Cómo la moda de la capital británica conquistó el mundo
Chloe MacDonnell
Erdem, otoño/invierno de 2008. Fotografía: Sølve Sundsbø/Art+Commerce
Hace treinta años, la escena de
la moda de la capital estaba a la sombra de sus rivales. Ahora, una nueva
exposición, que presenta piezas usadas por Björk y Sam Smith, muestra el
resurgimiento de la vida nocturna de la ciudad.
Otras capitales de la moda pueden
ser conocidas por sus talleres de alta costura, con equipos con batas de
laboratorio blancas impecables cosiendo silenciosamente, pero es la vibrante escena
de discotecas de Londres de los 90 a la que la nueva exposición del Museo del
Diseño acredita como
un actor clave en el éxito de la moda británica.
Rebel: 30 Years of London Fashion
presenta casi 100 looks de 300 diseñadores, que abarcan desde un vestido de tul
usado por Rihanna hasta un traje inflable de látex creado para Sam
Smith. Para Sarah Mower, crítica de moda y curadora invitada de
Vogue, la exposición “pretende responder a la pregunta que siempre me hacen,
que es: '¿Por qué siempre hay tantos diseñadores jóvenes increíbles en Gran
Bretaña?'”
En una sala, los visitantes
pueden bailar con una banda sonora vibrante bajo luces intermitentes, rodeados
de ropa inspirada en la vida nocturna. "Nos dimos cuenta de que gran
parte de la escena de la moda tenía sus raíces en las noches de club, por lo
que sentimos que tenía que tener su propia sección", dice Mower. Se
exhibe el vestido fluorescente de la colección debut de Christopher Kane
de 2006 que
impresionó tanto a Donatella Versace que luego contrató a Kane para trabajar en
su línea Versus.
También hay un traje de látex
adornado con esferas gigantes de Gareth Pugh, que hace referencia a los
sex-shops del Soho, mientras que un vestido hasta el suelo adornado con motivos
de caras sonrientes de la colección 2018 de Charles Jeffrey Loverboy rinde
homenaje a los clubes seminales de Londres cerrados, como Blitz, Kinky
Gerlinky. y boombox.
Hace treinta años, Gran Bretaña
estaba sumida en una recesión y la semana de la moda de Londres estaba
sintiendo su impacto. Nombres estrella como Vivienne Westwood se habían
marchado para desfilar en París, y con sólo 14 nombres en la agenda de Londres,
los editores y estilistas se mostraban reacios a viajar a la capital.
"Esto fue antes de las redes
sociales, por lo que los vagabundos en los asientos eran importantes",
dice Mower. “El British Fashion Council estaba tratando de descubrir qué
tenía Londres que Nueva York, París y Milán no ofrecieran. El momento de
la bombilla llegó cuando se dieron cuenta de que era cultura juvenil”.
El British Fashion Council creó
un programa
NewGen con la misión de apoyar nuevos talentos; desde entonces ha
ayudado a lanzar las carreras de una gran cantidad de diseñadores. La
primera presentación de un diseñador NewGen tuvo lugar en el hotel Ritz y
debutó el entonces desconocido Lee Alexander McQueen.
Sin embargo, los visitantes de
esta exposición no podrán ver su primera colección. En cambio, una
habitación proyecta la voz de su antiguo compañero de casa y colega diseñador
Simon Ungless recordando cómo se perdió poco después de la exhibición en el
Ritz. Luego, metiendo la colección en bolsas de basura, el dúo se dirigió
a su club favorito. Al no poder pagar el guardarropa, escondieron las
bolsas detrás de un contenedor. Luego, cuando fueron a recoger las bolsas,
ya no estaban. La colección nunca ha sido rastreada.
Otra sala defiende a los
diseñadores locales e internacionales que perfeccionaron sus habilidades en
Londres. Por primera vez en Gran Bretaña, se exhibirá el vestido
“cisne” de Marjan Pejoski, usado por Björk en los Oscar de
2001.
Vestido “cisne” de Marjan Pejoski, usado por Björk en los Oscar de 2001
Pejoski, que nació en Macedonia del Norte, se mudó a
Londres para estudiar moda femenina en Central Saint Martins. Otro punto
destacado son los pantalones azul marino cuidadosamente confeccionados
combinados con un velo adornado con cristales y perlas de Grace Wales
Bonner. , ella con su marca homónima, Bonner explora la identidad negra y
la sexualidad masculina, y el atuendo hace referencia a la artesanía de África
oriental y occidental y el Caribe.
