5Pointz antes de ser derribado.La sentencia de un juez de Brooklyn considera que las obras realizadas en
5Pointz son una expresión de arte a preservar
Indemnizados con 5,4 millones 21 grafiteros de Nueva York tras el derribo de un edificio con sus obras
Un juez federal de Brooklyn falló a favor
de los 21 grafiteros que interpusieron una demanda contra el dueño del edificio conocido como 5Pointz, meca mundial del arte callejero, después de que fuera derribado y su
obra se perdiera. La sentencia obliga a Jerry Wolkoff a pagar 6,7 millones de
dólares por destruir el edificio en 2014 para
construir apartamentos de lujo.
Tras un juicio de tres semanas,
el juez Frederick Block considera probado en su sentencia que 45 de las decenas
de obras realizadas en las paredes del edificio eran dignas de ser preservadas
por la Ley de Derechos de los Artistas Visuales y condena al propietario a la
mayor indemnización prevista. Un año antes del derribo, el dueño del edificio
había pintado todas las paredes de blanco para borrar los grafitis. Varios
expertos de arte contemporáneo citados durante el proceso, en el que se han
expuesto imágenes de los murales, han certificado la calidad de la obra.
5Pointz era considerado como la exposición de
arte urbano al aire libre más grande del mundo y una meca para grafiteros desde
la década de los noventa del siglo pasado. Durante años, cientos de artistas
han trabajado en sus muros y en virtud de un acuerdo previo con los
propietarios, podían vivir allí por una pequeña renta. El edificio era una
atracción turística y la parte más alta del edificio se podía ver desde los
pasos elevados del tren.
El
misterioso y prolífico artista británico Banksy pidió en 2013
que el edificio no fuera derribado. "El mensaje claro es que el arte
protegido por leyes federales no puede ser destruido. Con esta victoria,
5Pointz se convierte en un legado para las generaciones futuras", ha
asegurado el abogado de los artistas, Eric Baum, en
declaraciones a The New York Times.
Hablan los pediatras: "Los niños tienen dificultades para sostener lápices debido a demasiada tecnología"
El uso excesivo de teléfonos con pantalla táctil y tabletas evita que los músculos de los dedos de l
os niños se desarrollen lo suficiente.
Los niños cada vez tienen más dificultades para sostener bolígrafos y lápices debido al uso excesivo de la tecnología, advirtieron los pediatras del Reino Unido. El uso excesivo de teléfonos con pantalla táctil y tabletas evita que los músculos de los dedos de los niños se desarrollen lo suficiente como para permitirles sostener un lápiz correctamente, explican.
"Los niños no van a la escuela con la fuerza de la mano y la destreza que tenían hace 10 años", dijo Sally Payne, la terapeuta ocupacional pediátrica principal de la fundación Heart of England NHS Trust. "A los niños que ingresan a la escuela se les da un lápiz, pero cada vez más no pueden sostenerlo porque no tienen las habilidades fundamentales de movimiento." "Para poder agarrar un lápiz y moverlo, necesitas un fuerte control de los músculos finos de tus dedos." Sostener un lápiz correctamente requiere un excelente control de los músculos de los dedos para ayudar a producir una escritura legible y evitar las molestia.
"Es más fácil darle un iPad a un niño que alentarlo a que haga un juego de construcción muscular como usar bloques, cortar y pegar, o tirar de juguetes y cuerdas. Debido a esto, no están desarrollando las habilidades fundamentales que necesitan para agarrar y sostener un lápiz ".
Correcto
Incorrecto
Patrick, de seis años, ha estado teniendo sesiones semanales con un terapeuta ocupacional durante seis meses para ayudarlo a desarrollar la fuerza necesaria en su dedo índice para sostener un lápiz en el agarre correcto. Su madre, Laura, se culpa a sí misma: "En retrospectiva, veo que le di a Patrick la tecnología para jugar, con la exclusión de los juguetes más tradicionales. Cuando llegó a la escuela, me contactaron preocupados: estaba agarrando su lápiz como los hombres de las cavernas usaban los palos. Simplemente no podía sostenerlo de ninguna otra manera y por eso no podía aprender a escribir porque no podía mover el lápiz con precisión."
