RECUPERANDO A REMBRANDT

 

Un cuadro de Rembrandt fue alterado para borrar el turbante de la cabeza del hombre.

Dalya Alberge

El cuadro «Dejen que los niños vengan a mí», cuya autoría no había sido confirmada previamente como obra de Rembrandt, también había sido modificado para vestir al niño desnudo en primer plano. Fotografía: Sotheby's

Exclusiva: Una mano desconocida cubrió la representación artística de una multitud diversa durante la llegada masiva de refugiados a Leiden en la década de 1620.

Se han retirado capas de repintes de un cuadro del siglo XVII, lo que confirma que fue pintado por Rembrandt y revela que el turbante de una de las figuras había sido sustituido por un gorro blando tradicional holandés.

Una mano anónima posterior modificó o suavizó el original de Rembrandt, aparentemente malinterpretando que su tema bíblico —«Dejen que los niños vengan a mí»— trata sobre la tolerancia, con Cristo bendiciendo tanto a niños como a adultos. En el evangelio de San Lucas, Jesús reprende a sus discípulos por rechazar a los padres que le traían a sus hijos: «Dejen que los niños vengan a mí, y no se lo impidan, porque de los que son como ellos es el reino de los cielos».

Rembrandt representó una multitud de figuras diversas. Además del hombre del turbante, también están representadas las religiones judía y cristiana.

En la versión repintada (izquierda), el turbante fue reemplazado por un gorro blando tradicional holandés y el niño aparece vestido, entre otros cambios. Composición: Sotheby’s

El artista parece haberse inspirado en las calles multiculturales y religiosamente diversas de la Holanda del siglo XVII. Cuando pintó el cuadro, la rivalidad religiosa estaba muy extendida y un gran número de refugiados llegaba a Holanda, muchos de los cuales se instalaron en Leiden, la ciudad natal de Rembrandt, para consternación de la mayor parte de la población.

El historiador de arte Andrew Graham-Dixon afirmó que la pintura coincidía con la estrecha relación de Rembrandt con los Remonstrantes, un grupo que abogaba por la tolerancia y la aceptación religiosa.

“En 1627, cuando Rembrandt comenzó este cuadro, Leiden atravesaba una extraordinaria crisis humanitaria. La Guerra de los Treinta Años estaba en su apogeo y cientos de miles de personas llegaban a la República Holandesa como refugiados. Solo en 1626, llegaron 1500 tejedores con sus esposas e hijos, lo que provocó una afluencia masiva de personas. Se estima que Leiden acogió a unos 10 000 refugiados en ese único año”, declaró Graham-Dixon.

“Cuando Rembrandt pintó esto, representó una escena multitudinaria de Cristo dando la bienvenida a niños y familias. Esto fue muy controvertido en su momento. Había gente en Leiden que no quería recibirlos. Pero lo que podemos deducir de esta pintura es que Rembrandt estaba del lado de la ayuda humanitaria… Así que, creo que esto es más que una simple pintura; es una declaración de la postura moral de Rembrandt.”

El cuadro, que mide 106 cm por 80,5 cm, fue descubierto en 2014 en una subasta alemana, que lo había catalogado como una "pintura neerlandesa del siglo XVII" anónima.

Ahora, tras haber sido atribuida a Rembrandt, será subastada por Sotheby's en Londres el 1 de julio con un precio estimado de entre 8 y 12 millones de libras esterlinas, lo que refleja que se encuentra entre las obras tempranas más importantes de Rembrandt que aún permanecen en manos privadas.

Alex Bell, presidente emérito de Sotheby's Reino Unido, declaró "La posterior capa Dde de pintura le dio un tratamiento más tradicional y convencional del tema, ya que el original presentaba un elenco de personajes más diverso, incluida la figura prominente con turbante en el centro".

El primer plano del cuadro quedó inacabado, completado de forma bastante tosca por el artista posterior. La restauración ha eliminado ahora los añadidos, «lo que demuestra hasta qué punto la pintura fue simplificada, o suavizada, por la intervención posterior», dijo Bell.