Una pared de la exposición
presenta una cronología sobre la lucha que enfrentan ahora las escuelas de arte
y los estudiantes. En 1993, la educación era gratuita. Cinco años más
tarde, bajo el liderazgo de Tony Blair, se introdujeron las tasas de matrícula,
mientras que hoy el Brexit sigue disuadiendo a muchos estudiantes de la UE de
presentar su solicitud. Rishi Sunak anunció recientemente planes para
limitar el número de estudiantes que obtienen títulos universitarios de “bajo
valor”.
Sin embargo, la exposición está
lejos de ser pesimista. Sigue el espíritu de su título, Rebel, y rastrea
cómo los diseñadores británicos lucharon contra las ideas conformistas y
catalizaron el cambio. Un par de pantalones cortos con volantes de la
colección de ropa masculina de 2013 de Jonathan Anderson fueron ridiculizados
por primera vez por los tabloides, junto con la noción de fluidez de género del
diseñador. Un par de meses más tarde, la marca Loewe, propiedad de LVMH,
nombró a Anderson como director creativo, donde se le atribuye haberla
transformado en una marca de moda multimillonaria
que alcanzó niveles récord de ingresos. Por otra parte, la colección
de Priya Ahluwalia hecha con materiales inservibles resalta su rebelión contra
el ciclo de novedad de la industria de la moda.
Protesta al reemplazar las ventanas de la capilla de Notre Dame
Más de 120.000 personas han firmado una petición para conservar las ventanas originales
de la capilla de Notre Dame.
Miles de personas firman una petición que desafía la restauración respaldada por Macron que agregaría un diseño contemporáneo al edificio
Un plan respaldado por el presidente francés, Emmanuel Macron , para reemplazar las vidrieras de las capillas laterales de la catedral de Notre Dame con creaciones contemporáneas ha sido criticado como “vandalismo”.
Más de 120.000 personas han firmado una petición para conservar las ventanas originales. Los críticos dicen que el cambio destruiría la armonía arquitectónica del edificio histórico que fue devastado por un incendio en abril de 2019.
Durante una visita a la catedral del siglo XIII este mes, Macron anunció que las ventanas de seis de las siete capillas del pasillo sur serían removidas y reemplazadas por vidrieras contemporáneas que se elegirían en un concurso.
Se dice que la idea surgió del arzobispo de París, Laurent Ulrich, quien escribió al Elíseo diciendo que le gustaría que el Estado encargara una serie de seis nuevas ventanas.
Macron respondió que la idea contaba con su total aprobación. Las ventanas identificadas para ser reemplazadas, diseñadas por el arquitecto Eugène Viollet-le-Duc, quien también añadió la aguja a mediados del siglo XIX, no fueron afectadas por el fuego y serían exhibidas en un recién creado Museo de Notre Dame, el dijo el presidente.
Ahora, más de 122.000 personas han firmado una petición lanzada hace poco más de quince días pidiendo que se mantengan las ventanas originales.
“Las vidrieras de Notre Dame diseñadas por Viollet-le-Duc se crearon como un todo coherente. Es una creación genuina que el arquitecto quiso ser fiel a los orígenes góticos de la catedral”, se lee. Didier Rykner, fundador y editor de la revista en línea La Tribune de l'Art, quien creó la petición, dijo que un gesto contemporáneo mucho mejor sería encargar nuevas ventanas para la torre norte de la catedral, donde terminó la batalla de los bomberos para salvar el edificio.
“Como se puede ver en algunos de los vídeos, la catedral tiene vanos sin vidrieras, cerrados únicamente por claraboyas blancas. Instalar vidrieras en estos no restaría valor a la armonía pretendida por Viollet-le-Duc y realzaría la catedral”, escribió Rykner, un destacado comentarista sobre el patrimonio arquitectónico de Francia.
Flavie Vincent-Petit, vidriera francesa, restaurando una ventana de la catedral de Notre Dame.
“Tendría también un magnífico papel simbólico: fue en la torre norte, cuando combatieron el incendio que amenazaba con derribar las campanas y, a su vez, la catedral, donde los bomberos arriesgaron sus vidas para salvar el monumento. Rindir homenaje a los bomberos, traer nuevas vidrieras a Notre Dame sin destrozar el trabajo de Viollet-le-Duc, ofrecer a los futuros visitantes más que ver: esta solución de sentido común podría satisfacer a todos”.
