LOS NIÑOS Y EL ARTE

 

Lo peor del dañado Rothko* es que alimenta el debate sobre la prohibición de que los niños entren en las galerías.

Rhiannon Lucy Cosslett

"Gris, naranja sobre granate, n.º 8"  Mark Rothko

La noticia* de que un niño dañó una pintura de Mark Rothko valorada en 42 millones de libras en un museo de Róterdam el mes pasado  hizo que me preguntara cómo me sentiría si mi hijo pequeño fuera el culpable. La obra, "Gris, naranja sobre granate, n.º 8", sufrió pequeños arañazos superficiales en la parte inferior durante un descuido, lo que, si bien no es un desastre, significa que tendrá que ser retirada de la exposición y restaurada. Esto ocurre menos de un año después de que un niño de cuatro años rompiera una vasija de 3500 años de antigüedad en el Museo Hecht de Israel.

Sinceramente, me daría mucha vergüenza. No por mi hijo, que es demasiado pequeño para entender, sino porque, como su madre, no me había fijado en el problema. Me culparía a mí misma. También me aterraría tener que pagar las consecuencias.

Adoro a Rothko. Pararme frente a sus pinturas siempre me parece una experiencia casi religiosa. La emoción en su obra es asombrosa, trascendente. Esta historia ha sacado a la luz dos categorías de personas con las que, admito, tengo dificultades: quienes no entienden la obra de Mark Rothko y quienes no les gustan los niños.

Lo que pasa con el primer grupo de personas es que su incapacidad para conectar con el expresionismo abstracto de Rothko a menudo parece enfadarlos. Rara vez dicen, con humildad, "Oh, la verdad es que no lo entiendo, pero quizá necesite verlo en persona", o "Veo que significa mucho para algunos, pero, francamente, me deja frío". En cambio, pueden ser un poco cascarrabias y a la defensiva, de ahí la previsible plétora de sarcasmos en relación con esta historia: "¿Dañado? ¿Cómo se nota?"; "Parece que lo pintó un niño"; "Solo son un montón de rectángulos"; "El traje nuevo del emperador", etc.

En cuanto al segundo grupo de personas: son las peticiones habituales de prohibir la entrada a los niños a los espacios públicos. No deberían poder entrar en las galerías si no se portan bien, y sus padres deberían tener que pagar, ese tipo de cosas. Aunque aparentemente parecen dos líneas de pensamiento muy diferentes, francamente contradictorias —"el arte moderno es basura" frente a "las galerías son espacios sagrados"—, he llegado a comprender que estos sentimientos están interrelacionados.

Los niños reaccionan instintivamente al arte. No han desarrollado defensas ni prejuicios al respecto, y cuanto antes los lleves a galerías y los expongas a diferentes estilos y medios, más abiertos y receptivos serán a lo experimental, inusual o transgresor. Sus pequeñas almas, salvajes y expresionistas, no se dejan abrumar por la anticuada idea de que el buen arte tiene que ser figurativo. ¿Has visto sus dibujos? Y ellos mismos son el caos personificado. Como las salpicaduras de un Pollock, parecen anárquicos, pero tienen su propia lógica interna.

"...saurio". Joaquín 2 años

Los niños exploran el mundo a través del tacto. A mi hijo le encanta rascarse los dedos contra el papel pintado de virutas de madera , apoyar las palmas de las manos en la corteza áspera de un árbol. Cualquiera que conozca a niños podrá imaginar lo que pasó por la mente de ese niño al estar frente a Gris, Naranja sobre Granate, n.º 8. Algo en la superficie sin barnizar, ligeramente calcárea, de la pintura les inspiró a tocarla . Y así lo hicieron. Podría decirse que, al hacerlo, conectaron con la obra de Rothko a un nivel más profundo que muchos adultos.

No hablo del todo en serio, pero lo que sí creo es que quienes más aman el arte han logrado conservar ese espíritu infantil de apertura y curiosidad en la edad adulta, y ese espíritu es precioso. Lo necesitamos, sobre todo, para la próxima generación de artistas, por eso la galería debe seguir siendo un lugar inclusivo. Ningún museo ni galería consideraría seriamente prohibir la entrada a niños. Al contrario, suelen ser increíblemente amables y comprensivos con estos accidentes.

