TIEMPO

Final del año

Jorge Luis Borges

Ni el pormenor simbólico

de reemplazar un tres por un dos

ni esa metáfora baldía

que convoca un lapso que muere y otro que surge

ni el cumplimiento de un proceso astronómico

aturden y socavan

la altiplanicie de esta noche

y nos obligan a esperar

las doce irreparables campanadas.

 

La causa verdadera

es la sospecha general y borrosa

del enigma del Tiempo;

es el asombro ante el milagro

de que a despecho de infinitos azares,

de que a despecho de que somos

las gotas del río de Heráclito,

perdure algo en nosotros:

inmóvil.

 

NO MIRES ARRIBA...

 

Soy un científico del clima. Don't Look Up captura la locura que veo todos los días

Peter Kalmus*

El sistema de la Tierra se está derrumbando ahora a una velocidad impresionante". Fotografía: Niko Tavernise / Netflix / PA

¿Una película sobre un cometa que se precipita hacia la Tierra y nadie está haciendo nada al respecto? Suena exactamente como la crisis climática

La película Don't Look Up es una sátira. Pero hablando como un científico del clima que hace todo lo posible para despertar a la gente y evitar la destrucción planetaria, también es la película más precisa sobre la aterradora falta de respuesta de la sociedad al colapso climático que he visto.

La película, del director Adam McKay y el escritor David Sirota, cuenta la historia de la estudiante de posgrado en astronomía Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence) y su asesor de doctorado, el Dr. Randall Mindy (Leonardo DiCaprio), quienes descubren un cometa, un "asesino de planetas", que impactará la Tierra en poco más de seis meses. La certeza del impacto es del 99,7%, tan certera como casi cualquier cosa en la ciencia.

Los científicos están esencialmente solos con este conocimiento, ignorado y criticado por la sociedad. El pánico y la desesperación que sienten reflejan el pánico y la desesperación que sienten muchos científicos climáticos. En una escena, Mindy hiperventila en un baño; en otro, Diabasky, en la televisión nacional, grita “¿No estamos siendo claros? ¡Estamos todos al 100% seguros que vamos a morir! " Puedo relacionar. Esto es lo que se siente al ser un científico del clima hoy en día.

Los dos astrónomos reciben una audiencia de 20 minutos con el presidente (Meryl Streep), quien se alegra de saber que el impacto no es técnicamente 100% seguro. Sopesando la estrategia electoral por encima del destino del planeta, decide “sentarse y evaluar”. Desesperados, los científicos luego van a un programa matutino nacional, pero los presentadores de televisión toman a la ligera su advertencia (que también se ve ensombrecida por una historia de ruptura de celebridades).

A estas alturas, la inminente colisión con el cometa Diabasky está confirmada por científicos de todo el mundo. Después de que cambian los vientos políticos, el presidente inicia una misión para desviar el cometa, pero cambia de opinión en el último momento cuando un donante multimillonario (Mark Rylance) la insta a hacerlo con su propio plan para guiarlo a un aterrizaje seguro, utilizando tecnología, con el fin de reclamar sus metales preciosos. La portada de una revista deportiva pregunta: “El final está cerca. ¿Habrá un Super Bowl? "

Pero esta no es una película sobre cómo respondería la humanidad a un cometa que mata planetas; es una película sobre cómo la humanidad está respondiendo al colapso climático que acaba con el planeta. Vivimos en una sociedad en la que, a pesar del peligro climático extraordinariamente claro, presente y que empeora, más de la mitad de los miembros republicanos del Congreso todavía dicen que el cambio climático es un engaño y muchos más desean bloquear la acción, y en la que la plataforma oficial del Partido Demócrata todavía consagra subsidios masivos a la industria de los combustibles fósiles ; en el que el actual presidente se postuló con la promesa de que "nada cambiará fundamentalmente", y el presidente de la Cámara descartó incluso un plan climático modesto como "el sueño verde o lo que sea" ; en el que la delegación más grande a la Cop26 fue la industria de los combustibles fósiles , y la Casa Blanca vendió los derechos de perforación en una gran extensión del Golfo de México después de la cumbre; en el que los líderes mundiales dicen que el clima es una “amenaza existencial para la humanidad” al mismo tiempo que expande la producción de combustibles fósiles; en el que los principales periódicos todavía publican anuncios de combustibles fósiles y las noticias sobre el clima se ven ensombrecidas habitualmente por los deportes; en el que los empresarios impulsan soluciones tecnológicas increíblemente arriesgadas y los multimillonarios venden la fantasía absurda de que la humanidad puede mudarse a Marte.