Horas después del incendio, Macron había sugerido que estaba a favor de un “gesto contemporáneo” en la reconstrucción de la catedral que se inauguraría el próximo diciembre, sugiriendo que una nueva aguja podría ser “inventiva”.
Tras una vehemente oposición pública, el presidente abandonó la idea. La nueva aguja de 96 metros (315 pies), instalada en noviembre, parece idéntica a la destruida por las llamas.
La catedral reabrirá sus puertas el 8 de diciembre de 2024.
El autor peruano ganador del premio Nobel todavía planea escribir un ensayo sobre Sartre que "será lo último que escriba"
El escritor vivo más conocido de Perú, el autor ganador del Premio Nobel Mario Vargas Llosa, ha anunciado que su carrera literaria de siete décadas está llegando a su fin y que su última novela será, precisamente, la última.
En una posdata de su nuevo libro, Le dedico mi silencio, el novelista de 87 años escribe: “Creo que he terminado este libro. Ahora me gustaría escribir un ensayo sobre (Jean-Paul) Sartre, quien fue mi maestro cuando era joven. Será lo último que escriba”.
Le dedico mi silencio ha sido descrito como una carta de amor al Perú y a la música criolla, la mezcla distintiva del país de valses europeos con influencias afroperuanas y andinas. En entrevistas con medios españoles, el escritor dijo que si bien sentía que no le quedaba tiempo suficiente para entregar su novela número 21, esperaba seguir escribiendo y estaba decidido a terminar su ensayo sobre Sartre.
“Tengo 87 años y, aunque soy optimista, no creo que viva lo suficiente para trabajar en una nueva novela, sobre todo porque tardo tres o cuatro años en escribir una”. “Pero nunca dejaré de trabajar y espero tener fuerzas para seguir hasta el final”.
Vargas Llosa, que vive en Madrid y tiene doble ciudadanía peruana y española, es el último miembro superviviente del fenómeno literario latinoamericano conocido como el boom, la explosión cultural de los años 1960 y 1970 que presentó al mundo los escritos de Gabriel García Márquez, Carlos Fuentes, Julio Cortázar y muchos otros.
Desde la publicación en 1963 de su primer libro, La ciudad y los perros –en el que utilizó la brutal academia militar de Lima a la que había asistido a principios de la década de 1950 como un microcosmos de un Perú acosado por divisiones raciales, socioeconómicas y geográficas– Vargas Llosa ha registró los usos y abusos del poder, ya sea político, militar, racial, económico, social o sexual.
Vargas Llosa también dijo que si bien el interés "chismoso" en sus asuntos privados -entre ellos su reciente relación de siete años con la socialité Isabel Preysler- se había entrometido en su vida, no se sentía "molesto ni ofendido por ello". "Lo importante para mí siempre serán las novelas y los ensayos y la cultura y las ideas liberales que he defendido durante años", dijo a un grupo de periodistas . “La gente que tiene claras esas prioridades no presta atención a las tonterías que ciertos elementos de la prensa escriben sobre mi vida, y que frecuentemente son inventadas”.
El escritor, que fue derrotado en su intento por convertirse en presidente de Perú en 1990 por Alberto Fujimori, se ha mantenido franco sobre política.
Hace dos años, respaldó a regañadientes a Keiko Fujimori –la hija de su ex adversario caído en desgracia, autoritario y ahora encarcelado– en su intento fallido de convertirse en la próxima presidenta de Perú, diciendo que ella era “el menor de dos males” en comparación con su rival, el Pedro Castillo, líder sindical y docente de extrema izquierda pero socialmente conservador.
En el período previo a las elecciones generales de Brasil del año pasado, expresó su preferencia por Jair Bolsonaro sobre Luiz Inácio Lula da Silva.
"El caso Bolsonaro es muy difícil", afirmó. “Las payasadas de Bolsonaro son muy difíciles de aceptar para un liberal. Pero ahora, entre Bolsonaro y Lula, prefiero, por supuesto, a Bolsonaro. Incluso con la estupidez de Bolsonaro, él no es Lula”.
Al conceder a Vargas Llosa el Premio Nobel de Literatura en 2010, el comité dijo que había elegido al escritor “por su cartografía de las estructuras de poder y sus mordaces imágenes de la resistencia, la rebelión y la derrota del individuo”.