“Todos los museos y galerías se esfuerzan por encontrar el equilibrio perfecto entre el acceso físico a las obras de arte y los objetos y su seguridad. Diría que la mayoría logra el equilibrio adecuado, pero aún pueden ocurrir accidentes”, declaró el curador y escritor Maxwell Blowfield tras los daños. “Es imposible prevenir todos los posibles incidentes, de visitantes de todas las edades. Afortunadamente, este tipo de incidentes son muy poco frecuentes en comparación con los millones de visitas que se realizan a diario”. Mientras tanto, el museo que perdió la vasija de 3500 años de antigüedad la aprovechó como una oportunidad de aprendizaje e invitó a su antiguo némesis, de cuatro años, a volver al museo con su familia para ver cómo avanzaban las reparaciones.

Eso tiene su encanto. Quizás, en lugar de cobrarles a los padres, el museo de Róterdam reciba el pago del seguro y haga algo similar. Sea como sea, espero que el niño no se haya sentido tan mal. Quizás sea una anécdota graciosa que los padres cuenten algún día, y apuesto a que vigilarán a su hijo con más atención en el futuro.

No quiero añadir más vergüenza a la que probablemente ya sienten, pero me pregunto si ya es hora de que los padres modernos reflexionen sobre la rehabilitación de las tan denostadas riendas infantiles de los años 80 y 90, aunque sea para uso ocasional. Algunos niños se llevan bien en las galerías, pero otros son torbellinos que necesitan ser controlados. A mi hijo le encanta correr por la Tate Modern, pero para evitar que se estrelle de cabeza contra el tríptico de Joan Mitchell, me pregunto si debería comprarme un par antes de nuestra próxima visita.

*Un niño dañó un cuadro valorado en millones de libras del artista estadounidense Mark Rothko en un museo de Rotterdam.Un portavoz del Museo Boijmans Van Beuningen dijo que estaban considerando los "próximos pasos" para el tratamiento de "Gris, naranja sobre granate, nº 8" de Rothko.El daño ocurrió durante un "momento de descuido", dijo un portavoz del museo al medio de comunicación holandés Algemeen Dagblad (AD) la semana pasada.Un portavoz del museo dijo que el daño era "superficial" y agregó: "Se ven pequeños rasguños en la capa de pintura sin barnizar en la parte inferior de la pintura".

HUMA BHABHA VS. GIACOMETTI

 

"Giacometti contrasta con su extravagancia.Huma Bhabha es la Picasso de hoy".

Jonathan Jones

La fealdad triunfa sobre la elegancia'… Encuentros: Giacometti en el Barbican,

 con La máscara de Dimitrios (2019) de Bhabha en primer plano

El mosaico traumatizado de gente de la escultora pakistaní-estadounidense se defiende con creces frente a las estatuas demacradas y andantes del gran artista suizo en este emocionante choque.

Un artista debe plantearse grandes preguntas y reflexionar profundamente para poder exponer entre las profundas obras maestras de Alberto Giacometti. No confiaba mucho en las posibilidades de Huma Bhabha. Pero arrasa en la nueva galería de arte con luz natural del Barbican.

"Puede que te dé miedo": la artista Huma Bhabha se enfrenta a Giacometti con botas de agua, calaveras y dientes ‘You might find it scary’

En 2010 la escultura ‘El hombre que camina’ (‘L’Homme qui marche’) de Alberto Giacometti se convirtió en la obra escultórica más cara jamás subastada hasta entonces. Fue vendida en Londres por 65 millones de libras (74,2 millones de euros, 104,3 millones de dólares), superando así el récord mundial de una obra de arte vendida en una subasta.

La luz grisácea de la mañana, procedente de las ventanas que dan a los estanques brutalistas de St Giles Cripplegate, se filtra a través de grandes agujeros en su escultura de 2019, "Máscara de Dimitrios". Esta figura humana, toscamente ensamblada, tiene bolsas de plástico en lugar de pechos —no inflados, sino trozos de polietileno sucio y flácido—, una silla de metal como esqueleto, realzada con huesos de perro ennegrecidos, brazos y piernas de yeso, y una bandeja maltratada como rostro; todo ello, unido con tachuelas sobre un vacío interior.

Es un mosaico inquietante de una persona, incompleta, inacabada, como todos nosotros. Así como Giacometti creó imágenes universales para su época, Huma Bhabha las crea para la nuestra. Y los resultados no son agradables

Bhabha nació en Karachi en 1962 y reside en el estado de Nueva York. Giacometti falleció en Suiza en 1966 tras una vida que moldeó nuestra idea misma de la seriedad en el arte moderno. Inicialmente surrealista, creando formas híbridas a la vez eróticas, violentas e inexplicables, se convirtió en un visionario primigenio cuyas figuras delgadas, que señalan o caminan con severidad, con sus rostros altos y estrechos, expresan el estado reducido, pero aún en pie, de la humanidad tras la Segunda Guerra Mundial.

