VAN GOGH Y SUS HERMANAS

 

 Van Gogh pagó por el cuidado de su hermana décadas después de su muerte

  Dalya Alberge

 

 

 

Detalle de la memoria del jardín de Etten , 1888, de Vincent van Gogh. Fotografía: Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

 

Las pinturas del atribulado artista no lograron ganarse la vida, pero como muestra un nuevo libro de letras, su legado permitió que su hermano recibiera el tratamiento que le faltaba.

Vincent van Gogh permaneció sin un centavo durante toda su trágica vida, que terminó en suicidio poco después de una estancia en un manicomio. Sin embargo, dos décadas después, las pinturas que le había regalado a su hermana se vendieron para pagar su estadía en un hospital psiquiátrico, con precios tan altos que las ganancias financiaron años de tratamiento, según cartas publicadas en un nuevo libro.

Willemien, la menor de las tres hermanas de Van Gogh, compartió su amor por el arte y la literatura y, como él, luchó con su salud mental. Mientras Van Gogh fue internado en un asilo después de cortarse parte de su oreja y dársela a una prostituta en un ataque de locura, su hermana estuvo internada durante casi 40 años hasta su muerte en 1941.

 

Anna, la hermana mayor.

En 1909, la hermana mayor, Anna, escribió sobre la venta de un cuadro que le había dado a Willemien, lo que le permitió pagar los gastos médicos: “Recuerdo cuando Wil recibió el cuadro de Vincent, ¡pero qué figura! ¿Quién hubiera pensado que Vincent contribuiría al mantenimiento de Wil de esta manera?". Anna, que había trabajado como asistente de profesor en Inglaterra, le escribía a Jo Bonger, esposa del hermano de Van Gogh, Theo, que era comerciante de arte y siempre creyó en el talento de Vincent cuando otros no.

Después de 1905, cuando se organizó una exposición de Van Gogh en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, sus pinturas gozaron de un verdadero éxito.

 

Elizabeth, la hermana mediana.

En la carta de 1909, Anna escribió sobre la venta de pinturas: "Theo siempre ha afirmado que sucedería, pero qué giro imprevisto de los acontecimientos, resultados tan sorprendentes".También escribió sobre la existencia vacía de Willemien en el manicomio: “El único libro que a veces lee es Aurora Leigh (de Elizabeth Barrett Browning) y el resto de las veces se sienta y cose para las enfermeras ... Por la mañana, se sienta en el porche alimentando a los pájaros, pero si una enfermera intenta dar un pequeño paseo con ella por el jardín, ella se niega ".Anna escribió sobre la compra de sus "pantuflas de cuero suave" para consolarla: "Intento todo tipo de cosas y sigo esperando que algo le llegue". Pero la condición de su hermana empeoró con los años.

 

Willemein, la hermana menor de Van Gogh.

Esta es una de las cientos de cartas inéditas escritas por las hermanas, sus amigos y familiares que figurarán en un libro titulado The Van Gogh Sisters , dando una idea de la tragedia y la confusión de sus vidas.

El historiador de arte holandés Willem-Jan Verlinden, autor del libro que Thames & Hudson publicará en abril, después de su edición holandesa, dijo: “Las letras están solo en holandés, por lo que nunca han estado disponibles ... y no en inglés."  “Las hermanas de Van Gogh tuvieron que vender sus pinturas para sobrevivir. A medida que se hizo cada vez más famoso y subieron los precios de sus pinturas, en cierto modo, estaba manteniendo a sus hermanas, incluso mucho después de su fallecimiento ".

Las cartas se encuentran en los archivos del Museo Van Gogh de Amsterdam. Hans Luijten, su investigador principal y autor de una próxima biografía, All for Vincent , dijo: “Son una verdadera mina de oro, con maravillosas observaciones. Quiero hacer una encuesta sobre lo que dicen los miembros de la familia sobre Vincent. Son tan interesantes. Uno por uno, tenemos la intención de publicarlos en un futuro próximo ".

 

Vincent van Gogh: Autorretrato. 1887. 

