miércoles, 8 de mayo de 2024

CANALETTO VUELVE A CASA

 


La obra maestra de Canaletto regresa a Gales  después de 80 años 

 

 

El Patio del Cantero, pintado alrededor de 1725, es inusual en Canaletto porque representa a gente corriente. Fotografía: The National Gallery, Londres

 

 

"El patio del cantero", trasladado para su custodia durante la Segunda Guerra Mundial, se exhibirá en la Biblioteca Nacional de Gales.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la pintura fue transportada 400 kilómetros desde el centro de Londres hasta el norte de Gales para ser escondida en una mina de pizarra, lejos de los peligros de la invasión nazi y los bombardeos de la Luftwaffe. Ochenta años después, ha habido una especie de regreso a casa para la obra maestra de Canaletto, The Stonemason's Yard, que vuelve a ser la pieza central de una exposición que se inaugura esta semana en la Biblioteca Nacional de Gales en Aberystwyth.

La pintura, una de las primeras obras del artista veneciano del siglo XVIII, estaba entre los tesoros trasladados de la Galería Nacional de Londres a la cavernosa mina de pizarra de Manod, cerca de Blaenau Ffestiniog, en 1940 para su custodia.

Ahora, en circunstancias más cómodas, ha sido colgado en la Galería Gregynog de la biblioteca, rodeado de casi 100 obras que abarcan más de 250 años de la propia colección de la institución.

“Se ve increíble”, dijo Mari Elin Jones, encargada de interpretación de la biblioteca. "Se siente como una especie de regreso a casa".

A medida que se avecinaba la Segunda Guerra Mundial, instituciones como la Galería Nacional comenzaron a planificar qué hacer con sus tesoros. Una propuesta era evacuarlos a Canadá, pero la posibilidad de ataques de submarinos era una preocupación y Winston Churchill dictaminó: "Escóndelos en cuevas y sótanos, pero ni un solo cuadro saldrá de esta isla".

La mina Manod cumplía los requisitos. Se utilizaron explosivos para ampliar la entrada para dar cabida a las pinturas más grandes y se levantaron “bungalows” de ladrillo dentro de las cavernas para proteger las pinturas de las variaciones de humedad y temperatura.

Se construyeron maletas especiales para transportar de forma segura las pinturas, incluido el Canaletto, en camiones a Gales . En el verano de 1941, la colección había sido trasladada a su refugio subterráneo, donde permanecería durante cuatro años.

Hubo bonificaciones. Jones dijo: “Tuvieron que controlar el clima dentro de la cantera para asegurarse de que estas pinturas estuvieran bien. Aprendieron mucho sobre el control de la humedad y la temperatura y cómo eso afectó el funcionamiento. Fue más que simplemente meterlos, meterlos en una cantera y esperar que estén bien”.

El Canaletto, cedido en el marco de las celebraciones del 200 aniversario de la Galería Nacional, es algo inusual en la obra del artista. En lugar de centrarse en la pompa y el boato, presenta la vida de la gente corriente. El Campo San Vidal en Venecia se ha convertido temporalmente en un patio de canteros, cubierto de bloques de piedra y herramientas, mientras figuras trabajan bajo el sol de la mañana. Cuando Jones fue a ver la pintura a Londres, al principio se quedó perpleja sobre cómo funcionaría como parte de una exposición en Aberystwyth.

“Recuerdo que lo miré y pensé, Dios mío, ¿cómo voy a construir una exposición en torno a un paisaje de Venecia? ¿Cómo puedo hacer que eso funcione dentro de la colección que tenemos? Esos trabajadores fueron la clave.

“Es un hermoso retrato de una ciudad, pero también es un hermoso retrato de la gente que hizo esa ciudad, una celebración no sólo de lo pintoresco sino también de la industria. Cuando miras los paisajes galeses, ves ese equilibrio entre lo pintoresco y lo industrial.

“La industria ha dado forma a la apariencia de nuestro país y ha dado forma a la Gales moderna. No seríamos nada sin nuestra industria. Y esos temas fueron un gran trampolín para mirar nuestra propia colección de paisajes galeses”.

La exposición, Idilio e industria, incluye obras de artistas de los siglos XVIII y XIX como Richard Wilson, Penry Williams y JMW Turner, junto con piezas más modernas de artistas como Graham Sutherland, Mary Lloyd Jones y Ernest Zobole. "Es una verdadera celebración del Canaletto pero también de nuestra propia colección", dijo Jones.



La exposición se exhibirá en la Biblioteca Nacional de Gales desde el 10 de mayo hasta el 7 de septiembre de 2024.