"Las sesiones de terapia están ayudando mucho y ahora soy muy estricta en mi hogar con su acceso a la tecnología", dijo. "Creo que la escuela detectó el problema lo suficientemente temprano para que no se haya producido un daño duradero".
Mellissa Prunty, una terapeuta ocupacional pediátrica que se especializa en dificultades de escritura a mano en niños, está preocupada porque un número cada vez mayor de niños puede estar desarrollando la escritura a mano demasiado tarde debido a un uso excesivo de la tecnología.
"Un problema es que la escritura es única en cómo se desarrolla en cada niño", dijo Prunty, el vicepresidente de la Asociación Nacional de Escritura a Mano que dirige una clínica de investigación en la Universidad Brunel de Londres investigando habilidades clave en la infancia, incluida la escritura a mano. "Sin investigación, existe el riesgo es que hagamos demasiadas suposiciones sobre por qué un niño no puede escribir a la edad esperada y observar cuando hay una causa relacionada con la tecnología", dijo.
El plan de estudios de los primeros años tiene objetivos de escritura a mano, así es como diferentes escuelas primarias se centran en esto y usan tabletas junto con lápices, dijo Prunty. Esto se convierte en un problema cuando los niños pasan largos períodos de tiempo en tabletas fuera de la escuela.
Barbie Clarke, una psicoterapeuta infantil y fundadora de la agencia de investigación Family Kids and Youth, dijo que incluso las guarderías eran muy conscientes del problema que, según ella, provenía del uso excesivo de la tecnología en el hogar. "Vamos a muchas escuelas y nunca hemos visto una que haya adoptado la enseñanza a través de la tecnología, que no usa bolígrafos junto con las tabletas y los iPads", dijo.
En otro orden de cosas Karin Bishop, subdirectora del Royal College of Occupational Therapists, también admitió preocupaciones. "Es innegable que la tecnología ha cambiado el mundo en el que crecen nuestros hijos", dijo. "Si bien hay muchos aspectos positivos del uso de la tecnología, cada vez hay más pruebas sobre el impacto de estilo de vida más sedentario y el aumento de la interacción social virtual, ya que los niños pasan más tiempo en el interior y menos tiempo en actividades al aire libre"
Los jóvenes de Parkland, lo mejor de las redes sociales.
Las escuelas secundarias tienen bailes, tienen cafeterías, tienen exámenes de mitad de período y, en los Estados Unidos, tienen tiroteos. "Nuestra escuela está teniendo un tiroteo", tuiteó Heather, una estudiante de la escuela secundaria Marjory Stoneman Douglas en Parkland, Florida, en la tarde del miércoles 14 de febrero. "Ni siquiera estoy bromeando que estoy a punto de morir". En circunstancias normales, las redes sociales son un lugar para que los jóvenes participen en la tradición adolescente de tratar los sucesos cotidianos como asuntos de vida o muerte.
Pero en la semana en la que Nikolas Cruz ingresó a la escuela de Heather con un AR-15 y mató a 17 personas, los adolescentes cuyas vidas se vieron afectadas por el tiroteo han utilizado las redes sociales para poner fin a la respuesta ritual de este país a los tiroteos masivos. Han usado a Twitter, Snapchat e Instagram para hacer lo que a ellos les va tan bien: hacer que los adultos y nuestra tolerancia hacia un status quo intolerable parezcan tontos y viejos.
Estas son las redes sociales en su mejor momento. Desde la Primavera Árabe y el levantamiento de Ferguson, hasta el tiroteo en Parkland, las redes sociales han sido un garrote para que los participantes en eventos de la vida real ejerzan contra los marcos osificados que dan forma a nuestro discurso político.
Como el Boston Globe ilustró con una columna en la página principal, los artículos sobre tiroteos en masa básicamente se pueden escribir con antelación. Porque todos pensamos que nada cambiará en última instancia. Fue necesarioque los adolescentes con teléfonos inteligentes y la inocente blasfemia de la juventud confrontada con la injusticia, para sacarnos de esa estudiada complacencia.
Los estudiantes de Stoneman se han negado a permitir que el liderazgo adulto en este país siga su guión de tópicos piadosos, exponiendo "pensamientos y plegarias" como el tic irreflexivo en el que se convirtieron, y han presentado una poderosa reprimenda a los condescendientes. Ir a la escuela en un país con 88 armas por cada 100 personas es una cuestión de vida o muerte, han argumentado.
