Bridget Riley a los 90: puede hacerte sentir eufórico, liberado e incluso mareado
Jonathan Jones
Riley cambió los años 60 con sus creaciones que cambian la realidad. Ahora, en un nuevo programa para conmemorar su 90 cumpleaños, puedes verlos en todo su esplendor.
Bridget Riley le dio al arte abstracto el impacto neurológico de una sustancia que altera la mente hace seis décadas cuando comenzó a pintar espirales, ondas y pliegues en blanco y negro que confunden la percepción. Una nueva exposición para conmemorar su 90 cumpleaños a principios de este año se llama Pleasures of Sight, pero la felicidad que provoca en nosotros está realmente en nuestro cerebro. El deleite del arte de Riley proviene de la forma en que puede hacer que la mente vea montañas y valles, rampas que provocan vértigo y movimientos repentinos que no existen.
Ella es la única pintora británica que cambió la historia del arte abstracto. En la década de 1950, el arte más emocionante del mundo vino de Nueva York. Jackson Pollock, cuyo trabajo causó una gran impresión en Riley cuando vio su famosa exposición en la Whitechapel Gallery de Londres en 1958, hizo que la pintura se sintiera como una "acción" viva en lugar de una imagen enmarcada: él y los otros pintores de acción estadounidenses crearon arte en un abrazando la escala, una en la que podrías caer. Riley sintió su poder pero cambió su naturaleza. Desde principios de los años 60, ha pintado en esa misma escala grande, abierta y potencialmente ilimitada, pero con un realismo científico. En lugar de confiar en un sentimiento romántico aturdido, busca resultados físicos cuantificables.
Un retrato de se formó en una Gran Bretaña de posguerra donde el arte "adecuado" significaba una imagen precisa. Fue una buena estudiante cuyos primeros retratos y estudios de vida siguen siendo impresionantes. Cuando era adolescente, pintó una copia del Retrato de un hombre con un turbante rojo de Jan van Eyck en la Galería Nacional.
Se sumergió profundamente en los pliegues y sombras del sombrero rojo que lleva el hombre: como el maestro del siglo XV, estaba interesada en la forma en que la pintura puede tejer ilusiones de profundidad y solidez en una superficie plana.
Van Eyck fue uno de los primeros artistas en pintar ilusiones espaciales convincentes. La perspectiva, la técnica para hacer esto, está en el corazón de las ilusiones de Riley. Ella también pinta ficciones espaciales cuidadosamente calculadas, pero en lugar de convencernos de que estamos mirando una tela doblada o dentro de una habitación, nos hace ver proyecciones bulbosas y abismos sublimes que rompen el velo entre el arte y nosotros, la experiencia exterior e interior.
A pesar de toda su ciencia, es una romántica de corazón. Como sus contemporáneos que tomaron LSD, ella usa la química del cerebro para llegar a experiencias trascendentales. El misticismo en el modernismo de Riley se hizo cada vez más evidente. A finales de la década de 1960, se alejó del "arte de las operaciones" en blanco y negro por el que se había hecho famosa, en parte porque le disgustaba ver su estilo copiado en anuncios y escaparates de grandes almacenes. Comenzó a pintar trazos igualmente rigurosos pero más sutiles de colores alternos.
El pintor del siglo XIX Georges Seurat es otra de sus influencias: en 1960 pintó su propia obra maestra de color pixelado, una cautivadora vista toscana llamada Pink Landscape. En sus abstracciones de color, crea efectos mágicos y chisporroteantes colocando verdes, rojos y púrpuras uno al lado del otro.
¿Cómo se relacionan los grandes desarrollos intelectuales de Riley durante más de 60 años con las alegrías y vicisitudes de una vida? Quién sabe. Sin ser solitaria, ha rechazado con calma todos los clichés de la fama artística, creando un arte que puede parecer completamente impersonal pero siempre espiritualmente intenso. Los altibajos emocionales (en su mayoría altibajos) son tuyos a medida que te mueves por una habitación donde cuelga su arte, sintiéndote eufórico, liberado y, en ocasiones, incluso mareado. No ofrece un autorretrato expresionista introspectivo, sino una música universal compartida. Una oda a la alegría.
Nuevas perspectivas: cuatro obras de Bridget Riley
Movement in Squares, 1961. Fotografía:
© Arts Council Collection, © Bridget Riley, 2021. Movimiento en cuadrados , 1961
Si alguna vez hubo un artista cuyo trabajo necesitas experimentar en todo su esplendor en un espacio físico, ese es Riley. Sin embargo, el asombroso poder psicodélico de Movement in Squares es tan contagioso que incluso funciona a pequeña escala en forma impresa o en pantalla. Tu mente se abre al contemplar este patrón de tablero de ajedrez que se derrumba en un abismo. Op, abreviatura de óptico, fue el nombre simplista que se le dio a los choques de percepción de Riley. Se convirtió en una estrella, pero esta persona pensante, absorbida involuntariamente por la cultura pop, lamentó que: "Pasarán al menos 20 años antes de que alguien vuelva a mirar mis pinturas en serio". Han pasado 60 años y Movement in Squares sigue siendo una obra maestra del arte moderno.
Song of Orpheus IV, 1978. Fotografía:
© Arts Council Collection © Bridget Riley, 2021. Canción de Orfeo IV , 1978
Tus ojos obtienen un paseo un poco más suave de estos ríos y rizos de color verde y rosa. Cuando Riley rompió con su icónico radicalismo en blanco y negro, permitió nuevas dimensiones emocionales en su cosmos pintado. La combinación de colores poco probable aquí crea un estado de ánimo casi campestre, una delicadeza conmovedora, una neblina. Luego sigues las sinuosas curvas de esas líneas adyacentes y entras en un mundo que es tan perceptualmente extraño como sus obras anteriores. Etéreo y ondulado, este es un tema pastoral vibrante que fácilmente podría haber sido interpretado por Orfeo para los animales en algún prado arcadio.
Ecclesia, 1985. Fotografía: © Arts Council Collection © Bridget Riley, 2021.
Ecclesia , 1985
Podría parecer que, desde que rechazó su temprana fama de estrella del pop, Riley ha trabajado aislada de su época. Cuando pintó Ecclesia, fue administradora de la National Gallery y seleccionó allí una muestra de grandes coloristas del pasado, desde Tiziano y Veronés, hasta Rubens y Poussin. Riley ha reafirmado recientemente su compromiso con los viejos maestros con una pintura mural en el vestíbulo de la National Gallery . Sin embargo, Ecclesia no es más que moderna, y parece cruda y descaradamente de su época, palpitando con la energía capitalista vulgar de Manhattan o Londres de los años ochenta. Podrías tocar música de electro-dance antigua contra estas barras verticales de color despiadado.
Fête , 1989
La artista que sacudió los oscilantes años 60 es tan aguda, nueva e implacable como siempre mientras entra en otra fase de pura abstracción. La vida de Riley de mirar el arte y el mundo está en este progreso inquieto en cascada de pastillas de colores. Fête es una destilación de la naturaleza del arte en sí: el color y el movimiento revolotean a través de él con tanta fuerza como lo hacen en un enorme óleo de cosechadoras de vino retozando o un fresco de dioses haciendo el amor. El profundo conocimiento del arte de Riley y su más profundo apetito por la vida, palpitan en su interior.
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