Mientras que Rembrandt había pintado a un niño desnudo entre la multitud, el artista posterior lo había vestido.

Bell dijo: “No sabemos cuál era el plan final de Rembrandt para la finalización de esta figura, pero, tal como la vemos ahora, es sin duda mucho más impactante que la versión repintada, y enfatiza la vulnerabilidad de los niños que buscan la bendición de Cristo”.

Las investigaciones han revelado que este cuadro era particularmente personal para Rembrandt, ya que representó a varios miembros de su familia, incluidos sus padres y él mismo, con el joven aparentemente inclinándose hacia adelante para presenciar el acontecimiento milagroso, mientras mira directamente al espectador.

“En ninguna otra imagen Rembrandt logra reunir a su familia de forma tan completa”.

Los padres de Rembrandt esperaban que siguiera una carrera en derecho, administración o en la iglesia, pero reconocieron su talento y financiaron su formación artística.

Una teoría sugiere que, dado que la obra fue pintada poco después de su aprendizaje con un destacado artista de Ámsterdam, Pieter Lastman, Rembrandt estaba demostrando a sus padres que su inversión había valido la pena.

El cuadro se presentará al público a partir del 27 de junio en Sotheby's de Londres, siendo la primera oportunidad de verlo en su estado restaurado y tal como Rembrandt lo reconocería.

EL MÁRMOL EN EL ARTE MEDIEVAL

 Las pinturas sobre mármol revelan un mundo de misticismo medieval mágico.

Olivia McEwan

Un suelo de mármol de estilo abstracto y extravagante… La Anunciación de Zanobi Strozzi, c. 1440. Fotografía: Heritage Image Partnership Ltd/Alamy

Desde remolinos alucinantes hasta losas empapadas de sangre, un nuevo libro explora el arte gótico y renacentista en busca del significado sobrenatural de la piedra preciosa.

Cuando pensamos en el mármol, lo imaginamos como un bien preciado: presente en la decoración de interiores de lujo, desde cocinas exclusivas hasta los vestíbulos más corporativos, y en un pujante mercado global. Sin embargo, en los siglos anteriores a la Ilustración, traída por la ciencia y el nacimiento de la geología, el mármol cautivó la imaginación popular como una estructura misteriosa y viva con propiedades espirituales.

Es una forma de pensar ajena al conocimiento actual, basado en las cómodas conclusiones de la ciencia empírica: sabemos que el mármol es una roca metamórfica creada hace millones de años bajo una presión y un calor extremos, en las profundidades de la corteza terrestre. En su nuevo libro,  Presencia Divina , el director creativo, autor y antiguo muso de Wolfgang Tillmans, Karl Kolbitz, nos invita a considerar una mentalidad pre-científica, cuando las civilizaciones creían en la realidad de los milagros, los dragones, la astrología y el gobierno de una divinidad desconocida pero omnipresente como medio para comprender el mundo.

El arte medieval y renacentista se basa en una extensa iconografía, repleta de simbolismos que pueden resultar desconcertantes para un espectador casual poco familiarizado con conceptos como la granada = fertilidad o el pelícano = sacrificio. Y eso sin mencionar a los santos y sus atributos distintivos. Sin embargo, no se requieren conocimientos previos para notar que la representación del mármol en las pinturas se sitúa fuera de este léxico, a menudo sin ajustarse a la perspectiva que lo rodea, y abarcando desde la aproximación a los patrones del pórfido hasta los remolinos de falso mármol más alucinantes y abstractos en colores sobrenaturales. Kolbitz se centra en este curioso tratamiento pictórico de la roca sólida, un área poco estudiada de la historia del arte, como una encarnación única del pensamiento y la espiritualidad medievales y renacentistas.

Santo paso... Políptico de Santa Giuliana (detalle), 1438. Fotografía: Haltadefinizione Image Bank/Cortesía de la Galleria Nazionale dell'Umbria.