Después de 15 años de trabajar para aumentar la urgencia climática, he llegado a la conclusión de que el público en general, y los líderes mundiales en particular, subestiman lo rápido, serio y permanente que será el colapso climático y ecológico si la humanidad no se moviliza. Puede que solo queden cinco años antes de que la humanidad gaste el "presupuesto de carbono" restante para mantenerse por debajo de 1,5 ° C de calentamiento global a las tasas de emisiones actuales, un nivel de calentamiento que no estoy seguro de que sea compatible con la civilización tal como la conocemos. Y puede que solo pasen cinco años antes de que la selva amazónica y una gran capa de hielo antártico pasen puntos de inflexión irreversibles.

El sistema de la Tierra se está derrumbando ahora a una velocidad asombrosa. Y los científicos del clima se han enfrentado a una tarea de comunicación pública aún más insuperable que los astrónomos de Don't Look Up, ya que la destrucción del clima se desarrolla a lo largo de décadas: la velocidad del rayo en lo que respecta al planeta, pero glacialmente lenta en lo que respecta al ciclo de noticias. - y no es tan inmediato y visible como un cometa en el cielo.

Dado todo esto, descartar Don't Look Up como demasiado obvio podría decir más sobre el crítico que sobre la película. Es divertido y aterrador porque transmite una cierta fría verdad que los científicos del clima y otras personas que comprenden la profundidad total de la emergencia climática viven todos los días. Espero que esta película, que muestra cómicamente lo difícil que es romper las normas prevalecientes, realmente ayude a romper esas normas en la vida real.

También espero que Hollywood esté aprendiendo a contar historias climáticas importantes. En lugar de historias que crean una distancia reconfortante del grave peligro en el que nos encontramos a través de soluciones tecnológicas poco realistas para escenarios de desastres poco realistas, la humanidad necesita historias que resalten los muchos absurdos que surgen de saber colectivamente lo que viene mientras colectivamente no actuamos.

También necesitamos historias que muestren a la humanidad respondiendo racionalmente a la crisis. La falta de tecnología no es lo que bloquea la acción. En cambio, la humanidad debe enfrentarse directamente a la industria de los combustibles fósiles, aceptar que necesitamos consumir menos energía y pasar al modo de emergencia total . La sensación de solidaridad y alivio que sentiríamos una vez que esto suceda, si sucede, cambiaría las reglas del juego para nuestra especie. Más y mejores hechos no catalizarán este punto de inflexión sociocultural, pero más y mejores historias podrían hacerlo.

*Peter Kalmus es un científico del clima y autor de Being the Change: Live Well and Spark a Climate Revolution.

 

BASQUIAT, UN OVNI EN EL ARTE

 

Algo más  sobre Jean-Michel Basquiat.

 

 

 

 

 

 

 

Tres décadas después de su desaparición, Basquiat ha sido elevado a mito, tema de decenas de películas, biografías y retrospectivas en todo el mundo. Esto es lo que no sabías sobre este OVNI de la historia del arte.

La historia de Jean-Michel Basquiat es la de un niño de clase media de Brooklyn, nacido de madre de origen puertorriqueño y padre haitiano, que deja el hogar familiar para vivir en la calle y, a través de encuentros casuales, convertirse en una de las más grandes figuras del arte contemporáneo de los 80. Un cuento de hadas subterráneo donde el hada buena se llama Andy Warhol, que empieza en las aceras de Greenwich Village y acaba en una sobredosis. Desde sus inicios en el graffiti hasta su gran avance en el mundo del arte.

