MESSI

Gracias Messi, te queremos, siempre vas a ser nuestro capitán. Que buen ídolo sos y el mejor ejemplo de ser humano para nuestros hijos!

Gracias eternas!

FREDY MERCURY: SPLENDID THINGS

 

Las "cosas espléndidas" de Freddie Mercury se exhibirán en el V&A.

Nadia Khomami

Freddie Mercury, que habría cumplido 80 años este otoño, en el videoclip de «Made in Heaven». 

Fotografía: Simon Fowler

 

Ocho trajes que abarcan la carrera del líder de Queen aparecerán en una prueba gratuita desarrollada con su ex prometida.

Ocho trajes famosos usados ​​por Freddie Mercury, incluyendo el atuendo que aparece en la portada del álbum debut de Queen y el mono del video de Bohemian Rhapsody, se exhibirán en el V&A de Londres este otoño para conmemorar el que habría sido el 80 cumpleaños del cantante.

Freddie Mercury | Splendid Things, una muestra gratuita desarrollada con la ex prometida y amiga cercana de Mercury, Mary Austin, estará disponible del 24 de octubre de 2026 al 17 de enero de 2027. Austin presta siete de los looks, que abarcan la carrera de Mercury desde la década de 1970 hasta sus últimos años.

Entre las piezas se encuentra un conjunto monocromático usado en uno de los primeros conciertos de Queen en el Imperial College y que aparece en la portada del álbum debut homónimo de la banda. También se exhibirá el mono "Mercury Wing", diseñado por Wendy de Smet y usado durante la gira A Night at the Opera en 1975-76, así como en el innovador video de Bohemian Rhapsody.

La corona y la capa de Mercury, diseñadas por Diana Moseley y usadas durante la gira Magic Tour de Queen en 1986, también estarán presentes. Lució este atuendo en la última presentación en vivo de la banda en Knebworth ese año. La exposición también incluirá un vestuario del videoclip de «Made in Heaven», así como accesorios y prendas de su guardarropa personal.

Freddie Mercury con la corona y la capa diseñadas por Diana Moseley que lució en 1986. 

Fotografía: Denis O'Regan

El sendero debe su nombre a un comentario que Mercury hizo en 1978: «Me gusta estar rodeado de cosas espléndidas. Quiero llevar una vida victoriana rodeado de un exquisito desorden».

Austin conoció a Mercury cuando ella tenía 19 años y él 24, mientras ambos trabajaban en el ambiente de la moda Biba en Kensington. Mercury, cuyo nombre de nacimiento era Farrokh Bulsara y que nació el 5 de septiembre de 1946 en Zanzíbar, vendía sus obras de arte y ropa vintage en un puesto del mercado de Kensington. Se comprometieron el día de Navidad de 1973, el mismo año en que Queen lanzó su álbum debut.

Su relación terminó a mediados de la década de 1970, pero siguieron siendo muy amigos durante el resto de la vida de Mercury. Cuando falleció en 1991, le dejó a Austin su casa en Kensington, Garden Lodge, y sus pertenencias.

Austin ha descrito la ropa de Mercury como fundamental para la imagen que creó como artista. «La ropa formaba parte de esa exploración», afirma en A Life in Lyrics, que se publicará en septiembre. «Freddie comprendió desde el principio que no solo vestía ropa; estaba creando una imagen acorde con la magnitud del espacio y la inmensidad del público».

Freddie Mercury en el videoclip de Made in Heaven. Fotografía: Simon Fowler

Austin afirmó que la ropa y los trajes que se exhibirán en el V&A "cuentan una parte importantísima" de la historia de Mercury, tanto dentro como fuera del escenario: "Nunca fueron meros accesorios, sino que sus trajes y prendas eran esenciales para sus actuaciones, su visión creativa y su expresión personal en general, cuidadosamente diseñados para crear un impacto visual y emocional duradero que ha trascendido generaciones y que aún resuena hoy en día".

Las instalaciones han sido diseñadas por Tom Piper, cuyo trabajo incluye producciones para la Royal Shakespeare Company, las amapolas de la Torre de Londres y las exposiciones del V&A, Alice: Curiouser and Curiouser y Taylor Swift | Songbook Trail.

Cada una de las seis paradas de la ruta estará ambientada de forma diferente, utilizando decorados, sonido e iluminación para evocar momentos de la carrera de Mercury.

Kate Bailey, conservadora principal de teatro y artes escénicas del V&A, afirmó que la exposición exploraría el "amor de Mercury por las 'cosas espléndidas'" y su interés por el arte, el diseño y la moda.

EL GATO QUE LUCHÓ CONTRA MUSSOLINI

 

Las hermanas fotógrafas Wulz convirtieron a la mascota familiar en un arma.