El fervor de estas voces jóvenes ha sido una sacudida bienvenida y vigorizante para aquellos de nosotros que nos habíamos acostumbrado al horror. Sin embargo, los adolescentes en las redes sociales no son una panacea. La misma apertura de las plataformas de medios sociales que hace posible que las voces en medio de un tiroteo masivo encuentren una audiencia y cambien nuestra comprensión de los eventos también permite que la multitud de malos actores que usan las mismas plataformas, siembren incertidumbre y confusión.
Pocas horas después del tiroteo de Parkland, las redes de bots rusas estaban sembrando Twitter con desinformación y división, informó el New York Times.
Quienes se oponen al mensaje de los jóvenes sobre las armas de fuego han intentado y seguirán intentando socavar la autenticidad de las voces de los estudiantes. El desacreditado comentarista político Dinesh D'Souza usó su propia cuenta de Twitter para burlarse de la consternación de los adolescentes ante el fracaso de una ley de control de armas. InfoWars y Gateway Pundit, sitios web de extrema derecha que trafican con teorías de conspiración, se pelearon en Twitter con titulares falsos... sobre más falsos.
Un asistente de un representante estatal de Florida envió por correo electrónico a un periodista del Tampa Bay Times una declaración en la que afirmaba que dos de los estudiantes más elocuentes eran "actores que viajan a diversas crisis cuando suceden", citando un video de YouTube como evidencia. El asistente ha sido despedido desde entonces . Que el personal profesional de un funcionario electo sea susceptible de ser engañado de esa manera debería ser una advertencia para todos nosotros sobre el poder de la desinformación para infectar nuestra ecoesfera de medios.
Si los estudiantes de Stoneman podrán mantener sus voces auténticas en medio de la crisis de autenticidad de las redes sociales sigue siendo una pregunta abierta. Pero por ahora, han aprovechado al máximo la naturaleza democrática de las redes para impulsar nuestra democracia. Dependerá de los adultos dar los siguientes pasos y asegurarse de que sus Tweets aterrorizados no se envíen en vano.
Actualización, ahora 25 de Marzo:https://www.theguardian.com/us-news/2018/mar/25/marjory-stoneman-douglas-high-school-parkland-students
"Se reconoce una buena toma porque en una exposición no se pasa de largo delante de ella, porque uno se ve atraído por una página en una revista o se olvida de seguir ojeando en un libro. No son decisivos ni la técnica perfecta, ni tampoco que se trate de un tema extraordinario, lo que cuenta es la fuerza de la imagen, la expresión –el secreto del momento capturado."
Milo Lockett: “Los argentinos queremos ser París pero estamos en el culo del mundo”
Carlos E. Cué
En Buenos
Aires, en una esquina del barrio hipster de Palermo Hollywood, Cabrera
5507 (esq. Humboldt), Milo Lockett pinta, da órdenes a sus
colaboradores, mantiene reuniones y saluda a fans que se acercan a
contemplar los cuadros expuestos en su galería. Nacido en 1967 en
Chaco, Lockett saltó de la industria textil al mundo artístico en plena crisis
de 2001 y se ha convertido en uno de los creadores más conocidos por el gran
público. Él sostiene que "el concepto del artista escondido es de otra
época, de hace 50 años" y opta por un contacto cercano con el público a
través de espectáculos de pintura en vivo y charlas. El artista plástico, que
ha logrado proyección internacional, celebra que el gobierno facilite la
exportación de obras de arte, pero cree que debe crecer también el mercado
interno.
Pregunta. ¿Cómo ve el arte argentino ahora?
Respuesta. Bien, hay artistas buenísimos. Lo que nos falta es comunicación,
encuentro, armar ese famoso mercado que no existe. ¿Cómo te va a comprar la
gente si no te encuentra?
P. Pero en Argentina sí hay gente con dinero que compran arte.
R. Pensá en la cantidad de artistas que hay en Argentina, 10.000 quizás,
y cuántos compradores, ¿200? 200 compradores para 10.000 artistas. Es un
problema serio si tenemos que esperar que nos compren solo los coleccionistas.
Mi mercado es el público en general.
P. ¿Por qué su obra tiene tanta conexión con los niños? ¿Tienen una
relación especial con el arte?