Un vestido usado por Diana se vende por una cifra récord de 1.148.000 dls
Rupert Neate
Diana, princesa de Gales con el vestido de noche de Jacques Azagury en 1985.
Prenda de la gira real
por Italia en 1985 se vende por más de 11 veces lo estimado en una subasta en
EE. UU.
Un vestido de noche usado
por Diana, princesa de Gales en 1985 se vendió en una subasta de
Hollywood por casi 1.15 millones de dólares, más de 11 veces su estimación y un
precio récord para uno de sus vestidos.
El vestido de noche de terciopelo
negro y azul, largo de bailarina, del diseñador de moda marroquí-británico
Jacques Azagury se se vendió en las subastas Julien's de Hollywood por
un total de 1.148.080 dólares
Modelo del vestido de noche de bailarina
Jacques Azagury que lució Diana, princesa de Gales Fotografía: Valérie
Macon/AFP/Getty Images
Se esperaba que la prenda, que
Diana usó en una cena en el Palazzo Vecchio de Florencia durante una gira real
con su entonces esposo, Carlos, se vendiera por 100.000 dólares.
El conjunto, que venía completo
con hombreras, una falda de organza azul, un gran lazo y un fajín, es ahora,
con diferencia, el vestido más caro usado por la difunta realeza vendido en una
subasta. El récord anterior, un vestido de terciopelo de 1991 de Victor
Edelstein, se vendió por 604.800 dólares en enero.
Se desconoce la identidad del
comprador del vestido de Azagury, que venía con una ilustración a juego.
Diana usó el vestido en una
cena ofrecida por el alcalde de Florencia en abril de 1985, y nuevamente con la
Orquesta Sinfónica de Vancouver en 1986. La falda de bailarina fue considerada,
según el subastador, como un “guiño al amor de Diana por la danza y a su
condición de mecenas del Ballet Nacional Inglés”.
Se vendió en un evento el domingo
por la noche titulado Julien's Auctions y Turner Classic Movies Present:
Hollywood Legends. El catálogo lo describía como un “hermoso y romántico
vestido de noche largo de bailarina”.
Decía: “Con hombreras acolchadas,
presenta un corpiño de terciopelo negro con estrellas bordadas en hilo metálico
hecho de tela de Jakob Schlaepfer con una falda de organza azul real de dos
niveles con fajín y lazo." Diana usaría numerosos vestidos y vestidos de
Azagury, uno de sus favoritos era un minivestido de georgette de seda azul
hielo que usó el 3 de junio de 1997 en el Royal Albert Hall para una
representación de El lago de los cisnes.
Azagury conoció a Diana en los
años 80 gracias a la entonces editora británica de Vogue, Anna Harvey.
"Ella dijo: 'Jacques, tengo a alguien a quien me gustaría que conocieras',
y miré y la princesa Diana estaba parada allí", dice Azagury en su sitio
web.
Al describir los viajes de Diana
a su taller de Knightsbridge, Azagury dijo: “Sus visitas fueron muy relajadas, le encantaba charlar con las chicas
de aquí. No me pidió que le diseñara vestidos específicos, sabía que podía
venir aquí y encontrar algo que le encantaría y que podíamos adaptarlo y crear
un vestido único para cualquier ocasión que necesitara”.
Cómo una revolución de color europea nos trajo la humilde tarjeta navideña
Andrew Pulver
La época victoriana no fue tan polvorienta y monocromática como pensamos; una nueva exposición y un proyecto de investigación, Chromotope, explora una ola de avances químicos que trajeron color a la gente
Qué sería de la Navidad sin la humilde tarjeta navideña? Es difícil pensar en una tradición estacional que coloca coloridos trozos de papel rígido en la repisa de la chimenea, pero, de hecho, no nos estaríamos enviando trozos de papel rígido si no fuera por una hazaña de colaboración paneuropea y la competencia, ideada a mediados del siglo XIX.
Muchas de nuestras tradiciones más familiares se filtraron desde las familias reales y aristocráticas de Gran Bretaña, quienes a su vez habían importado muchas de ellas de sus antepasados alemanes. Pero no fue hasta la adopción generalizada de la impresión en color en la década de 1860 que las tarjetas navideñas, encargadas por primera vez como artículos artesanales de alto estatus en la década de 1840, se volvieron lo suficientemente baratas para que las clases media y baja pudieran tenerlas en sus manos.
