TECNOLÓGICAS: LA MODA EN MANOS DEL DIABLO

 

Las grandes tecnológicas se han infiltrado en el mundo de la moda.

Hannah Marriott

Anna Wintour y Lauren Sánchez Bezos asisten a la rueda de prensa de la Gala del Met 2026 en el Museo Metropolitano de Arte el 4 de mayo de 2026 en la ciudad de Nueva York. Fotografía: Roy Rochlin/Getty Images 

Anna Wintour ha recibido a los Bezos —y su patrocinio— con los brazos abiertos. Pero tras una polémica Gala del Met, los expertos del sector se muestran menos entusiasmados.

La rueda de prensa de la exposición de primavera del Met Costume Institute siempre es un evento solemne, pero este año parecía más bien un discurso de una "dama feudal a sus siervos" o, quizás, de "María Antonieta en los últimos días de Versalles". Allí, entre las espectaculares esculturas de mármol del ala estadounidense del museo, se encontraba una radiante Lauren Sánchez Bezos, a quien Anna Wintour presentó como una "fuente de alegría", antes de añadir que "ella y su marido, Jeff, han demostrado con este evento que realmente les importa contribuir a la sociedad". 

Mientras tanto, en el mundo exterior, las protestas contra la participación de los Bezos llevaban días en pleno apogeo. La discrepancia entre lo que se decía en la calle y el respeto que se respiraba en la sala de techo de cristal era desconcertante.

La Met Gala se ha convertido recientemente en un foco de protestas contra los excesos, pero esta fue la más polémica hasta la fecha, debido al patrocinio de 10 millones de dólares de sus copresidentes honorarios, los multimillonarios Jeff Bezos y Lauren Sánchez Bezos. No era la primera vez que Jeff Bezos financiaba la gala: Amazon fue su principal patrocinador en 2012. Sin embargo, el evento de este año se celebró en un momento de creciente desigualdad, ya que la fortuna personal de Bezos ha crecido exponencialmente y sus decisiones para congraciarse con Donald Trump lo han vuelto menos popular que nunca entre la élite neoyorquina de la moda y las artes, de tendencia progresista.

En protesta por la gala, el grupo Everyone Hates Elon proyectó entrevistas con trabajadores descontentos de Amazon en la fachada del ático de Bezos en Manhattan y distribuyó 300 recipientes de orina falsa dentro del museo, para destacar los informes de los conductores de Amazon sobre tener que trabajar tan sin descanso que deben orinar en botellas. 

Parte del rechazo provino de los propios expertos en moda: la exeditora de Vogue EE. UU., Gabriella Karefa-Johnson, copresentó un evento rival, Ball Without Billionaires, donde trabajadores de Amazon desfilaron en la pasarela, y rechazó un trabajo con un cliente ideal para boicotear el evento. «La moda siempre ha tenido talento para el lavado de imagen. En estos momentos, envuelve a los individuos más siniestros en seda, bajo el cálido resplandor de las luces intermitentes, y logra convencernos de que es cultura. Esto no es nuevo. Pero tengo mis límites», escribió Karefa-Johnson en su Substack.

Una persona coloca carteles instando a boicotear la Met Gala financiada por Bezos en la ciudad de Nueva York el 15 de abril de 2026. Fotografía: Angela Weiss/AFP/Getty Images

Otra línea de críticas provino de una fuente muy inesperada: El diablo viste de Prada 2, una película cuya icónica editora, Miranda Priestly, se inspiró en la propia Wintour. Estrenada unos días antes de la gala, su trama, inquietantemente obvia, se centraba en los intentos del magnate tecnológico Benji Barnes por comprar la revista Runway, que estaba en decadencia, para su novia, Emily. Si bien Barnes es un personaje ficticio, tiene ciertas cualidades similares a las de Bezos, incluyendo su transformación tras el divorcio (en la película, impulsada por Sculptra, Ozempic e inyecciones de testosterona), y la historia se hace eco de rumores infundados de que Bezos quiere comprar Vogue para su esposa.