Joanna Moorhead

«Los gatos simbolizan la libertad»… la famosa imagen «Yo + Gato», que combina los rostros de Wanda y Mucincina. Fotografía: Wanda Wulz/Archivi Alinari-Collezione Zannier, Florencia

Wanda y Marion Wulz desafiaron el patriarcado desenfrenado de la Italia fascista disparando a bailarinas, esgrimistas y otras mujeres famosas, así como a su gata Mucincina.

En aquellos tiempos fascistas —dice Federica Muzzarelli sobre la Italia de los años 20 y 30—, las mujeres no eran libres. Se las consideraba madres y amas de casa. Pero las hermanas Wulz estaban decididas a forjar su propio destino. Eligieron la fotografía como una forma de independencia y para demostrar, a través de sus imágenes, que las mujeres podían vivir de esa manera.

Muzzarelli es la curadora de Wanda y Marion Wulz: Fotografía de vanguardia en la Italia del siglo XX, una exposición que pronto se inaugurará en la Colección Estorick de Londres. Las hermanas Wulz experimentaron con imágenes fusionadas y alteradas más de medio siglo antes de la invención de Photoshop. La imagen más famosa que surgió de su estudio fue I + Cat, un autorretrato de Wanda superpuesto al rostro de la mascota familiar. Pero la exposición busca mostrar a Marion bajo una nueva luz, demostrando que no era una simple asistente, sino que estaba a la altura de su hermana en términos fotográficos, ya que juntas defendieron el feminismo en la Italia fascista, manteniendo viva la idea de la emancipación femenina en una época de ideología patriarcal desenfrenada.

Wanda Wulz

Wanda, nacida en Trieste en 1903, era una prometedora bailarina y música; Marion, dos años menor que ella, había estudiado arte y quería ser pintora. Pero tras heredar el estudio fotográfico de su padre, fundado a su vez por su abuelo, se dieron cuenta de que representaba la mejor vía hacia un futuro independiente. «Fotografiaban a mujeres modernas bailando, practicando deporte, haciendo gimnasia», cuenta Muzzarelli. Mujeres artistas, poetisas, escritoras y actrices posaron para las hermanas. Entre ellas se encontraban la pintora Leonor Fini y la campeona olímpica de esgrima Irene Camber.

Mujer moderna… la esgrimista Irene Camber. 

Fotografía: Marion Wulz/Archivi Alinari-Archivio Studio Wulz, Florencia

En 1932, Wanda expuso seis obras, entre ellas I + Cat, en la Exposición Nacional de Fotografía Futurista. La muestra se organizó para conmemorar el décimo aniversario de la revolución fascista, pero, según Muzzarelli, a Wanda nunca le interesó eso. Simplemente quería demostrar, como la única mujer participante, que era tan capaz como los hombres.

«Demostró tener la habilidad y la destreza para crear un fotomontaje», afirma Muzzarelli. Su técnica para «Yo + Gato», que consistía en superponer un negativo sobre otro, se inventó a mediados del siglo XIX, pero Wanda la utilizó de una forma novedosa, asignando a uno de los rostros el suyo y al otro el de Mucincina, la gata de la familia. Ambos negativos estarán presentes en la exposición de Londres, así como la obra terminada. «Wanda quería explorar la idea de la identidad femenina, del gato como criatura libre, símbolo de libertad», explica Muzzarelli, quien cree que otra fotografía que Wanda mostró en la exposición de 1932 —«Desayuno futurista»(Colazione futurista), que muestra objetos del tocador de una mujer— también se incluyó para transmitir un mensaje feminista.

La exposición fue la única incursión de Wanda en el futurismo, pero los años que siguieron fueron la época dorada de las hermanas. Continuaron viviendo en el bloque de apartamentos del centro de Trieste donde habían nacido y donde se ubicaba su estudio. Este se convirtió en el centro de un salón informal femenino.

'Querían lucir perfectas'... la bailarina Alba Wiegele.

 Fotografía: Marion Wulz/Archivi Alinari-Archivio Studio Wulz, Florencia

«Durante varios años», explica Claudia Baroncini, directora de la Fondazione Alinari per la Fotografia, propietaria del archivo de las hermanas, «la diseñadora de moda Anita Pittoni vivió con ellas. Junto a ella, crearon una especie de club de artistas: mujeres que querían experimentar con nuevas formas de vida. Así, impulsaban un estilo de vida diferente a la par de una fotografía diferente. Y, por supuesto, la fotografía siempre ha sido una fusión de ideas y realidad. En definitiva, vivían su arte».