Algunas de estas primeras tarjetas producidas en masa se exhiben en el Ashmolean de Oxford, como parte de su exposición Color Revolution.Para el ojo moderno, son prendas bastante elaboradas, que datan de la década de 1880, con imágenes florales de hermosos colores, borlas y flecos de seda, teñidos en vibrantes tonos de púrpura y naranja. Las tarjetas pueden ser pequeñas pero son parte de una historia importante, una historia que la exposición pretende contar de manera detallada.
Se trata de la influencia formativa casi incalculable del “ giro cromático ” de mediados del siglo XIX , en el que la obsesión de los victorianos por admirar, analizar y luego fabricar el color en todo tipo de áreas (moda, arte, diseño, publicidad) se hizo sentir en todo el mundo. Gran Bretaña, Francia y Alemania, y de hecho el resto del mundo.
Boot out... botas de mujer, inglesas, década de 1870, Manchester Art Gallery.
La exposición Ashmolean es una muestra brillante y fascinante que recrea elementos de la Exposición Internacional de 1862 en South Kensington de Londres, que mostró intentos del siglo XIX de reconstruir los colores originales de la escultura griega antigua (incluida la fabulosa pintura de Alma-Tadema Fidias mostrando el friso)del Partenón a sus amigos), y algunas elaboradas modas de finales de la época victoriana, incluido un espantoso collar hecho con colibríes muertos.
En comparación, el elemento clave del programa puede parecer un poco polvoriento: una sección que describe el desarrollo de los tintes de anilina sintéticos, que comenzó en 1856 con la invención de la estridente púrpura conocida como “mauveine” por el joven químico británico William Henry Perkin, mientras estudiaba con el profesor alemán August Guillermo von Hofmann. La malva, descubierta accidentalmente cuando Perkin intentaba producir un tratamiento contra la malaria a partir de alquitrán de hulla, y sus homólogos posteriores, como la fucsina (púrpura rojiza) y la indulina (rojo azulado), eran baratas de producir y tuvieron un enorme éxito comercial, ya que, por primera vez, las telas de colores brillantes se volvieron asequibles para grandes sectores de las clases media y baja europea, lo que les permitió disfrutar de vestidos elegantes, sombreros, tapizados y, sí, borlas de tarjetas navideñas.
De hecho, el espectáculo Ashmolean es una especie de iceberg: es la punta visible de un proyecto mucho más grande, llamado Chromotope, que ilustra la gran cantidad de trabajo asiduo de investigación y conservación que a menudo se lleva a cabo fuera de la vista. Financiado por el Consejo Europeo de Investigación, Chromotope es un excelente ejemplo de una iniciativa multidisciplinaria, multiinstitucional y transnacional que se enfrenta tanto a la investigación académica de vanguardia como a la oferta de conocimientos fácilmente digeribles para una audiencia pública.
Todos los colores... Vivien, 1863 (óleo sobre lienzo) de Frederick Sandys.
Charlotte Ribeyrol, profesora de literatura británica del siglo XIX en la Sorbona de París, es la directora del proyecto y la “investigadora principal” de Chromotope. El objetivo, afirma, es “descubrir qué pasó con el color en el siglo XIX, especialmente después de la invención de los tintes de anilina”. "El color resulta muy atractivo para mucha gente", afirma. "Hay capas enteras de significado: artístico, literario, antropológico, religioso". Para ello, Chromotope ha contado con la Sorbona, la institución de origen de Ribeyrol, junto con la Universidad de Oxford y el Conservatorio Nacional de Artes y Oficios (Cnam) de París.
"Mi hipótesis", dice Ribeyrol, "es que fue una reacción contra la suciedad y la contaminación de la revolución industrial". La imagen del período que aún persiste, dice, es esencialmente monocromática; alimentado en parte por escritores como Dickens y Ruskin, que lamentaron el expolio de la naturaleza por la expansión urbana cubierta de hollín, y en parte por la moda y las circunstancias. “La reina Victoria, por ejemplo, vistió de negro después de la muerte del príncipe Alberto en 1861, por el resto de su vida. Los hombres vestían en gran medida de negro. Luego, los victorianos sintieron nostalgia por culturas distintas a la suya (la Inglaterra medieval, la antigua Grecia y Roma, el antiguo Egipto) y su percepción del color se transformó radicalmente”.
