TE GUSTE O NO, ESTO ESTÁ PASANDO

La "primera dama" de la Generación Z: Rama Duwaji, esposa de Mamdani, transforma la moda política

Jess Cartner-Morley

Zohran Mamdani saluda a Rama Duwaji, su esposa, tras ganar las elecciones a la alcaldía de Nueva York el 4 de noviembre de 2025. 

El estilo de la artista de 28 años se aleja del estereotipo de esposa de político con sus trajes de falda en tonos pastel, optando por algo más desenfadado y juvenil, pero sin dejar de ser elegante

Es el recurso más tradicional para cualquier joven político ambicioso: una esposa joven, guapa y elegante. Pero, como todo lo relacionado con el ascenso de Zohran Mamdani, su esposa, Rama Duwaji, representa una nueva era política que conecta con una nueva generación de votantes.

Rama Duwaji lustradora y diseñadora, licenciada en Bellas Artes con especialización en Comunicación.Entre sus clientes se encuentran Spotify, la BBC, Vice, la Tate Modern y Cartier.

Casada con el futuro líder de la ciudad más grande de Estados Unidos, Duwaji, de 28 años, es sin duda la primera "primera dama" de la generación Z en el país. Artista e ilustradora de ascendencia siria, su obra explora temas como la identidad árabe, la experiencia femenina y la justicia social. Trabaja con pintura, dibujo lineal, cerámica y animación, y se graduó con una maestría en bellas artes de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York en 2024. Su tesis, titulada Sahtain!, expresión árabe que significa "buen provecho", exploraba el acto comunitario de preparar y compartir un plato y su papel en la cultura de Oriente Medio.

Rama Duwaji y Zohran Mamdani caminan hacia un centro de votación en Queens, Nueva York, en junio de 2025. Fotografía: Shuran Huang/New York Times/Redux/eyevine

Es lógico suponer que uno no se dedica a la ilustración para publicaciones nicho de izquierda con el objetivo de convertirse en una celebridad mundial. Pero la vida de Duwaji dio un giro inesperado cuando, en 2021, conoció a Mamdani. La pareja se casó en febrero de este año, unos ocho meses antes de que Mamdani fuera elegido alcalde de Nueva York, y Duwaji se convirtió en el centro de atención como la primera dama de la ciudad, con tan solo 28 años. En la semana transcurrida desde el triunfo de Mamdani, titulares de Vogue han incluido frases como "Zohran Mamdani y Rama Duwaji hacen que encontrar el amor en Hinge parezca posible de nuevo" y "El próximo corte de pelo de moda para otoño es oficialmente el Rama".

Zohran Mamdani y Rama Duwaji en un colegio electoral en Queens, Nueva York, el 4 de noviembre de 2025. Fotografía: Adam Gray/Bloomberg vía Getty Images

El cargo de primera dama es uno de los más influyentes en la política y la cultura estadounidenses. Desde la defensa de los derechos civiles de Eleanor Roosevelt hasta las reformas sanitarias de Hillary Clinton, las esposas de los presidentes de Estados Unidos han ejercido una gran influencia en la escena política. Como primera dama de una ciudad, y no de la nación, las repercusiones son menores para Duwaji, pero el interés que despierta su esposo está centrando la atención en ambos nuevos residentes de la Mansión Gracie.

La última vez que la ciudad de Nueva York tuvo una primera dama fue cuando Chirlane McCray, esposa de Bill de Blasio, supervisó un conjunto de programas de salud mental con un presupuesto de 850 millones de dólares. (Eric Adams, el actual alcalde, es soltero). Pero el cargo tiene una importancia que va mucho más allá de la política. Se espera que las primeras damas representen a la novia de América, encarnando valores compartidos y transmitiendo un mensaje claro en cada aparición pública. Los recientes comentarios de Michelle Obama, en los que calificó la fijación de los medios con sus brazos tonificados en vestidos sin mangas como una estrategia para "otorgarle una identidad diferente" por ser una mujer negra, ilustran hasta qué punto el discurso sobre la primera dama puede convertirse en un campo de batalla cultural en torno a la situación de las mujeres y las personas de color, mientras que el drama psicológico en torno a la ausencia de Melania Trump en la portada de Vogue estadounidense refleja una fascinación persistente por la primera dama como símbolo de Estados Unidos.

Zohran Mamdani aparece en el escenario con su madre, Mira Nair, su esposa, Rama Duwaji, y su padre, Mahmood Mamdani, tras ganar las primarias demócratas a la alcaldía, en Long Island City, Nueva York, el 25 de junio de 2025. 