Su primer papel en el estudio fue el de modelos: de niños, su padre, Carlo, las vestía con esmero para fotografiarlas. Por eso, siempre fueron muy conscientes de la autoimagen, del disfraz y del simbolismo de la apariencia. Como fotógrafos de retratos, eran expertos en "mejorar" el aspecto de sus modelos. "Eran muy hábiles con los negativos", dice Baroncini, "creando sombras para modificar la forma de la boca o los ojos, o para mejorar la calidad de la piel. Al observar los negativos, se aprecia el gran trabajo que realizaban para que sus copias fueran perfectas. Y eso significaba que las mujeres famosas querían ser fotografiadas por ellos, porque querían lucir perfectas".

También se fotografiaron mutuamente: la exposición incluirá un impactante retrato de Wanda realizado por Marion, en el que aparece con gafas de motociclista, y otro en el que está vestida de Cleopatra, mientras que las fotos que Wanda le hizo a Marion la incluyen luciendo diseños de Pittoni, junto con un primer plano de aspecto extraordinariamente moderno con ojos brillantes.

En la primavera de 1945, al finalizar la Segunda Guerra Mundial, Trieste fue liberada del dominio fascista por el ejército yugoslavo. Desde la terraza de su apartamento, Marion fotografió tanques y soldados, y más tarde las celebraciones en la calle con la llegada de las tropas angloamericanas. «Estas imágenes demuestran que formaba parte integral de la colaboración artística», afirma Baroncini.

Aunque las mujeres trabajaron hasta la década de 1970, nunca recuperaron el éxito de sus inicios. La situación económica se complicó y cerraron su estudio en 1981, aunque continuaron dedicándose a la fotografía. Tras la muerte de Wanda en 1984, Marion, que vivió nueve años más, documentó su vida y su trabajo juntas en una serie de diarios.

«Sus vidas habían sido duras», dice Baroncini, «y no se dieron cuenta de la importancia de su trabajo para la historia de la fotografía. Wanda tuvo un breve momento de fama durante el período futurista, pero les sorprendería mucho saber que, más de 120 años después de su nacimiento, se les reconoce como grandes fotógrafos».

En la Colección Estorick, Londres, del 16 de septiembre al 20 de diciembre.

IN MEMORIAM : LA ENORME YAYOI KUSAMA

 

Yayoi Kusama, la artista japonesa una superestrella mundial, fallece a los 97 años.

Tim Jonze y Sian Cain

Yayoi Kusama de pie en el interior de una instalación inmersiva con paredes azules y patrones de lunares

 

Desde la década de 1950 hasta la de 2020, Kusama produjo pinturas, esculturas e instalaciones de gran formato llenas de vida que a menudo se inspiraban en su experiencia con las alucinaciones.

Desde la década de 1950 hasta la de 2020, Kusama produjo pinturas, esculturas e instalaciones de gran formato llenas de vida que a menudo se inspiraban en su experiencia con las alucinaciones.

Yayoi Kusama, la artista japonesa autodidacta que alcanzó el estrellato tras décadas viviendo en un hospital psiquiátrico, ha fallecido a los 97 años.Kusama falleció en un hospital de Tokio el 14 de agosto, según anunció su empresa, Yayoi Kusama Inc., en un comunicado hoy jueves.

«A lo largo de una vida extraordinaria dedicada por completo a la creación artística, Kusama desarrolló una carrera de renombre internacional como artista vanguardista pionera, cuya práctica creativa abarcó las artes visuales, la performance, la narrativa y la poesía», rezaba el comunicado. «Siguió pintando hasta sus últimos días, sin soltar jamás el pincel, y continuó explorando el amor eterno y el alma eterna».“Llevaremos adelante los deseos de Kusama y, a través del arte, continuaremos brindando esperanza y fortaleza para el futuro a personas de todo el mundo.”

Reconocible al instante por su llamativa peluca roja de corte bob, Kusama se hizo famosa por sus combinaciones de colores psicodélicos y sus instalaciones de "salas de espejos infinitos", que la ayudaron a encontrar un público enorme en la era de las selfies en las redes sociales: su exposición de 2024 en Australia fue la más popular en la historia del país. Sin embargo, ya había sido pionera en muchos de sus temas recurrentes como joven artista en la década de 1960, antes de caer temporalmente en el olvido.

La obra de Kusama, «La esperanza de los lunares enterrados en el infinito cubrirá eternamente el universo», se exhibió en el Museo Ludwig de Colonia, Alemania, en 2026. Fotografía: Ina Fassbender/AFP/Getty Images.

Además de escultora y pintora, Kusama realizó numerosas performances durante la era hippie que la vincularon con escándalos. Organizó "festivales corporales" con artistas desnudos pintados con lunares y en una ocasión le escribió al presidente estadounidense Richard Nixon ofreciéndole acostarse con él a cambio del fin de la guerra de Vietnam. La noticia de estos hechos horrorizó a su conservadora familia.