En la ciencia grecorromana y medieval, la divinidad impregnaba toda la materia, incluida la piedra, y su propensión a licuarse y solidificarse persistió en el pensamiento popular durante mucho más tiempo. Kolbitz enumera la etimología del mármol a partir del sustantivo latino «marmor», que a su vez deriva del verbo griego «marmairein» o «brillar».

Aristóteles consideraba que el mármol era la solidificación del «aliento» o los vapores del planeta vivo. Abundaban las teorías, desde la sugerencia de Vitruvio de que la Tierra genera mármol activamente a un ritmo perceptible, hasta ideas astrológicas y alquímicas sobre piedras preciosas que llevaron a un obispo de Bretaña a sugerir que ingerir lapislázuli podía curar la sudoración excesiva, ayudar a escapar de la cárcel o reconciliar a los pecadores con Dios. Estos son solo algunos ejemplos de la amplitud del pensamiento imaginativo que asocia el misticismo y el poder divino con los materiales.

El mármol azul macizo evoca a la vez la tierra firme y el cielo… Políptico de San Antonio de Padua, de Piero della Francesca, c. 1467-69. Fotografía: Ivan Vdovin/Alamy

Kolbitz identifica casos convincentes en los que la representación del mármol está exenta de las reglas pictóricas, precisamente porque evocaba la trascendencia de la mera solidez terrenal. La Anunciación de Zanobi Strozzi (1440-45) presenta un suelo de mármol sumamente abstracto que contrasta sorprendentemente con el tratamiento controlado de sus figuras y arquitectura. La Anunciación de Piero della Francesca (c. 1467-69) representa mármol azul sólido en el espacio que delimita el cielo, evocando la tierra dura y el cielo a la vez. Incluso en pinturas que han sido estudiadas extensamente, se nos dirigen aspectos del mármol que a menudo se pasan por alto: el patrón ficticio que sugiere la morbidez rojo sangre del cuerpo de Cristo en la Lamentación sobre Cristo muerto de Mantegna (c. 1483); La imitación de la técnica del "encuadre de libro", en la que el mármol tallado se dispone deliberadamente para crear un patrón deseado, en la capilla Scrovegni de Giotto (c. 1303-05).

Materiales celestiales... Políptico de Sant'Antonio (detalle), c 1467-69. Fotografía: Banco de imágenes Haltadefinizione/Cortesía de la Galleria Nazionale dell'Umbria.

Resulta particularmente fascinante la práctica de pintar los reversos (el reverso de un cuadro) como si fueran de mármol ficticio, elevando el humilde material base de madera a la categoría de objeto pseudoprecioso, del mismo modo que los libros y relicarios se adornaban con gemas. Kolbitz imita esta idea encuadernando su libro de tela con un lujoso borde superior dorado y seleccionando el reverso de Cristo como el Varón de Dolores de Albrecht Dürer (c. 1492-93) para su portada, comentando que es «un ejemplo espectacular… porque ambos lados de estos objetos eran venerados, por lo que los reversos podían funcionar como meditaciones sobre la creación divina, el sufrimiento y la resurrección de Cristo, o visiones luminosas del paraíso

Morbosidad sangrienta… La lamentación sobre Cristo muerto de Andrea Mantegna, c. 1483. Fotografía: Heritage Images/Getty Images

Resulta significativo que la idea para este libro surgiera durante la investigación para el trabajo anterior de Kolbitz, que recopilaba fotografías de entradas en Milán , muchas de las cuales presentan magníficos mármoles. Más allá de la iconografía específica o el uso de la grisalla —la ilusión óptica del mármol en una escena pictórica—, la práctica de pintar patrones de mármol ofrecía a los artistas la oportunidad de evocar portales a algo más, ya fuera el cosmos o la divinidad. Parte del atractivo del mármol reside en cómo se sitúa entre lo legible y lo ilegible. La mirada se siente atraída por sus patrones y, al mismo tiempo, confundida por su emulación del caos natural.