Giacometti: Cuatro mujeres sobre un pedestal

La Fundación Giacometti ha prestado algunas de sus figuras más puras y arqueológicas. Cuatro Mujeres sobre una Base, fundidas en bronce en 1950, parecen pompeyanas afortunadas que han salido de la nube piroclástica del Vesubio. Junto a la ventana, otro grupo de personas demacradas se recorta contra el hormigón y el cielo: iconos heroicamente antiheroicos de la existencia moderna.

“Esto es grotesco intencionado”… Encuentros con Huma Bhabha: Giacometti.

Pero Bhabha hace que el pobre Alberto parezca un intruso. Admiras las miniaturas de Giacometti, firmes en sus vitrinas, pero te distraes con sus formas más toscas, crudas, de terracota y hormigón en el suelo: una cabeza cercenada, mordisqueada y boquiabierta, un montón de huesos humanos nudosos, un par de pies hinchados.

Bhabha dialoga sutilmente con Giacometti, ¿o acaso se burla con cierta sutileza? Sus cabezas, pies y otras partes dispersos, traumatizados y cubiertos de arcilla, reflejan sus ruinas carbonizadas de humanidad. Sin embargo, es difícil distinguir si son homenajes o parodias. A medida que avanza la exposición, Giacometti se convierte cada vez más en un contraste con su extravagancia, un Polonio escuálido para su ingenioso Hamlet, a medida que sus preguntas existenciales se vuelven más urgentes, inquietas y resonantes que las de él.

Giacometti, al menos como se representa aquí, es un artista que hace una cosa con una perfección monumental. (Sus obras surrealistas habrían contado otra historia). Bhabha es un omnívoro devorador y vomitador de tradiciones y convenciones, moderno a ratos, prehistórico al siguiente, abrazando con entusiasmo el mal gusto. En la antesala de la galería se encuentran cuatro estatuas enormes cuyos cuerpos son bloques rectangulares sólidos en los que ha grabado contornos distorsionados de partes del cuerpo y órganos internos. Estas torres toscas y corpóreas tienen títulos como "Sr. Stone" y, eh, "Miembro". Se trata de una grotesca intencionada de una artista que domina por completo su fealdad.

Bhabha se perfila como una persona que no sigue a Giacometti en absoluto. Con su salvaje aceptación de lo que solo puede llamarse con esa palabra del siglo XX "primitivismo", su mezcla de belleza y repulsión, sus pastiches, su asombro ante el misterio de la existencia humana, es la Picasso de hoy. La Máscara de Dimitrios, con su caótica imagen humana sostenida por el armazón de una silla, recuerda mucho a una máscara oceánica que poseía Picasso, ahora en el Museo Picasso de París, y que realzó colocándola sobre una pequeña silla de madera.

Inquieta y resonante… La alfombra mágica de Bhabha (2003). Fotografía: Kerry McFate/Cortesía }del artista

y la galería David Zwirner.

Sin embargo, no es una artista europea que abrace lo "primitivo" de otros lugares, sino una pakistaní-estadounidense que ve a Europa como la forastera, la recién llegada, la extraña brutal. Junto a las piernas de Giacometti, exhibe su obra de 2003, "Alfombra Mágica", en la que dos piernas blancas con botas, con el trasero al aire, caminan con paso majestuoso sobre una alfombra de estilo mogol.

Sin embargo, busca el mismo tipo de lenguaje universal que Giacometti y Picasso encontraron en sus saqueos del arte y la mitología universales. Su imponente estatua, Scout, parece una figura del Ka o un sarcófago egipcio antiguo quemado y enterrado; ella creó su aspecto carbonizado aplicando pintura sobre corcho. El canibalismo cultural de su arte es tan insolente y audazmente autoritario como los grandes modernistas del siglo XX.

La fealdad triunfa sobre la elegancia en esta vibrante exposición. En lugar de otro deprimente recordatorio de que el arte del siglo XXI no se compara con el modernismo del siglo XX, demuestra lo contrario: que los artistas de hoy aún son capaces de encontrar lo nuevo y lo salvaje al reinterpretar las múltiples culturas de nuestro mundo en constante cambio. El presidente del movimiento Reformista afirmó recientemente que Gran Bretaña necesita más estatuas patrióticas y menos "arte moderno disparatado". El arte de Huma Bhabha es un duro golpe para tales actitudes.

