El éxito de Mondrian? o de Marlow Moss ?
¿Un Mondrian o un Marlow? … izquierda, Blanco, Negro, Rojo y Gris, de Moss, 1932; derecha, Composición (n.° 1) Gris-Rojo, de Mondrian, 1935. Composición: Alice de Groot/Kunstmuseum Den Haag; Heritage Images/Getty Images
Piet Mondrian alcanzó la fama, la fortuna y la gloria con sus pinturas en cuadrícula iluminadas con colores básicos. Pero ¿provinieron muchas de sus ideas de Marlow Moss
En 1972, el imponente Kunstmuseum de La Haya adquirió tres pinturas de un artista británico poco conocido llamado Marlow Moss. La prestigiosa galería de arte deseaba mostrar la enorme influencia de Piet Mondrian —el famoso pintor holandés aclamado por sus cuadrículas negras iluminadas con azules intensos y amarillos chillones— en artistas tan modestos como Moss.
Sin embargo, si visita el Kunstmuseum hoy, encontrará las obras de Moss en primer plano, mientras que una pieza similar del gran Mondrian, quien más tarde se convertiría en el centro de atención de Nueva York, se esconde tras una columna. ¿A qué se debe este cambio radical? Porque ahora se reconoce ampliamente en el mundo del arte que fue Moss quien influyó en Mondrian tanto como viceversa, al menos en lo que respecta a las líneas dobles o paralelas que comenzó a usar en la década de 1930 para añadir tensión a sus armoniosas pinturas abstractas, una de las cuales se vendió en subasta el pasado mayo por 48 millones de dólares .Las feministas inteligentes apostaban a que él le había robado.
Marlow Moss
Siete décadas después de su muerte en Cornualles a los 69 años, Moss está disfrutando de un importante resurgimiento y revalorización. Además de la actual exposición de sus pinturas y bocetos en el Kunstmuseum, su escultura se exhibirá en el Museo Georg Kolbe de Berlín en abril. El año pasado, su obra de 1944, Blanco, Negro, Azul y Rojo, alcanzó las 609.000 libras en Sotheby's de Londres, el doble de su estimación y un récord para su obra en subasta. No está en el terreno de Mondrian, al menos todavía.
Musgo de Marlow : rojo , azul, amarillo y blanco , 1957-58 en el Museo Stedelijk de Ámsterdam
Es un cambio radical para una artista que fue rechazada por gran parte del mundo artístico durante su vida. La Tate no estaba interesada en ella. Cuando Moss se mudó a Cornualles, estableciéndose en la hermosa y remota cala de Lamorna, cerca de Penzance, intentó repetidamente contactar con la escultora Barbara Hepworth y su esposo, el pintor Ben Nicholson. La ignoraron.
"Ha llegado la hora de Moss”, afirma Florette Dijkstra, autora de The Leap into the Light, una biografía publicada recientemente en neerlandés. “La historia del arte es una ciencia extraña. El panorama puede cambiar radicalmente. Hoy en día, las palabras de moda son inclusión y diversidad. Se está promoviendo tanto a las mujeres artistas como a los artistas queer. Esto explica, en parte, por qué Moss está recibiendo tanta atención”.
Marjorie Jewel Moss, como se la llamó inicialmente, nació en Londres en 1889. Inicialmente atraída por la danza y la música, estudió arte antes de mudarse a Cornualles, donde se cortó el pelo y cambió su nombre por el de género neutro, Marlow, aunque seguía siendo conocida como "ella". A finales de la década de 1920, Moss se mudó a París, donde se integró en la escena vanguardista y formó parte del grupo Abstracción-Creación, que priorizaba la abstracción sobre la obra figurativa o el surrealismo.
Su entrada en el grupo se produjo a través de un admirador temprano, Mondrian, quien era unos años mayor que ella y holandés. Moss lo había conocido gracias a su pareja, Netty Nijhoff, una escritora zelandesa. Moss y Nijhoff se conocieron en el Café de Flore de París. Cuando Nijhoff le pidió a su hijo que le llevara una nota a la señora de la mesa cercana, el niño preguntó: "¿Qué señora?". Moss, como de costumbre, vestía de hombre. Tras formar pareja, ambos recorrían París con trajes y sombreros de hombre. Nijhoff permaneció casada con su esposo, el poeta holandés Martinus Nijhoff, durante años, aunque ambos tuvieron otras amantes. En ocasiones, Moss y Nijhoff también tuvieron otras parejas.