Empezó en la calle

A los 16 años, Basquiat regresó de dos años en Puerto Rico,  hablaba tres idiomas y asistió a una escuela privada en Brooklyn donde conoció a Al Díaz, un artista callejero con el que se hizo cercano. Cansado de una situación familiar incómoda -una madre enferma mental, padres separados, un padre supuestamente violento-, deja su casa y vive entre los bancos de Washington Square y los estudios de sus amigos. No provenía de un gueto, ni era pobre, como otros grafiteros. Sí venía de una situación familiar muy difícil. Para mantenerse, pinta postales y camisetas que vende por unos pocos dólares en las aceras de Greenwich Village. Es en este momento que comienza, con Al Diaz, para etiquetar el acrónimo SAMO © por todas las calles de Nueva York. SAMO © para SAMe Old shit, una crítica directa a la sociedad y al mundo del arte, a menudo acompañada de comentarios radicales como “SAMO © 4 la llamada vanguardia”,  "SAMO © para aquellos de nosotros que simplemente toleramos la civilización" o "SAMO © como alternativa 2" Jugar al arte "con la Secta" Radical Chic "en los fondos de Daddy '$ ..." (como una alternativa a "jugar para hacer arte" con fondos papá  "radical chic"). 

En las calles de Nueva York, todo el mundo está tratando de descubrir quién se esconde detrás de estas misteriosas siglas. Cuando, en 1979, Basquiat abandona el proyecto, su nombre ya empieza a dar vueltas en el mundo del arte. Apenas dos años después, sus pinturas donde se encuentran inscripciones abstractas, máscaras y símbolos haitianos y figuras “primitivas”, como las hemos descrito a menudo, lo impulsan a las mayores exposiciones de vanguardia de la ciudad, en Times Square. Muestra en el Whitney Bienal del Museo de Arte Americano, y en la parte superior de la lista de artistas para observar de cerca se lanza su carrera.

La huella eterna de Basquiat

Era músico

Cuando murió, Basquiat no solo dejó más de 800 pinturas y más de 1.000 dibujos, que hoy forman su rico legado. El artista también tenía una gran afición por la música. En abril de 1979, conoció a Michael Holman, un joven músico de Nueva York, con quien formó una banda por capricho. “En ese momento en Nueva York, todos hacían de todo", explicó Michael Holman a Télérama en 2018. " Ser parte de un grupo era importante, todos tenían un grupo New Wave o No Wave. Pero el alma creativa tan especial que era Basquiat estaba más allá de todo eso, no le interesaba la New Wave. " Con su grupo Gray, nombrado en homenaje al libro Grey's Anatomy que su madre le había regalado en su juventud y que influyó considerablemente en el inicio de su carrera, Basquiat deconstruye sonidos y melodías, se acerca a los instrumentos "como si él fuera un ajeno de  otro planeta ” y arrastra sus experimentos musicales a Mudd Clubb o CBGB's, en el corazón de la escena underground de Nueva York. “Lo que acabó con Gray fue simplemente el deseo de Jean de pintar" continúa Michael Holman. 

En 1980, cuando comenzó a hacerse un nombre como pintor, expuso con Keith Haring, Andy Warhol o Robert Mapplethorpe, Basquiat pone fin a su carrera musical. Además de un álbum de Gray, impreso póstumamente en 2011, deja atrás lo que quizás sea hoy uno de los discos de hip-hop más raros del mundo, una batalla de 12 minutos, que produce y presiona 500 copias solamente.

Cerca de Andy Warhol

Jean Michel Basquiat, Andy Warhol y Fred Braithwaite 

“De camino a encontrarme con Bruno Bischofberger llevé a Jean Michel Basquiat con él. Este es el chico que usaba el nombre "Samo" en los días en que pintaba camisetas sentado en una acera en Greenwich Village, y yo le daría $ 10  y lo enviaría a Serendipity a vender sus piezas allí. Era uno de esos niños que me volvía loco. " En periódicos famosos, Andy Warhol relata uno de sus primeros encuentros con Basquiat  en 1982. " Se fue a casa y regresó dos horas después, con una pintura aún seca de él y yo. (…) Me dijo que lo pintó su asistente. " 

Fan incondicional de la obra de Warhol, Basquiat encontró en la filosofía pop de su amigo una invitación a crear en sus propios términos, dejando de lado cualquier marco artístico.