R. Son menos prejuiciosos y más directos: me gusta, no me gusta. Nosotros
tenemos mucha complejidad. Mañana hay un boludo que dice que fulano es la
esperanza en el arte y tenés a lo mejor a 50 tipos contemplando algo que no les
gusta pero que están ahí porque quieren pertenecer. Los chicos son más
directos, les gusta el color, la forma, una palabra que pusiste y listo. Me
pasa que hay chicos que me dicen: "yo dibujo mejor que usted" y me
muestran un dibujo y es más lindo. A mí me parece una genialidad, otro artista
capaz se cortaría las venas.
P. ¿Qué consecuencias tendrá que se facilite la exportación de arte? R. Vamos a empezar a ver argentinos fuera. Hasta ahora era imposible.
Hacer una exportación era muy engorroso, con mucho trámite y tienes que hacer
la exportación como si lo estuvieras vendiendo.
P. ¿Han influido esos obstáculos a que el arte argentino esté por detrás
de otros sudamericanos, como el brasileño y el colombiano?
R. Esos países tienen las reglas más claras.
¿Quién va a venir a comprar arte a Argentina si no puede sacarlo? Me pasó en
noviembre con coleccionistas rusos. Quieren llevarse cuadros grandes, pero después
el flete, la aduana, el trámite, no hay nada que lo facilite para que salgan.
Si yo quiero exponer en Suiza tengo que ir a trabajar a Suiza, para exponer en
Barcelona voy y trabajo en Barcelona porque es más fácil eso que sacar la obra
de mi país. En Uruguay tengo más de 200 cuadros que hoy para traerlos necesito
hacer una importación, es ridículo, qué se queden ahí, ¿cómo no voy a poder
circular con mi trabajo?
P. A los países les suele gustar que los artistas expongan su arte en el
exterior.
R. Sí, pero nosotros siempre vamos al revés del mundo. Acá se cotiza en
dólares, cuando durante años no se pudieron comprar dólares. Vivimos mucho de
la apariencia. Los argentinos queremos ser París, decimos que Buenos Aires es
la París de Sudamérica y no. Argentina está en el culo del mundo y es
Argentina, un país más de Latinoamérica. Si fuéramos como Europa no tendríamos
problema en exportar obras de arte.
P. ¿Hay pasión por el arte en este país?
R. Fui a Miramar hace unos días donde pinté en
vivo, conté cómo pinto y todas esas cosas te acercan a la gente. El concepto
del artista escondido es de otra época, de hace 50 años. Hasta nosotros
estábamos impresionados. En Miramar la gente tuvo que entrar por tandas, ¿no es
increíble?
P. ¿Por qué se cerró la exportación?
R. En 2001, la publicidad del aeropuerto empezó "con esta máscara
sí, con esta no, con este dinosaurio sí, con este no". Se robaba mucho
patrimonio y por eso las leyes se pusieron más duras. Yo estoy de acuerdo en
que no salga una obra de 1800, pero otra cosa es un artista de 20 años que
quiere vender en Chile, en Paraguay, o que tiene un amigo en España que le
puede organizar una muestra. Yo me moví un poco más, pero no puedes hacer una
carrera fuera porque no tenés constancia. ¿Cómo vas a hacer una carrera fuera
si no sabés si vas a pasar la aduana?
P. ¿Le ha pasado?
R. En la última muestra en Uruguay para la que exporté, en 2011, me
pidieron obra en la aduana. Tenía un paquete de 80 cuadros y resulta que a uno
de los capos le gustó algo y dijo: "Me quedo con este cuadro". No, no
te quedás, ¿cómo te vas a quedar? Entonces si te negás, tu expediente, pagando
los impuestos y todo, lo ponen a lo último y mis cuadros en vez de estar 20
días antes estaban el día antes de la muestra.
P. ¿Ha llevado cuadros en la valija, para evitar controles?
R. Sí, hice muchísimo
eso. Es loco, porque no puedo sacar nada legalmente pero lo saco en una valija
y nadie me pregunta qué llevo. Argentina es muy especial. Estamos llenos de
leyes, pero no cumplimos ninguna.
P. ¿Es usted optimista con el Gobierno de Macri?
¿Cree que se va normalizar la situación?