La reacción que provocó esta inusual pareja no fue sencilla, dice Dijkstra, ni siquiera en la llamada comunidad artística liberal de París. "Algunos los aceptaron", dice. "Otros no". Mondrian lo hizo hasta cierto punto, pero le interesaba mucho más el arte de Moss que su vida amorosa.
Preciso… Composición de Moss: Amarillo, Azul, Negro, Rojo y Blanco, 1956-1957.
Fotografía: © The Estate of Marlow Moss
"Quedó impresionado", añade Dijkstra, "por su experimentación con los ingredientes del neoplasticismo: cómo utilizaba materiales distintos de la pintura, como el corcho y la madera, y su uso de la «doble línea», que permitía composiciones más dinámicas". Desde entonces, Mondrian ha pasado a la historia como el padre del neoplasticismo, que consistía en reducir el arte a sus componentes básicos, utilizando únicamente líneas y formas con un mínimo de colores.
Cuando Mondrian vio que Moss estaba utilizando la línea doble de una forma nueva, sin usarla para cruzar otras líneas, despertó su interés y le escribió para preguntarle qué quería decir. Cuando ella le dijo que consideraba la cuadrícula de una sola línea que él había usado durante más de una década como "una conclusión y una restricción" para una composición, él respondió que no entendía bien lo que quería decir.
Mondrian, sin embargo, se haría famoso por la línea doble. Clairie Hondtong, comisaria de la exposición de La Haya, cree que su uso evolucionó a partir de intercambios entre ambos, más que como algo creado por Mondrian y luego adoptado por Moss, como creían historiadores del arte anteriores. "Durante mucho tiempo, se le consideró el instigador, pero, aunque no está claro quién la utilizó primero, ahora sabemos que Mondrian se sintió intrigado por el uso de las líneas dobles por parte de Moss".
Sin duda, la situación ha cambiado con los años. En 1972, se asumía que artistas como Moss se habían visto influenciados por el uso que Mondrian le daba. Luego se descubrió que Moss también lo había usado, y las feministas más astutas apostaron por él como autor de la usurpación. Pero ahora, dice Hondtong, hay un nuevo enfoque. "Muchos museos sitúan a Moss en el centro del debate sobre la originalidad, pero nos estamos alejando de la narrativa de '¿Quién lo hizo primero?', centrándonos en cambio en el intercambio de conocimiento".
Los visitantes de la exposición podrán admirar el uso que Moss hizo de esta técnica en su obra Blanco, Negro, Rojo y Gris de 1932. También podrán compararla con la de Mondrian en su Composición de líneas y color de 1937.
Algunos comentaristas LGBTQ+ han sugerido que el uso de líneas dobles por parte de Moss podría haber sido su respuesta a un mundo que no daba cabida a una mujer gay vestida con ropa masculina. Dado que sus líneas dobles no cruzaban otras líneas, abrió efectivamente un nuevo espacio en el lienzo, uno que quizás anhelaba en el mundo real. "Podría haber sido una expresión de su búsqueda de libertad", dice Hondtong. "Podría interpretarse como una respuesta original para las personas fuera de los espacios binarios".
¿Cómo encaja Moss en el debate transgénero actual? «Si viviera hoy», dice Hondtong, "¿se identificaría como trans? No podemos saberlo, y no queremos poner palabras en su boca. Sin duda, es fantástico que se la considerara una pionera y una inspiración para los artistas queer de hoy".
En 1940, Mondrian se mudó a Nueva York. Moss, que para entonces vivía en los Países Bajos con Nijhoff, regresó a Cornualles, ya que su ascendencia judía le imposibilitaba la vida en el territorio ocupado por los nazis. Mondrian la instó a seguirlo, pero ella no lo hizo. Él falleció allí en 1944, y nunca volvieron a verse. En Lamorna, Moss parece haber encontrado aceptación y un entorno propicio para su trabajo. Después de la guerra, se reencontró con Nijhoff y continuaron siendo compañeras de por vida hasta la muerte de Moss en 1958. Dividieron su vida entre Cornualles, París y los Países Bajos, donde vivieron ocasionalmente en una casa flotante en La Haya.