 Barnes pronuncia un monólogo escalofriante sobre la IA, anticipando un mundo donde la revista se publicará sin intervención humana. "El futuro simplemente se nos viene encima como la lava de Pompeya", dice, encogiéndose de hombros, mientras Priestly, la villana de la primera película, se resiste heroicamente. Critica duramente los intentos de Emily por entrar a la fuerza en Runway utilizando el dinero de su pareja con una pulla muy al estilo de Priest: "No eres una visionaria, eres una vendedora".

Según la guionista Aline Brosh McKenna, la similitud de la trama con rumores reales es una coincidencia; pero elegir a un oligarca voraz de Silicon Valley como tirano de la clase alta de la moda en una de las películas más taquilleras del año también refleja el espíritu de la época. La reacción cultural ha sido tal que cabe preguntarse si la creciente relación de la moda con los magnates tecnológicos acabará por romperse.

La Met Gala desempeña un papel único en la cultura de la moda, al ser la única gran alfombra roja anual que permite a los diseñadores dar rienda suelta a sus instintos más audaces y creativos; por eso los vestidos son mucho más arriesgados, y a veces hilarantes, que los de los Óscar. 

La gala también financia el Costume Institute del Met, una de las colecciones de ropa histórica más grandes y completas del mundo, y sus exposiciones, la más reciente de las cuales, Costume Art, contó con la participación destacada de Sánchez Bezos (y su dinero). Este año, la gala recaudó 42 millones de dólares. Las entradas costaban la escalofriante cifra de 100.000 dólares, frente a los 35.000 de 2022, un aumento que coincide con una lista de invitados cada vez más orientada al sector tecnológico, que incluía al cofundador de Google, Sergey Brin, Mark Zuckerberg y personal de OpenAI. Cualquier insinuación de que Bezos, Brin y Zuckerberg, quienes se han aliado con Trump mientras su administración recortaba la financiación de las artes, asistieron a la Met Gala porque les importa la preservación de prendas de archivo resulta un tanto ridícula.

Jeff Bezos y Lauren Sánchez Bezos asisten a la Gala del Met de 2026. 

Lo que los magnates tecnológicos buscan en la moda, al parecer, es prestigio cultural. Para los Bezos, el evento es solo el último paso en una campaña constante para ganar reconocimiento en el mundo de la moda, gran parte de ella facilitada por la revista Vogue estadounidense. La revista publicó un elogioso perfil de Sánchez Bezos en 2023 y reforzó ese respaldo con una portada digital de su boda en 2025. En los últimos seis meses, la pareja ha asistido en primera fila a los desfiles de la Semana de la Moda de París y ha anunciado donaciones de decenas de millones de dólares en subvenciones y becas destinadas a tejidos sostenibles. Wintour, quien dejó su puesto como editora de Vogue estadounidense en 2025 para asumir un cargo más importante en la editorial Condé Nast, continúa supervisando la Gala del Met. Tiene un historial de incorporar al mundo de la moda a personas que considera cultural y comercialmente influyentes —Kim Kardashian, por ejemplo— incluso cuando la opinión pública argumenta que no se han ganado ese prestigio.

La industria suele coincidir con la visión de Wintour. De hecho, muchos diseñadores de renombre han trabajado con Sánchez Bezos, entre ellos el "arquitecto de imagen" Law Roach y Schiaparelli, quien la vistió para la Gala del Met con su estética preferida centrada en el escote y la figura de reloj de arena (aunque, significativamente, en Instagram, ninguno parece haber publicado una imagen de su trabajo).

Tras la gala, los expertos en moda con los que hablé expresaron su continua incomodidad por el patrocinio de Bezos, que consideraban decepcionantemente representativo de la dirección que está tomando Condé Nast, que recientemente cerró su publicación más progresista, Teen Vogue. También les decepcionó que tantas celebridades, normalmente muy activas políticamente, asistieran a la gala a pesar de la polémica. (Entre quienes desfilaron por la alfombra roja se encontraban Anne Hathaway, Bad Bunny, Rihanna, Margot Robbie, Beyoncé, Nicole Kidman y Venus Williams. Taraji P. Henson y Mark Ruffalo fueron de los pocos que publicaron vídeos en contra de Amazon; los informes de los medios sobre boicots por parte de Meryl Streep y Zendaya no fueron confirmados).