El atuendo de Duwaji para su discurso de victoria fue sobrio: completamente negro, con cuello alto, falda a media pierna y joyería plateada. Sin embargo, su estilo discreto no pasó desapercibido, generando una intensa reacción en línea. Su elegante corte bob oscuro y su blusa de cuello barco de estilo vintage provocaron comparaciones inmediatas con Audrey Hepburn. El conjunto destacó por ser coherente con el estilo personal de Duwaji, en lugar de un estilo genérico típico de esposa de político. ("Rama Duwaji es la Primera Dama de Nueva York, y no lleva un vestido tubo", señaló con aprobación la revista Harper's Bazaar).

La publicación especializada en moda Women's Wear Daily informó sobre sus elecciones de estilo bajo el titular "El look de Rama Duwaji en la noche electoral une Brooklyn con Oriente Medio", destacando que la blusa de mezclilla de Duwaji, adornada con bordados grabados con láser, era del diseñador palestino-jordano Zeid Hijazi. La elección de una diseñadora palestina fue ampliamente interpretada como una decisión deliberada y política por parte de Duwaji, quien ha expresado un apoyo claro y manifiesto a la difícil situación de Gaza. La falda de terciopelo y encaje de Ulla Johnson y los pendientes de plata de Eddie Borgo que lució Duwaji demostraron su respaldo a dos diseñadores independientes de Nueva York, ajenos a los nombres tradicionales de la alta sociedad de Manhattan —Oscar de la Renta, Carolina Herrera y Michael Kors— con quienes las primeras damas modernas han sido más asociadas.

Rama Duwaji llega a la fiesta de Zohran Mamdani la noche de las elecciones en Brooklyn, Nueva York, el 4 de noviembre de 2025. Fotografía: Jeenah Moon/Reuters

En su estilo y en la historia de su relación, Mamdani y Duwaji fusionan la energía juvenil con elementos tradicionales. Mamdani aprovecha al máximo su juventud como nativo digital y utiliza las redes sociales como plataforma para expresar su opinión política, pero lo hace vistiendo el atuendo más clásico: traje oscuro y corbata. Duwaji, por su parte, evita el estilo recargado de primera dama con traje de falda pastel, pero su peculiar elegancia con toques retro tiene un aire femenino, aunque forjado en las boutiques vintage de Brooklyn en lugar de en los grandes almacenes de la Quinta Avenida. Le gustan las botas planas de plataforma, las camisas blancas oversize, los collares en capas y el delineador de ojos negro con rabillo. Estas son las elecciones de estilo auténticas de una mujer de 28 años, pero no se presentan como arriesgadas ni radicales. Asimismo, su historia de amor es sorprendentemente moderna —se conocieron en Hinge— y sólidamente tradicional al formalizarse con el matrimonio. Las fotos de la boda compartidas en el Instagram de Mamdani muestran a la pareja tomadas de la mano en el metro camino al ayuntamiento. Duwaji luce un abrigo vintage y sus características botas planas con un vestido blanco corto, mientras que Mamdani lleva un paraguas. Su combinación de espíritu neoyorquino digno de una comedia romántica y una sencillez cercana, consciente de la accesibilidad, ha cautivado al público.

 

Zohran Mamdani habla con los periodistas mientras su esposa, Rama Duwaji, observa antes de emitir su voto en las primarias anticipadas en el barrio de Astoria, Queens, Nueva York, el 19 de junio de 2025.

Cómo Mamdani desafía las expectativas de los inmigrantes al abrazar su identidad: "Su audacia resuena"

En una muestra definitiva de rebeldía cultural, Duwaji ya ha inspirado un cambio de imagen que lleva su nombre. El término "otoño de la esposa distante" es tendencia en redes sociales tras un titular del New York Post que afirmaba que la "distante esposa... dirigió discretamente su campaña desde las sombras". El marido de Duwaji brilla por su ausencia en su página de Instagram, donde publica selfies callejeras con elegantes conjuntos monocromáticos y "cosas que vi y que me inspiraron a crear arte". Su propósito creativo y su serena seguridad contrastan notablemente con la estética dócil y tradicional de la "esposa tradicional" con delantal de cuadros que ha arrasado en TikTok en los últimos años.

Como artista visual, Duwaji es consciente del poder de la creación de imágenes. También se desenvuelve con soltura en los círculos más vanguardistas de la industria de la moda, y recientemente asistió a un desfile de Diotima, dirigida por Rachel Scott, una diseñadora estadounidense de ascendencia jamaicana que se está convirtiendo en una estrella emergente del sector. Scott, quien dedicó la colección a "honrar a todas las personas desplazadas", afirmó que invitó a Duwaji porque le "intrigó su trabajo y su estilo personal".