 

MOHAMMAD BARRANGI

 


El artista iraní inaugura exposición en Leeds que explora la discapacidad y la migración

Mark Brown 





Mohammad Barrangi nació sin el uso de su brazo izquierdo y ha representado
 a Irán como velocista de élite







El paralímpico Mohammad Barrangi espera que su trabajo ayude a la gente a pensar en las historias humanas detrás de los titulares sobre migración.

Hace una década, el artista Mohammad Barrangi representaba a Irán como velocista paralímpico de élite y era ridículamente rápido.  "Mi mejor tiempo en los 100 metros fue de 10,72 segundos, en Túnez”, dice con comprensible orgullo. "Tengo amigos que no creen que sea un artista.

Barrangi habla precisamente porque es un artista y está a punto de inaugurar una importante exposición en Leeds que arroja luz sobre su notable historia de convertir lo que podría parecer adversidad en posibilidades infinitas.
El programa cuenta la historia fantástica de una niña llamada Lily que navega en un pequeño barco desde Anzali, una ciudad en el Mar Caspio en el norte de Irán, hacia Inglaterra.
En su arte, Barrangi también cuenta una historia sobre sí mismo y su experiencia vivida, explorando temas de discapacidad y migración.



Una instalación en la exposición de Barrangi llamada 'el mar está tormentoso'. Su espectáculo cuenta la historia fantástica de una niña que navega en un pequeño barco desde Irán hasta Inglaterra. 

Espera que el programa anime a la gente a pensar en las historias humanas detrás de los titulares sobre migración. "Con el 'plan Ruanda' del gobierno y los cruces del Canal de la Mancha en las noticias, es un muy buen momento para hablar de estas cosas", dice.


El artista, que estudió diseño gráfico en Irán y destacó como velocista, llegó a Gran Bretaña en 2017. No fue en un barco pequeño, pero pasó dos años desafiantes mientras buscaba asilo. “Honestamente, fue difícil, fue esperar y esperar, estuve detenido”.
Afortunadamente para él, lo enviaron a Wakefield en West Yorkshire, que puede ser un gran lugar para los aspirantes a artistas. "Tuve mucha suerte. Llegué al Reino Unido sin familia, sin amigos y sin hablar inglés”.



El trabajo de Barrangi se basa en fuentes que incluyen caligrafía iraní, textiles de Oriente Medio e ilustraciones científicas europeas. Fotografía: Christopher Thomond


Se unió a un programa de residencia en The Art House de Wakefield que apoya a artistas refugiados y solicitantes de asilo antes de postularse con éxito a la Royal Drawing School de Londres , un lugar cofundado por el entonces Príncipe Carlos en 2000 para mejorar las habilidades de dibujo de la nación.
La Casa de Arte y la Real Escuela de Dibujo cambiaron su vida. Barrangi muestra con orgullo fotografías de Charles mirando sus obras cuando formaban parte de una exposición en Christie's. "Es un hombre muy agradable, muy amable".
Barrangi ahora reside en Leeds y tiene obras en colecciones que incluyen el Museo Británico , la Colección Real y el Museo de Arte de San Diego.

Su exposición está inspirada en una residencia en las colecciones especiales de la Universidad de Leeds y se basa en fuentes que incluyen caligrafía iraní, textiles de Oriente Medio e ilustraciones científicas europeas.
Tiene un motivo de faro en el centro que es un guiño a John Smeaton cuyo tricentenario se celebra este año.  Smeaton, nacido en Leeds, es considerado el padre de la ingeniería civil. Fue un ingeniero pionero que construyó el tercer faro de Eddystone frente a la costa de Cornualles, un modelo para todo lo que siguió.



La obra de Barrangi tiene un motivo de faro en el centro, un guiño a John Smeaton, considerado el padre de la ingeniería civil. Fotografía: Christopher Thomond


Barrangi nació sin el uso de su brazo izquierdo, lo que significa que a menudo usa su pie izquierdo.  "Mi pie izquierdo es mi mano izquierda". "Es la forma en que siempre lo he hecho, es una segunda naturaleza".

Su trabajo trata sobre su vida y las experiencias que ha enfrentado, incluida la discapacidad y la migración, ninguna de las cuales considera negativas. "Tengo mucha suerte porque nací discapacitado".  “Una vida discapacitada es un desafío. Mudarse a otro país es un desafío, aprender un nuevo idioma, una nueva vida es un desafío”.





'Mohammad Barrangi: One Night, One Dream, Life in the Lighthouse se exhibirá en la Galería Stanley & Audrey Burton, Universidad de Leeds, del 1 de mayo al 20 de julio.


























































martes, 7 de mayo de 2024

RIDICULECES EN LA GALA

 

En estos tiempos oscuros, agradezcamos el ridículo espectáculo de la Met Gala

Marina Hyde






Lana Del Rey asiste a la Met Gala en la ciudad de Nueva York, el 6 de mayo de 2024. 
Fotografía: Bauzen/GC Images









Prepárese para disfrutar de un buffet de atuendos desconcertantes, celebridades asustadas por Anna Wintour y una negativa total a reconocer el mundo exterior.