En el Barbican, Londres, del 8 de mayo al 10 de agosto

PINTÁNDOTE

 

¿Qué sucede cuando los artistas se pintan unos a otros?

Nicolás Wroe

Retrato de los artistas… Dos pintores de Ishbel Myerscough, tomado de la exposición "Mirándose" de Pallant House. 

Desde que Rafael incluyó a Leonardo y Miguel Ángel en una escena de multitud de una de sus obras, los pintores han tenido una fascinación por representar a sus pares, como revela una nueva exposición.

Como ocurre con todos los géneros artísticos, el retrato tiene sus propios subgéneros. Además de la configuración estándar de artista y modelo, existen el doble retrato, el retrato de grupo, el autorretrato, etc. Pero otra corriente se nutre habitualmente de todas las demás para crear su propio subgénero: cuando los artistas son el tema de la obra de otro artista.

La tradición de artistas que pintan a otros artistas es larga y distinguida: véase a Rafael, incluyendo a Leonardo y Miguel Ángel, y un autorretrato, en su obra maestra renacentista, La Escuela de Atenas. Esta dinámica única ha fascinado tanto a artistas como a espectadores desde entonces.

"Todos los retratos pueden decir algo sobre la personalidad y la forma en que las personas se representan a sí mismas, cómo son representadas e incluso algo más amplio sobre la condición humana", afirma Melanie Vandenbrouck, curadora jefe de la Galería Pallant House en Chichester. "Pero lo particularmente intrigante de los retratos de artistas realizados por otros artistas es que dos colegas se miran con afecto, amor, respeto, rivalidad y mucho más, algo que no suele estar presente en una relación de encargo estándar. Esto, inevitablemente, también contribuye a una mayor sensación de colaboración".

Estudio de Chantal Joffe, 2025. Fotografía: Jack Hems/cortesía del artista y Victoria Miro

Vandenbrouck ha comisariado "Mirándose: Retratos de Artistas", que presenta más de 150 obras de más de 80 artistas para contar la historia de cómo los artistas que trabajan en Gran Bretaña se han retratado entre sí desde 1900 hasta la actualidad. Los atractivos que atraen a un artista al retratar a otro son muy variados, pero al comienzo de una carrera, la proximidad y el coste suelen ser factores importantes. Tus amigos o compañeros de estudios de arte no solo están cerca, sino que también cobran menos que una modelo. Esta sensación de intimidad y parentesco persiste, ya sea que un artista represente a cónyuges, amantes o miembros del mismo grupo.

Además de las redes de escuelas de arte, la exposición abarca desde el grupo de la calle Fitzroy de Walter Sickert, anterior a la Primera Guerra Mundial, pasando por los Bloomsburys, la Escuela Newlyn de Cornualles, la Escuela de Londres, el Grupo de Arte BLK de jóvenes artistas negros de la década de 1980, hasta los YBAs y más allá. Estas obras rara vez surgen de encargos, por lo que revelan mucho sobre los artistas: quiénes son sus amigos, y quizás sus enemigos; cómo se posicionan dentro de la escena artística. Pueden verse tanto como autorretratos como retratos. También reflejan las historias más amplias de la época, las grandes convulsiones globales de las guerras mundiales y los auges y caídas económicas, pero también profundos cambios sociales a nivel personal.

"El retrato que Roger Fry hizo en 1917 de su entonces amante, Nina Hamnett, podría parecer bastante convencional hoy en día", dice Vandenbrouck. “Pero su ropa holgada —sin corsés—, su pose relajada y el interior que la rodeaba la situaban como la artista bohemia por excelencia que desafiaba las convenciones. El estudio de Michael Andrews de 1962 de la Sala de la Colonia presenta figuras distintivas e identificables —Francis Bacon, Lucian Freud, el fotógrafo John Deakin y otros—, pero las vemos en términos de relaciones más amplias dentro de un entorno particular”.

Seeing Each Other presenta fotografía, escultura e instalaciones (recortes de madera a tamaño natural de Lubaina Himid), además de pintura. También incluye obras recién encargadas por Chantal Joffe e Ishbel Myerscough, quienes se conocieron en la Escuela de Arte de Glasgow en 1987 y se han pintado mutuamente desde entonces. "Además de retratarse mutuamente y a sus familias, mantienen una fuerte amistad, viven cerca y compartieron hitos vitales, como tener hijos casi al mismo tiempo. Todo eso se refleja en su obra", afirma Vandenbrouck. "Algo realmente extraordinario ocurre cuando los artistas se miran mutuamente".

