington. En el pasado, un persistente estigma social —que Le Zotte atribuye al antisemitismo y a la teoría de los gérmenes durante los inicios de la ropa de segunda mano, cuando los vendedores ambulantes judíos vendían ropa desde carritos en el siglo XIX— hacía que comprar ropa de segunda mano se percibiera como «un recurso para la rebeldía, parte de una mentalidad alternativa». Así se sentía Le Zotte cuando empezó a hacerlo, en la era grunge, al igual que los surrealistas en la década de 1920, y los Rolling Stones y Jimi Hendrix en la de 1960. «Creo que durante mucho tiempo cada generación ha creído estar descubriendo esto, este depósito de posibilidades de moda».

Jimi Hendrix actuando en el escenario del festival de pop de Woburn en Bedfordshire, Inglaterra, en agosto de 1968. Fotografía: Michael Putland/Getty Images

Pero este auge de la ropa vintage es diferente. Si bien ha sido muy beneficioso para el negocio en algunos aspectos —y ha visto a celebridades como Madonna luciendo sus prendas—, Best afirma que ahora es más difícil ganarse la vida con el aumento de los precios de la gasolina y el transporte. Sin mencionar la feroz competencia por las prendas más populares; a veces, dice, buscar ropa vintage se siente como un deporte de influencias.

Best también tiene que lidiar con los aranceles. El mercado estadounidense, dice, está ahora "muy estancado", así que se abastece principalmente de Italia y Francia. Sin embargo, tiene que pagar un 15% sobre todas las importaciones después de que Donald Trump eliminara la exención arancelaria para importaciones de menos de 800 dólares. Cree que los precios solo van a subir: "Como las prendas vintage son limitadas, solo se fabricaron unas pocas piezas en un momento determinado, y todo el mundo las busca".

En el segmento más económico del mercado de segunda mano, hay quejas generalizadas de los compradores sobre los precios, que muchos dicen que se han vuelto prohibitivos para los compradores de bajos ingresos que más dependen de estas tiendas. Muchas de esas prendas son de baja calidad, mal confeccionadas y de moda rápida. Los videos que denuncian los precios inflados, publicados con títulos como " ¿Goodwill, qué te estás fumando? ", se han vuelto comunes. Una comunidad dedicada en Reddit, ThriftGrift, recopila ejemplos, algunos de los cuales son, francamente, angustiantes: una sudadera Carhartt cubierta de manchas por $12 , una camisa de $6.99, que puede parecer una ganga hasta que ves el nido de avispas adherido al canesú. Algunos artículos todavía tienen la etiqueta original para que puedas ver, por ejemplo, que el par de pantalones plisados ​​color melocotón con un precio de $8.99 en Goodwill costaban $7.99 nuevos. El mes pasado, la sucursal de Goodwill en el oeste y el norte de Connecticut pareció confirmar sus aspiraciones con el lanzamiento de un Thrift Tour , que ofrecía un "autobús privado" a tres tiendas, 30 minutos de compras anticipadas exclusivas, almuerzo, una camiseta personalizada, un cupón de descuento del 20% y la oportunidad de "conocer a nuevas amigas aficionadas a las compras de segunda mano" por 75 dólares.

Aunque los empleados de las tiendas de segunda mano con los que hablé para este reportaje comentaron que algunas subidas de precios se debían a la inflación (los costes laborales, el alquiler, la limpieza y los materiales de exposición se han disparado), gran parte de este aumento también se debe a la creciente popularidad del mercado de la reventa. Los gerentes han colocado listas de marcas a tener en cuenta en la trastienda; utilizan los precios de reventa de eBay o Depop para calcular el valor; y con la aplicación de búsqueda de imágenes Google Lens, les resulta más fácil encontrar artículos similares. Puede que se hayan acabado los tiempos en que se encontraban auténticas gangas al fondo de una caja.