Kusama nació en Matsumoto, Japón , en 1929, y sufrió una infancia infeliz a manos de una madre abusiva y un padre infiel. Su adinerada familia administraba viveros de plantas, y Kusama se sentaba a dibujar las flores a pesar de los frecuentes intentos de su madre por detenerla. De niña, Kusama comenzó a experimentar alucinaciones, en las que las flores la rodeaban y le hablaban. Su mecanismo de defensa fue dibujar lo que veía.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Kusama, de 13 años, fue reclutada para producir tela para los paracaídas del ejército japonés. Posteriormente, estudió nihonga, un estilo tradicional de pintura japonesa,en Kioto, pero se sintió frustrada por sus limitaciones. Rechazando el futuro que había planeado, con un matrimonio concertado e hijos, Kusama dejó Japón y se marchó a Nueva York en 1958. Allí, conoció al artista y teórico Donald Judd y alcanzó un gran éxito con sus pinturas de "red infinita": vastos campos de lunares con empaste que se extendían por todo el lienzo. En 1962, vendió la primera de estas obras a los artistas Frank Stella y Judd por 75 dólares. En 2014, su obra White No 28 se vendió por 7,1 millones de dólares en una subasta, un récord en aquel momento para una artista viva.

Kusama junto a su Dot Car (1965) en Scheveningen, Países Bajos. Fotografía: Harrie Verstappen

En 1963, Kusama comenzó a crear "esculturas blandas": muebles y otros objetos, como escaleras, cubiertos con formas fálicas blancas rellenas de tela. Según ella, eran su intento de superar el asco que sentía por el sexo, que le habían inculcado desde pequeña como algo sucio y vergonzoso. A pesar de trabajar libremente dentro de los ámbitos del arte pop y el minimalismo, Kusama no fue bien recibida por el mundo del arte. Siempre sostuvo que muchas de sus ideas de este período fueron apropiadas por artistas blancos masculinos, incluido Andy Warhol, mientras que ella fue borrada de la historia del arte.

La obra de Kusama solía girar en torno al infinito y la idea de la «autodestrucción», un concepto inspirado en las alucinaciones que la atormentaban. Hablando de su cuadro de 1954, Flor (DSPS), dijo en una ocasión: «Estaba mirando los estampados de flores rojas del mantel de una mesa, y cuando levanté la vista vi el mismo estampado cubriendo el techo, las ventanas y las paredes, y finalmente toda la habitación, mi cuerpo y el universo. Sentí como si hubiera comenzado a autodestrucción, a girar en la infinitud del tiempo infinito y la absolutidad del espacio, y a ser reducida a la nada».

La obra de Kusama, Narcissus Garden, que presentó en la Bienal de Venecia en 1966 sin haber sido invitada. La obra fue finalmente clausurada por la bienal. Fotografía: Yayoi Kusama

En la Bienal de Venecia de 1966, continuó con estos estudios y presentó su infame Jardín de Narcisos, un "lago" de 1500 esferas reflectantes que buscaban crear una sensación de infinito reflejado. Cuando Kusama comenzó a vender las esferas a 2 dólares cada una bajo el lema "Tu narcisismo en venta", la bienal decidió clausurar la iniciativa.

Kusama desarrolló una marcada inclinación por la controversia. Sus "happenings" artísticos fueron a menudo criticados por ser meramente provocadores, pero sus declaraciones políticas parecen ahora adelantadas a su tiempo. En 1968, organizó la primera "boda homosexual" de Nueva York en Tribeca y lavó una bandera soviética "sucia" frente al edificio de las Naciones Unidas en protesta por la invasión de Checoslovaquia.

Para entonces, Kusama mantenía una relación platónica, aunque obsesiva, con el artista autodidacta Joseph Cornell, la cual continuó incluso después de que abandonara Estados Unidos para regresar a Japón. Durante su estancia en Nueva York, había sido hospitalizada con frecuencia, y cuando Cornell falleció en 1972, su salud mental empeoró aún más, sufriendo alucinaciones, ataques de pánico e intentos de suicidio. En 1977, ingresó voluntariamente en un hospital psiquiátrico de Tokio que ofrecía terapia artística y le proporcionó la estabilidad necesaria para dedicarse a sus proyectos sin distracciones. Decidió establecerse allí permanentemente, trabajando desde la mañana hasta la noche en su estudio cercano.