Periodo de becarios: cinco obras de la exposición

Michael Andrews, The Colony Room, 1962. Fotografía: Barney Hindle/The Estate of The Artist/Tate

La representación que hace Andrews del club de copas del Soho con su clientela bohemia y estrellada muestra cómo un espacio puede encapsular una sensación de efervescencia evocada por el humo, el alcohol y la conversación entre pares creativos.

Dos Pintores de Ishbel Myerscough, 2025; Estudio de Chantal Joffe, 2025 .

Estas dos obras son las últimas iteraciones del estudio mutuo que Joffe y Myerscough han realizado durante décadas. Ya sea por la meticulosa atención al detalle de Myerscough o por la amplitud de sus gestos, ambas producen estudios notablemente francos y conmovedores de una amistad en la que pueden ser ellos mismos.

Bridget Riley, Sin título, 1982, de Lubaina Himid, del estudio de Vernet, 1994. Fotografía: Gavin Renshaw/cortesía de Lubaina Himid y Greene Naftali

Bridget Riley de Lubaina Himid , Sin título, 1982, del estudio de Vernet, 1994.

La Bridget Riley de Himid fue una de las 26 figuras de madera pintadas a tamaño natural que invocaron a artistas como Frida Kahlo, Barbara Kruger, Faith Ringgold, Claudette Johnson y otras para exponer la marginación de la creatividad negra y femenina. Himid invitó a los espectadores a ver cuántos artistas podían nombrar, exponiendo su relativa invisibilidad.

Retrato de Nina Hamnett de Roger Fry, 1917. Fotografía: Colección de Arte de la Universidad de Leeds

Roger Fry, Retrato de Nina Hamnett, 1917.

El retrato de Fry no solo sitúa a Hamnett como una mujer moderna y figura central en los círculos vanguardistas de Londres y París, sino también como una artista respetada. Su obra fue admirada por Walter Sickert y, en la época de este retrato, Hamnett y Fry se pintaron desnudos mutuamente.

Seeing Each Other: Portraits of Artists se exhibirá en la Pallant House Gallery, Chichester , del 17 de mayo al 2 de noviembre .

ABOLIR EL ARTE ?

¿Debemos abolir el arte?

Morgan Falconer

 Ilustración: Elia Barbieri

Abajo los trofeos caros en las ferias de arte: es hora de recuperar una visión más radical de la creatividad

Algunos iremos a una galería de arte este fin de semana. Quizás nos ayude a reflexionar o inspirarnos. ¿No es eso parte de una vida plena? Y si no vas a una galería, quizá te encuentres contemplando un cuadro en casa, leyendo una novela, yendo al teatro o escuchando música. ¿Pero qué pasaría si no lo hicieras? ¿Y si no hubiera galerías, teatros, editoriales ni salas de conciertos? ¿Y si nos deshiciésemos del arte?

El impulso parece filisteo en el mejor de los casos, autoritario en el peor, pero un número notable de artistas modernos fueron seducidos por él. André Breton, el líder de los surrealistas, pidió repetidamente el fin de la literatura. Theo van Doesburg, el fundador del movimiento De Stijl, proclamó que "el arte ha envenenado nuestra vida", mientras que su amigo y compatriota, Piet Mondrian, creía que si abolíamos el arte, nadie lo extrañaría. En diciembre de 1914, cuando la Primera Guerra Mundial entró en su primer invierno, el poeta ruso Vladimir Mayakovski declaró que el arte ya estaba muerto. "Se encontró en el remanso de la vida", escribió. "Era débil y no podía defenderse".

Composición con Rojo, Azul y Amarillo.  1930  Piet Mondrian

Estos puntos de vista se arraigaron en un momento histórico, en particular en la conmoción y la desilusión que ocasionó la guerra; sin embargo, es fácil ver resonancias en nuestra época. Muchos, en aquel entonces, desconfiaban de la cultura elitista, pero equivocadamente: cara, inaccesible, oscura. Si has asistido a una feria de arte recientemente, habrás notado que este tipo de arte goza de buena salud. Personajes como Mondrian y Van Doesburg no deseaban abolir la creación ni la autoexpresión, sino romper con el arte de su marco, transfigurar todo nuestro entorno para que no hubiera distinción entre arte y objetos cotidianos. 