La semana pasada se informó que el estilista Bailey Moon, quien asesoró a la Dra. Jill Biden con su vestuario durante su mandato como primera dama, había estado trabajando con Mamdani y Duwaji. Bailey, también responsable del reciente cambio de imagen de la actriz Pamela Anderson, es un estilista político con amplia experiencia, quien declaró a Vogue que la ropa “influye en la impresión que la gente se lleva de un evento o una aparición”. Sin embargo, Moon declaró al New York Post que no estaba en la nómina de Mamdani, señalando que “le brindó algunos consejos”, pero que no se le cobró ninguna tarifa.

Joseph Nelzy, Rama Duwaji y Cavier Coleman en un evento en Brooklyn, 

Nueva York, el 15 de agosto de 2025. 

Para muchos jóvenes neoyorquinos que hasta ahora no se habían sentido representados en la vida cívica, el estilo de Duwaji es más que un simple adorno. Representa un cambio en la concepción del liderazgo público y conecta con votantes acostumbrados a informarse y comprender los valores a través de mensajes y señales visuales. La ciudad más grande de Estados Unidos está a punto de redefinir el mito de la primera dama para una nueva generación.

SALUD Y ARTE

 

Visitar galerías de arte puede mejorar la vida humana

Autorretrato de Van Gogh en la Galería Courtauld de Londres. Los hallazgos del estudio sugieren que el arte tiene un efecto calmante sobre las respuestas inflamatorias del cuerpo.

Ver obras de arte originales puede aliviar el estrés, reducir el riesgo de enfermedades cardíacas y fortalecer el sistema inmunológico, según el primer estudio de este tipo.

Disfrutar de obras de arte originales en una galería puede aliviar el estrés, reducir el riesgo de enfermedades cardíacas y fortalecer el sistema inmunológico, según el primer estudio de este tipo. La investigacion midió las respuestas fisiológicas de los participantes mientras veían obras maestras de artistas de renombre mundial, incluidos Manet, Van Gogh y Gauguin, en una galería.

En una era marcada por el agotamiento y el consumo compulsivo de noticias negativas, una alternativa terapéutica se exhibe en las paredes de una galería. Cuando voluntarios de la Galería Courtauld de Londres contemplaron obras como el Autorretrato con la oreja vendada de Van Gogh, El bar del Folies-Bergère de Manet y Te Rerioa de Gauguin, sus niveles de estrés e inflamación disminuyeron en comparación con los de quienes observaron reproducciones. La ciencia sugiere que el arte original es una medicina que se puede contemplar en lugar de ingerir.

Descubrieron que el arte influye positivamente en los sistemas inmunitario, hormonal y nervioso a la vez, algo nunca antes registrado. Los hallazgos sugieren que contemplar arte original no solo conmueve emocionalmente, sino que también calma el cuerpo y promueve la salud y el bienestar.

El estudio, dirigido por el King's College de Londres, involucró a 50 personas de entre 18 y 40 años en el Reino Unido. La mitad observó obras de arte originales en la Galería Courtauld de Londres, mientras que la otra mitad observó copias de las mismas pinturas en un entorno no relacionado con la galería.

Los dos grupos usaron sensores que medían continuamente su frecuencia cardíaca y la temperatura de la piel durante la sesión de 20 minutos, y también se tomaron muestras de saliva antes y después de la visualización.

A partir de estas muestras, los investigadores descubrieron que los niveles de cortisol, la hormona del estrés, cayeron un promedio del 22% entre quienes vieron arte original, en comparación con solo el 8% de quienes vieron reproducciones.

Las citocinas proinflamatorias (IL-6 y TNF-alfa), asociadas al estrés y a diversas enfermedades crónicas, disminuyeron un 30 % y un 28 %, respectivamente, entre quienes asistieron a la galería, sin cambios en el otro grupo. Esto sugiere que el arte tiene un posible efecto calmante sobre las respuestas inflamatorias del organismo.

El Dr. Tony Woods, investigador del King's College de Londres, dijo: "La investigación muestra claramente las propiedades reductoras de estrés que tiene la observación de arte original y su capacidad para entusiasmarnos, involucrarnos y excitarnos simultáneamente.  “Las hormonas del estrés y los marcadores inflamatorios como el cortisol, IL-6 y TNF-alfa están relacionados con una amplia gama de problemas de salud, desde enfermedades cardíacas y diabetes hasta ansiedad y depresión.