En el libro Warhol on Basquiat publicado recientemente por Taschen, los escritos de Andy Warhol y las numerosas fotografías que ha tomado de Basquiat a lo largo de los años revelan el vínculo íntimo entre los dos artistas, las obras que compusieron juntos y su estilo de vida, desde el gimnasio. al salón de belleza. “Jean Michel y yo fuimos a casa de Yanna para hacernos las uñas. Y sabes que mis uñas están mejor. Los dos haríamos una buena serie para Vogue. "escribió en 1983. También descubrimos el ascenso de Basquiat, sus problemas con las drogas y su relación con Paige Powell, bajo la mirada benevolente de un Andy Warhol casi franco, que reconoció tanto la genialidad del artista y sus problemas con las drogas. Una amistad de doble filo.

RACISMO: " PINTURAS DE CASTA"

 Pinturas racistas de 'casta'

Cabrera: Pintura de Castas

El la curadora del nuevo programa aborda los estereotipos raciales utilizando representaciones de escenas de la vida colonial en el Caribe y América del Sur

Explorando el Museo y Galería de Arte de Leicester Hace 12 años, la curadora en prácticas Tara Munroe se encontró con una pila de pinturas al óleo desechadas. Las escenas preocupantes que retrataron cambiarían la dirección de su carrera y pronto podrían alterar actitudes más amplias hacia la historia del arte.

Las pinturas representaban la rica vida colonial en América del Sur y el Caribe, y habían sido marcadas para su destrucción por la galería. Pero las imágenes, cada una de las cuales califica sutilmente las distinciones raciales y sociales, le hablaban clara y poderosamente a Munroe.

Una de las pinturas de 'casta' del siglo XVIII en la colección de Leicester.

"Para mí, son pinturas hermosas, pero tienen un mensaje muy oscuro dentro de ellas", le dijo al Observer mientras se preparaba para la primera exhibición pública de las pinturas sin restaurar, en Leicester en el nuevo año.

Ahora experta en herencia negra y directora de Opal 22 Arts and Edutainment, Munroe ha continuado obstinadamente su investigación sobre el origen y el significado de las cinco raras obras de finales del siglo XVIII que encontró. Primero, persuadió a la galería de arte y museo de la ciudad para que guardara las obras que originalmente habían sido categorizadas como desagradables e irrelevantes, luego comenzó a tratar de descubrir quién las había pintado y por qué. En los últimos meses, ganó fondos del Heritage Lottery Fund para comisariar otra exposición más grande de las pinturas en 2023.

Las obras son ejemplos de un género conocido como "pinturas de casta" y solo hay otra colección en Gran Bretaña. También se cree que solo se conocen alrededor de 100 pinturas completas o parciales de cualquier lugar, lo que hace que el hallazgo de Leicester sea de importancia internacional.

 

Tara Munroe, comisaria de la nueva exposición. Fotografía: Martin Neeves

“Quiero ayudar a la gente a comprender la historia de los estereotipos raciales en la era colonial y cómo funcionaba realmente la barra de colores. También me gustaría vincularlo a la disciplina académica de la teoría crítica de la raza ”, explicó Munroe. “Yo misma soy de un origen caribeño mixto, aunque tengo la piel más pálida, por lo que sé que es importante estudiar la forma en que se ha utilizado el color. Es por eso que las pinturas me conectaron tanto ”.

La reevaluación de las pinturas que Munroe puso en marcha es un ejemplo de permitir que el arte prejuicioso vuelva al canon de las artes visuales, o incluso “anule”, y sigue siendo un enfoque poco ortodoxo, a veces controvertido.