El martes es oficialmente la mañana después de la Met Gala de la noche anterior, cuando nosotros, los civiles, podemos presionar nuestras narices contra el cristal de las pantallas de nuestros teléfonos y emitir juicios implacables sobre vestidos cuyas colas por sí solas cuestan millones.

Si no te has sentado en pijamas que no combinan, resoplando tostadas mientras comentas qué paso en falso inaceptable fue el mosquitero de Lana Del Rey, y cómo Chanel parece estar enloqueciendo, entonces simplemente no has logrado capitalizar el banquete digital que se te ha preparado. Son tiempos oscuros y nada más que… ¿gratitud, creo? … debería mostrarse por la decisión del director de cine Taika Waititi de venir vestido como un traje de tres piezas de cuero marrón, mientras que su esposa, Rita Ora, se presentó como la cortina de cinta clavada sobre su puerta trasera para mantener alejadas a las moscas.

A pesar de (y de hecho debido a) sus mejores esfuerzos por no serlo, la Met Gala a menudo se siente como un espectáculo organizado para las tricoteuses acampadas alrededor del fondo de la guillotina. Este es un evento en el que incluso Lauren Sánchez, falsa  piloto de helicópteros y prometida del fundador de Amazon, Jeff Bezos, tuvo que tragarse en silencio su debut marcado por una serie de historias que alegaban que tenía tan “mal gusto” que los organizadores de la Met Gala tenían que supervisar su elección de vestido. 


John Galliano y Kim Kardashian posan sobre la alfombra verde. Fotografía: Cindy Ord/MG24/Getty Images 
para The Met Museum/Vogue

En otros lugares, la multitud se ha sentido satisfecha al ver a la portavoz de Manchuria Ozempic, Kim Kardashian, encorsetada hasta la cintura hasta alrededor de los 10 cm, y posiblemente se ahorró el trabajo de una ejecución. Si el abdomen apretado de Kim parece alarmante en las fotografías fijas, parece positivamente inquietante en las imágenes en movimiento, mientras la depredadora de la alfombra roja se tambalea y se tambalea ante los fotógrafos, buscando a todo el mundo como si pudiera desmayarse si no lo hace. Sube por las escaleras delanteras del museo Met  directamente a un pulmón de hierro antiguo de Emerson (otoño/invierno de 1955).

Desde la reforma penitenciaria hasta la perfecta base nude, Kim tiene varias causas cercanas a su corazón. Pero no en la noche de la Met Gala, cuando incluso varias de sus costillas no estaban cerca de su corazón, y bien podrían haber estado en códigos postales diferentes, ya sea apretadas en el área normalmente ocupada por sus fémures, o posiblemente siendo utilizadas. por Dios para convertirla en una ayuda idónea.

Si Kim hubiera expirado en la alfombra sagrada, seguramente habría sido por la única causa permitida en la Met Gala: la moda misma. Este es el único evento en todo el calendario del mundo del espectáculo donde ninguna celebridad se atrevería siquiera a usar un minúsculo prendedor o cinta política, o a decir algo remotamente relacionado con la causa durante el proceso de llegada, por temor a transgredir los edictos inflexibles de la emperatriz del partido: Anna Wintour. 

Wintour es la veterana  editora en jefe de Vogue EE. UU., quien llevó este evento de una fiesta benéfica de recaudación de fondos en Nueva York al megaevento que vemos hoy: una fiesta en la que una entrada única cuesta 75.000 dólares y todas las celebridades obedientes usan un mínimo de dos trajes durante la noche. Estas celebridades con las que reemplazó a las personas de la alta sociedad están genuina y divertidamente aterrorizadas por Wintour. 

Por tanto, un acontecimiento obsesionado con su propia relevancia no puede realmente adaptarse a su época. Esto es una vergüenza. La moda suele ser más divertida cuando busca dejar claro un punto, desde el activismo de Zoolander hasta el desfile de Balenciaga de 2022, donde las modelos tuvieron que arrastrar vestidos valorados en 20.000 dólares a través de un pozo de barro por algo que tenía que ver con los refugiados. (Otra vez, creo ).