El auge del diseño moderno quizás nos haya acercado a ese objetivo; sin embargo, Mondrian esperaba que su propio estilo, con sus distintivos colores primarios y planos geométricos, sentara las bases de un lenguaje de diseño único, universal y anónimo. En cambio, ha degenerado en el Mondrian-kitsch, presente en todo, desde calcetines hasta delantales. Parece que nos gustan más los diseñadores que el diseño.

El más intrigante de esos antiguos impulsos de abandonar el arte derivaba de la desconfianza hacia un arte empático y humanista. Durante la guerra, Breton había trabajado como psiquiatra atendiendo a soldados traumatizados, y estas experiencias lo hicieron desconfiar de cualquier arte que intentara redimir todo el horror que habían presenciado. Si el mundo era miserable, ¿no deberíamos transformarlo, no distraernos de él? Sin embargo, para la mayoría de nosotros, ese es precisamente el papel que desempeña el arte en nuestras vidas. Si has tenido una mala semana en el trabajo, te relajas con el arte. Alivia tu ira y el lunes estás listo para volver a enfrentarte al jefe. Pero ¿qué pasaría si no nos apaciguáramos con utopías imaginarias, sino que hiciéramos lo que John Lydon sugirió una vez y usáramos la ira como energía?

Debería ser obvio que estos primeros llamados a acabar con el arte no lograron sus objetivos. Mondrian habló mucho sobre el fin del arte, pero su amor por la pintura lo llevó a ambiguos, y finalmente culpó a la sociedad por estar mal preparada para su nuevo y valiente mundo sin arte. Además, las alternativas propuestas no siempre fueron tan viables. Entre varias ideas, Breton sugirió caminar por la ciudad como una nueva forma de actividad poética. Creía que un tipo de verso disyuntivo, un collage de imágenes, signos y sentimientos, surgiría de los encuentros casuales y los pensamientos laterales que provocaba un paseo. Tal vez así sería si uno paseara por los barrios históricos de París en la década de 1920, pero cuando intenté deambular al azar por mi propio barrio en un distrito periférico de la ciudad de Nueva York, descubrí que mis "poemas" eran banales y melancólicos. Me costaba desengancharme de los pensamientos sobre metas y destinos, y cruzar la concurrida calle planteaba sus propios riesgos. Concluí que dividimos nuestras vidas por una razón: racionalizamos para lograr cosas, fantaseamos para relajarnos. En otras palabras, el arte y la vida no se mezclan.

Los acontecimientos recientes sugieren que los artistas están de acuerdo. Tras una oleada de intentos por democratizar el arte en la década de 1960, la situación se ha calmado un poco, y como un joven radical que entra en la mediana edad, el arte se ha vuelto conservador. Si antes queríamos performances vanguardistas o esculturas hechas con documentos o montones de tierra, hoy los mecenas vuelven a querer retratos. Hay mucho que decir sobre la idea de que el arte debe consistir en objetos bellos. En un mundo cada vez más digital, desmaterializado y acelerado, el placer de detenerse y contemplar algo exquisito nos ayuda a relajarnos y a disfrutar del momento. Sin embargo, aceptar que esto es todo a lo que debería aspirar el arte es aceptar que todo un ámbito de creación humana dedicado a la belleza, el pensamiento y el sentimiento quedará confinado a los límites de un marco o un pedestal, y se venderá al mejor postor. Ese es el lamentable espectáculo que se exhibe en la mayoría de las ferias de arte actuales, en el que el prestigio no se atribuye a la experiencia de la belleza ni al discurso público sobre ella, sino simplemente a la adquisición de trofeos caros.

Así que, aunque pedir el fin del arte pueda sonar como un mantra para radicales descabellados, filósofos y oscurantistas, creer en su posibilidad puede ayudarnos a ver el mundo de nuevo y nos sitúa en una compañía distinguida. Nos decimos que una experiencia cotidiana, por extraña y cautivadora que sea, nunca podrá ser el arte supremo, pero André Breton pensó que sí. Nos decimos que los colores que pintamos en las paredes de casa nunca podrán ser arte, por mucho placer que nos proporcionen, pero Piet Mondrian pensó que sí. En cambio, aceptamos la derrota y nos decimos que el arte es algo que solo alguien más tiene el privilegio de poseer. Conservemos la creatividad; estas son las actitudes que deberíamos abolir.