Kusama trabajando en su estudio en Tokio, Japón, en 2017. Fotografía: Toru Hanai/Reuters

Aunque publicó varias novelas durante la década de 1980, el interés por Kusama pareció desvanecerse casi por completo a principios de los 90. Sin embargo, el reconocimiento que se le escapó durante sus inicios artísticos finalmente llegó más tarde en su vida. En 1993 creó una sala con espejos repleta de pequeñas esculturas de calabazas para el pabellón japonés de la Bienal de Venecia, obra que le valió numerosos elogios. Había visto una calabaza por primera vez con su abuelo cuando tenía once años. Al intentar cogerla, pareció que la calabaza le hablaba, y ahora se convirtió en un motivo recurrente en obras como «Todo el amor eterno que siento por las calabazas», de 2016.

El enfoque de Kusama se centró en instalaciones que se basaban en su obra de 1965, Infinity Mirror Room: Phalli's Field. En esa pieza, cientos de formas fálicas suaves y rosadas se disponían en una habitación con espejos. Medio siglo después, estas experiencias inmersivas conectaron con el público a nivel mundial, y las luces de colores y las calabazas pintadas con colores brillantes proporcionaron contenido perfecto para Instagram. No fue casualidad que una exposición suya en el Museo Hirshhorn de Washington D.C. en 2017 tuviera que cerrar temporalmente después de que alguien dañara una obra de arte al intentar tomarse una selfie.

Visitantes en el interior de una de las "salas del infinito" de Kusama en su exposición en la Tate Modern de Londres en 2012. Fotografía: Guy Bell/REX/Shutterstock

Kusama recibió retrospectivas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1998, en la Tate Modern de Londres en 2012 y en el Museo Hirshhorn de Washington D.C. en 2017. Las entradas para sus espectáculos se agotaron rápidamente en todo el mundo y los fans hacían cola durante horas solo para poder disfrutar de una experiencia de 30 segundos dentro de sus instalaciones. A pesar de que algunos críticos se preguntaban si se había convertido en la artista más popular del mundo, Kusama siempre creyó que su lugar en la historia no lo decidiría el establishment artístico.

«No puedo imaginar cómo me clasificarán después de mi muerte», dijo en una ocasión. «Es agradable ser una marginada».

PAUL REVERE WILLIAMS: ARQUITECTO

 

El  arquitecto Paul Revere Williams luchó contra el racismo y cambió el rostro de Los Ángeles.

Paula Mejía

Paul R. Williams junto a dos hombres en el emplazamiento del proyecto de viviendas Compton Imperial en 1952. Fotografía: Getty Research Institute/Facultad de Arquitectura de la Universidad del Sur de California ©Merge Studios

Crear hogares para Frank Sinatra, Cary Grant y Lucille Ball convirtió a Williams en una estrella. Tres nuevas exposiciones demuestran que pertenece al grupo de los grandes del siglo XX.

Al aterrizar en el aeropuerto de Los Ángeles (LAX), lo primero que se ve al mirar por la ventana es un artilugio futurista y estilizado. Construido a principios de la década de 1960, el Theme Building, que en su día atraía a los viajeros a su restaurante, diseñado por Walt Disney Imagineering y que se alzaba imponente sobre las pistas de aterrizaje, fue obra de un grupo de arquitectos cuyas estructuras contribuyeron a definir la estética de mediados de siglo de la ciudad: William Pereira, Welton Becket, Charles Luckman y Paul Revere Williams.

Paul Revere Williams, el olvidado arquitecto favorito de las estrellas 

 de la edad de oro de Hollywood

«De entre todos estos arquitectos, Williams, el primer arquitecto negro con licencia en California, sin duda fue quien más influyó en el perfil de Los Ángeles. En las seis décadas previas a su muerte en 1980, Williams completó aproximadamente 3000 estructuras, desde residencias unifamiliares y edificios comerciales hasta proyectos de vivienda asequible, el juzgado del condado de Los Ángeles, una remodelación del ahora demolido hotel Ambassador y opulentas residencias para celebridades como Frank Sinatra, Barbara Stanwyck , Lucille Ball y Desi Arnaz. Quizás la más emblemática de todas sea el hotel Beverly Hills; Williams dirigió su renovación, y su característico letrero con arabescos está escrito de su puño y letra.

Sin él, la joya de la corona de Los Ángeles dentro del programa Case Study (que encargaba a arquitectos el estudio y la construcción de viviendas unifamiliares bien diseñadas para ayudar a fortalecer el mercado inmobiliario durante el auge posterior a la Segunda Guerra Mundial), la Casa Stahl, tal vez nunca se habría financiado. «Fue un ritmo frenético», afirma Milton SF Curry, profesor y vicedecano sénior de la Universidad de Cornell. «No creo que muchos de los arquitectos estrella de hoy en día tengan tantos proyectos».