Anna Wintour, la 'emperatriz de la fiesta', en la Met Gala. Fotografía: Taylor Hill/Getty Images

Dicho esto, ¿tal vez los dones de Wintour en este departamento podrían aprovecharse a un nivel superior en esta era polarizada? Cuando en 2012 surgieron rumores de que Barack Obama estaba pensando en nombrarla embajadora de Estados Unidos en Londres, muchos fueron despectivos, y un analista detractor describió el puesto en Londres como “el puesto más diplomático de Estados Unidos”. (¿Lo es? Seguramente sólo hay que telegrafiar un poco de chisme disfrazado de inteligencia y erigir un árbol de Navidad dos veces más grande que el del rey?). Hoy en día, la capacidad de Wintour para despolitizar despiadadamente cualquier situación debería claramente desplegarse a nivel nacional e internacional. 
De lo contrario, tal vez el tema de la Met Gala del próximo año podría ser el meme que define la era generado por Kourtney Kardashian, en un viejo episodio de su reality show cuando su hermana Kim estaba histérica por perder un arete de diamantes de 75.000 dólares en el mar. Como Kourtney lo expresó acertadamente y, de algún modo, todavía muy equivocado: "Kim, hay gente que está muriendo..."
















LA IMAGEN Y LA HISTORIA

 

Una imagen vale más que mil palabras... pero sólo algunas dicen toda la verdad









La imagen original de Yevgeny Khaldei de la bandera soviética izada sobre el Reichstag, Berlín, 1945, arriba, fue modificada posteriormente para ocultar al oficial que llevaba un reloj en ambas muñecas. Fotografía: Sovfoto/Universal Images Group/Shutterstock






Una nueva exposición nos pide volver a mirar imágenes clásicas de guerra, protesta y revolución, y arroja luz sobre fotografías manipuladas

Un soldado ruso iza una bandera soviética sobre el Reichstag de Berlín en la conocida fotografía de 1945 del triunfo en tiempos de guerra de Yevgeny Khaldei.
Pero en la imagen original, se puede ver claramente al oficial que está debajo usando un reloj en ambas muñecas. El disparo de Khaldei, publicado por primera vez en una revista de Moscú, fue retirado rápidamente y el reloj extra, que en realidad podría haber sido una brújula militar, fue retirado por razones de seguridad. El saqueo no tenía buena pinta y se castigaba con la muerte.

Este trabajo poco conocido de distorsión visual deliberada se muestra en una nueva exposición, The Camera Never Lies , que se inaugura a finales de este mes y aborda la cada vez menor fe del público en las fotografías. Tristan Lund, co-curador de la nueva muestra, dijo: “Es raro ver las copias del 'antes' y el 'después' juntas. En la fotografía de Khaldei que se publicó más tarde se borró un reloj porque los editores sabían que ese pequeño detalle podría haber incriminado no sólo al oficial sino a todo el ejército soviético."
“En la segunda imagen, el cielo también es mucho más oscuro y dramático. Ha sido manipulado masivamente para lograr un efecto”.

La exposición, que presenta más de 100 imágenes de fotógrafos de renombre mundial, incluidos Don McCullin, Stuart Franklin, Robert Capa y Dorothea Lange, demostrará que una imagen, por muy bien intencionada que sea, nunca puede contar toda la historia. Aunque pocas imágenes expuestas implican distorsiones deliberadas, las interpretaciones de varias de ellas han generado controversias y relatos rivales.

La muestra, en el Sainsbury Center en Norwich, presenta tomas del asesinato del presidente Kennedy, el manifestante chino “hombre tanque” en la Plaza de Tiananmen, y la escalofriante imagen de una figura saltando desde el World Trade Center en llamas de Nueva York en 2001. Del 18 de mayo al 20 de octubre, como parte de la serie de seis meses ¿Qué es la verdad?, analiza cómo el contexto alterado, a veces junto con la manipulación técnica, ha definido los acontecimientos de la historia moderna.



El papel de las fotografías como fuente fiable y digna de confianza está cada vez más amenazado, ya que la tecnología de edición ahora está disponible de forma fácil y barata. En marzo, se descubrió que fotografías familiares publicadas por la Princesa de Gales habían sido editadas, y el Observer reveló que otras fotografías reales sinceras habían sido alteradas silenciosamente antes.

Lund dijo que él y su colaboradora, Harriet Logan, todavía valoran la “verdad inherente” del trabajo que exhiben, aunque cree que plantea una pregunta clave para nuestra época: “La exposición pregunta qué verdades podemos realmente esperar extraer de una fotografía. ¿Es el intercambio conciso y objetivo de hechos lo que más recordamos de una sola imagen, o es la emoción provocada por la composición y la creatividad del fotógrafo la que vale más que mil palabras?"