R. Creo que sí, que se va a normalizar pero no el año que viene. Nos
tenemos que hacer muchas preguntas, dejar de ser tan hipócritas, mirarnos al
espejo y ser sinceros. Y tenemos que aprovechar si cambian las reglas para
movernos. Pero no sólo fuera, el arte también se tiene que mover en Argentina,
que es el gran problema nuestro. No vendemos acá y queremos vender en Shanghai.
No me conoce nadie acá y me quiero ir a Nueva York. Nuestra cultura es esa. Acá
la gente lo quiere todo en un año, en cuatro meses, pasar de mendigo a
millonario
Campaña de Reciclado de Papel de la Fundación Garrahan - Backstage - Milo Lockett
La joven de la
perla, también conocida como La Mona Lisa
holandesa y La Mona Lisa del norte (en holandés Het
meisje met de parel:
La joven con la perla), es una de las obras maestras
del pintor holandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y
1667, y, como el nombre implica, utiliza un pendiente de perla como punto
focal. La pintura se encuentra actualmente en el museo Mauritshuis de La
Haya.
En la historia de
las perlas hay dos estrellas indiscutibles: la Peregrina, y la que adorna el
pendiente lucido por la famosa joven retratada por el pintor holandés Johannes
Vermeer. La primera, encontrada en Panamá en el siglo XVI, y entregada
luego a Felipe II, formó parte durante siglos de las joyas de la Corona
española. La otra data de 1665 y su destello mantiene intacto su poder de
seducción. Pero tal vez el brillo sea engañoso y se trate, simplemente, de una
lámina de plata pulida. O bien de una esfera de cristal veneciano cubierta con
un barniz. Vincent Icke, un astrónomo y artista holandés, así lo afirma en la
edición de diciembre de la revista divulgativa New Scientist.
A favor de la
teoría de Icke juega un factor histórico, y es que el título original del óleo
del maestro del Siglo de Oro no era ni mucho menos el actual. En el inventario
más antiguo de su obra, efectuado en 1676, aparece como Un retrato al
estilo turco. Luego pasó a llamarse Joven con turbante , y
también Cabeza de joven. En 1995, un catálogo razonado del pintor lo
denominó La joven de la Perla, y así continúa. Pero el estudioso,
catedrático de teoría de la astronomía en la Universidad holandesa de Leiden, y
premiado por sus trabajos divulgativos, se ha centrado en el brillo del
pendiente. Y en su opinión, es excesivo.
“Una perla natural
no suele tener ese tamaño, y las capas de carbonato de calcio y de conquiolina
(una proteína) que forman el nácar tendrían que ser blancas; perladas. En el
cuadro, por contra, las zonas oscuras producen un efecto de espejo”, señala, en
la revista. En conclusión, y teniendo en cuenta la carestía de las perlas en el
siglo XVII, “lo más probable es que se trate de plata, o bien estaño, muy
pulimentado”. Por otra parte, la obra era un tronie (rostro), un
género propio del barroco flamenco holandés que servía para que el pintor
mostrara su habilidad. La identidad del personaje retratado era lo de menos. No
como con las clientas pudientes, que posaban con pulseras, collares y bordados
rebosantes de perlas. Ellas subrayaban su estatus y el artista se lucía
pintándolas.
Icke habla de plata
o estaño para el pendiente de la enigmática muchacha. En el año 2004, sin
embargo, la propia Real
Galería Mauritshuis, de La Haya, donde se expone, ya sugirió que tal vez no
pudiera hablarse de una perla. “Su gran tamaño, natural y no cultivada, y el
hecho de que solo pudieran pagarlas los ricos (…) tal vez la chica lleva una
preciosa ‘perla’ artesana”, reza el catálogo publicado entonces. Y otra cosa.
La obra fue comprada en 1881, en una subasta, por dos florines en muy mal
estado de conservación. Así llegó a la Sala, que la ha convertido en su mejor
reclamo. Sobre todo después de que una restauración efectuada en 1994 realzara
el fondo oscuro, los colores vivos del turbante y la gema.