Varias personas examinan ropa usada que se vende por peso en un centro de distribución de Goodwill en Hackensack, Nueva Jersey. Fotografía: Spencer Platt/Getty Images

El ecosistema de la moda de segunda mano es inmenso. Abarca desde empresas de consignación de alta gama, que autentican, comercializan y venden los artículos de sus clientes en su nombre y se quedan con una parte de las ganancias (The RealReal es un ejemplo; entre sus artículos actuales se incluye un bolso Hermès Birkin de cuero gris por 32.000 dólares), hasta tiendas de segunda mano independientes en pueblos pequeños donde un comprador aún puede encontrar un par de vaqueros donados por unos pocos dólares. Entre estos precios se encuentran las tiendas vintage (el término "vintage" se refiere generalmente a prendas de al menos 20 años de antigüedad), que también pueden resultar muy caras, especialmente en centros urbanos centrados en la moda como Nueva York, que a menudo ofrecen piezas exclusivas de principios de los 2000, como diseños de Jean Paul Gaultier y Dior de la década de 2000. En línea, docenas de sitios con fines de lucro se especializan en marcas de la calle principal, como ThredUp, que te enviará una bolsa a tu casa para que la llenes con ropa, que luego venderán a comisión, y sitios, desde Poshmark hasta Depop y eBay, donde los vendedores tienden a retener más ganancias si los artículos se venden, pero también hacen más trabajo de campo. Hay tiendas de segunda mano independientes que operan con fines de lucro, muchas de las cuales compran artículos a los clientes además de venderlos, o donan la totalidad o parte de sus ganancias a organizaciones benéficas; pequeñas cadenas que operan como sin fines de lucro y con fines de lucro; y grandes cadenas de tiendas de segunda mano. La cadena de segunda mano con fines de lucro más grande de América del Norte es Savers, respaldada por capital privado, que tiene más de 300 tiendas en los EE. UU. y Canadá, y planea abrir otras 26 este año. Sin embargo, los gigantes en ropa de segunda mano son organizaciones sin fines de lucro: Goodwill y el Ejército de Salvación, que tiene 887 tiendas en los EE. UU .

Las grandes cadenas de tiendas de segunda mano tienen sus detractores. Muchos de los indignados por los altos precios llaman a Goodwill "Greedwill" en internet. Algunos la denominan "tienda de segunda mano corporativa", a pesar de su misión filantrópica, que se centra en ayudar a las personas a encontrar trabajo, y afirman que funciona más como una tienda con fines de lucro que como una organización benéfica. Entre sus principales quejas se encuentra el hecho de que los directores ejecutivos y otros altos cargos —de los cuales hay cientos, ya que Goodwill no se gestiona de forma centralizada, sino a través de 150 operaciones regionales autónomas— perciben sueldos cuantiosos, generalmente de entre 300.000 y 700.000 dólares. En un comunicado, Goodwill declaró que, en 2025, ayudó a "casi dos millones de personas con formación laboral, colocación y otros servicios de apoyo". Algunas de esas contrataciones se realizaron a través de la propia Goodwill, aunque esto tampoco está exento de polémica: en 2013 se descubrió que Goodwill estaba utilizando una laguna legal que data de 1938 para pagar a trabajadores discapacitados tan solo 22 centavos la hora. Goodwill ha declarado que, si bien esto era legal según la sección 14(c) de la Ley de Normas Laborales Justas, que permite que algunas personas con discapacidad reciban un salario mínimo especial, considera que lo más responsable es eliminar el uso de dicho certificado en sus tiendas.

Michael Fitch saca ropa vintage a la acera frente a su tienda, Eclectica, en North Hollywood.

Fotografía: MediaNews Group/Los Angeles Daily News/Getty Images

Algunos de los que se sienten frustrados con la creciente profesionalización de la economía de segunda mano culpan directamente a los revendedores individuales del aumento de precios. Sheri Pavlović, experta en moda sostenible que comparte tutoriales sobre cómo reciclar prendas bajo el nombre de Refashionista Sheri , afirma que esto a veces puede volverse desagradable en las tiendas. «He estado en tiendas de segunda mano y he visto a chicas veinteañeras cogiendo cosas de los estantes y diciendo: "Podríamos vender esto en Poshmark", y luego he visto a gente mayor acercarse a ellas y decirles: "¡Ustedes son las culpables de que sea tan caro!". Y yo pienso: "¿En serio? ¡Estas jovencitas no tienen nada que ver con los precios corporativos!"». En cambio, Pavlović culpa a los ejecutivos que dirigen las grandes cadenas de tiendas de segunda mano, quienes «intuyen que esto es popular, que está de moda». Así que suben los precios porque creen que pueden, argumenta, no porque tengan que hacerlo.