Imagen de Stuart Franklin desde la Plaza de Tiananmen, Beijing, junio de 1989.
 Fotografía: Stuart Franklin/Magnum Photos


El hombre del tanque en la plaza de Tiananmen

Los visitantes podrán comparar tres de las cuatro imágenes de la Plaza de Tiananmen que se incluyeron en los archivos de noticias. La toma de Franklin de 1989, “El hombre del tanque”, describe un momento en el que el gobierno chino reprimió una larga manifestación por la democracia en Beijing, matando a cientos de personas el 4 de junio. El manifestante desconocido que se encontraba frente a una línea de tanques fue fotografiado desde diferentes ángulos por cámaras dentro del mismo edificio, documentando una escena que ha sido fuertemente censurada en China pero que en Occidente se ha convertido en un emblema de opresión.
"Es posible que los más jóvenes no sepan de dónde proviene la imagen y, si la reconocen, probablemente tendrán en su mente una combinación de todas las fotografías", dijo Lund. “Una imagen se acerca al manifestante mientras que otra está un poco más alejada e incluye la distracción de una farola. Franklin's tiene más calles y tanques.
“Queríamos sacar cada uno de su contexto informativo para ralentizar la forma en que la gente podía verlos. Lo mostramos con el reportaje de Kate Adie de la BBC sobre Tiananmen y con una obra que hemos encargado a un artista chino contemporáneo cuyo padre estaba en la plaza. Algunos de sus amigos no sobrevivieron. No quiere que se conozca su nombre porque quiere seguir visitando a su familia en China”.
"Pekín sigue negando que esto haya sucedido", añadió Logan, un ex fotógrafo de noticias. “Pero para el público la imagen es a menudo una prueba, una especie de verdad palabra por palabra, que nos permite relajarnos sobre lo que nos cuentan sobre acontecimientos incómodos. Muchas de las imágenes de la exposición, como la conocida como “Napalm Girl”, de Vietnam, han pasado a formar parte de la historia”.


“Napalm Girl”

Esta perturbadora imagen de Phan Thi Kim Phuc, quien fue fotografiada como una joven desnuda que huía de un ataque con napalm, ahora representa visualmente una guerra de 20 años, dijo Lund. Lo mismo ha ocurrido con la fotografía de Capa de 1936 “El soldado que cae” de la guerra civil española.


“El soldado que cae” 1936. Robert Capa


La historia detrás de esta toma es controvertida, debido a la falta de detalles de fondo proporcionados por Capa en ese momento y la pérdida de los negativos. Algunos sugieren que fue una puesta en escena. Posteriormente, la investigación estableció la ubicación y reveló que ese día la línea del frente estaba a cierta distancia.
“Capa tenía sólo 21 años cuando tomó la foto y habrá devuelto un rollo de película sin procesar que tal vez no haya sido subtitulado correctamente. Eso sucedió”, dijo Logan. “Trabajé en la época analógica y los editores de imágenes luego recortaban fotografías y tomaban decisiones que definían una imagen. Así que cuando Capa llegó a casa se habrá enfrentado a un montón de verdades atribuidas a su imagen”.

Setenta y nueve años después, otro fotógrafo de Magnum, Max Pinckers, se paró en la misma colina con un colega e hizo la obra de arte Controversy*, ahora también en la exposición. Con una cámara de alta resolución registraron el paisaje, ahora vacío a excepción de los olivos.



*Controversy aborda la polémica de la credibilidad ética del fotoperiodismo al involucrarse en la discusión en torno a 'La caída del soldado' de Robert Capa y confrontarla con un enfoque científico. Capa tomó su icónica fotografía durante la Guerra Civil Española en 1936, capturando el mismo momento en que un soldado recibe un disparo en la cabeza, convirtiéndola en una de las primeras imágenes de la guerra en acción. La autenticidad de esta imagen ha sido cuestionada desde su creación, aunque la historia que la acompaña es simplemente demasiado convincente para no creerla.
















































































lunes, 6 de mayo de 2024

POEMA



 Amores

Ángeles Mastretta















Yo te deseo la locura, el valor,
los anhelos, la impaciencia.
Te deseo la fortuna de los amores
y el delirio de la soledad.
Te deseo el gusto por los cometas,
por el agua y los hombres.
Te deseo la inteligencia y el ingenio.
Te deseo una mirada curiosa,
una nariz con memoria,
una boca que sonría
y maldiga con precisión divina,
unas piernas que nunca envejezcan,
un llanto que te devuelva la entereza.
Te deseo el sentido del tiempo
que tienen las estrellas,
el temple de las hormigas,
la duda de los templos.
Te deseo fe en los augurios,
en la voz de los muertos,
en la boca de los aventureros,
en la paz de los hombres que olvidan su destino,
en la fuerza de tus recuerdos
y en el futuro como promesa
donde cabe todo lo que aún no te sucede…




























viernes, 3 de mayo de 2024

VENECIA SIN TI

 


Venecia tiene razón en hacer pagar a los turistas

Simón Jenkins







Góndolas junto al Puente Sospiri, cerca de la Plaza de San Marcos, Venecia, 2 de agosto de 2023. Fotografía: Stefano Mazzola/Getty Images





La superpoblada ciudad está a la cabeza con un impuesto a los excursionistas. Seguramente otros grandes destinos europeos deberían seguir su ejemplo.