La industria de los tintes sintéticos que creó esta explosión de color producido en masa evolucionó rápidamente hasta convertirse en la sala de máquinas de gran parte de la expansión económica de finales del siglo XIX y principios del XX, a través de industrias químicas en rápido crecimiento. Muchas de las empresas más poderosas de la Alemania de antes de la guerra (BASF, Bayer, Agfa, Hoechst) comenzaron como fabricantes de tintes y eventualmente mutaron en el conglomerado gigante IG Farben. Sigue siendo una pregunta por qué, dada la ventaja británica en la industria de los tintes químicos, el Reino Unido entregó su destreza en el sector a Alemania. Matthew Winterbottom, curador de Artes Decorativas y Escultura del Ashmolean e investigador de Chromotope, sugiere que algunas cosas no han cambiado. “August Hofmann regresó a Alemania en 1864 quejándose de la falta de inversión, educación y formación británicas. Con todo su alquitrán de hulla, se esperaba que Gran Bretaña liderara la industria, pero Alemania toma el control y domina el mundo sintético y químico”. Winterbottom señala que todo esto fue contemporáneo del nuevo establecimiento de Alemania como Estado-nación en 1870. “Es un lugar más nuevo y más seguro, con un gran interés en encontrar nuevas industrias, lo que conduce a una competencia cada vez mayor y, en última instancia, a la militarización. Es una historia extraordinaria”.
No es una estantería común y corriente... La Gran Librería, 1859-62, diseñada por William Burges.
La exposición Ashmolean es el elemento más visible de las actividades de Chromotope: "cuando el ERC financia un proyecto, siempre piensa en la divulgación", dice Ribeyrol, "por eso la exposición fue muy emocionante para ellos", pero respaldarla es una exposición de acceso abierto. base de datos llamada ChromoBase, que tiene como objetivo recopilar mini ensayos e historias sobre todo el período, análisis científicos de los primeros tintes y pigmentos sintéticos y una cantidad significativa de publicaciones originales , incluido el libro de Ribeyrol sobre la Gran Librería de Ashmolean, una obra de arte sensacional pero olvidada hace mucho tiempo. cubierto de pinturas de artistas importantes, incluidos Edward Burne-Jones y Simeon Solomon, pagado por el destacado arquitecto del renacimiento gótico William Burges.
"Había mucho que decir", dice Ribeyrol. “Fue difícil encontrar una salida. Pero cuando vi la estantería de Burges, fue una revelación. Pensé: 'Guau, esto reúne todas las historias que he estado tratando de contar'”. Habiendo sido comprada para el Ashmolean en 1933 por Kenneth Clarke por £50, esta sorprendente creación había pasado la mayor parte de las décadas siguientes guardada en un casa de campo en Devon, antes de ser restaurada en el museo en 2016. Chromotope ha encargado un análisis de pigmentos extenso y no invasivo, que ha sugerido que Burges, un anticuario destacado y comprometido, no solo luchó con pinturas sintéticas más modernas, sino que también posiblemente también engañado por fabricantes astutos cuando intentó obtener costosos y anticuados pigmentos azul ultramar para sus artistas.
La cuestión de las pinturas sintéticas y premezcladas también es un área clave: la fabricación de pinturas no naturales es anterior a la invención de los tintes de anilina; por ejemplo, una forma temprana de azul cobalto creada por el químico francés Louis Jacques Thénard en 1804 , pero la nueva ciencia del color significó, como en otros lugares, que su disponibilidad se disparara. La portabilidad, el bajo costo y la facilidad de uso tuvieron un efecto directo: los impresionistas lo adoptaron rápidamente, lo que les permitió pintar al aire libre en todo tipo de clima. Claude Monet incluso trabajó durante un tiempo como asistente de su hermano mayor Léon, un exitoso químico industrial que trabajaba con pigmentos sintéticos.
"Esto es lo súper interesante", dice Ribeyrol. “No sólo el simbolismo o la estética, sino toda la dimensión táctil del color, su existencia material. Los que fabrican colores y los utilizan; esa historia es algo ignorada. Lo que queremos hacer es contribuir a nuestra comprensión del color como materia, una sustancia con vida propia”.
Color Revolution: Victorian Art, Fashion and Design estará en Ashmolean, Oxford hasta el 18 de febrero