Robert, propietario de una pequeña tienda de segunda mano en Monterey, California, que atiende a personas de bajos ingresos, afirma que solo ha subido los precios alrededor de una cuarta parte de la tasa de inflación desde la pandemia, a pesar del aumento vertiginoso de los costos, "porque lo más importante para nosotros es la fidelización de los clientes". Cree que las grandes cadenas tienen la envergadura y el reconocimiento de marca para cobrar precios más altos, y las considera agresivamente competitivas: una de ellas colocó recientemente un contenedor de donaciones cerca de su tienda, lo que ha afectado las donaciones a su negocio.

No se trata solo de revendedores que se quedan con artículos que podrían revenderse con ganancias. Muchas tiendas de segunda mano tienen varias maneras de hacer lo mismo: la práctica de la "selección" —que consiste en que comerciantes de antigüedades y artículos vintage compren los mejores artículos— es bien conocida en el sector, y ahora muchas organizaciones la utilizan para sus propios sitios web.

Ropa de hombre a la venta en una tienda Goodwill en Florida.

Fotografía: Jeff Greenberg/Universal Images Group/Getty Images

Sobre el tema de los precios, David Eagles, vicepresidente ejecutivo y director de operaciones de Goodwill Industries International, declaró: «Goodwill no tiene una política de precios nacional única. Los precios los fijan las organizaciones locales de Goodwill». Añadió: «También es importante mantener la perspectiva al hablar de precios. Estimamos que el precio minorista promedio por artículo en toda la red de Goodwill se mantiene por debajo de los 5 dólares. Si bien el precio promedio por artículo ha variado gradualmente desde la pandemia, los cambios en los precios se han mantenido por debajo del entorno inflacionario general».

Los problemas de la época de máxima despensa, como podría conocerse este periodo, van más allá del precio. Según Le Zotte, quienes donan ropa han disfrutado de un sentimiento de virtud desde los inicios del mercado de ropa de segunda mano. Cuando Goodwill se fundó a principios de siglo, su modelo se adaptaba a una época de alta inmigración y desigualdad económica. Al igual que ThredUp hoy en día, Goodwill dejaba sacos de arpillera en las casas de familias de clase media para animarlas a deshacerse de sus muebles y ropa viejos, que luego podrían reemplazar sin derrochar.

En la era de la moda rápida, sin embargo, ese sentido de la virtud parece estar mitigando nuestra culpa por comprar ropa nueva. Un estudio reciente de la Universidad de Yale concluyó que la participación en la moda de segunda mano a menudo impulsa, en lugar de reemplazar, la compra de prendas nuevas: mientras que el 37,2 % de las personas reportaron un aumento en las donaciones de ropa entre 2020 y 2024, también hubo un aumento del 38 % en las compras de ropa nueva. Todo esto está un poco en desacuerdo con la "aceptación social y moral" que Le Zotte dice que muchas personas afirman sentir al comprar de segunda mano: "Piensan que comprar la ropa una vez que entra en el mercado de segunda mano no es ser cómplices. No digo que sea una idea totalmente equivocada, pero es exagerada".

Clientes en Vintage Vintage Vintage en Washington D.C.

Fotografía: The Washington Post/Getty Images

Aun así, todavía quedan quienes creen en esta tendencia. Liisa Jokinen, quien dirige Gem, una aplicación que reúne ropa de segunda mano, insiste en que "no todo es caro, pero hay que tener paciencia". Recomienda visitar mercadillos, intercambios de ropa y lugares donde todavía se pueden encontrar tiendas donde se llenan bolsas de ropa y donde se compra al peso.

Pavlović ha dejado de comprar ropa de segunda mano por ahora, debido al aumento de los precios, y prefiere modificar sus prendas para crear nuevas piezas, pero sigue sin estar de acuerdo con la idea generalizada de que ya no se encuentran cosas "buenas" en las tiendas de segunda mano. "Lo que para ti es bueno, para mí no lo es. Me da igual la marca". Recomienda olvidarse de las marcas que los dependientes están acostumbrados a buscar —Zara y Levi's, por ejemplo— y priorizar el gusto personal. "Cuando compraba ropa de segunda mano con regularidad, siempre andaba buscando cosas de los años 60 y 70".