Otro material incluye la correspondencia de la amiga de Willemien, Margaretha Meijboom, cuyo propio hermano tenía antecedentes de problemas de salud mental. Cuando llegó la noticia de que Van Gogh le había cortado la oreja y había terminado en un manicomio, ella consoló a un Willemien devastada en una carta, fechada en 1888: “Ese pobre hombre, qué espantoso, tan enfermo, quiero decir, de esa manera, y encima, tan lejos… Entiendo perfectamente tus sentimientos… Ir a un sanatorio suena duro, pero ¿sabías que algún experto recomendaría no posponerlo por mucho tiempo? Los pacientes sufren menos porque reciben el tratamiento adecuado ". Ella continuó: “Qué bendición que no estuviera solo, sino que tuvo ayuda. ¿Quién te hará saber lo que está sucediendo ahora? Paul (Gauguin), o el médico del manicomio? "

El 27 de julio de 1890, Van Gogh se pegó un tiro en el pecho con una pistola. Theo corrió de París a Auvers y estaba allí cuando su hermano murió a causa de las heridas el 29 de julio.

Willemien también terminó en un asilo en 1902. Verlinden se pregunta si sus problemas mentales se habrían abordado hoy con medicamentos: “En ese momento, significaba que tenías que ser enviado a un asilo. Se quedó allí la mitad de su vida. Eso es lo triste. Pero lo hermoso es que tenía 17 pinturas que Vincent hizo para ella y su madre y la venta se usó para pagar por ellas ".

Ver también:

https://lamusaencantada.blogspot.com/2018/08/van-gogh-en-el-asilo.html

https://lamusaencantada.blogspot.com/2020/11/van-gogh-y-su-delirio.html

https://lamusaencantada.blogspot.com/2019/05/la-carta-de-van-gogh.html

https://lamusaencantada.blogspot.com/2019/03/van-gogh-casi-desconocido.html

https://lamusaencantada.blogspot.com/2019/03/van-gogh.html

 

 

PERSONAS Y PERSONAJES: LEE MILLER

 

Lee Miller

(1907-1977)

                                

                                      Lee Miller fotografiada en 1928 por Edward Steichen, con un vestido de Lucien Lelong. 

                                                                                

Existe gente como Lee Miller que parece haber vivido varias vidas, tan fascinantes como para ser relatadas una y otra vez por los biógrafos. Su semblanza es la de una figura que resulta instrumental no solamente para hablar de la historia de la moda, sino también para poner en contexto la idea de historia con mayúsculas. Porque sin ella, por ejemplo, no podría conocerse de igual manera el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial o el papel que jugó el conflicto en publicaciones especializadas como Vogue.

Steichen fue uno de los fotógrafos de moda que más veces retrató a Miller, como en esta icónica imagen de los años 20, con cloché de Reboux (1928). © Edward Steichen

Posó para fotógrafos como Edward Steichen o George Hoyningen-Huene, exploró las posibilidades de la solarización en fotografía* junto a Man Ray y cubrió la Segunda Guerra Mundial para Vogue. El día que Hitler se suicidó, ella se retrataba en la bañera de su casa de Múnich, Pablo Picasso la pintó seis veces y Jean Cocteau la incluyó en su cinta La sangre de un poeta.

 

Lee Miller por Pablo Picasso

Pero para su único hijo, Anthony Penrose, Elizabeth Lee Miller (1907-1977) era solo una mujer borracha y depresiva: “Su muerte me afectó muy poco. No lloré por ella hasta que empecé a escribir su biografía”, cuenta en el documental "Lee Miller: musa y corresponsal de guerra". Las muchas vidas de la fotógrafa hoy protagonizan novelas o biografías, pero permanecieron olvidadas durante años. La propia Miller se encargó de enterrar su pasado en cajas en el ático de la casa de Sussex en la que pasó sus últimos años, reconvertida en cocinera. Hasta su obituario en The New York Times desechó su apellido y la redujo a ‘Lady Penrose’.

Autorretrato en el taller de Picasso

Fue la nuera de Miller, la mujer de Anthony Penrose, la que descubrió cientos de cajas en el desván repletas de cartas, negativos y fotografías que repasaban la intensa trayectoria de la norteamericana. “De niño no supe prácticamente nada de los logros pasados de mi madre. Era un libro que ella había cerrado”, confiesa su hijo. “Me di cuenta de todo lo que me había perdido. Tantas cosas que querría haber sabido de ella y haber entendido”.