“El hecho de que ver arte original redujera estos indicadores sugiere que las experiencias culturales pueden desempeñar un papel real en la protección tanto de la mente como del cuerpo”.

El estudio también encontró que el arte involucra el sistema inmunológico, el sistema nervioso y el sistema endocrino, que es responsable de liberar hormonas.

Los investigadores detectaron signos de excitación entre quienes veían arte en la galería, incluyendo una caída en la temperatura de la piel, frecuencias cardíacas generales más altas y una variación en los patrones de latidos del corazón.

“Desde una perspectiva científica, la conclusión más emocionante es que el arte tuvo un impacto positivo en tres sistemas corporales diferentes: el inmunitario, el endocrino y el autónomo, al mismo tiempo”, dijo Woods. “Este es un hallazgo único y algo que nos sorprendió mucho”.

En resumen, nuestro estudio único y original proporciona evidencia convincente de que ver arte en una galería es beneficioso y contribuye a comprender mejor sus beneficios fundamentales. En esencia, el arte no solo nos conmueve emocionalmente, sino que también nos relaja.

La inteligencia emocional de cada persona también se evaluó antes del estudio mediante cuestionarios, pero los investigadores dijeron que esto no tuvo impacto en las respuestas individuales.

Jenny Waldman, directora del Art Fund, que cofinanció el estudio, dijo: “Este estudio demuestra por primera vez lo que desde hace tiempo creemos en Art Fund: que el arte realmente es bueno para ti."

Lo más emocionante es que los hallazgos demuestran que estos beneficios son universales: cualquiera puede experimentarlos. Queremos animar a todos a que se tomen un tiempo para visitar su museo o galería local y experimenten estos poderosos efectos por sí mismos.

GERHARD RICHTER NUNCA DEFRAUDA

 

El electrizante genio de la extravagancia parisina de Gerhard Richter

Adrian Searle

Gerhard Richter trabajando con una de sus famosas rasquetas.

Ha pintado de todo, desde una vela hasta el 11-S, ha retratado a su esposa desnuda a través de la niebla fotográfica y ha convertido a Tiziano en un caos sagrado. Esta fascinante exposición, con 270 obras, revela al alemán en todo su contradictorio genio.

Gerhard Richter recuerda que, de niño, dibujaba con el dedo sobre su plato vacío, ligeramente grasiento, trazando y repasando curvas y estructuras espaciales fantásticas en infinitas modificaciones sobre la porcelana. Décadas después, colocaba manchas de distintos colores sobre un lienzo y las entremezclaba con pinceladas sinuosas y ondulantes, lubricadas por el óleo y la pintura, hasta cubrir toda la superficie. El color, más o menos puro, se deslizaba entre las capas de pigmento impuro y muy mezclado. Otras pinturas las realizaba utilizando grandes rasquetas y espátulas, empujando y arrastrando la pintura sobre la superficie, y con la misma frecuencia raspándola. La rasqueta solía recoger pintura aplicada previamente, a veces medio seca, excavando capas anteriores al tiempo que aplicaba otras nuevas. Untando la pintura, arrastrándola de nuevo, Richter seguía trabajando hasta que ya no se le ocurría nada más que hacer con la pintura. Un día de 2017, dejó de pintar por completo. Desde entonces, se ha dedicado principalmente al dibujo.

Un guiño a Duchamp… su esposa Ema en las escaleras. Fotografía: © Gerhard Richter 2025

El arte de Richter está repleto de comienzos y finales, deleitándose con el azar tanto como con la maestría y la exactitud para pintar personas, lugares y objetos, desde flores marchitas en un jarrón hasta esquinas de calles, paisajes elegíacos y la muerte. En medio de su retrospectiva en la Fundación Louis Vuitton de París, me sorprende que, independientemente de cómo se describan o clasifiquen las distintas vertientes de su obra, su arte permanece irreductible. Es inconformista, voluble, controlado pero a la vez impetuoso; las contradicciones ridiculizan las interpretaciones fijas. Su arte está lleno de fugas, de ensimismamiento y de una mirada objetiva.

Tras formarse como muralista en una escuela de arte de Dresde, Richter y su esposa Ema huyeron a Alemania Occidental en 1961. Después de algunos intentos fallidos, pronto comenzó a pintar imágenes en blanco y negro inspiradas en fotografías de periódicos y revistas, y en instantáneas familiares. Aquí vemos a su tía Marianne, de 14 años, con el pequeño Gerhard. Marianne, esquizofrénica, fue internada en un psiquiátrico y posteriormente asesinada en 1945 durante el programa de eutanasia nazi. Aquí está el tío Rudi, abotonado con su gabardina de la Wehrmacht, sonriendo para la foto. Parece inocente y murió al principio de la guerra. Aquí está el padre de Richter, un prisionero de guerra recién liberado, con el pelo despeinado y haciendo muecas a la cámara. Retratos familiares y recortes de periódico, aviones y bombas, historias y vacaciones se apiñan en la pared.