Pat Noecker, propietario de Other People's Clothes, que cuenta con cuatro sucursales en Nueva York, obtuvo lo que él describe como su "doble doctorado en compras de segunda mano" cuando recorría Estados Unidos como músico durante los años 90 y 2000 con bandas como Liars, "visitando todas las tiendas de segunda mano de cada ciudad". Afirma que mantiene los precios bajos para la zona (a modo de referencia, las prendas de Zara se venden entre 15,98 y 21,98 dólares). Su negocio es "rentable, pero nadie compra yates". Como tienda que también compra ropa, "ponemos precios bajos para que se venda rápido; de lo contrario, necesitaríamos una tienda del tamaño de un campo de fútbol".

Según cuenta, entre sus clientes van desde residentes de bajos ingresos de la cercana Williamsburg hasta celebridades, como la banda Geese y la primera dama de la ciudad de Nueva York, Rama Duwaji, quien viene tanto a comprar como a vender. Su gusto es impecable. Le apasiona el tema. Nos encanta. En una ocasión, dejó un par de zapatos del alcalde (botas Chelsea), que Noecker ha conservado: «No los uso, pero los guardo en mi oficina como recordatorio de que tenemos un alcalde estupendo, y le envío buena suerte a través de esos zapatos».

KEN TURNER: UN SIGLO DE CULTURA DISRUPTIVA

 

Ken Turner, el artista centenario que aplastó un Tesla con un tanque.

Eddy Frankel

Dibujado del natural… Ken Turner. Fotografía: Patrick Shanahan

El pintor, escultor y artista de performance ha dedicado su vida a hacer que el arte sea accesible a las masas. Ahora, con una nueva exposición, el centenario habla sobre la desigualdad, la inspiración y por qué no piensa detenerse pronto.

«La vida es corta, el arte largo», dice Ken Turner, leyendo un libro de aforismos del antiguo médico griego Hipócrates. Y en realidad tiene razón a medias, porque a sus 100 años —y siendo posiblemente el artista de performance más longevo del mundo—, si bien el arte puede haber sido largo, su vida tampoco ha sido tan corta. Y ha llenado esos años de radicalismo, experimentalismo y una singular dedicación a llevar las ideas hasta sus últimas consecuencias.

En la década de 1960, Turner pasó de la pintura a una forma de arte público con conciencia social, creando esculturas inflables gigantes que los visitantes podían habitar e interactuar con ellas décadas antes de que el arte inmersivo se pusiera de moda. Fue alumno de Fernand Léger, amigo de John Berger y diseñó marcos para Frank Auerbach y Leon Kossoff.

El año pasado, condujo un tanque por encima de un Tesla en una performance que pretendía ser una contundente denuncia de la avaricia corporativa y el creciente fascismo. La suya ha sido una vida de rebeldía y revolución, de seguir obstinadamente su propio camino artístico sin importar los obstáculos que encontrara, sin importar cuánto más fácil hubiera sido recorrer un camino más transitado.

¡Aplastándolo! Fotograma de Mi paseo sobre un Tesla. Fotografía: Huw Wahl

Ha escrito dos libros: Crashing Culture y el ingeniosamente titulado A Life Being Ken Turner. Estos dos títulos lo resumen a la perfección: destroza las convenciones artísticas, siendo siempre él mismo, de forma única, resuelta y absoluta. Y sigue en activo: sigue actuando, sigue pintando, sigue creando.

Antes de una exposición de su obra reciente en el Wharfside Arts Hub de Penzance, se sienta en su cocina a hablar de su vida y su trabajo, vestido con una camisa y una gorra azules. Una barba sin bigote al estilo Michael Eavis le da el aire de artista de Cornualles que lo caracteriza. Nos acompaña su hijo, el cineasta Huw Wahl, cuyo tierno y granulado retrato cinematográfico de su padre se proyecta en bucle durante la exposición. «Creo que su pintura está mejorando cada vez más, en cierto modo, porque se está volviendo más juguetón», dice Wahl. «Pero Ken siempre ha sido infantil, en el mejor sentido».