Psicodélico... un detalle de la Sagrada Conversación de Fra Angelico (La Virgen de las Sombras) (detalle), c 1443. Fotografía: © Paolo Woods, cortesía del Ministero della Cultura - Direzione regionale musei nazionali Toscana - Museo di San Marco

Por ello, el libro no es un estudio académico que siga un curso cronológico de su desarrollo. Promueve una visión poco convencional sobre las actitudes y creencias de diversos artistas respecto al mármol, y cómo las personas en una sociedad secular, regida por la ciencia, o sin conocimientos de arte, pueden encontrar belleza e inspiración en los materiales del mundo. «Estamos muy alejados de la realidad de las personas que vivieron en los siglos XIV y XV», escribe Kolbitz. «Por otro lado, aún persisten vestigios de su forma de pensar en la vida contemporánea», añade, citando la continua fascinación por los cristales, las piedras y las estrellas, y «la influencia de los cuerpos celestes en nuestras vidas».

Con este libro, anima a los lectores a «prestar atención a temas que tenemos justo delante, pero que en gran medida han pasado desapercibidos… cosas que, una vez señaladas, parecen casi obvias, pero que hasta entonces habían permanecido ignoradas». Quizás nos invite a reflexionar más profundamente la próxima vez que crucemos una entrada de mármol.

Gothicand Early Renaissance Painting de Karl Kolbitz

JUEGO DE TRONOS VS. ROMA

 

Todo lo que hizo Juego de Tronos, la serie Roma de HBO lo hizo mejor

«La victoria final de Roma, 20 años después, es que todavía se puede volver a ver sin problemas»… Lindsay Duncan, James Purefoy y Camilla Rutherford en Roma de HBO.

Fotografía: Álbum/AlamyPhotograph: Album/Alamy

La efímera serie tenía sangre, vísceras, sexo y mucho en juego. También tenía una amistad inquebrantable entre un par de soldados rasos.

Un extenso elenco de héroes con múltiples defectos. Amenazas épicas. Escenarios elaborados. Un héroe padre de familia cuya definición de bondad está distorsionada por el cruel mundo en el que vive. Títulos de apertura animados con una pegadiza canción principal. Sangre, vísceras, sexo y un toque de incesto: todo lo que hizo Juego de Tronos, Roma lo hizo mejor.

Roma fue una de las series de televisión más caras jamás producidas cuando se estrenó en 2005; sus dos temporadas se rodaron en una recreación al aire libre, masiva e inmersiva, de la antigua ciudad en los famosos estudios Cinecittà de Italia, sin escatimar en gastos en vestuario, atrezzo ni sangre falsa.

Cinco años después, Juego de Tronos seguiría los pasos de Roma con su intrincada red de intrigas entre facciones y alianzas, traiciones impactantes y diálogos shakespearianos salpicados de palabrotas.

Aunque Juego de Tronos se inspiró en los libros de George R.R. Martin y en la Guerra de las Rosas del siglo XV en Inglaterra, ambas series lograron convertir sus intrincadas guerras civiles en una historia fascinante al basarlas en las decisiones y debilidades humanas. Juego de Tronos también contrató a varios directores de Roma, entre ellos Tim Van Patten, quien salvó la serie de una cancelación prematura al regrabar casi por completo el desastroso primer episodio original.

«Roma narra la historia de un imperio en su apogeo»… Ciarán Hinds como Julio César.

Fotografía: Album/Alamy

A partir de la disolución del primer triunvirato y la toma del poder por Julio César, Roma narra la historia de un imperio en su apogeo y de quienes aspiraban a gobernarlo. Figuras históricas de la talla de Julio César (Ciarán Hinds), Marco Antonio (James Purefoy), Bruto (Tobias Menzies) y Cleopatra (Lyndsey Marshal) se presentan como personajes ambiciosos, sedientos de poder y con defectos evidentes; Antonio resulta particularmente convincente como un hedonista pendenciero que prefiere la astucia política al bisturí de César. Su esposa, Attia (Polly Walker), intriga y manipula para pasar de ser una viuda acomodada a la madre del Emperador, y se divierte mucho más en el proceso que Cersei Lannister.