Pero entonces, las personas con las que hablé no se sentían capaces de expresarse. Un creativo del mundo de la moda me dijo que el evento le había parecido "horrible" y "de mal gusto". "Si por mí fuera, sería el fin de la Met Gala", dijo, pero no quería criticar a sus buenos amigos —diseñadores y estilistas— que habían trabajado en los looks de la alfombra roja. Otra diseñadora emergente, cuyo trabajo apareció en la exposición de primavera del Costume Institute, me dijo que no se enteró de la participación de los Bezos hasta mucho después de haber empezado a trabajar en el desfile. Se sentía profundamente ambivalente al respecto, preocupada de que la estuvieran utilizando como un símbolo, "porque sabemos que a los Jeff Bezos de este mundo no les importa lo que tengan que decir las personas sin recursos". Finalmente, decidió que no podía rechazar la exposición. "Es muy difícil intentar luchar contra esto antes de tener el poder de cambiar las cosas".

Sergey Brin, cofundador de Google, asiste a la Gala del Met de 2026. 

Fotografía: Taylor Hill/Getty Images

La situación en el mundo de la moda es desalentadora, afirmó. Una de las razones por las que los multimillonarios tecnológicos están de moda es que muchas marcas de lujo —los patrocinadores habituales de exposiciones como la del Met— están pasando por dificultades . El año pasado, Burberry anunció planes para recortar 1700 puestos de trabajo, mientras que Kering, propietaria de Gucci, Saint Laurent y Balenciaga, cerró 133 tiendas. «Es duro ver cómo personas que han trabajado durante años en la industria, que deberían estar protegidas y que han aportado tanta creatividad, son despedidas y pierden su trabajo», declaró la diseñadora. «Y, por el momento, gente como los Bezos son los únicos que financian esto».

A pesar de las críticas, Amy Odell, periodista de moda y autora del boletín Back Row , no cree que los multimillonarios tecnológicos vayan a desaparecer. No se cree los rumores de que Bezos adquiera Vogue, pero existen muchas otras razones por las que querría formar parte de la industria de la moda. Amazon lleva tiempo intentando acercarse al mundo de la moda de lujo, enfrentándose a veces a rechazos altivos (el director financiero de LVMH, Jean-Jacques Guiony, declaró en 2016 que «el negocio de Amazon no encaja con LVMH, punto»).

Y, por supuesto, está el glamour. Quizás los Bezos estén cortejando a la moda porque "les resulta divertido", especuló Odell. "Él está pasando por una crisis de la mediana edad y se está renovando la ropa. Su esposa quiere ser fotografiada y estar en el centro de atención". En una economía de la atención dominada por los oligarcas, teorizó, "las personas más influyentes del sector tecnológico" se están convirtiendo en las Kardashian. "Generan publicidad. Creo que la moda seguirá acogiéndolas. La cuestión es si llegarán a normalizarse como lo hicieron las Kardashian".

Hay aún más razones por las que quienes están en la cima de la industria de la moda estarían deseosos de que esto sucediera. Para empezar, Sánchez Bezos es lo que Odell describe como un "cliente muy importante", uno de los "2% de compradores de lujo que representan el 40% de las ventas; ese es el pan de cada día para las marcas de lujo, no los clientes aspiracionales". Condé Nast, por su parte, vería a Bezos como un aliado, ya sea por donaciones al estilo de la Met Gala o por acuerdos como el reciente que permite a Amazon extraer contenido de las publicaciones de Condé para podcasts generados por IA .

Ya sea porque la gala se ha vuelto tan compleja e polémica, o porque Wintour, de 76 años, se jubilará algún día, el Costume Institute parece estar considerando su próximo paso. Su curador principal, Andrew Bolton, declaró al New York Times que para 2028 o 2030 el instituto habrá ahorrado suficiente dinero en un "fondo de dotación" como para no necesitar más el apoyo de la gala anual. Bolton dijo: "La Met Gala es extraordinaria, pero a veces eclipsa todo lo demás", y agregó que la dependencia del departamento de ella le parecía precaria. "¿Qué pasaría si hubiera otro desastre mundial y la gente dijera: 'No puedo ir a una fiesta'?" Cada año, dijo, la gala se ha vuelto más grande y de mayor repercusión, y "llegará un punto en que eso no será sostenible".