“Siempre me han interesado las ideas creativas y la idea del juego como una forma de educación en sí misma”, dice Turner. “Cuanto más avanzas en tus estudios universitarios, más te olvidas de jugar, y jugar es increíblemente importante”.

Turner tiene mucho que decir, muchas historias que contar, como cabría esperar tras 80 años de trayectoria artística. Puede que ahora olvide fechas y nombres, pero las anécdotas fluyen sin cesar. Le cuesta hablar de las emociones y el razonamiento que hay detrás de la mayor parte de su obra, pero quizás incluso a los 100 años todavía lo esté asimilando todo. Su arte no es un hecho consumado. No parece sentirse cómodo mirando hacia atrás cuando aún hay tanto por descubrir.

Turner fue reclutado para trabajar en las minas al estallar la Segunda Guerra Mundial y, posteriormente, en los Ingenieros Reales. Al graduarse, sentía una profunda necesidad de crear arte, pero desconfiaba enormemente del establishment artístico. Rechazó una plaza en la Slade School of Fine Art de Londres porque no le gustaba el color de las paredes. «Si no pueden pintar bien las paredes, ¿cómo van a enseñar?», afirma. Más tarde, se negó a presentarse al examen final en el Regent Street Polytechnic porque esperaban que pintara al estilo impresionista, y rechazó invitaciones para exponer en las galerías de arte del West End. «No me gustaban los marchantes; me parecían sospechosos, corruptos y unos auténticos monstruos». En cada etapa de su vida, Turner se ha rebelado contra las expectativas: «No soy un revolucionario, simplemente soy un rebelde».

Lienzo en blanco… Turner en una imagen fija de Mi viaje sobre un Tesla. Fotografía: © Huw Wahl

En cambio, Turner trabajó como enmarcador antes de incorporarse como profesor en el Barnet College y, posteriormente, en Central Saint Martins. A finales de la década de 1960, un encuentro con un proyecto público de la directora de teatro radical Joan Littlewood lo inspiró a formar Action Space, un colectivo artístico decidido a sacar el arte de las galerías y llevarlo al alcance del público. Se describían a sí mismos como «una asociación de artistas que trabajan en la comunidad, a través de la educación y el juego, desarrollando formas artísticas relevantes para un público más amplio». Crearon enormes esculturas inflables por las que se podía caminar y en las que se podía actuar; utilizaron luz, sonido, movimiento y teatro; y organizaron eventos para niños. Este era un arte socialmente comprometido y comunitario, adelantado a su tiempo.

«Bueno, esa es mi conciencia social», dice Turner cuando se le pregunta sobre crear arte para un público más amplio. «Casi lloro al ver la desigualdad que existe». Action Space se trataba de encontrar maneras de conectar con personas fuera de los contextos artísticos tradicionales y conservadores. Pero rechazar el modelo de galería establecido para trabajar en zonas urbanas desfavorecidas también era una continuación de su espíritu rebelde. «Era algo intuitivo, lo llevaba en la sangre: rechazar el pensamiento institucional». Action Space aún existe hoy, bajo otra forma, como una organización benéfica que trabaja con artistas con discapacidad intelectual, entre ellos Nnena Kalu, ganadora del premio Turner.

Fue también por esta época cuando Turner descubrió su pasión por el arte performático, una afición que alcanzó su punto álgido el año pasado cuando pasó un tanque de 15 toneladas por encima de un Tesla en un proyecto coordinado por el colectivo de arte urbano Led By Donkeys. «Para mí, no hay diferencia entre performance y pintura», afirma. «Actúo cuando pinto y pinto cuando actúo». Y la edad no es un impedimento: actuará en la inauguración de la nueva exposición junto a su hija.

Turner se mudó a Cornualles en la década de 1990 y redescubrió su afición por experimentar con pinceles y óleos, reavivando su pasión por la pintura. Sigue siendo su principal forma de expresión creativa, aunque esto conlleva sus propias presiones: «Todavía necesito vender cuadros, pero no quiero ir al West End a venderlos. Así es el mundo del arte. Simplemente detesto profundamente a los críticos, y usted no es crítico de arte, ¿verdad?».