Pero la mayor fortaleza de Roma es algo que Juego de Tronos nunca tuvo: gente común. En medio de esta épica histórica, los protagonistas principales de la serie son dos soldados rasos: el taciturno Lucio Vorenus (Kevin McKidd) y el impetuoso Tito Pullo (Ray Stevenson).

Tras rescatar al malcriado adolescente Augusto (Max Pirkis) en el primer episodio, Vorenus y Pullo se abren camino a través de la historia romana como si fueran Forrest Gump. A veces son responsables de los momentos más importantes de la historia, pero siguen siendo romanos corrientes, la gente a la que todos esos grandes hombres dicen representar. Vorenus y Pullo son un fascinante estudio de la masculinidad moderna e histórica, en su constante lucha por reintegrarse a la vida civil. Su amistad incondicional es el corazón de la serie; leales el uno al otro hasta un punto brutal, y a menudo asesino.

Vorenus (Kevin McKidd) y Pullo (Ray Stevenson): «Su amistad incondicional es el corazón del espectáculo». Fotografía: Album/Alamy

El enfoque en Vorenus y Pullo permite que Roma muestre la vida cotidiana de los romanos: cómo vivían, amaban, comían, dormían, trabajaban y rezaban en una ciudad que resulta a la vez extraña y profundamente familiar. Quizás ya no dependamos de augures para interpretar señales y profetizar acontecimientos futuros, pero la corrupción política y los grafitis fálicos perduran.

La crueldad de la vida romana impacta más por su naturalidad. Vorenus, un hombre por lo demás simpático y honesto, se instala para iniciar un negocio de trata de esclavos y considera seriamente cometer un crimen de honor contra el hijo bastardo de su esposa. La violencia sexual por la que se criticó Juego de Tronos también está presente en Roma, pero se retrata con una mirada menos lasciva, y la desnudez se muestra de forma mucho más equitativa .

Una de las mayores satisfacciones de volver a ver Roma ahora es ver al elenco, que ha florecido en las últimas dos décadas, entregarse por completo a los guiones. Mucho antes de ser el Príncipe Felipe en The Crown, Tobias Menzies aportó patetismo a un Bruto políticamente conflictuado, que tramaba la muerte de su figura paterna (y posible padre biológico), César. Polly Walker, ahora más conocida como Lady Featherington en Bridgerton, interpreta a Attia como una mezcla de astuta estratega política, intrigante dama de la alta sociedad y mujer fatal. Stevenson, quien falleció en 2023 , nunca encontró otro papel que le permitiera desplegar su talento como el de Titus Pullo, un rebelde que desafiaba el arquetipo del "honorable soldado romano".

Lo único que Game of Thrones tenía y Roma no, era tiempo. Roma fue cancelada tras dos temporadas de un arco argumental planeado de cinco, lo que provocó que los últimos episodios se emitieran con prisas y se resolvieran cabos sueltos históricos; aunque, de nuevo, la apresurada temporada final de Roma fue mejor que la de Game of Thrones. Purefoy bromeó más tarde diciendo que él y McKidd jamás aceptarían un papel en Game of Thrones porque les "robó" su programa, pero quizás la victoria final de Roma, 20 años después, sea que aún se puede volver a ver sin problemas.

• 
  

• 
  

• Roma está disponible para ver en streaming en HBO Max

PADRE E HIJOS

Padre e hijos*

Imagen: Brugmansia arborea. Floripondio.

 Estimada:

Después de una tarde larga de introspección debajo de una planta que mis conocimientos botánicos me impiden identificar, además del descanso y el sueño reparador, he llegado a una sola conclusión. Solo una, pero de importancia vital que hace a mi felicidad.