Anne Hathaway asiste a la Gala del Met de 2026. Fotografía: TheStewartofNY/Getty Images

Dicho esto, Odell menciona una entrevista en un podcast posterior a la gala con el director ejecutivo de Condé Nast, Roger Lynch, en la que afirmó que la controversia de este año fue «buena… ¡la intriga en torno a este evento no deja de crecer!». Quizás, añadió Odell, «confían en que la memoria de internet sea frágil. Quizás simplemente no les importa, porque no hablan con la gente común».

Si es cierto que quienes están en la cima de la industria no pueden oír en absoluto las quejas de la gente común, es fácil imaginar que la gala, y la industria del lujo que representa, se adentrará cada vez más en el mundo de los oligarcas, con los magnates tecnológicos desempeñando todos los papeles protagonistas.

Llegado ese punto, los creativos cuyas ideas y brío siempre han impulsado la industria de la moda quizás no quieran aplaudirlos. Quizás quieran devorarlos.

KEITH HARING HA VUELTO

 

Louis Vuitton revive la colaboración con Keith Haring en un fastuoso desfile en Nueva York.

Jess Cartner-Morley

Motivos de Keith Haring reinterpretados por Nicolas Ghesquière para Louis Vuitton. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

La última colección de Nicolas Ghesquière combina la elegancia de la zona alta de la ciudad con la cultura pop y el estilo callejero del centro.

El atractivo de viajar con estilo contribuyó a convertir a Louis Vuitton en la casa de lujo más grande del mundo, y no se escatimaron gastos para un viaje a Nueva York con el fin de presentar la última colección de Nicolas Ghesquière.

La primera modelo desfiló por la pasarela luciendo una maleta Louis Vuitton de 100 años de antigüedad en la que el artista Keith Haring había dibujado varios de sus característicos monigotes en 1984. Rescatada de los archivos de Vuitton, la maleta anunciaba una colaboración con los herederos de Haring que incluirá el clásico bolso LV Speedy reeditado con los bebés bailarines y los perros ladrando del artista.

La exposición tuvo lugar en las suntuosas galerías de mármol de la Colección Frick de Manhattan, que alberga obras maestras de Ingres, Rembrandt y Vermeer; un honor que se recompensó con un patrocinio de tres años, en el que Louis Vuitton se comprometió a financiar las exposiciones, el acceso del público y un puesto de curador en la galería. A partir del próximo año, las veladas mensuales de entrada gratuita del museo pasarán a llamarse Viernes Gratuitos Louis Vuitton.

Vestidos esculturales en colores vibrantes en la pasarela. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

El glamour neoyorquino de antaño se fusiona con el estilo urbano contemporáneo. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

El fallecido Keith Haring junto a un tramo del Muro de Berlín que pintó con uno de sus característicos bebés gateando, en Berlín, 1986. Fotografía: Elke Bruhn-Hoffmann/AP

Bolsos originales y toques de color. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

Zendaya, Emily Blunt, Anne Hathaway, Cate Blanchett y Oprah Winfrey, sentadas en primera fila, recordaron que Louis Vuitton sigue superando en ventas a sus competidores, mientras que los motivos de Haring —y la participación de la música Alana Haim como modelo— subrayaron la continua capacidad de Ghesquière para sorprender. Ghesquière afirmó que no solo se inspiró en el arte de Haring, sino también en sus «maravillosos valores, como pionero de la unidad y la liberación para tantas personas».

Keith Haring, el artista que encontró en el metro de Nueva York : "un laboratorio de ideas".

El diseñador se divirtió con el contraste entre la ostentación del Upper East Side de la Frick Collection y Haring, quien se hizo famoso por sus bocetos ilegales con tiza en las estaciones de metro de Nueva York. Louis Vuitton, fundada como fabricante de baúles de lujo para pasajeros de primera clase, ahora cobra más de 2000 libras por un bolso.