Desafiante y compleja, para entender a Lee Miller hay que remontarse a su infancia en una pequeña ciudad en el estado de Nueva York, a 120 kilómetros al norte de Manhattan. Con solo siete años fue violada por un pariente; además, la pequeña Lee contrajo una enfermedad venérea que hizo que tuviera que someterse a un doloroso tratamiento diario durante meses. Por supuesto, todo debía permanecer en secreto en una sociedad en la que la que más tenía que perder era la víctima. Su padre, que coqueteaba con la fotografía, decidió que lo mejor para ayudarla a superar el trauma era retratarla desnuda. Buscaba conseguir que volviera “a aceptar su cuerpo”. El resultado son decenas de imágenes, cuanto menos inquietantes.

 

Uno de los desnudos de Lee Miller, ya en los años treinta. 

Su salto a las portadas de las revistas nada tiene que envidiar a las fábulas de las supermodelos de las últimas décadas. Si a las Vodianova, Bündchen o Kass de los noventa las descubrieron vendiendo fruta, comiendo hamburguesas o haciendo la compra en el supermercado, a Lee Miller la encontró el mismísimo Condé Nast. Cuenta la leyenda que el editor y fundador de uno de los grupos editoriales más importantes del mundo salvó a Miller de ser atropellada por un tranvía e inmediatamente quedó cautivado por su belleza. Pocos meses después de aquel encuentro los rasgos afilados de la artista servían de modelo para una de las portadas de Vogue ilustradas por Georges Lepape. 

Lee Miller  por Georges Lepape en la portada de  Vogue  el 15 de marzo de 1927.

Su rostro saludable, su mirada clara y su corta melena dorada plasmaban a la perfección el ideal de los Felices Años Veinte y se convirtió en una de las modelos favoritas de la cabecera. Pero de nuevo un incidente que retrata a la misógina sociedad de la época derrumbó su carrera: una de sus fotografías acabó en un anunció de una empresa de compresas y fue vetada por cualquier firma de lujo.

En 1931, retratada por George Hoyningen-Huene para Vogue Paris. 

Capaz de reinventarse una y otra vez, viajó hasta París donde saltó al otro lado de la lente y empezó a practicar fotografía. En 1930 la capital francesa era el centro del mundo; el arte bullía por todos los rincones y la modelo se introdujo pronto en el círculo de los surrealistas. “Pensé que la mejor forma era empezar estudiando con uno de los grandes maestros en la materia, Man Ray”, recordaba la propia Miller en una entrevista en In Town Tonight en 1946. “En aquel tiempo estaba en París, así que me acerqué a él y le dije: ‘Hola, soy tu nueva alumna y aprendiz’. Él respondió: ‘Yo no tengo alumnos ni aprendices’. Y yo le dije: ‘Ahora sí”. Aquel desparpajo le valió un puesto como ayudante en su estudio. Ella tenía 24 años y él, 40; pronto se hicieron amantes.

Lee Miller (1930) - Man Ray

Aunque la historia le colgó la etiqueta de musa, lo cierto es que Lee Miller formó un interesante tándem creativo con Ray y participó en su obra no solo posando para ella. La relación duró tres años y pronto se volvió demasiado tormentosa; la americana le abandonó y regresó a Nueva York. Conoció a un hombre de negocios, el egipcio Aziz Eloui Bey, con el que inmediatamente contrajo matrimonio y huyó a Egipto. En sus días en África retomó su pasión por la fotografía, pero el hastío llegó pronto. Aquel paréntesis duró menos de tres años tras los que regresó a París y conoció al que sería su segundo marido, el artista Roland Penrose.

                                 George Hoyningen-Huene: Lee Miller - septiembre de 1931

Fotografiada a su regreso a Nueva York, a bordo del S. S. Ile de France en 1932. 

Lee Miller, Autorretrato con esfinges, Vogue Studio, Londres, Inglaterra, 1940. Fotografía: © Lee Miller Archives

La Segunda Guerra Mundial puso en cuarentena cualquier proyecto de vida y la fotógrafa volvió a reinventarse, esta vez en fotoperiodista. En Londres conoció a la editora de la edición británica de Vogue, Audrey Withers, que le encargó varios reportajes sobre el impacto de la guerra en la vida de las mujeres. Varios años antes de las inmortales imágenes de Richard Avedon, fotografiando las creaciones de Christian Dior en la devastada París, Lee Miller ya colocó a una modelo delante de los edificios bombardeados en Londres.