He concluido que descargo a mis cuatro hijos de hacer algún esfuerzo para lograr mi realización personal. 

Deben entender, les diré, que no hace falta que hagan méritos para ponerme contento. Que al revés de algunos padres que se realizan con los logros de sus hijos, ellos tienen la felicidad que les da saber que cualquier tropiezo que tengan en la vida, cualquier meta que se propongan y no consigan, no debe sumergirlos en la depresión. Que ellos están ya realizados por el solo hecho de tenerme a mi como padre. Que he alcanzado las más variadas e insólitas metas de realización personal. Ellos están realizados en mi. Es un crédito a favor que tienen como capital en su paso por esta vida.

La semana que viene elegiré alguna otra planta del jardín para tirarme debajo y ejercitaré mis recursos intelectuales revisando lo acertado o no de mi humilde y solitaria conclusión. 

Maestro:

Es probable que esa planta haya sido un Floripondio: Brugmansia arborea, Brugmansia purpúrea.

Un arbusto tan cultivado que ya se perdió el rastro de su origen silvestre que embriagó con sus campanas blancas y rosadas a chamanes mongoles, africanos y americanos. 

Aunque use la ironía, tiene más razón de la que supone su aparente conclusión egocéntrica. Sus hijos, ¿porqué deberían proporcionarle algo? O ponerlo contento. Son libres, que sean como quieran, con tenerlo a Ud. alcanza. Si un hijo carece de ese crédito, es posible que sea desgraciado. Claro está y siempre hablando en serio, no bajo el poder alucinógeno de planta alguna, ese crédito será o no acreditado.

Y esos hijos, que ha beneficiado con tal caudal, poseedores de ese tesoro,  un tiempo tal vez lo disfruten y otros, lamento decirlo, no.

A.S.

Mis Musa.

  

*En recuerdo de mi amigo A.S.

COSAS DE MESSI

En una noche histórica para Argentina... "Cosas de Messi"

Pablo Iglesias Maurer 

Lionel Messi deslumbró al público que llenaba el estadio de Kansas City, mientras Argentina arrollaba a Argelia.

Fotografía: Masashi Hara/Getty ImagesPhotograph: Masashi Hara/Getty Images

Un triplete contra Argelia igualó el récord goleador de Miroslav Klose en la Copa del Mundo, pero Messi y sus compañeros insisten en que esa marca no le importa.

Mucho después de que se disipara el polvo tras la victoria de Argentina por 3-0 sobre Argelia en la fase de grupos el martes por la noche, el centrocampista argelino del Bayern de Múnich, Ibrahim Maza, emergió cansado detrás de una cortina y se acercó al micrófono.

Maza había jugado bien, incluso asistiendo en el primer gol anulado de Argelia. También había presenciado en primera fila una exhibición de Lionel Messi, a pocos metros del capitán argentino cuando este marcó su tercer gol de la noche e igualó a Miroslav Klose como máximo goleador histórico de la Copa del Mundo. Inmediatamente, se le pidió que explicara qué había hecho que Messi fuera imparable el martes por la noche.

Messi deslumbra e iguala el récord de goles en la Copa del Mundo mientras

Argentina supera con facilidad a Argelia.

«Cosas de Messi», dijo Maza con una leve sonrisa. «No creo que tenga que explicarte (a qué me refiero). Creo que solo tienes que ver el partido y entenderás a qué me refiero con "cosas de Messi". Él puede decidir el partido por sí solo, como vimos hoy».

Messi, en efecto, decidió el partido él solo el martes, al marcar un trío de goles magistrales que sentenciaron a Argelia y dejaron a Argentina al borde de la ronda eliminatoria.