Pintura de Casta: Clasificación del mestizaje

Algunos de los términos usados ​​entonces ahora se consideran ofensivos. “Todavía se entiende a mulato”, dijo Munroe. “Y hay otros como Lobo, o lobo, que era como se llamaba a alguien mitad indio y mitad negro. Quiero alejarme de estas etiquetas sin perder la historia y, para ser honesto, me estoy preguntando cuál es la mejor manera de hacerlo ".

Munroe, que creció en Luton, tiene ascendencia china y africana, y recuerda que en la escuela los compañeros de clase preguntaban qué era ella. “Mi madre simplemente decía 'verde con manchas rosadas', pero eso realmente no me ayudó”, recuerda.

Las pinturas de Casta datan de la década de 1600 hasta principios del siglo XIX y fueron diseñadas para mostrar las divisiones de raza y clase en las colonias españolas. Las expresiones faciales y las actitudes físicas codifican la jerarquía y el estatus de las personas pintadas y, a veces, las mezclas raciales se identifican e inscriben en el lienzo. Las obras que encontró Munroe, que también expresan inquietudes contemporáneas sobre la mezcla racial, fueron originalmente donadas al museo de Leicester en 1852 por Joseph Noble, un alcalde de la ciudad.

Pintura de Casta: Clasificación del mestizaje

“Para mí, quizás el mayor interés de esta historia es cómo muestra que vemos las cosas de manera diferente cuando venimos desde una perspectiva diferente”, explica Munroe. “Mucha gente había visto estas pinturas antes, y estaban siendo utilizadas para capacitar a restauradores de imágenes antes de que fueran destruidas. Fue solo porque estaba trabajando allí que vi algo en ellos. Hay un nuevo nivel de comprensión que surge cuando hay diferentes personas trabajando en algún lugar ".

Después de que se complete el trabajo de restauración el próximo año, Munroe planea una serie de eventos y conferencias con el objetivo de comprender la progresión de las actitudes académicas hacia la identidad racial.

 

POEMA

Infierno

Amelia Biagioni

Imagen: Tim Tadder

Oh infierno,

te agradezco

la causa perdida,

la tiniebla entre los dientes,

las manos de humo

y esa espalda acosándome.

Te agradezco

el crepúsculo de piedra que no cesa.

Te agradezco

que existas cuando respiro.

Porque eres el recinto

donde encuentro,

retenidos por el ojo y el fuego,

los nombres y las formas

de la dicha.

 

Navidad

Leila Guerriero

Artur Akopjans Artist

¿Por qué, cuando nos hacemos adultos, nos gusta tanto que ya no nos gusten cosas que antes nos gustaban mucho? Sucede con varios asuntos: con bandas de rock, con escritores, con bares, con playas. Lo declamamos, además, con orgullo: “¿Esa banda? ¡Pero si no hacen nada bueno desde 1982!”; “¿Ese bar? Deberías haberlo conocido hace 15 años”. Como si el hecho de que ahora nos generen desprecio las cosas que antes nos apasionaban —U2, Paul Auster— fuera señal inequívoca de que hemos devenido personas inteligentes y evolucionadas.

El ejemplo más universal de este fenómeno es la Navidad. La irritación y el espanto que esta fecha produce en el adulto promedio parece la mejor garantía de que el susodicho ha dejado atrás —al fin— las torpes ilusiones de la infancia. Por estos días, la gente que me escribe se despide deseándome “que te sea leve con las fiestas” o “que pase rápido”. Yo agradezco, pero tengo un problema: la Navidad me encanta. Siento un placer infantil, completamente frívolo y del todo pagano ante la Navidad. Me gusta dar regalos, arreglar la casa, cocinar durante horas, sacar el mantel de las abuelas. De los ritos que en Occidente ya no tenemos, o que hemos decidido aniquilar, este se ha quedado conmigo y lo cultivo con esmero. Lo paso mejor, mal y peor, como todo el mundo, pero persisto, como quien ha decidido ser leal a sus héroes de infancia. Sospecho que lo que irrita y perturba de la Navidad —de las fiestas de fin de año en su conjunto— es que su reestreno serial, cada diciembre, nos recuerda que el tiempo pasa: que nos hacemos viejos, que los sueños se nos quedan en espuma. Habría que pensar, entonces, qué hicimos —o qué vamos a hacer— con el tiempo. 