Paul R. Williams, dibujo en perspectiva del edificio de apartamentos Williams, 1958. Fotografía: Getty Research Institute/Escuela de Arquitectura de la Universidad del Sur de California ©Della M. Williams Trust

A pesar de su prolífica obra y su papel fundamental en la configuración de Los Ángeles, el nombre de Williams ha sido, hasta hace poco, una nota a pie de página en la arquitectura. Más allá de ser uno de los primeros arquitectos negros con licencia en Estados Unidos, Williams era conocido por la diversidad de proyectos que emprendió, así como por la meticulosidad y la habilidad que imprimió a estos edificios tan variados. «Su obra merece formar parte del canon de grandes arquitectos como Frank Lloyd Wright , Mies van der Rohe, Le Corbusier, Thom Mayne y Frank Gehry», afirma Curry. «Merecen estar a la altura de Williams, por decirlo de alguna manera».

Williams es el protagonista de una próxima exposición que se presentará en tres instituciones de Los Ángeles. Cada muestra —la primera de las cuales se inaugura el 18 de agosto en el Museo de Arte USC Fisher— se centra en una faceta distinta de la vida, la trayectoria profesional y el impacto social de Williams. La exposición del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles abarca el alcance general de la obra de Williams; la del Instituto de Investigación Getty abordará cómo Williams contribuyó a la construcción de elementos clave de la comunidad afroamericana de Los Ángeles; y la del Museo de Arte USC Fisher exhibirá muchos de sus dibujos de archivo en diálogo con obras de artistas y arquitectos contemporáneos. La inclusión de la USC tiene otro significado: Williams es exalumno de esta universidad.

El edificio temático del aeropuerto internacional de Los Ángeles, en 1955, fue construido por un equipo de artistas, entre ellos Williams. Fotografía: Authenticated News/Getty Images

Nacido en 1894, Williams supo desde la secundaria que quería dedicarse a la arquitectura. Como Williams describió más tarde en el ensayo que escribió en 1937 para The American Magazine , " Soy un negro", uno de sus profesores desestimó sus aspiraciones en ese campo "con tanto asombro como si le hubiera propuesto un vuelo en cohete a Marte. '¿Quién ha oído hablar de un negro arquitecto?', preguntó con toda razón". Williams añadió: "Era evidente que mi capacidad personal pesaba menos en su opinión que el peso de mi color de piel. Su consejo —si es que semejante desaliento puede llamarse consejo— fue una invitación a la reflexión".

Al principio de su carrera, Williams comenzó como dibujante y luego solicitó y obtuvo una serie de becas que no revelaban su raza. Por la época en que Williams se inició en el sector, la población de Los Ángeles experimentó un auge; la construcción de viviendas avanzó a un ritmo constante para satisfacer la demanda. Williams, quien fundó su propio estudio, fue contratado para construir casas en un desarrollo en auge y, más tarde, por un grupo de adinerados angelinos, entre ellos Cary Grant, para sus señoriales residencias. Williams era conocido por su capacidad para cumplir con las especificaciones y peculiaridades de sus clientes sin sacrificar la calidad: Sinatra, por ejemplo, quería que el arquitecto le construyera un apartamento de soltero con un botón para extender la cama desde el dormitorio hasta el patio. El talento de Williams se extendió mucho más allá de esos proyectos, pero persiste el mito de que solo construyó mansiones unifamiliares para las estrellas. Lo que realmente distingue a Williams como arquitecto es su atención al detalle y la artesanía.

Paul R. Williams propuso una vivienda de costo mínimo para Excelsonite Inc. el 25 de septiembre de 1959. Fotografía: Getty Research Institute/Escuela de Arquitectura de la Universidad del Sur de California ©Della M. Williams Trust

Cuando Curry vio por primera vez el tesoro de dibujos arquitectónicos de Williams, que se presentan en la retrospectiva, quedó asombrado por su nivel de detalle. «La maestría y la calidad de la obra son extraordinarias», afirma Curry, quien colaboró ​​en la curaduría de la exposición de la USC y, años atrás, cuando era decano de la facultad de arquitectura de la universidad, adquirió allí los archivos de Williams. «Es evidente que poseía un profundo conocimiento de la construcción, la viabilidad constructiva y el poder de los materiales». En un giro inusual para los arquitectos de la época, Williams trabajaba simultáneamente en múltiples géneros y tenía una marcada inclinación por el eclecticismo. (También se hizo conocido por su impactante visión de las escaleras de caracol). «Es una dimensión de él y de su obra que merece ser destacada», dice Curry. «Y se convierte en parte de la historia completa y de la trayectoria de su carrera».