Parece decepcionado por mi respuesta. Esa vieja desconfianza hacia el mundo del arte vuelve a asomar. «Bueno, echa un vistazo a los cuadros y luego decide quién debería comprarlos», dice. Y así lo hago.

Son obras grandes, grandiosas, semiabstractas, a menudo caóticas, a veces violentas, profundamente emotivas y desmesuradas. Abordan la destrucción de Gaza, el impacto de la emergencia climática; no son fáciles de contemplar. «Creo que los museos deberían comprarlas», dice Turner. «Instruyen a la gente, tratan sobre la tristeza del planeta, el desarrollo de la crueldad y la desigualdad que se está produciendo».

Le preocupa profundamente el mundo y cree sinceramente que el arte puede contribuir a mejorar las cosas. ¿Es esa creencia en el poder del arte lo que lo impulsa? «Aunque tenga 100 años, llegaré a los 110 y seguiré pintando, porque es una señal: "Este es el camino, aquí es donde debes ir". Es una voz interior».

También es una necesidad. «Si no hiciera arte, moriría. Me da vida. Si no pinto, me enfermo, me enfermo mentalmente, y eso no es bueno». Incluso a los 100 años, da la impresión de que, mientras el arte forme parte de su vida, Ken Turner podría vivir eternamente.

Ken Turner a los 100: Un siglo de cultura disruptiva» se presenta en el Wharfside Arts Hub de Penzance hasta el 4 de agosto.

UN LUCIEN FREUD, AUTÉNTICO

 

Un retrato antiguo, cuya autenticidad fue negada por Lucian Freud, se muestra por primera vez 

El cuadro «Hombre con bufanda negra» (1939) se exhibirá por primera vez al público en una exposición en el Garden Museum de Londres. Fotografía: The Garden Museum.

El artista afirmó que el cuadro "El hombre de la bufanda negra" no era suyo, pero han surgido pruebas que demuestran que lo pintó cuando era estudiante en Suffolk.

Un retrato temprano de Lucian Freud, cuya autoría el artista negó durante años, se exhibirá por primera vez después de que los expertos demostraran que fue pintado por él.

El retrato titulado «Hombre con bufanda negra» fue creado en 1939 por el artista británico cuando aún era estudiante en la Escuela de Pintura y Dibujo de East Anglia, en Hadleigh, Suffolk. Se cree que el retratado es John Jameson, amigo de Freud y miembro de la familia propietaria del whisky.

La obra se dio a conocer más ampliamente después de aparecer en el programa de la BBC "Fake or Fortune?" en 2016, donde el historiador de arte Philip Mould concluyó que era muy probablemente un Freud.

Pero la situación se complicó por el hecho de que Freud había negado repetidamente que la obra fuera suya antes de su muerte en 2011. En 1985, Christie's la identificó como una pintura del artista, pero rectificó su decisión cuando Freud afirmó no haberla pintado.

Lucian Freud y sus amigos en la granja Benton End en Hadleigh, Suffolk, donde tenía su sede la Escuela de Pintura de Anglia Oriental. Fotografía: Fotógrafo desconocido.

La negación parecía deberse a la disputa personal de Freud con los propietarios originales de la obra, Denis Wirth-Miller y Richard Chopping, con quienes asistió a la escuela de Suffolk durante su adolescencia.

“Él era el niño prodigio, ya era una estrella entonces, y había celos”, dice el diseñador y autor Jon Lys Turner, quien heredó la obra y afirma que Wirth-Miller guardaba una lista de sus días escolares titulada “13 razones para odiar a Lucian”.

Wirth-Miller le dijo a Turner que podía quedarse con el cuadro con la condición de que lo autentificara y lo vendiera "para enfurecer a Lucian". Turner intentó entonces, durante 19 años, que la obra fuera reconocida como obra de Freud, sin éxito, ya que los expertos no estaban dispuestos a contradecir públicamente al artista.

Dos años después de la emisión de Fake or Fortune?, surgió una nueva prueba que respaldaba la versión de Turner. Los alumnos de la escuela de arte de Suffolk habían anotado en qué estaban trabajando al final de cada día, y los registros del archivo de la Tate Britain mostraron que Freud había estado pintando a John Jameson en 1939.