Por ahora, y hasta tanto, feliz Navidad.

BRIDGET RILEY EN SUS '90

Bridget Riley a los 90: puede hacerte sentir eufórico, liberado e incluso mareado

Jonathan Jones

 

Una oda a la alegría: Fête, 1989. Fotografía: © Photo Tate © Bridget Riley, 2021.

 

 

 

Riley cambió los años 60 con sus creaciones que cambian la realidad. Ahora, en un nuevo programa para conmemorar su 90 cumpleaños, puedes verlos en todo su esplendor.

Bridget Riley le dio al arte abstracto el impacto neurológico de una sustancia que altera la mente hace seis décadas cuando comenzó a pintar espirales, ondas y pliegues en blanco y negro que confunden la percepción. Una nueva exposición para conmemorar su 90 cumpleaños a principios de este año se llama Pleasures of Sight, pero la felicidad que provoca en nosotros está realmente en nuestro cerebro. El deleite del arte de Riley proviene de la forma en que puede hacer que la mente vea montañas y valles, rampas que provocan vértigo y movimientos repentinos que no existen.

Ella es la única pintora británica que cambió la historia del arte abstracto. En la década de 1950, el arte más emocionante del mundo vino de Nueva York. Jackson Pollock, cuyo trabajo causó una gran impresión en Riley cuando vio su famosa exposición en la Whitechapel Gallery de Londres en 1958, hizo que la pintura se sintiera como una "acción" viva en lugar de una imagen enmarcada: él y los otros pintores de acción estadounidenses crearon arte en un abrazando la escala, una en la que podrías caer. Riley sintió su poder pero cambió su naturaleza. Desde principios de los años 60, ha pintado en esa misma escala grande, abierta y potencialmente ilimitada, pero con un realismo científico. En lugar de confiar en un sentimiento romántico aturdido, busca resultados físicos cuantificables.

Un retrato de se formó en una Gran Bretaña de posguerra donde el arte "adecuado" significaba una imagen precisa. Fue una buena estudiante cuyos primeros retratos y estudios de vida siguen siendo impresionantes. Cuando era adolescente, pintó una copia del Retrato de un hombre con un turbante rojo de Jan van Eyck en la Galería Nacional.

Retrato de un hombre con un turbante rojo de Jan van Eyck 

Se sumergió profundamente en los pliegues y sombras del sombrero rojo que lleva el hombre: como el maestro del siglo XV, estaba interesada en la forma en que la pintura puede tejer ilusiones de profundidad y solidez en una superficie plana.

Van Eyck fue uno de los primeros artistas en pintar ilusiones espaciales convincentes. La perspectiva, la técnica para hacer esto, está en el corazón de las ilusiones de Riley. Ella también pinta ficciones espaciales cuidadosamente calculadas, pero en lugar de convencernos de que estamos mirando una tela doblada o dentro de una habitación, nos hace ver proyecciones bulbosas y abismos sublimes que rompen el velo entre el arte y nosotros, la experiencia exterior e interior.

Retrato de la artista: Bridget Riley. 

A pesar de toda su ciencia, es una romántica de corazón. Como sus contemporáneos que tomaron LSD, ella usa la química del cerebro para llegar a experiencias trascendentales. El misticismo en el modernismo de Riley se hizo cada vez más evidente. A finales de la década de 1960, se alejó del "arte de las operaciones" en blanco y negro por el que se había hecho famosa, en parte porque le disgustaba ver su estilo copiado en anuncios y escaparates de grandes almacenes. Comenzó a pintar trazos igualmente rigurosos pero más sutiles de colores alternos.

El pintor del siglo XIX Georges Seurat es otra de sus influencias: en 1960 pintó su propia obra maestra de color pixelado, una cautivadora vista toscana llamada Pink Landscape. En sus abstracciones de color, crea efectos mágicos y chisporroteantes colocando verdes, rojos y púrpuras uno al lado del otro.