                               La fotógrafa, retratada con su uniforme de corresponsal de guerra. 

La segunda desde la derecha, como corresponsal de guerra

Su amigo David E. Scherman, fotógrafo de la revista Life, fue el que le dio la idea de ir un paso más allá. Así lo recuerda en una grabación de los años ochenta que recoge el documental: “Le dije a Lee: ‘Ya que eres estadounidense, ¿por qué no te pones un uniforme y haces que el ejercito te acredite?”.

En la portada de Vogue

Ella mandó hacerse un uniforme a medida en Savile Row y cruzó el Canal de la Mancha para cubrir la guerra para la revista, convirtiéndose en una de las cuatro mujeres estadounidenses acreditadas como corresponsales en el conflicto. Su llegada a Francia fue tan intensa como el resto de los meses que pasó cubriendo la caída del ejército alemán. Así lo narraba en uno de sus reportajes, en 1944: 

“Desde las afueras de la ciudad oímos bombarderos aproximarse por detrás. Eran tres grupos de B26. Pasaron. Pudimos ver las bombas y nada más. Tenía la ropa que llevaba puesta, dos docenas de carretes y un edredón. Era la única fotógrafa en kilómetros a la redonda y tenía una guerra para mí sola. Fue un impacto letal. Por un momento pude ver dónde y cómo. Luego todo se lo tragó el humo (…). Me refugié en un puesto alemán, en cuclillas bajo las murallas. Mi talón pisó una mano inerte y arrancada y maldije a los alemanes por la sórdida y terrible destrucción que habían provocado en esta hermosa ciudad”.

Liberación de París 19 ago – 25 ago 1944

Lee Miller hablando con varios soldados durante la liberación de Rennes, en agosto de 1944.

© David E. Scherman

Junto a Scherman fue de las primeras en llegar a casi todos los puntos calientes del final de la contienda: estuvo en París mientras entraban en la ciudad las tropas aliadas, en el cuartel general de la Luftwaffe, retrató los cuerpos de los altos cargos de la Gestapo que se suicidaron… Inmortalizó la estela del conflicto en fotografías que no pudo borrarse de la cabeza, pese a esconderlas en el desván. En abril de 1945, con unas ojeras inmensas, la bella Lee llega al campo de concentración de Dachau junto a los aliados. Así se lo contaba poco después a Withers en un telegrama: “Te ruego que creas que esto es cierto. Generalmente no hago fotos de horrores, pero creo que abundan en cada pueblo y en cada zona. Espero que Vogue sienta que puede publicar estas fotos”. Acordaron sacarlas en las ediciones americana e inglesa, junto a un reportaje que titularon Believe It, Lee Miller cables from Germany. Por primera vez las brillantes páginas de la revista se abrieron a las atrocidades y el espanto. Las fotografías de Miller sin duda se encuentran entre los contenidos más cruentos que ha publicado la cabecera en más de 125 años de historia.

Reencuentro de Picasso y Lee Miller en 1944 tras la liberación de París. Ella llegó como reportera con el Ejército de los EE UU

En 1944, fotografiada por su amigo David E. Scherman durante la liberación de Rennes.

Desde Dachau, Miller y Scherman viajaron a Múnich, a solo 30 kilómetros, y se colaron en el apartamento de Hitler: “Durante años he llevado la dirección de Hitler en Múnich en el bolsillo y por fin he tenido la oportunidad de usarla. Pero mi anfitrión no estaba en casa. Tomé algunas fotos del lugar y dormí bastante bien en la cama de Hitler. Incluso me quité el polvo de Dachau en su bañera”, escribía ella. Colocaron el retrato del Führer junto a la pastilla de jabón, Lee dejó sus botas, todavía manchadas por el barro del campo de concentración, y fue fotografiada, en una de instantánea icónica. Ninguno de los dos sabía entonces que Hitler se había quitado la vida esa misma tarde. La simbólica imagen apareció publicada en el número de julio de la cabecera junto al un pie que rezaba: “El apartamento de Múnich de Hitler: Lee Miller, que recoge la historia, disfruta del baño de Hitler”.

En la bañera de Hitler el mismo día que el Führer se suicidaba. 