Además, Williams ayudó a construir uno de los primeros proyectos de vivienda pública en Estados Unidos, Langston Terrace Dwellings; abogó por proyectos de vivienda multifamiliar; y experimentó con prototipos de aluminio considerados experimentales en aquel entonces. También trabajó para brindar vivienda asequible a una incipiente clase media negra y a soldados negros, durante una época de políticas discriminatorias de segregación residencial.

El trío de exposiciones de Williams constituye la primera gran retrospectiva de un arquitecto negro. Para Curry, esto demuestra «lo atrasados ​​que estamos en la comprensión, el reconocimiento, el análisis y la teorización del legado de las contribuciones de las personas negras al entorno construido en este país, en un momento en que nos enfrentamos a intentos de erradicar la producción cultural negra». Al reintroducir a Williams al público, la exposición busca hacer accesibles sus archivos para que la investigación académica pueda revelar dimensiones aún desconocidas de su obra, como su uso innovador del color y el mobiliario que diseñó. «Cuando uno abre los archivos, suceden cosas inesperadas», afirma Curry. «Surgen historias y narrativas que desconocíamos».

La exposición "Paul R Williams: Un arquitecto a la vista" se exhibe en el Museo de Arte USC Fisher de Los Ángeles hasta el 13 de marzo de 2027.

EL ARTE CONMOVEDOR DE MINNIE EVANS

 

«Tenía una vocación divina»: el increíble y conmovedor arte de Minnie Evans.

Verónica Esposito

Minnie Evans, Sin título (Collage de cuatro figuras), 1961–1967.

Fotografía: Colección de John Jerit. © Herederos de Minnie EvansPhotograph: Collection of John Jerit. © The Estate of Minnie Evans

Poco más de 50 años después de que fuera una de las primeras artistas negras en tener una exposición individual en el Whitney, el museo reúne algunas de sus pinturas más destacadas para una nueva exposición.

Sorprendentemente, el término «arte marginal» se acuñó hace relativamente poco tiempo, en 1972, cuando el historiador de arte Roger Cardinal lo convirtió en el título del libro con el que introdujo la idea en el mundo angloparlante. Desde entonces, se han desatado debates sobre si realmente está justificado usar dicho término para describir el arte creado fuera de los límites del mundo artístico, y si alguno de los otros términos alternativos —entre ellos arte ingenuo, arte popular y arte crudo— es realmente mejor.

La nueva exposición del Museo Whitney de Arte Estadounidense, El mundo perdido: El arte de Minnie Evans, ofrece al público la oportunidad de reflexionar sobre si su protagonista pudo haber sido, o no, una figura ajena al mundo del arte, y también de deleitarse con la creciente integración de Evans en el mismo en las décadas transcurridas desde su muerte en 1987. Esta retrospectiva integral, con casi 100 piezas que abarcan la totalidad de la producción artística de Evans, se presenta casi exactamente 50 años después de que el Whitney diera a conocer el genio de la artista a la élite artística neoyorquina.

Nacida en 1892, Evans creó su primera obra de arte en 1935, pocos días después de la muerte de su abuela, cuando dibujó dos piezas claustrofóbicas a pluma y tinta que tituló acertadamente "Mi primera" y "Mi segunda". Realizadas en trozos de papel, son obsesivas y laberínticas, compuestas principalmente por formas irregulares y espirales aparentemente abstractas, que, al observarlas con detenimiento, revelan lo que parecen ser algunas formas reconocibles: un arcoíris y un sol, un campo de cruces que podría ser un cementerio y una embarcación parecida a una canoa con tres pasajeros.

Minnie Evans en la caseta de entrada de Airlie Gardens, sosteniendo uno de sus dibujos a crayón, 1970. Fotografía: Propiedad de Nina Howell Starr. Cortesía de la galería March.

Según la curadora del Whitney, Barbara Haskell, después de firmar y fechar diligentemente estas piezas, Evans no creó ni una sola obra durante los siguientes cinco años, hasta que un encuentro fortuito con estas obras le indicó que debía continuar. «Pintaba todo el tiempo de niña, pero luego, al casarse, dejó de hacer arte», dijo Haskell. «Y luego, en 1940, lo retomó».

A partir de ahí, Evans creó con un fervor inspirador, dedicando la mayor parte de su tiempo a la creación artística en momentos de tranquilidad mientras trabajaba como ama de llaves en la finca del financiero Pembroke Jones, y más tarde como portera en los jardines de Airlie, pertenecientes a la misma finca. Lo que la impulsaba era prácticamente una vocación religiosa.

“Sintió que vio a Dios hablándole desde detrás de una corona de flores, tres veces, como una conversión en tres etapas, y la tercera vez lo oyó decirle que pintara o muriera. Así que sintió que tenía este llamado divino al que estaba respondiendo”, dijo Haskell.