La perla que luce en la oreja izquierda tiene
forma de esfera o semiesfera, pero al acercarse se ve que está hecha con solo
un par de pinceladas de color blanco ( Detalle)
Pero esta historia
de misterios no estaría completa sin el poder ejercido por la literatura y el
cine en la imaginación colectiva. La novela La joven de la Perla, de
la escritora estadounidense Tracy Chevalier, tuvo gran éxito en 1999. Allí, la
joven era una sirvienta de la familia Vermeer con dotes para apreciar los
colores, que se enamora del artista. El retrato surge en un arrebato de
inspiración, y la joya es auténtica y de la señora Vermeer, una dama de la
buena sociedad. Cuando la obra fue
llevada al cine en 2003 por Peter Webber, la actriz Scarlett Johansson
posó como la muchacha que luce, por un momento, un tesoro. El pendiente pasó a
convertirse en un icono. La propia Mauritshuis vende réplicas en su tienda de
recuerdos, sin problemas.
Ante la duda de los
eruditos y la observación del astrónomo, Quentin Buvelot, conservador jefe de
la Galería, admite que rebautizar el cuadro como La joven que lleva un pendiente
parecido a una perla, resulta poco atractivo. Además, siempre quedará ella, y
su mirada.
Recientes escritos
sobre Vermeer apuntan a que la imagen era un tronie, nombre que
se daba en Holanda en el siglo XVII a las efigies peculiares y/o
expresivas, de uso decorativo, que no tenían intención de ser un retrato
identificable y que en muchos casos los pintores producían para demostrar su
pericia.
Tras la mayor y más
reciente restauración del cuadro en 1994, la sutil combinación del color y la
íntima mirada fija de la chica hacia el espectador se han realzado mucho. Tal
realce se debe a un contraste entre un fondo muy oscuro y lo que se puede ver
del cuerpo vestido de la muchacha; es decir, hay un tenebrismo que en
este caso resulta casi caravaggiano, aunque sin las actitudes dramáticas del
estilo, y se mantiene la típica y cristalina tranquilidad que caracteriza a la
mayor parte de las obras de Vermeer de Delft.
Siguiendo los
consejos de Victor de Stuer, quien durante
años intentó prevenir que las raras obras de Vermeer se vendieran a grupos de
extranjeros, A.A. des Tombe compró la
obra en una subasta en La Haya en 1881 por sólo dos florines y treinta céntimos. En ese momento,
su estado de conservación era muy malo. Des Tombe murió sin herederos y donó
éste y otros cuadros al museo Mauritshuis en 1902.
Vermeer
Johannes Vermeer van ( Delft el 31 de octubre de 1632- 15 de diciembre de 1675), llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer e incluso Jan ver Meer, es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.
No se sabe quién fue su maestro ni en qué
taller aprendió, pero a los 21 años obtuvo el título de maestro de la
pintura. Esto significa que durante los años anteriores tuvo que recibir clases
y practicar muchísimas horas frente a un lienzo. A esa edad también se casó con
Catharina, una muchacha de familia rica con la que tuvo quince hijos de los que
sobrevivieron once.
A Vermeer le habría
encantado vivir de la pintura pero necesitaba ganar bastante dinero para
mantener a su numerosa familia y buscó un trabajo más estable. Por suerte lo
encontró y durante toda su vida se dedicó a vender antigüedades y obras de
otros artistas, es decir, fue comerciante de arte. Pero le apasionaba pintar y nunca
dejó de hacerlo. Realizó algo más de cuarenta cuadros de los que solo
se conservan treinta y uno. Entre que tenía poco tiempo libre y que
dedicaba mucho tiempo a cada obra, realizaba una media de dos cuadros al año.
Si conseguía vender alguno le pagaban muy poco. Desgraciadamente, murió
arruinado y agobiado por las deudas a la edad de 43 años.
¿Qué hace tan especial la obra de Vermeer? Vermeer pintaba un par de cuadros al
año, pocos en comparación con otros pintores. Se especializó en cuadros
pequeños que reflejan interiores domésticos con un único personaje (o
como mucho dos o tres), casi siempre una mujer. Las figuras aparecen
en actitudes tranquilas, relajadas y pensativas, mientras realizan
actividades sencillas como leer, conversar, estudiar o tocar un instrumento.
Vermeer no pretende contarnos grandes hazañas ni sucesos históricos, sino tan
solo reflejar un momento íntimo de la vida cotidiana.
En ellos no hay iluminación artificial de
candiles o velas, sino luz natural que entra por una ventana que SIEMPRE
está a la izquierda de los personajes.
Novedades: https://elpais.com/cultura/2018/02/26/actualidad/1519652407_262533.html Miss Musa.