Desde sus inicios, Richter ha sentido fascinación y a la vez desconfianza por las fotografías, que él mismo ha tomado con frecuencia y a las que ha recurrido como base para sus pinturas. También ha vuelto repetidamente a temas de su propia vida, a los acontecimientos y objetos que lo rodean. Entre ellos se incluyen temas tan dolorosos como el Holocausto y la muerte en prisión de cuatro miembros del Grupo Baader-Meinhof. Ha pintado un rollo de papel higiénico colgando, una silla de cocina, una botella de vino y una manzana sobre una mesa, una vela y una calavera, y el momento en que el segundo avión impactó contra la torre el 11-S.

A veces, Richter ha jugado con la banalidad, incluso con un sentimentalismo kitsch. Alternando entre distintas opciones, ha pintado la espalda desnuda de Isa Genzken con una especie de tierna objetividad, y a su hija Ella leyendo un libro con la mirada baja. La luz incidiendo en la esquina de una pared gótica, ramas invernales desaliñadas en la nieve, la casa de un okupa. Todo conduce a otra parte, incluso cuando no podemos verla.

Gerhard Richter The Metropolitan Museum Abstract Picture.

Esta es la retrospectiva más completa que he visto de la obra de este artista, ahora de 93 años. Organizada cronológica y temáticamente, e incluyendo alrededor de 270 obras, la exposición está llena de contrastes y yuxtaposiciones reveladoras a lo largo de sus múltiples salas. Pero ¿dónde está ese enorme y caótico cuadro de los Alpes, o las pinturas pornográficas, o las que pintó de un turista siendo atacado por un león en un parque safari, o el retrato de su hija Betty, con la cabeza ladeada? Tenerlo todo aquí, por supuesto, sería imposible.

Amante de las listas, de categorizar y archivar sus obras por temas, incluyendo todas las fotografías que ha recopilado en su monumental Atlas de imágenes, Richter ha sido, merecidamente, objeto de numerosas retrospectivas y valoraciones, entre ellas, en 2020, en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, una exposición que cerró a los pocos días de su inauguración debido a la COVID-19. Cada exposición narra su historia de forma diferente.

El objetivo es poder detenerse y, a la vez, seguir la evolución de Richter a lo largo de las décadas. A medida que avanzamos, también retrocedemos, como Tristram Shandy de Laurence Sterne, y como el propio Richter, a través de esta electrizante exposición. Ema, la primera esposa de Richter, baja las escaleras desnuda (un guiño al Desnudo bajando una escalera de Marcel Duchamp, de 1912). Se sitúa entre los primeros paisajes de nubes y paisajes naturales derivados de la fotografía. La marea rompe en una orilla fangosa. Una calzada cruza un horizonte inclinado, y se extiende un campo verde bajo un cielo sombrío. Ahora, una vista aérea de una ciudad. ¿Han sido las calles y los edificios bombardeados o simplemente ametrallados por las pinceladas de Richter?

Hidroterapia… una vista de Venecia, 1985. Fotografía: © Gerhard Richter 2025 (18102025)

A veces trabaja a partir de fotos y postales, otras veces de la nada. Hay pinturas que ofrecen casi demasiado y otras que no dan más que una superficie gris en la que sumergirse. Una está construida con pinceladas rápidas y brillantes que captan la luz. Otra tiene una textura arrugada, como piel de naranja, y otra parece mate y borrosa, con una tenue luz que se filtra entre la oscuridad.

Me acerco sigilosamente, caminando de un lado a otro entre los paneles de vidrio transparente que se balancean en ángulos distintos sobre una estructura en el centro de la sala, intentando ver a través de ellos, donde las pinturas de Richter se refractan, se reflejan y se ven interrumpidas por destellos de las luces de la galería que rebotan en el cristal, complicando la visión. Luego están los espejos y las pinturas de franjas cuyas múltiples rayas horizontales pasan zumbando como un tren a toda velocidad, erizándome el cabello a su paso.