Pink Landscape: Bridget Riley

¿Cómo se relacionan los grandes desarrollos intelectuales de Riley durante más de 60 años con las alegrías y vicisitudes de una vida? Quién sabe. Sin ser solitaria, ha rechazado con calma todos los clichés de la fama artística, creando un arte que puede parecer completamente impersonal pero siempre espiritualmente intenso. Los altibajos emocionales (en su mayoría altibajos) son tuyos a medida que te mueves por una habitación donde cuelga su arte, sintiéndote eufórico, liberado y, en ocasiones, incluso mareado. No ofrece un autorretrato expresionista introspectivo, sino una música universal compartida. Una oda a la alegría.

Nuevas perspectivas: cuatro obras de Bridget Riley

 

Movement in Squares, 1961. Fotografía: © Arts Council Collection, © Bridget Riley, 2021. 

Movimiento en cuadrados , 1961

Si alguna vez hubo un artista cuyo trabajo necesitas experimentar en todo su esplendor en un espacio físico, ese es Riley. Sin embargo, el asombroso poder psicodélico de Movement in Squares es tan contagioso que incluso funciona a pequeña escala en forma impresa o en pantalla. Tu mente se abre al contemplar este patrón de tablero de ajedrez que se derrumba en un abismo. Op, abreviatura de óptico, fue el nombre simplista que se le dio a los choques de percepción de Riley. Se convirtió en una estrella, pero esta persona pensante, absorbida involuntariamente por la cultura pop, lamentó que: "Pasarán al menos 20 años antes de que alguien vuelva a mirar mis pinturas en serio". Han pasado 60 años y Movement in Squares sigue siendo una obra maestra del arte moderno.

 

Song of Orpheus IV, 1978. Fotografía: © Arts Council Collection © Bridget Riley, 2021. 

Canción de Orfeo IV , 1978

Tus ojos obtienen un paseo un poco más suave de estos ríos y rizos de color verde y rosa. Cuando Riley rompió con su icónico radicalismo en blanco y negro, permitió nuevas dimensiones emocionales en su cosmos pintado. La combinación de colores poco probable aquí crea un estado de ánimo casi campestre, una delicadeza conmovedora, una neblina. Luego sigues las sinuosas curvas de esas líneas adyacentes y entras en un mundo que es tan perceptualmente extraño como sus obras anteriores. Etéreo y ondulado, este es un tema pastoral vibrante que fácilmente podría haber sido interpretado por Orfeo para los animales en algún prado arcadio.

Ecclesia, 1985. Fotografía: © Arts Council Collection © Bridget Riley, 2021.

Ecclesia , 1985

Podría parecer que, desde que rechazó su temprana fama de estrella del pop, Riley ha trabajado aislada de su época. Cuando pintó Ecclesia, fue administradora de la National Gallery y seleccionó allí una muestra de grandes coloristas del pasado, desde Tiziano y Veronés, hasta Rubens y Poussin. Riley ha reafirmado recientemente su compromiso con los viejos maestros con una pintura mural en el vestíbulo de la National Gallery . Sin embargo, Ecclesia no es más que moderna, y parece cruda y descaradamente de su época, palpitando con la energía capitalista vulgar de Manhattan o Londres de los años ochenta. Podrías tocar música de electro-dance antigua contra estas barras verticales de color despiadado.

Fête, 1989

Fête , 1989 

La artista que sacudió los oscilantes años 60 es tan aguda, nueva e implacable como siempre mientras entra en otra fase de pura abstracción. La vida de Riley de mirar el arte y el mundo está en este progreso inquieto en cascada de pastillas de colores. Fête es una destilación de la naturaleza del arte en sí: el color y el movimiento revolotean a través de él con tanta fuerza como lo hacen en un enorme óleo de cosechadoras de vino retozando o un fresco de dioses haciendo el amor. El profundo conocimiento del arte de Riley y su más profundo apetito por la vida, palpitan en su interior.