Intuitivo… Cuadro I de Mondrian, Lámina I, 1921. Fotografía: Archivo Histórico Universal/Grupo de Imágenes Universales/Getty Images
Nueva York, cuyas calles en cuadrícula evocaban las obras de Mondrian, contribuyó a catapultarlo a la fama mundial, y se ha convertido en un gigante de la historia del arte, uno de los tres pintores holandeses más importantes de todos los tiempos, junto con Van Gogh y Rembrandt. Se le considera un pionero fundamental en la transición del arte figurativo al abstracto, y en Estados Unidos su obra conectó con el jazz y el boogie-woogie de la época. En 2022, su Composición n.º II se vendió por 51 millones de dólares, un récord para un Mondrian.
Moss, en cambio, se convirtió en una nota al pie de la historia del arte, una situación agravada por la destrucción de gran parte de su obra cuando una casa en Normandía donde ella y Nijhoff habían vivido fue bombardeada por los Aliados en 1944. El descubrimiento de una maleta llena de bocetos es lo que ha motivado la exposición en La Haya. "La maleta se quedó en los Países Bajos", dice Hondtong. "Fue adquirida por el Kunstmuseum en 2025". Muchas de las obras no tenían fecha, pero se cree que algunas datan de principios de la década de 1940. Existen raros ejemplos de sus bocetos, que revelan mucho sobre su proceso de pensamiento.
“La vemos usar cálculos matemáticos para planificar sus pinturas geométricas”, dice Hondtong, “lo cual es muy diferente de Mondrian. Ella era muy precisa y sus obras estaban cuidadosamente planificadas, mientras que Mondrian trabajaba de forma más intuitiva”. En la maleta también hay dibujos automáticos que revelan otra faceta de la obra de Moss.
Hondtong espera que el contenido de la maleta impulse un nuevo capítulo en el legado de la artista, un enfoque en su obra más que en su historia de vida, una ambición apoyada por Lucy Howarth, autora del único libro en inglés sobre Moss, una breve biografía homónima. "Moss tiene una historia fascinante. Para la mayoría de la gente, la forma de conocerla es a través de la conexión con Mondrian. Pero merece ser explorada por sí misma. Los estudiosos de Mondrian la han minimizado durante años, pero es una de las pocas artistas británicas no figurativas de primer nivel del periodo de entreguerras, y fue la única británica y la única artista femenina que apareció en las cinco revistas Abstraction-Creation".
Howarth, historiadora de la Universidad de Artes Creativas de Canterbury, ha investigado a Moss desde principios del siglo XXI y afirma que muchas cosas han cambiado. "En aquella época, buscaba su obra en almacenes y trastiendas. Hoy, la obra de Moss está colgada en las paredes y es muy solicitada para exposiciones". La próxima exposición de esculturas en Berlín está co-comisariada por Howarth. "Moss trabajaba en metal, piedra y madera, y tendremos unas diez piezas", explica. "Pero también tendremos fotografías de esculturas que se perdieron".
La instó a seguirlo a Nueva York… Mondrian. Fotografía: Granger/Shutterstock
A diferencia de Mondrian, quien era pintor, Moss era una constructivista que utilizaba diversos materiales y métodos. Se espera que la nueva exposición centre la atención en este aspecto. Nijhoff describió en una ocasión a su pareja como una artista cuyo trabajo giraba en torno al espacio, el movimiento y la luz, y esto también se aplica a su escultura, afirma Howarth.
Quizás lo más emocionante de todo sea la idea de que el enfoque actual en Moss está redefiniendo la historia del arte. Durante siglos, ha sido la historia de hombres singulares, genios que trabajaron solos con brillantez para cambiar el rumbo del canon. "Nos estamos dando cuenta de que la historia del arte es mucho más interesante que eso", dice Howarth. "Mondrian fue un artista asombroso, pero no fue el único que practicó el neoplasticismo. Es muy interesante encontrar artistas menos conocidos y examinar su impacto, y no sorprende que muchos de ellos fueran mujeres o personas queer. Su presencia complica la historia. Pero también la enriquece, para todos nosotros".