La obra «Hombre con bufanda negra» se exhibirá por primera vez al público en la exposición «Benton End: Un paraíso de polen y pintura» del Garden Museum de Londres. La muestra toma su nombre de la granja de Suffolk que albergó la Escuela de Pintura y Dibujo de East Anglia de Cedric Morris y Arthur Lett-Haines.

Cedric Morris, Arthur Lett-Haines y amigos en Benton End, donde dirigían la Escuela de Pintura y Dibujo de East Anglia. Morris fue una influencia poco reconocida en la obra de Freud, según Jon Lys Turner. Fotografía: Casa de Gainsborough y Douglas Atfield.

Freud también pintó a Morris un año después del cuadro El hombre de la bufanda negra. Esta obra se conserva en el Museo Nacional de Gales y presenta similitudes estilísticas con El hombre de la bufanda negra.

Turner afirma que la exposición pondrá de manifiesto la conexión, a menudo ignorada, entre Morris y su alumno Freud. «El retrato tiene una mirada desafiante, unos ojos grandes y una pintura espesa, aplicada con pinceladas y una técnica bastante tosca. Es una forma increíblemente ingeniosa de retratar a esa persona», comentó. «Lo aprendió de Morris».

No se ha tasado la obra de Turner, "Hombre con bufanda negra", pero en 2016 se especuló que valía más de 300.000 libras esterlinas. Sin embargo, las obras de Freud pueden alcanzar sumas mucho mayores: en 2015, "Supervisor de prestaciones sociales descansando" se vendió por 56 millones de dólares , y su récord en subasta es de 86 millones de dólares.  Otra obra de Freud, "Durmiendo junto a la alfombra del león", será subastada por Sotheby's en Londres con una estimación de entre 25 y 35 millones de libras esterlinas.

La exposición Benton End: Un paraíso de polen y pintura se podrá visitar en el Garden Museum de Londres  hasta el 20 de septiembre de 2026.

EDVARD MUNCH Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE

 

Edvard Munch y la fábrica de chocolate

Miranda Bryant

«Chicas regando flores» es uno de los doce lienzos creados por Edvard Munch para las paredes del comedor de mujeres de la fábrica de chocolate Freia en Oslo. Fotografía: Halvor Bjørngård/Edvard Munch

Una nueva exposición en Oslo relaciona la obra pública de la artista de 1922 con la historia del cacao, el movimiento obrero y la emancipación de la mujer

Al principio, contemplar el friso de Freia de Edvard Munch es casi como dejarse llevar por una danza. En los doce lienzos expuestos en el museo Munch de Oslo, los brazos de los recolectores de fruta se extienden con la gracia de un ballet, el agua fluye al unísono de las regaderas, las despedidas se pronuncian con dramatismo y parejas sincronizadas se mueven por la playa del brazo. Incluso las pinceladas de Munch, dominadas por los azules y los verdes, no pueden permanecer quietas.

Pero al empezar a reflexionar sobre por qué se crearon estas escenas, encargadas en 1922 como arte público para decorar las paredes del comedor de mujeres de la fábrica de la renombrada empresa noruega de chocolate Freia, las ganas de moverse se desvanecen.

El arte público suele ser visto con una perspectiva casi noble. ¡Qué fantástico que el creador del mundialmente famoso El Grito también quisiera crear arte para las trabajadoras de la fábrica! Pero, ¿acaso las necesidades de las niñas y mujeres que trabajaban en la fábrica de chocolate —entonces conocidas como las «chicas del chocolate»— estaban realmente presentes en la mente de su empleador, o incluso de Munch, cuando se creó esta obra?

«Los años en que Munch trabajaba en el friso de Freia fueron muy dramáticos y sombríos para toda Europa, especialmente después de la Primera Guerra Mundial», afirma la curadora Ana María Bresciani, quien, a través de la exposición —titulada Edvard Munch y la fábrica de chocolate— utiliza el friso para narrar la historia más amplia de los derechos de los trabajadores y la lucha por la igualdad de género. También aborda la historia violenta, explotadora y racista del abastecimiento de cacao de Freia —que provenía primero de Sudamérica y el Caribe, y luego de Ghana, por entonces colonia británica— y su comercialización.