Sin embargo, su poder reside en el reconocimiento universal que la distingue de otras marcas de élite y le asegura un lugar en la cultura popular. "El punto de partida de esta colección fue la tensión que existe en Nueva York entre la zona alta y la zona baja", dijo Ghesquière. "Quería celebrar esa dualidad".

Zendaya posa para la cámara. Fotografía: Evan Agostini/AP

Las actrices Cate Blanchett y Zendaya. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

Calzado inspirado en Haring. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

El desfile fue una celebración de Nueva York como experiencia de la cultura pop, con bolsos con forma de cajas de comida para llevar, discos y latas de refresco. El centro de la ciudad estuvo representado por fabulosos vaqueros —el denim es la prenda informal estadounidense por excelencia—, mientras que las sedas ricamente plisadas y las gargantillas llamativas evocaban a la élite neoyorquina que antaño vivía y celebraba fiestas en el Frick cuando era una residencia privada.

“Lo especial de este lugar es que se pueden sentir los fantasmas”, dijo Ghesquière. “No solo en el arte, sino también en los muebles, los objetos, el estilo de vida”.

Rose Coffey, analista sénior de prospectiva en Future Laboratory, señala que la cultura de la ciudad y el modelo de negocio de Louis Vuitton comparten un amplio atractivo demográfico. 

La fusión entre moda y arte —un elemento clave en los calendarios de los museos, con exposiciones como la actual muestra de Schiaparelli en el V&A— fue impulsada por Louis Vuitton en 2001, cuando el diseñador Marc Jacobs colaboró ​​con Stephen Sprouse en bolsos con monogramas de estilo grafiti que se convirtieron en objetos de colección. 

Posteriormente, Takashi Murakami y Yayoi Kusama añadieron sus motivos característicos —cerezas y puntos, respectivamente— a los bolsos de Louis Vuitton.

PATRIA

 

Oda escrita en 1966

  Jorge Luis Borges

Nadie es la patria. Ni siquiera el jinete
que, alto en el alba de una plaza desierta,
rige un corcel de bronce por el tiempo,
ni los otros que miran desde el mármol,
ni los que prodigaron su bélica ceniza
por los campos de América
o dejaron un verso o una hazaña
o la memoria de una vida cabal
en el justo ejercicio de los días.
Nadie es la patria. Ni siquiera los símbolos.

Nadie es la patria. Ni siquiera el tiempo
cargado de batallas, de espadas y de éxodos
y de la lenta población de regiones
que lindan con la aurora y el ocaso,
y de rostros que van envejeciendo
en los espejos que se empañan
y de sufridas agonías anónimas
que duran hasta el alba
y de la telaraña de la lluvia
sobre negros jardines.

La patria, amigos, es un acto perpetuo
como el perpetuo mundo. (Si el Eterno
Espectador dejara de soñarnos
un solo instante, nos fulminaría,
blanco y brusco relámpago, Su olvido.)
Nadie es la patria, pero todos debemos
ser dignos del antiguo juramento
que prestaron aquellos caballeros
de ser lo que ignoraban, argentinos,
de ser lo que serían por el hecho
de haber jurado en esa vieja casa.
Somos el porvenir de esos varones,
la justificación de aquellos muertos;
nuestro deber es la gloriosa carga
que a nuestra sombra legan esas sombras
que debemos salvar.

Nadie es la patria, pero todos lo somos.
Arda en mi pecho y en el vuestro, incesante,
ese límpido fuego misterioso.

 

LA VIGENCIA PODEROSA DE MARK ROTHKO

 

La generación Z se enamoró del rey de la pintura de campos de color.

Nadia Anwar-Watt

Una experiencia… Los murales de Seagram de Rothko en la Tate Britain, octubre de 2020. Ahora se encuentran en la Tate Modern. Fotografía: James Veysey/REX/Shutterstock

¿Por qué la obra de este artista acumula cientos de miles de visualizaciones en las redes sociales? Para una generación bombardeada por estímulos visuales, sus lienzos parecen ofrecer una vía de escape meditativa.