Hay momentos de quietud, en las densas abstracciones blancas y en la fachada de ladrillo de una casa que me recuerda a Vermeer, con el árbol borroso a su lado azotado por el viento; y el ímpetu, el rugido, el silencio inefable y la mudez de las abstracciones en blanco y negro que llevan el nombre de los meses de invierno; y las abstracciones que Richter pintó pensando en John Cage; y los 4900 cuadrados de laca de color creados cuando Richter trabajaba en la vidriera de la Catedral de Colonia. La exposición te lleva de un lado a otro, de una cosa a otra, a dibujos apenas discernibles, algunos como circuitos de un terreno desconocido, divididos en cuatro partes y cartografiados por una cartografía privada.

Richter, siempre complicándose las cosas incluso después de simplificarlas, reelaboró ​​una postal de la Anunciación de Tiziano de la década de 1530 —que se conserva en la Scuola Grande di San Rocco de Venecia— en una serie de cinco pinturas en 1973. La imagen se vuelve cada vez más confusa y amorfa, la luz sagrada se difunde sobre la escena que ilumina, la cual se expande y se vuelve progresivamente menos comprensible. Se disuelve, como los icebergs en la niebla de Groenlandia que luego pintó, o como el fotograma que utilizó como fuente para el panorámico Funeral, que concluye su ciclo de 15 pinturas de Baader-Meinhof de 1988 (titulado 18 de octubre de 1977). La multitud y los ataúdes se han convertido en un tenue brillo grisáceo, apenas perceptible. Estas pinturas, más que nada, me parecen describir una especie de imposibilidad.

Orígenes de la postal… una reelaboración de Tiziano de 1973. Fotografía: © Gerhard Richter 2025

En 2014, Richter intentó trabajar con las fotografías tomadas, con gran riesgo, por un prisionero en el campo de concentración de Auschwitz-Birkenau, llegando incluso a esbozar las terribles y clandestinas imágenes que registraban la cremación de las víctimas gaseadas sobre sus lienzos en blanco. Sin embargo, la imposibilidad de plasmarlas en pintura lo llevó a eliminarlas por completo. Pero las imágenes no están tanto borradas como enterradas. Las masas de luz y oscuridad, las capas de negro, gris y rojo, hacen imposible rastrear cualquier referencia a su origen. No se pueden encontrar ni siquiera entrecerrando los ojos.

Claro que, precisamente ahí es donde nos conduce la calculada puesta en escena de Richter, ubicada en la última sala de la exposición, con su yuxtaposición de fotografías, pinturas abstractas y espejos grisáceos colgados enfrente. Nos dejan con ganas de ver más allá. Al apartar la vista de las pinturas y mirar al espejo gris, uno se encuentra reflejado tenuemente, inmerso entre los objetos de la sala.

DAVID HOCKNEY EN UNA EXPOSICIÓN FASCINANTE

 

David Hockney:  sigue innovando, sigue fascinando

Eddy Frankel

Tambaleo y humor… La silla de Vincent y la silla de Gauguin, julio de 2025.

 Fotografía: © David Hockney

Con esta nueva colección de bodegones brillantes y audaces, experimentos con iPad y retratos con manchas, el titán del mundo del arte comienza a mostrar el paso del tiempo de maneras intrigantes e inestables que siguen siendo inimitablemente Hockney.

David Hockney sigue en activo. A sus 88 años y con más de 60 años de trayectoria que lo han llevado a la cima del arte contemporáneo, Hockney sigue pintando, experimentando, innovando y exponiendo.

Esta exposición —la primera en la elegante y céntrica galería Annely Juda, donde Hockney tiene su galería desde los años 90— está repleta de pinturas tan recientes que casi se puede oler la pintura fresca. La sala inicial está llena de bodegones de una luminosidad cegadora: sillas, mesas, frutas y flores. Es la temática más clásica y tradicional, pero nada en la obra de Hockney es aburrido, ¿verdad?

Sus sillas de mimbre, al estilo Van Gogh, son de un amarillo neón y un púrpura luminoso; sus suelos son composiciones discordantes de formas rojas, amarillas y naranjas; su fruta es toda primaria, básica e infantil. A lo largo de la obra, juega con lo que él llama "perspectiva inversa", un intento de replicar cómo vemos realmente el mundo, no la visión estática de la vida que obtenemos en fotografías y otras pinturas. Así, todo parece tambaleante y retorcido. Las patas de sus sillas se abren, sus manteles se deforman. No creo que se acerque más a la perspectiva "real" que la pintura tradicional, pero la incomodidad visual que crea resulta divertida. Algunas composiciones incluyen fotografías de jardines: pequeños destellos de una realidad inglesa algo monótona que hacen que el resto de cada obra parezca más brillante y soleada.