El arte de Evans es denso e inspirador: las formas se repiten en deslumbrantes composiciones, los seres están decorados con un nivel de detalle casi increíble, y los rostros, que recuerdan a mandalas, presentan infinitas curvas y hendiduras que se convierten en espacios para el uso preciso del color y el sombreado por parte de Evans. Abundan las imágenes bíblicas, así como las representaciones exuberantes, de vegetación y flores, con un aire casi tropical.

Las obras de Evans tienden a ser mezclas lúdicas y bidimensionales, ligadas a simetrías que irradian desde un eje central, aunque de vez en cuando una pieza más naturalista te dejará sin aliento, como el inquietante Templo junto al mar de 1955 o la imponente representación que Evans hizo en 1954 del famoso roble de Airlie.

Minnie Evans – Templo junto al mar, 1955. Fotografía: Mike Jensen/Fideicomiso de Minnie Evans.

“Son muy densas, y hay una especie de mezcla de éxtasis y contención que resulta fascinante”, dijo Haskell. “Al mirar las piezas, sientes que te adentras en un bosque de imágenes que te rodean”.

Mientras creaba, Evans organizaba exposiciones improvisadas de sus obras colgando las piezas terminadas en la entrada de Airlie Garden y, aunque reacia a exponer formalmente su trabajo, realizó su primera exposición en 1961 en la Little Gallery de Wilmington, Carolina del Norte. Con su creciente reputación, la fotógrafa e historiadora de arte Nina Howell Starr la buscó en 1962. Atraída por la fama de Evans, Starr quiso conocerla en persona; pronto se convirtió en su amiga y en su publicista de facto, una relación que duraría veinticinco años.

Starr ayudó a Evans a introducirse en el mundo artístico de Nueva York y organizó su primera exposición en la Gran Manzana en 1966, titulada El mundo perdido, lo que abrió el camino a una serie de muestras que culminaron en una importante exposición en el Whitney en 1975. El título de la muestra era muy acertado, ya que Evans se veía a sí misma representando precisamente eso: una visión de un reino glorioso y del pasado lejano.

Minnie Evans – Sin título (Del día a la noche con bestias y ángeles), 1966. 

«Evans hablaba de cómo estaba creando esta visión de un mundo perdido, un paraíso destruido por el gran diluvio», dijo Haskell. «Recreaba imágenes de ese mundo y nos permitía acceder a él. Era también, en cierto sentido, un mundo que llegaría a existir».

Dado que Evans nació en el sur durante la era de las leyes de segregación racial y vivió la mayor parte de su vida antes de que los afroamericanos lograran algún avance en materia de derechos civiles, resulta tentador interpretar su obra desde la perspectiva de la opresión racial, algo que, según Haskell, muchos intérpretes han hecho. Sin embargo, Haskell defiende una interpretación que, en cambio, se fundamenta no en la raza, sino en la religión.

“En su obra abundan las imágenes de ojos entre la vegetación, y muchos críticos interpretan esos ojos como referencias a la vigilancia a la que debió estar sometida como mujer negra en el sur”, dijo Haskell. “Pero yo los veo más como los ojos de Dios; sin duda, la Biblia la inspiró profundamente, y la tenía presente cuando tomaba las notas en la entrada. Lo asombroso de su obra es que permite que ambas interpretaciones sean válidas”.

 

Minnie Evans – Sin título (Rostro con corona y ángeles), 1968. Fotografía: Christopher Burke

Según Haskell, en los años transcurridos desde la muerte de Evans, su figura se ha vuelto cada vez más querida por el mundo del arte; tan solo el año pasado se presentaron importantes exposiciones suyas en el High Museum de Atlanta y en el Museo de Bellas Artes de Boston. «Su reconocimiento público no ha dejado de crecer», afirmó Haskell. «Su reputación se ha disparado».

Sin título (Cabeza de toro con puesta de sol y ojos) , ca. 1960

                                                       Arte moderno , 1963

La exhaustiva retrospectiva del Whitney ofrece a los visitantes una oportunidad única para adentrarse por completo en el mundo de Evans, un lugar repleto de emociones intensas, una luminosidad grandiosa y breves momentos de tranquilidad. Es un importante recordatorio de la fuerza visionaria que encierra el arte. Como afirma Haskell: «Es una artista extraordinaria que creó un universo entero de armonía y trascendencia, incluso en medio de la inquietud y el desasosiego. Espero que la gente encuentre consuelo en esta exposición y que la luz que emana de su maravilla se aferre a ella».

La exposición "El mundo perdido: El arte de Minnie Evans" se puede visitar en el Museo Whitney de Arte Estadounidense del 22 de agosto al 10 de enero de 2027.