Las obras de Mark Rothko siempre han generado opiniones encontradas. ¿Representaban esas vastas pinturas de campos de color una nueva y audaz dirección para el arte abstracto o simplemente alimentaban la idea de que "mi hijo podría pintar eso"? Para sus detractores, las abstracciones de Rothko parecen carecer de simbolismo o de un mensaje discernible. Sin embargo, actualmente está experimentando una inesperada revalorización cultural gracias a su adopción por parte de los amantes del arte de la generación Z.

En TikTok e Instagram, los vídeos centrados en la obra de Rothko acumulan cientos de miles de visualizaciones. Una creadora ha empezado a diseñar conjuntos inspirados en lienzos individuales de Rothko ; otra asocia sus obras a arquetipos de personalidad, describiendo Sin título (Amarillo y Azul) como la pareja perfecta para "alguien que se levanta temprano, bebe agua con cítricos y tiene la vida resuelta, o al menos lo aparenta". En otros lugares, los usuarios comparan sus paletas atmosféricas con la melancolía difusa de Cocteau Twins, la banda de dream pop que también está experimentando un resurgimiento entre la generación Z. Como dijo recientemente una joven creadora: "Idea para una cita: yo, Rothko y nadie diciendo "Yo podría haber hecho esto".

La pregunta, entonces, es ¿por qué Rothko conecta tan profundamente con el público de la Generación Z? Quizás porque la época que viven se caracteriza por una estimulación visual constante, así como por una ineludible conexión con la inestabilidad mundial. Las pinturas de Rothko, incluso en las redes sociales, funcionan como un refugio estético frente al bombardeo de contenido sobreestimulante; sus pinceladas meditativas de color y su búsqueda de profundidad en la simplicidad son su antídoto.

No hay mejor lugar para estar… la Capilla Rothko en Houston, Texas. 

Fotografía: Callaghan O'Hare/Reuters

Houston, Texas, alberga la Capilla Rothko. Encargada en 1964 por dos franceses católicos devotos, John y Dominique de Menil, consta de una sala octogonal sin ventanas con catorce pinturas de gran formato en exhibición. No hay otro lugar donde estar, ni adónde ir si se pretendía echar un vistazo rápido y fotografiar las obras. Es un espacio que impone una presencia sutil y suscita una profunda reacción ante su obra. Según Carolyn King, especialista en atención al visitante de la Capilla, «cuando no nos queda nada, podemos sentarnos con el misterio, con la confusión y la incomodidad; podemos permitirnos ser provocados por lo sublime».

King ha notado una gran diversidad de visitantes en la Capilla Rothko. "Veo a algunos entrar sin más, darse la vuelta y marcharse. No están preparados para la confrontación. Pero hay un grupo de jóvenes que vienen con muchísima curiosidad y se dan cuenta de que necesitan algo así. Así que están abiertos a analizar la obra y, en cierto modo, a cuestionarse a sí mismos".

Orange and Yellow  Mark Rothko • 1956

Rothko dijo en una ocasión: "Una pintura no es una imagen de una experiencia; es una experiencia en sí misma". Sus obras se ven ahora con frecuencia por primera vez a través de medios digitales, sin las sutiles texturas, las capas de color y las pinceladas precisas que permiten apreciar la emoción en persona. Es difícil saber hasta qué punto Rothko estaría satisfecho de que el público se familiarice con su obra de esta manera.

Natalia Sidlina es curadora de arte internacional en la Tate Modern, que actualmente alberga los murales Seagram de Rothko: una selección de nueve obras de arte, en su mayoría de tonos granates y marrones intensos, de carácter reflexivo, encargadas originalmente en 1958. Para Sidlina, la proliferación del arte en plataformas digitales es, en última instancia, un avance positivo para la participación cultural, especialmente cuando anima a algunas personas a visitar las obras en persona. Cree que Rothko probablemente habría compartido una opinión similar.

Sin instrucciones... Mark Rothko en diálogo con Fra Angelico en el Museo di San Marco, Florencia. 

Fotografía: Roberto Serra/Iguana Press/Getty Images

"Rothko rara vez comentaba sobre sus obras o les decía a las personas qué debían ver o sentir". "Creo que le habría interesado observar cómo la siguiente generación interactuaba con su obra, en cualquier plataforma o formato, y disfrutar de una experiencia placentera sin imponer ninguna narrativa específica sobre cómo verla".