Nada de lo que hace es aburrido… Delphiniums en la mesa de mi jardín, 13 de julio de 2025.

 Fotografía: © David Hockney

Lo que resulta innegable es la mayor inestabilidad de estas pinceladas en comparación con sus trabajos anteriores. El Hockney clásico se caracteriza por su seguridad y dominio del pincel, pero estas nuevas obras son sorprendentemente vacilantes. Las pinceladas están llenas de temblores, las líneas son irregulares y se asoman restos de pintura blanca por doquier. Son casi un desastre, pero aun así, su sello inconfundible es inconfundible . La experiencia es bastante emotiva y conmovedora: estamos presenciando el envejecimiento de uno de los grandes artistas de la época moderna. Si comparamos todo esto con sus primeras obras expuestas en otra muestra a principios de este año , casi parece que se abren y cierran las puertas de su carrera, y la verdad es que no estoy seguro de estar preparado para soportar tal nivel de melancolía.

Los retratos son, sin embargo, el punto más débil de esta exposición. El enfoque de Hockney hacia el tono de piel se ha inclinado cada vez más hacia el puntillismo con el paso de los años, y el resultado es un conjunto de cuerpos que parecen cubiertos de llagas. Todas las figuras están manchadas, con la cara roja y llena de marcas, salpicadas de rosa y rojo (excepto el pobre John Kasmin, que parece haberse enmohecido y gangrenado). Se asemejan más a cadáveres recientes que a seres vivos con latidos y vitalidad. Un triple retrato de un hombre frente a un espejo es una buena idea, pero simplemente parece un tipo esperando torpemente a su esposa fuera de los probadores de John Lewis. Solo el autorretrato, que muestra a Hockney pintando en una silla de ruedas, funciona realmente, y eso se debe a su vulnerabilidad, pero también a su divertida autoconciencia.

Tranquilo y austero… 8 de abril de 2020, n.º 2. Fotografía: © David Hockney

En la planta superior, Hockney continúa sus experimentos con el iPad, creando una serie de "pinturas" de la luna; todas oscuras y melancólicas, grandes orbes brillantes que flotan sobre paisajes ennegrecidos. Transmiten una sensación de quietud, austeridad, quizá un tanto tristeza. No quiero oír quejas sobre su trabajo con el iPad —la gente se queja de la falta de textura, pinceladas, humanidad y bla, bla, bla—, pero a mí me parecen magníficas: un artista que doblega la nueva tecnología a su voluntad, demostrando que, sea cual sea el medio, mantiene intactos todos los rasgos distintivos de su estética.

Pero, a ver, ¿de verdad necesitamos otra exposición de Hockney? Ha habido más de diez exposiciones de su obra en Londres solo en los últimos ocho o nueve años, por no hablar de la gran retrospectiva en la Fundación Louis Vuitton de París a principios de este año, y esta nueva exposición ni siquiera es la última. La Serpentine también tiene una importante muestra en 2026. Me encanta Hockney, pero incluso yo creo que ya es suficiente.

Y aun así, supongo que deberíamos celebrarlo mientras podamos. Aquí, con todas estas nuevas obras, con sus vacilaciones, su humor, su luz y su color, demuestra que sigue en activo y que aún conserva su talento, tantos años después.

En Annely Juda Fine Art, Londres, del 7 de noviembre al 28 de febrero.

https://www.annelyjudafineart.co.uk/

CONOCIENDO A ANNA ANCHER

 

La luz: el bello y radical arte de Anna Ancher

Eliza Goodpasture

"Radical pero legible, popular pero novedosa, extranjera pero familiar"… Los cosechadores, 1905, de Anna Ancher. Fotografía: Cortesía del Museo Skagens.

La Dulwich Picture Gallery de Londres presenta

una exposición individual dedicada a la pintora danesa que vivió y trabajó en Skagen, un remoto extremo del norte de Dinamarca, revelándola como una artista de ternura y visión.

Entrar en la exposición de Anna Ancher en la Dulwich Picture Gallery es como adentrarse en un charco de mantequilla o, quizás mejor dicho, en un rayo de sol. Las paredes de un amarillo pálido y exuberante de las dos primeras salas te sumergen de inmediato en aquello por lo que Ancher es más conocida: su práctica, radicalmente singular, de pintar la luz.