Esta exposición marca la primera vez que el friso —cedido en préstamo al museo hasta octubre mientras se realizan reformas en el comedor de Freia— se exhibe en Noruega fuera de la fábrica, y solo la segunda vez que sale de ella (anteriormente se expuso en 1968 en el Museo Nacional de Estocolmo). La producción del chocolate Freia (que afirma ofrecer «un pedacito de Noruega») todavía se concentra principalmente en Oslo, pero la empresa ahora pertenece al gigante alimentario estadounidense Mondelēz International.

El friso llegó a la fábrica en 1923, en un momento crucial para los derechos de los trabajadores noruegos. Por aquel entonces, consiguieron el derecho a la jornada laboral de ocho horas y a las vacaciones de verano, pero, según Bresciani, muchas de las jóvenes no habían tenido experiencia con las escenas que Munch representa. «No creo que tuvieran acceso a casas de veraneo, probablemente no tenían acceso a la piscina y seguramente aún no tenían mucho acceso al arte».

Cuatro chicas en Åsgårdstrand (El friso de Freia IX). Fotografía: Halvor Bjørngård/Edvard Munch

A Munch parece no importarle nada de esto. De hecho, quizás ese era el objetivo: educarlos. «Las niñas del chocolate, sentadas allí comiendo, comprendían cada vez mejor los cuadros», escribió tras una visita para ver sus pinturas en su lugar de origen.

Al parecer, hubo quejas sobre la ausencia de puertas y chimeneas en las casas de los cuadros, por lo que se le pidió a Munch que añadiera estos elementos a la fábrica, pero solo accedió con la condición de que un chófer lo esperara a la salida. Cuando esto no sucedió, escribe la autora y periodista Marta Breen, le dijo al director de la fábrica que lo hiciera él mismo.

Luego estaba la cuestión del coste. El magnate del chocolate Johan Throne Holst pagó a su amigo 80.000 coronas noruegas (el equivalente a unos 2,5 millones de coronas noruegas o unos 258.000 dólares actuales) por el trabajo, mientras que las mujeres sobrevivían con ingresos minúsculos.

Esta enorme brecha de ingresos no pasó desapercibida. «Mientras a los trabajadores se les paga un salario de miseria, se invierte un gran capital en cuadros costosos, que con el tiempo podrían venderse con una gran ganancia», informó Arbeiderbladet, un diario con sede en Oslo, el 15 de octubre de 1923, acompañado de una fotografía del comedor, con cuadros colgados al fondo.

A pesar de ello, Freia quería ser vista como una empresa progresista y desempeñó un papel importante en la construcción del Estado-nación. Los empleados tenían derecho a un baño gratuito a la semana, una manicura mensual (por motivos de higiene, no estéticos), acceso a inodoros modernos con cisterna, uniformes, un médico de fábrica y gachas de avena y leche de cacao a bajo coste (consideradas preferibles al abundante café de mala calidad).

El friso de Freia es una de las dos únicas obras públicas de Munch; la otra es el Aula Magna, una serie de pinturas para un salón de actos de la Universidad de Oslo. El artista sentía una gran fascinación por el arte público. Había comenzado a trabajar en los planos —y contaba con un importante apoyo— para crear una obra pública para el nuevo ayuntamiento de Oslo. Sin embargo, nunca recibió el encargo y, cuando la obra estuvo terminada, ya había fallecido.

Si bien su interés por el trabajador podría demostrar que era consciente de que los tiempos y la capital noruega estaban cambiando, Bresciani cree que Munch buscaba la fama y que consideraba los encargos públicos —y su red de amigos influyentes— como una vía para conseguirla.

«Le interesaban mucho los encargos públicos», dice ella. «Porque creía que su arte debía convivir con la gente, y era un estratega en ese sentido». Desde el principio de su carrera organizaba exposiciones, cobraba entrada y vendía su obra, añade. «Sabía que quería ser conocido y quería tener presencia».

La exposición "Edvard Munch y la fábrica de chocolate" se puede visitar en el Museo Munch de Oslo hasta el 11 de octubre de 2026.