Tras su experiencia en la guerra regresó a Inglaterra e intentó retomar sin éxito la fotografía de moda. Probablemente sufrió una profunda depresión posparto tras el nacimiento de su hijo Anthony, tuvo que lidiar con un trastorno postraumático y una adicción al alcohol que arrastró toda la vida y marcó sus últimos años. En un nuevo e inesperado giro de guion se refugió en la cocina. “Perdida es una buena forma de describirla”, dice su nieta en el documental. Cuando murió de cáncer a los 70 años, ella misma había sepultado todos sus logros porque eran demasiado dolorosos de recordar. Pero la suya es una figura clave que ahora reclama el puesto de honor que le corresponde en la historia del siglo XX: el de una mujer pionera que desdibujó los límites entre la fotografía artística y el fotoperiodismo, anticipando muchos enfoques.

Modelo, fotógrafa o reportera: Lee Miller en una de las imágenes promocionales del documental que repasa todos sus logros.

*La solarización fue creada accidentalmente por Lee Miller en el laboratorio de Man Ray, quién durante muchos años se atribuyó el mérito.

POEMA

El silencio en nuestro verbo

Alejandra Lerma

Hemos nacido en silencio

el silencio en nuestro verbo

construimos el lenguaje por temor

y vamos tropezando tristemente

entre palabras

que hace mucho no nos dicen nada.

LA PRIMAVERA DE HOCKNEY

"La primavera no puede ser cancelada" por David Hockney y Martin Gayford

Nicholas Wroe

No. 599 , 1 de noviembre de 2020, pintura para iPad de David Hockney.

Un registro profusamente ilustrado de los intercambios entre el artista, en Normandía, y el crítico, en Cambridge, durante el año pasado.

En el otoño de 2018, David Hockney realizó un breve viaje a Francia. Quería mirar el arte, pinturas de los períodos azul y rosa de Picasso y los grandes tapices de París, Angers y Bayeux, y disfrutar de “toda esa deliciosa mantequilla, crema y queso”. (Además de un país "más amigable para los fumadores que la mezquina Inglaterra".) 

Mientras estaba en Normandía, Hockney declaró su deseo de capturar la primavera del norte de Francia como lo había hecho una década antes en East Yorkshire, produciendo un trabajo que se convirtió en el  punto focal de su exitoso programa de la Royal Academy de 2012. “Hay más flores allí”, le escribió al crítico de arte Martin Gayford. "Obtienes flores de manzana, pera y cerezo, además del endrino y el espino, así que estoy deseando que llegue"

Hockney, con Ruby, en su casa de Normandía

Delante de la casa mirando al sur

David Hockney

En un plazo impresionantemente corto adquirió una gran casa de campo con entramado de madera a 40 minutos de Bayeux. Fue un poco como "donde viven los siete enanitos en la película de Disney", explicó Hockney. “No hay líneas rectas; incluso las esquinas no tienen líneas rectas ". Ubicado en cuatro acres y rodeado de prados, huertos y arroyos, se renovó rápidamente y, en tan solo unos meses, Hockney estaba enviando por correo electrónico dibujos desde su nuevo hogar a amigos de todo el mundo.

Para alguien tan estrechamente asociado con sus ubicaciones (los cielos azules de California y las piscinas al principio de su carrera, más recientemente los caminos embarrados y los setos de los Yorkshire Wolds), Hockney rara vez permanece en un lugar por mucho tiempo. Ha realizado trabajos en China, Japón, Líbano, Egipto, Noruega y, por supuesto, Francia. Vivió en París durante un par de años a mediados de los setenta y, como señala Gayford, aunque la nueva casa se compró, aparentemente, de improviso, “seguramente no fue del todo casual que un artista que tanto tiempo admiraba la pintura francesa y la forma de vivir, comer y fumar galos, con un asistente francés, encontrara un punto de descanso ideal justo donde y cuando lo hizo ". Era el momento de emprender una nueva aventura.