Anna Brøndum Ancher nació en 1859 y se crio en Skagen, una región agreste en el extremo norte de Dinamarca, conocida por sus playas azotadas por el viento, su luz etérea y sus mares bravos. A finales del siglo XIX, la zona se convirtió en un destino para artistas, entre ellos Michael Ancher, quien se convertiría en su esposo. Su contacto con artistas desde la adolescencia la encaminó a convertirse ella misma en artista, algo que sus padres y su futuro esposo, de manera inusual, apoyaron incondicionalmente. Formó parte del grupo que con el tiempo se conoció como los Pintores de Skagen ; al ser la única originaria de Skagen, su obra poseía una profunda conexión con el lugar, inigualable entre sus contemporáneos.

Anna Ancher, Luz del sol en la habitación azul, 1891. Óleo sobre lienzo. 

Fotografía: Imagen cortesía del Museo Skagens .

Más que una reivindicación de una artista "olvidada", esta exposición constituye una presentación, largamente esperada, al público de una de las artistas más famosas de Dinamarca hasta la fecha. Ancher nunca cayó en el olvido de la historia del arte como tantas mujeres del siglo XIX, pero su reputación internacional (y la de sus compañeras del Grupo Skagen) nunca ha alcanzado el reconocimiento que merece. Integrante del movimiento de la "apertura moderna" en el arte escandinavo, Ancher y sus amigas se esforzaron por pintar lo que ellas denominaban la verdad, liberándose de las limitaciones de la tradición académica, que, en cualquier caso, seguía siendo inaccesible para las mujeres en Dinamarca.

Pasó una temporada en París en la década de 1880, donde ella y su esposo tuvieron contacto con la obra de los impresionistas, lo que influyó profundamente en su propia técnica pictórica. Sin embargo, su obra es única por su particular devoción a los tonos de luz que inundaban su hogar en el extremo norte, desde un amarillo mantequilla pálido hasta un dorado intenso y un rosa sangre. Sus pinceladas seguras y suaves plasman sus gestos en cada lienzo, con marcas de impasto texturizadas y superpuestas que crean un patrón táctil y entrecortado de luz que atraviesa una habitación. La mayoría de sus obras representan su hogar o el de otros miembros de la comunidad de Skagen. Al revisitar los mismos espacios una y otra vez, pudo experimentar con la forma y el material, en particular al representar el patrón repetitivo de la luz que entraba por los cristales de las ventanas.

The Dinner-HourAnna Ancher.  c.1914

"Interior con amapolas rojas" 1905. Anna Ancher.

Algunas de las obras más conmovedoras de esta exposición son los retratos que Ancher hizo de su madre, Ane Møller Brøndum, una figura paradójica que, a la vez que pertenecía a una secta cristiana conservadora, apoyó profundamente la determinación de su hija por dedicarse al arte.

Retrato de la madre de la artista, 1913

En uno de ellos, su figura envuelta en un chal se disuelve en tonos rojos abstractos hasta fundirse con el lienzo en bruto. En otro, se inclina sobre el ataúd de su hija Agnes, sumida en la sombra, mientras que Agnes aparece casi completamente desdibujada en blanco, dos polos cromáticos en un retrato de duelo. Y, finalmente, yace en su propio lecho de muerte, pintada con una ternura tan profunda por la hija que la cuidó y a quien cuidó durante toda su vida.

Un sermón de campaña, 1903. Fotografía: Cortesía del Museo Skagens.

La exposición deja claro hasta qué punto el éxito de Ancher dependía de su amplia red de apoyo. Sus padres, su familia extendida, su esposo y su círculo de amigos la animaron, la ayudaron con el cuidado de su hija Helga y, en general, no se inmutaron ante su negativa a seguir el ejemplo de muchas de sus compañeras que abandonaban la pintura para centrarse en sus roles de esposa y madre.

Young Woman with Her Child on Her Arm

Anna Ancher: 1900 - 1905

Las galerías, más bien pequeñas y estrechas, que conforman el espacio de exposiciones temporales de la Dulwich Picture Gallery, se prestan a la perfección para obras como la de Ancher, de formato reducido e íntimo. Sus pinturas logran un equilibrio ideal entre ser radicales y a la vez comprensibles, atractivas para el público pero novedosas, extranjeras y familiares.

 

Anna Ancher. Interior con Helga, su hija, cosiendo, 1890. 

Al salir de la exposición, uno se pregunta cómo pudo haber pasado tanto tiempo sin ver su obra. Es extraordinariamente bella, e invita a los espectadores a observar con mayor detenimiento tanto los cuadros que tienen delante como sus propios espacios cotidianos. Quizás todos podríamos encontrar tanto que ver como encontró Anna Ancher.

La exposición "Anna Ancher: Painting Light" se puede visitar en la galería Dulwich Picture Gallery de Londres hasta el 8 de marzo.