Venecia ya ha tenido suficiente. Se está hundiendo bajo los ataques gemelos del turismo y del mar y cree que la respuesta está en defenderse de los visitantes cobrándoles la entrada. No está sola. El turismo está bajo ataque. Sevilla cobra por la entrada a la céntrica Plaza de España. En París, la Mona Lisa está tan asediada por teléfonos parpadeantes que está a punto de ser desterrada a un sótano. Los grafitis de Barcelona gritan: “Los turistas se van a casa, los refugiados son bienvenidos”. "Ámsterdam no quiere más fiestas de entrenadores, ni Roma".

El pago de Venecia será complicado. Se aplicará en puntos de entrada específicos solo a los excursionistas al centro de la ciudad, no a los huéspedes del hotel. Costará apenas cinco euros y se limitará a las horas punta del día durante el verano. Esto difícilmente cubrirá el costo de su funcionamiento. Es un gesto político que probablemente no frenará el flujo turístico alrededor de Rialto y la Plaza de San Marcos, y mucho menos dejará más espacio para que los venecianos disfruten de su ciudad sin ser molestados por las multitudes.


Como sabe cualquier visitante de Venecia, grandes zonas de la misma están vacías de venecianos: la isla principal ha perdido más de 120.000 residentes desde principios de los años cincuenta. Calles y canales están tapiados. Si el Gran Canal se ilumina por la noche es en gran parte gracias a Airbnb. El distrito turístico es pequeño y recibe 40.000 visitantes al día. Quienes se hayan tomado la molestia de llegar a Venecia no se dejarán disuadir por cinco euros.

Venecia sobrevivió intacta en gran parte porque su economía colapsó y la ciudad se dio cuenta de que su prosperidad futura dependía de su antigüedad. Cuando comenzó a hundirse en la década de 1960, escritores como Jan Morris y James Cameron reflexionaron sobre su triste alegría por ser la última generación en ver Venecia antes de que desapareciera. Ahora la laguna ha sido represada , pero el nivel del mar está subiendo y las barras de hierro debajo de los cimientos se están oxidando y pudriendo. Hay que repararlos con un coste enorme, y sólo los turistas pagarán las facturas.
En Gran Bretaña, el turismo es la industria en crecimiento que recibe muy poca atención y aún menos elogios. Millones de visitantes, nacionales y extranjeros, vienen a Londres cada año, un número que aumenta constantemente. Pero sus activos tienen que ser defendidos constantemente de los planificadores y promotores dispuestos a demolerlos. Además, poco pueden hacer los destinos turísticos para ampliar su “oferta”. Su atractivo es en su mayor parte un activo que se desperdicia. Sin embargo, al menos Londres tiene más espacio para todos esos turistas que la pobre Venecia, que tiene sólo un kilómetro y medio de calles centrales para satisfacer a 30 millones de visitantes al año .



Un azafato comprueba los billetes cuando la gente entra en Venecia el 25 de abril de 2024, tras el lanzamiento de un programa de entradas de cinco euros. Fotografía: Andrea Merola/EPA

Lo que es seguro es que el turismo en Europa durará mientras pueda proteger su patrimonio. Europa sigue siendo un tesoro escondido del pasado de la humanidad, embalsamado en edificios históricos, barrios culturales y ciudades antiguas. Su atractivo para el mundo exterior apenas ha comenzado.
Los estadounidenses han sido los principales turistas en Europa durante más de medio siglo, y al menos el 43% de ellos tienen pasaporte. Estos documentos están en posesión sólo del 10% de los chinos y sólo del 7% de los indios. Si el número de visitantes incluso de estos dos países aumenta, como lo hacían antes de la pandemia de Covid-19, muchos de los sitios turísticos de Europa tendrían que encontrar nuevas formas de acomodarlos.
La tarea ahora no es tanto promover las maravillas del patrimonio europeo sino conservarlo y descubrir cómo gestionarlo. Venecia es el primer desafío de este tipo. Los 49.000 residentes venecianos que quedan no pueden pagar la salvación de su ciudad. Treinta millones de visitantes a Venecia pueden hacerlo. El pago de la entrada es sólo un primer paso.