 

Apple tree  Acrílico sobre lienzo, 2019

No. 584 , 31 de octubre de 2020, pinturas para iPad de David Hockney. Fotografía: © David Hockney

Gayford ha sido un amigo y una especie de Boswell de Hockney durante un cuarto de siglo y ha escrito dos libros anteriores sobre y con el artista. Visitó a Hockney en Francia durante el verano de 2019 y se asumió que regresaría el año siguiente. Por supuesto que no iba a ser así. Pero lo que había comenzado como un tipo de proyecto pronto se convirtió en uno diferente y más grande cuando Covid-19 ejerció su control. Perversamente, las nuevas restricciones de movimiento habían presentado una oportunidad para Hockney. Uno de los puntos de venta de la casa era que no tendría que conducir a ningún lado para encontrar a sus modelos, ya que todo estaba en los árboles, arroyos y cielos de sus terrenos. Ahora su parcela de tierra se convirtió en su único foco, y su entusiasmo por la llegada de la primavera de 2020, una de las más abundantes en décadas, era palpable. "Esto es espectacular, ” le escribió a Gayford. "Y lo voy a bajar". Instantáneamente, en esos primeros días de la pandemia, la obra se convirtió en una fuente de esperanza y consuelo para un público temeroso con sus vívidas pinturas en iPad de paisajes y naturalezas muertas de su jardín, hechas mientras el mundo se cerraba a su alrededor, apareciendo en el portadas de periódicos y noticias de la BBC.

A estas alturas, las conversaciones de Hockney y Gayford se habían trasladado a FaceTime, Gayford con una copa de vino en Cambridge, Hockney con una cerveza en Normandía, felizmente intrigados por los efectos de luz extrañamente distorsionantes que una señal wifi poco fiable podía mostrar en la pantalla. Este libro es el registro de Gayford de sus intercambios colocados en el contexto de una apreciación más amplia de Hockney y su trabajo, de la historia del arte en general y de algunas reflexiones agradablemente divagantes sobre las “cosas nuevas dichas y hechas por un viejo amigo, y los pensamientos y sentimientos que me incitaron ”. Gayford despliega ingeniosamente la noción de perspectiva, una preocupación artística de larga data para Hockney, como un motivo recurrente al examinar la relación de los hombres a medida que evoluciona con el tiempo con sus puntos de vista igualmente recalibrados por eventos importantes: la pandemia.

La pintura del iPad Recuerda que no pueden cancelar la primavera.

Gayford transmite de manera convincente el creciente entusiasmo y energía de Hockney por su tarea. El estallido de productividad de Hockney se manifestó en un flujo constante de nuevas imágenes que llegaban a la bandeja de entrada de Gayford listas para un escrutinio a distancia. Parte de este trabajo se incluirá en un nuevo espectáculo de la Royal Academy que se inaugurará en mayo. Los exámenes de las líneas de Hockney hechas con crayones, carboncillo, lápices y las marcas ultrafinas disponibles a través de un iPad llevaron a Gayford a reflexionar sobre los dibujos de Rembrandt y Van Gogh. Las pinturas del jardín se expandieron en pensamientos sobre Monet. La mención del trabajo del equipo de apoyo de Hockney (Hockney a menudo dice "nosotros" en lugar de "yo") se extendió a los asistentes como un subgénero del arte que abarca a Velázquez, Tintoretto, Rubens, Warhol y Lucian Freud.

 

Hockney, con Ruby, en su estudio de Normandía, 25 de mayo de 2020. Fotografía: Jean-Pierre Gonçalves de Lima / © David Hockney

Gayford es un crítico reflexivo y atento con un amplio marco de referencia y sus breves excursiones por las casas del arte, la lectura de Hockney (Flaubert, Proust, Julian Barnes), sus gustos musicales (Wagner) y ese tema casi definitivo de Hockney, la representación del agua. - descrito por Hockney como siempre un "problema agradable" para un artista - ilumina constantemente tanto el trabajo de Hockney como los otros artistas que su trabajo trae a la mente. 

Diez imágenes del mismo panorama registran los cambios de luz a diferentes horas del día

Si bien Picasso es el artista del que Hockney habla con más frecuencia, Gayford cita con más frecuencia a otro favorito, Van Gogh, a quien le gustaba adjuntar pequeños bocetos a sus cartas de manera muy similar a como lo hace Hockney con sus correos electrónicos. Viviendo en las desaliñadas afueras de Arlés, y algo aislado, Van Gogh simplemente se dedicó a hacer obras de arte memorables y hermosas con lo que lo rodeaba.  La moraleja es que “no es el lugar lo que es intrínsecamente interesante; es la persona que lo mira ”. Después de la primavera, Hockney continuó capturando sus cuatro acres durante el verano y la cosecha y los destellos de las lunas otoñales en anticipación a la primavera de este año.

 Spring Cannot Be Cancelled es una publicación de Thames & Hudson