Lo hizo exactamente 20 años después de marcar su primer gol en un Mundial con Argentina. A veces parece que Messi es inmortal, pero al repasar aquel gol —que se produjo en el primer partido de la fase de grupos de Argentina en 2006 contra Serbia y Montenegro— se revela a un adolescente con el pelo revuelto, pero con una velocidad y unos reflejos sobrehumanos. Cruza el área a toda velocidad y dispara con fuerza al fondo de la red, anunciando su presencia en la escena mundial.

Ese día se convirtió en el goleador más joven de la historia de Argentina en un Mundial, y el martes se convirtió en el más veterano, superando el récord del legendario Martín Palermo por más de dos años. Messi se mueve con más lentitud ahora y, sin duda, disfruta del espacio que le brindan los defensores, quienes temen ser humillados por él. Veinte años después, Messi ha perdido algo de velocidad, pero su mente sigue tan lúcida como siempre, al igual que su habilidad para encontrar espacios donde no los hay. Sigue siendo impresionante.

Poco después de que Maza volviera a pasar por detrás de la cortina y se dirigiera al autobús del equipo, apareció el propio Messi, sonriendo y agarrando un trofeo Michelob Ultra de "Mejor Jugador del Partido", probablemente el trofeo menos importante que haya tocado jamás.

Messi, por supuesto, es famoso por su competitividad y con frecuencia minimiza este tipo de logros individuales, algo que hizo el martes.

«Sinceramente, (el récord no importa)», dijo a un grupo de periodistas. «Es un honor estar ahí, por lo que significa estar al lado de Klose, [el brasileño] Ronaldo también está ahí. [Kylian] Mbappé también, marcó dos goles hoy. Al final, es solo una estadística y nada más».

Lionel Messi marca el primer gol de su equipo.

 Fotografía: Koji Watanabe/Getty Images

Claro que es fácil cuestionar la veracidad de los sentimientos de Messi. Es implacablemente competitivo, a veces hasta el punto de la mezquindad. La mera mención de los goles de Mbappé, marcados horas antes, y de los demás participantes en la lista, demuestra su interés.

Rodrigo De Paul, compañero de Messi en la selección argentina y en el Inter Miami, quien le dio la asistencia para su primer gol el martes, se rió cuando le preguntaron sobre el récord de Messi.

“Te juro que no le importa. A veces estamos en una habitación bebiendo con un compañero y le decimos: 'Oye, te faltan solo una o dos' o lo que sea. Y te juro que no tiene ni idea. No sé cómo funciona eso.”

Messi abandonó el partido del martes tras 80 minutos entre una ovación atronadora. Los casi 70.000 espectadores corearon su nombre, mientras Messi alzaba los brazos en señal de agradecimiento. Su entrenador, Lionel Scaloni, lo recibió en la banda. Se le veía visiblemente emocionado, conteniendo las lágrimas mientras finalmente se sentaba en el banquillo junto a Messi. No fue la única vez que la emoción lo superó. Se emocionó hasta las lágrimas tras el tercer gol de Messi, y de nuevo en el campo cuando los hinchas argentinos vitorearon a su equipo tras el partido.

“No hay palabras; cualquier cosa que diga sería superflua”, dijo Scaloni después del partido. “Es lo que ha estado haciendo durante 20 años, es lo que la gente de este deporte quiere ver”.

“Es un animal”, añadió De Paul. “Lo que más me alegra es que lo está disfrutando. Que ya no siente la presión que sintió durante tanto tiempo. Todos conocen su mentalidad. No se permite disfrutar mucho porque siempre está concentrado en ayudarnos a nosotros y al equipo. Pero ahora lo veo bien, lo veo feliz. Eso es contagioso para el grupo”.

La felicidad de Messi era evidente el martes por la noche. Sonreía radiante tras cada gol, celebrando como aquel joven de 19 años que marcó su primer tanto hace 20 años. Permaneció en el campo tras el pitido final, saludando a los aficionados y abrazando a sus compañeros. Tenía una cálida sonrisa en el rostro incluso cuando se dirigía al autobús del equipo, en la madrugada.