Queda por ver qué tan pronto otras ciudades imitarán a Venecia. En 2018, la ciudad italiana de Bagnoregio, en la región del Lacio, algunas partes de la cual se están desmoronando, impuso un cargo a los visitantes para recaudar dinero para su rescate. Funcionó. Una de las únicas ciudades británicas que se atreven a cobrar por la entrada es la encantadora Portmeirion, en el norte de Gales. A pesar de haber sido construido por un arquitecto moderno en el siglo XX, se ha convertido en la atracción más popular de Gales.

Si yo fuera Venecia, sería un descarado. Visitar lugares antiguos es un placer glorioso. Quienes lo disfruten deberán pagar en consecuencia. Bien por Venecia por mostrar el camino.


















































jueves, 2 de mayo de 2024

PERMANENCIA Y FIN DE LA ESCLAVITUD EN ESTADOS UNIDOS

 



Cómo continuó la trata de esclavos durante la guerra civil de Estados Unidos




Un grupo de personas que escaparon de la esclavitud durante la guerra civil en la antigua plantación de Thomas Drayton, un general confederado. Fotografía: Histórico/Corbis/Getty Image









En un nuevo libro, Robert KD Colby, de la Universidad de Mississippi, muestra cómo la Confederación siguió comprometida con la esclavitud.

Si bien la guerra civil está asociada con el fin de la esclavitud en Estados Unidos, la llamada institución peculiar sobrevivió durante gran parte de la Confederación hasta el final del conflicto. Ésa es la narrativa que invita a la reflexión de un nuevo libro completo de Robert KD Colby, profesor de historia de la Universidad de Mississippi.

"Muchos confederados vieron la esclavitud como algo indeleblemente ligado a su intento de independencia, y utilizaron la trata de esclavos para intentar construir un mundo alrededor de una república esclavista independiente", dice Colby.
En An Unholy Traffic: Slave Trading in the Civil War South, Colby cita una estadística impactante. Entre el 80% y el 85% de las personas esclavizadas en la Confederación en vísperas de la guerra en 1861 todavía estaban esclavizadas cuando el general Robert E Lee se rindió en Virginia cuatro años después. El número de negros que fueron comprados y vendidos durante ese lapso se estima en miles.

Y la Confederación no se limitó a defender la esclavitud dentro de sus fronteras.“Esencialmente, cada vez que la Confederación invadía un lugar donde la esclavitud era más tenue o donde la gente había huido de la esclavitud, definitivamente devolvía a la gente a la esclavitud... muchas veces, a personas que no habían sido esclavizadas en absoluto”, dice Colby.

Colby se topó por primera vez con indicios de la historia general cuando era estudiante de doctorado en la Universidad de Carolina del Norte, hace aproximadamente una década. Ese período coincidió con una explosión de estudios sobre la trata interna de esclavos y el capitalismo. Pero aunque admiraba las ideas de esos historiadores, Colby notó que la mayoría de esas narrativas terminaban con la guerra civil. Esto era comprensible: la esclavitud estaba ligada a la economía algodonera, que fue destruida por la guerra. Sin embargo, algo impulsó a Colby a investigar la esclavitud durante la guerra y lo que encontró lo sorprendió.
“Encontré ejemplo tras ejemplo, momento tras momento, de gente siendo comprada y vendida”. "Cuanto más leía, parecía fusionarse en temas amplios", que incluían "cómo la gente experimentó la guerra civil, cómo la trata de esclavos dio forma a las expectativas confederadas sobre lo que se suponía que debía hacer su proyecto y cómo los esclavos buscaron la libertad durante la guerra".


Como explica Colby, la trata de esclavos sufrió una reorientación. La práctica anterior a la guerra era vender esclavos del sur superior al sur inferior y al llamado "Reino del Algodón". Al principio de la guerra, esto ya no era posible debido a que la Unión capturó mercados importantes como Nueva Orleans, Natchez y Memphis. Por lo tanto, los esclavos fueron enviados a lugares donde la confianza en el sur era alta.
La capital confederada, Richmond, ocupaba un lugar destacado en esa lista, junto con la capital original, Montgomery, Alabama. En otra ciudad de Alabama, Mobile, los traficantes de esclavos anunciaron su atroz industria con una guía de viajes de 1863. Entre los involucrados en el comercio se encontraban grandes empresas como Hill, Dickinson & Co, con sede en Richmond, y también ciudadanos comunes, como un marido y una mujer de Alabama, Nimrod y Queen Long, que debatieron sobre la venta de una mujer esclavizada, Ellen, durante un breve momento. del resurgimiento militar confederado.

“En su mayor parte”, dice Colby, el comercio “persistió en lugares donde no estaban las fuerzas de la Unión. Estaba comprimido en áreas cada vez más pequeñas. En esas áreas continuó, por diversas razones”.

Cuando había escasez de alimentos, se podía vender a los esclavos para evitar “bocas excesivas que alimentar”. Cuando el servicio militar obligatorio provocaba escasez de mano de obra, se podían adquirir esclavos para “compensar la diferencia”.