Añade: "Creo que el hecho de que rara vez les dijera a las personas lo que debían sentir tiene una gran resonancia con el público contemporáneo, que no suele querer oír instrucciones sobre qué hacer".

Paralelamente al revuelo en internet, y sin duda por casualidad, las obras de Rothko se exhiben actualmente en tres espacios culturales de Florencia: la Biblioteca Medicea Laurenziana, el Palazzo Strozzi y el Museo di San Marco. Este último presenta las pinturas de Rothko junto a las del maestro del Renacimiento temprano Fra Angelico en un diálogo anacrónico comisariado por el propio hijo de Rothko, Christopher, y Elena Geuna. El auge de las redes sociales sin duda contribuirá al éxito de las exposiciones; los vídeos que documentan las muestras ya han alcanzado cifras de audiencia muy elevadas.

• Untitled (Blue Divided by Blue), 1966 - Mark Rothko 

Hay una ironía y una belleza en el resurgimiento contemporáneo de Rothko: que un artista ocasionalmente criticado por ser inaccesible y superficial, haya encontrado quizás su resonancia más profunda en una generación muy distinta a la suya.

Royal red and blue

LOS TESOROS DE DIANE KEATON, A LA VENTA

 

Un vistazo al archivo de Diane Keaton mientras sus tesoros salen a la venta.

Diane Keaton fotografiada frente a «el muro», un gran tablón de anuncios que ella misma creó en su casa y que se espera alcance entre 8.000 y 12.000 dólares en la subasta. Fotografía: Ruvén Afanador/Cortesía de Bonhams

Una nueva exposición abre el "archivo" de la mente de la actriz destacando collages hechos por él mismo y trajes masculinos icónicos.«Una fotógrafa con una mirada fría y letal»: la creatividad de Diane Keaton detrás de la lente.

Un viernes por la tarde, me encontré frente a "la pared": un extenso collage creado por Diane Keaton. La difunta actriz fue colocando en este collage, a lo largo de muchas décadas, objetos que le fascinaban, entre ellos instantáneas suyas en cabinas fotográficas parisinas, una oreja falsa con puntos de acupuntura, fotos policiales de mujeres victorianas, cartones de bingo, un menú de una antigua casa de apuestas de California y una fotografía que le tomó a su amiga Carol Kane.

Keaton en una imagen fija de Annie Hall.

La pieza es uno de los muchos objetos personales de Keaton que se exhiben en Bonhams en West Hollywood antes de su presentación en Nueva York a finales de este mes. Anna Hicks, directora de colecciones privadas e icónicas de la casa de subastas, me comenta que esta pieza de gran tamaño, que cubre casi una pared entera, constituye sólo una pequeña parte del collage de 2,4 x 9 metros que Keaton guardaba en su casa de Sullivan Canyon. Los especialistas de Bonhams encontraron aún más objetos personales, como fotos firmadas de su coprotagonista de El Padrino, Al Pacino, escondidas bajo este imponente conjunto. «Creo que dice mucho de ella», afirma Hicks. «Todos sus pensamientos y las diferentes cosas que consideraba importantes o interesantes, simplemente las colgó aquí».

Keaton, que creció viendo a su madre hacer collages, se aficionó a esta técnica desde muy joven. En sus veinte, cuando actuaba en producciones de Broadway como Hair, pasaba las tardes meditando y creando collages. Keaton nunca consideró su afición una forma de arte; una vez se describió a sí misma como «una persona que recorta papel, lo tira a la pared o encuentra fotografías antiguas en el mercadillo», más que como una artista. El fascinante collage de Bonhams sugiere lo contrario. Con cada recorte, Keaton parecía construir un catálogo amorfo de su vida: un proceso gradual y táctil que, en sus manos creativas, se convirtió inevitablemente en un arte en sí mismo.

Una selección de la ropa de la actriz en la exposición Diane Keaton: La arquitectura de un icono, Los Ángeles. Fotografía: Cortesía de Bonhams.