Personas anteriormente esclavizadas se encuentran frente a la aldea de un liberto en Arlington, Virginia, en la década de 1860. Fotografía: Histórico/Corbis/Getty Images


“Por supuesto, el deseo de mucha gente de seguir comprando y vendiendo esclavos estaba determinado por el grado de fe que tenían en la Confederación. Los confederados compraron personas esclavizadas casi como una apuesta por la perspectiva de una victoria confederada”.

Colby aborda la sombría narrativa de las mujeres y los niños que los confederados anticiparon que tendrían toda una vida de trabajo y crianza de sus hijos en una nación de posguerra. Colby ve la narrativa de Kate Drumgoold como ejemplo. Cuando tenía unos ocho años, su esclavista en Virginia rechazó lo que Drumgoold recordó como una oferta sin precedentes para venderla. Pero dos de sus 10 hermanas fueron vendidas, al igual que su madre.

A pesar del formidable aparato de la esclavitud, los negros encontraron formas de resistir, en particular escapando, como en el caso de Mary Pope en Virginia. El marido de Pope, Joe Dardin, había sido enviado a traficantes de esclavos al comienzo de la guerra. Cuando su esclavista amenazó con vender a Pope y también a sus cuatro hijos, la familia huyó a un campamento de libertos de la Unión en el puerto de Norfolk. En Charleston, Carolina del Sur, el centro de la secesión, William Summerson y su esposa supieron que era hora de escapar una vez que fueron evaluados para la venta. Escondidos en barriles, se dirigieron a una cañonera de la Unión.

"No hubo una sola historia de emancipación, sino miles de historias más pequeñas, miles de historias individuales de cómo la gente decidió buscar o no buscar la libertad durante la guerra", dice Colby. “Espero que el libro hable de lo complejo que fue el proceso de búsqueda de la libertad de los afroamericanos durante la guerra civil, y de la magnitud de los obstáculos que se interponían en el camino, incluida, entre otras, la amenaza de ser capturados y vendidos mientras perseguían su objetivo. libertad."

La Confederación no fue el único lugar donde existió la esclavitud durante la guerra. También existió en los leales “estados fronterizos” de Delaware, Maryland, Missouri y Kentucky. También en este caso hubo una reorientación lejos del sur. Colby estima que cientos, tal vez miles de personas esclavizadas fueron enviadas desde Missouri, que estaba desgarrada por la violencia, a Kentucky, que permaneció prácticamente tranquilo en los últimos años de la guerra.

A medida que la Unión logró avances más profundos, el ritmo de emancipación se aceleró. Colby documenta el impacto de la captura de Atlanta por parte del general William T. Sherman y su marcha a través de Georgia en 1864. Las fuerzas sindicales liberaron a los esclavos de la cárcel; Los miembros de un grupo se liberaron de los comerciantes Blount & Dawson. Sin embargo, el comercio interno de esclavos continuó hasta los momentos finales de la guerra.

Hill, Dickinson & Co ganó más de 1 millón de dólares vendiendo esclavos entre octubre y diciembre de 1864. Un comerciante de Virginia, Robert Lumpkin, intentó sacar a 50 hombres, mujeres y niños esclavizados de Richmond en sus últimos días como capital confederada. Lumpkin intentó transportar al grupo para futuras ventas, dondequiera que el ejército de Lee pudiera encontrar refugio.
Colby narra el triunfo de la emancipación y la vida futura de los libertos. Muchos buscaron reunirse con familiares que habían sido vendidos como esclavos. A veces contaban con la ayuda de la recién creada Oficina de Libertos. Hubo historias de éxito: Kate Drumgoold recordó vívidamente un reencuentro con su madre. Otros, sin embargo, hicieron llamados a los seres queridos perdidos durante décadas después de la guerra.

Colby señala que al intentar reunir a sus familias, las personas anteriormente esclavizadas a veces buscaban ayuda de las mismas personas que alguna vez podrían haberlas esclavizado: los ex traficantes de esclavos.
De estos últimos, dice: “Algunos estaban profundamente rencorosos y resentidos por la forma en que la guerra destruyó sus negocios... [pero] encontré uno o dos que ayudaron activamente en el proceso de reunir a las familias. Creo que habla, por un lado, de las oportunidades que el fin de la guerra y la emancipación brindaron a los pueblos anteriormente esclavizados, y también de las limitaciones de esto”.





An Unholy Traffic es una publicación en EE. UU. de Oxford University Press

Un tráfico impío
Comercio de esclavos en el sur de la Guerra Civil
Robert KD ColbyEl primer libro sobre la trata de esclavos durante la Guerra Civil.