La subasta de West Hollywood, Diane Keaton: "La arquitectura de un icono", es una de las cuatro ventas dedicadas a la prolífica actriz, entusiasta de la moda masculina, aficionada al diseño de interiores, ávida lectora y coleccionista de objetos curiosos. Cada venta se centra en un aspecto distinto de la identidad de Keaton, incluyendo sus inclinaciones sartoriales y su obra fotográfica, a la vez que ilustra cómo acumuló objetos que le intrigaban en lugar de objetos que algún día pudieran ser especialmente valiosos. 

La subasta "La arquitectura de un icono", que se celebrará en directo en Nueva York el 8 de junio, incluye un poco de todo, pero destaca el estilo inconfundible de Keaton para el diseño con influencias californianas y los objetos que la cautivaron.

El guion original de Annie Hall de Diane Keaton, valorado entre 2.000 y 3.000 dólares. Fotografía: Cortesía de Bonhams.

Bonhams optó astutamente por exhibir algunos objetos de la misma manera que Keaton lo hacía en casa: una caja de cristal con libros de mesa de centro artísticamente dispuestos en su interior, con temas que van desde perros hasta las obras del artista visual Arnold Mesches, y una papelera metálica rebosante de rollos sin abrir de papel de regalo de lunares blancos y negros. Otros objetos están agrupados temáticamente. En una mesa se pueden ver las propias fotografías de Keaton y objetos de las películas en las que actuó, con guiones originales de Annie Hall y materiales relacionados con sus papeles en El Padrino y El Padre de la Novia. Algunos de estos contienen notas personales sobre personajes específicos: en el guión de Book Club , Keaton había garabateado en el margen: "Esta escena trata sobre luchar por la independencia de una manera dependiente".

El buen gusto de Keaton para la sastrería también ocupa un lugar destacado en la subasta. Keaton prefería abrigos, trajes y vestidos de diseñadores como Thom Browne y Comme des Garçons, con énfasis en cortes rectos y cinturas ceñidas. Se subastarán más de 150 lotes de ropa, incluyendo uno de sus característicos sombreros bombín negros, un traje de lentejuelas de Gucci y una boina que lució en la gala del Lacma en 2021, así como su traje de Ralph Lauren para los Oscar de 2020. Mientras tanto, piezas de su colección personal de arte a la venta incluyen obras de David Wojnarowicz, Maynard Dixon y Ed Mell, así como un dibujo que su amigo Jack Nicholson hizo para ella. 

                           

                      Diane Keaton en la Gala de Arte y Cine del LACMA de 2021.

Kevin Winter/Getty

También se exhibirán montones de joyas y calzado de Keaton inspirados en el suroeste, desde varias Dr. Martens hasta un par de zapatos de payaso. Tanto la ropa como los zapatos tienen un aire usado, con algunas botas muy usadas que muestran marcas de rozaduras. A lo largo de su vida, Keaton usó y volvió a usar repetidamente sus prendas de vestir favoritas, algo poco común en Hollywood.

Retratos de Diane Keaton tomados en un fotomatón, con un precio estimado de entre 400 y 600 dólares. Fotografía: Cortesía de Bonhams.

Como corresponde a una artista del collage de toda la vida, la subasta ofrece a los fans una visión multifacética de Keaton, sus aficiones y los múltiples intereses que la cautivaron. Los espectadores pueden explorar las inclinaciones más idiosincrásicas de Keaton, como su extensa colección de fotografías estilizadas de accidentes automovilísticos y modelos de carillas dentales, que los vendedores ambulantes solían llevar consigo, junto con fotografías de instrumental dental antiguo en Bonhams. 

Cerca de allí, cestas forradas dentro de una cómoda rebosan de pequeños tesoros: diminutos sombreros bombín, sellos de goma, juguetes, postales y otros objetos extraídos del "archivo" de la mente de Keaton, como lo describe Hicks. En conjunto, estos objetos ponen de manifiesto las casi extrasensoriales dotes de observación de Keaton, una constante en la legendaria carrera de esta artista polifacética.

La exposición "Diane Keaton: La arquitectura de un icono" se puede visitar en Bonhams, Nueva York, del 29 de mayo al 9 de junio.