MUSEOS EN PROBLEMAS

  La exposición holandesa de Vermeer será la última de su tipo'

   Daniel Boffey  

 

 

 

La joven de la perla

 

El Rijksmuseum de Ámsterdam ha anunciado una “primera y última” exposición de todas las pinturas de Johannes Vermeer aptas para viajar, ya que su director afirmó que la creciente rivalidad entre los museos hace que tal cooperación internacional sea poco probable en el futuro.

Se cree que Vermeer, cuya obra más famosa es La niña con un pendiente de perla, que data de alrededor de 1665, pintó 35 obras maestras, de las cuales 23 se mostraron juntas hace 26 años en el Mauritshuis de La Haya.

Taco Dibbits, director del Rijksmuseum, dijo que su institución superaría ese número, pero no esperaba que tal colección fuera posible nuevamente debido a la antigüedad de las obras y la intensa competencia entre las galerías para atraer visitantes.

“Lo que estoy viendo, si miras desde la exposición de 1996, es cada vez más difícil conseguir los préstamos porque Vermeer es un pintor tan icónico”, dijo. “Para los museos, separarse del trabajo de Vermeer es cada vez más difícil. Debido a que es el primero (para el Rijksmuseum), ha creado una especie de sentimiento de que tenemos que hacerlo ahora, ya que brinda la oportunidad de comparar y estudiar las obras juntos.

“La presión sobre los museos para realizar exposiciones es mayor. Cada vez hay más museos en el mundo y las obras del siglo XVII son frágiles. Hay más presión sobre las obras ".

 

Detalle de The Little Street, hacia 1658. Fotografía: Rijksmuseum

Vermeer, que vivió y trabajó en Delft en el oeste de los Países Bajos, es ampliamente considerado como uno de los mejores artistas de la historia con Rembrandt, Van Gogh y Picasso, pero se sabe relativamente poco sobre él o los sujetos de sus pinturas. Apenas era conocido como artista cuando murió a los 43 años en 1675.

La última tecnología en el estudio del arte ha revelado recientemente la extenuante preparación y el esfuerzo que hizo con sus pinturas, y los costosos pigmentos que se utilizaron, lo que explica su relativamente pequeña obra.

 

La lechera, uno de los Vermeers del Rijksmuseum. 

Desde el 10 de febrero de 2023 hasta el 4 de junio de 2023, el Rijksmuseum exhibirá obras maestras como La niña con un pendiente de perla, cedida por Mauritshuis; The Geographer, del Städel Museum de Frankfurt; Señora escribiendo una carta con su criada, de la Galería Nacional de Irlanda en Dublín; y Woman Holding a Balance, de la National Gallery of Art en Washington DC.

 "Mujer con la balanza, 1662-1665".

La recién restaurada Niña leyendo una carta en la ventana abierta, de la Galería de imágenes de los viejos maestros en Dresde, se verá por primera vez en los Países Bajos. Dibbits dijo que se están llevando a cabo negociaciones con los museos para tratar de obtener el máximo número de obras.

“Creo que será imposible tenerlos todos, pero estamos obteniendo muchos, más de los que jamás soñé tener”. “Algunas obras son muy frágiles”.

Dibbits dijo que reunir las pinturas ofrecería una oportunidad para "una generación completamente nueva de investigadores y público que nunca ha podido estudiar Vermeer de esa manera". "Es increíblemente difícil para los investigadores cuando te mueves de un museo a otro para mirar pinturas, tu cerebro ha hecho muchos trucos, es muy difícil de comparar".

El Rijksmuseum tiene cuatro obras maestras de Vermeer, incluidas The Milkmaid y The Little Street.

Martine Gosselink, directora de Mauritshuis, dijo: “La chica del pendiente de perlas' es la chica holandesa más famosa del mundo. Sí, la extrañaremos muchísimo, pero una exhibición de Vermeer sin la niña simplemente no es una exhibición de Vermeer”.

Ver también: https://lamusaencantada.blogspot.com/2018/02/vermeer-y-su-muchacha.html

https://lamusaencantada.blogspot.com/2020/05/vermeer-y-su-muchacha-ii.html

 

DAMIEN HIRST: CHERRY BLOSSOMS

 

Damien Hirst y la belleza fugaz

 Ianko López

 

 

 

La exposición 'Cherry Blossoms' muestra distintas variaciones sobre la idea del cerezo florecido pintadas mediante manchas circulares de color que remiten a lo que hace siglo y medio hicieron Van Gogh, Bonnard o los puntillistas.

 

 

 

 

 

El artista británico presenta ‘Cherry Blossoms’, una exposición de la Fundación Cartier donde, igual por última vez, es él quien pinta. Lo próximo serán robots

Con el pelo teñido de azul celeste, camisa blanca y pantalón rosa, Damien Hirst (Brístol, 56 años) parece él mismo un cerezo en primavera. Que se presente así en la inauguración de Cherry Blossoms (cerezos en flor), su muestra en la Fundación Cartier de París, dice mucho de él: he aquí un hombre dispuesto a honrar su propia creación. La exposición se mantendrá hasta el 2 de enero de 2022. Después, los 30 cuadros que la componen viajarán a distintas colecciones privadas. Todo estaba vendido mucho antes de haberse mostrado al público, como él explica sin darle mucha importancia, con ese acento británico de clase trabajadora que mantiene intacto desde su infancia en Leeds: “Tuvimos que posponer por la pandemia, y en este tiempo hubo gente que vio los cuadros y los compró. Durante el confinamiento, Larry Ellison (fundador de la compañía tecnológica Oracle) vino a mi estudio y solo él se llevó como siete cuadros”.

Cherry Blossoms está compuesta por 107 obras, de las que Hervé Chandès, director general de la Fundación Cartier, hizo una selección. Su nombre la describe sin ironía: son distintas variaciones sobre la idea del cerezo florecido pintadas mediante manchas circulares de color que remiten a lo que hace siglo y medio hicieron Van Gogh, Bonnard o los puntillistas.

Damien Hirst, un hombre dispuesto a honrar su propia creación.

Habrá quien vea un giro hacia lo convencional para un artista que, a principios de los noventa, nada más salir de la escuela de arte Goldsmiths College, ya generaba asombro y horror a partes iguales con piezas como Mil años —una cabeza de vaca en descomposición devorada por moscas y gusanos— o La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo —el cadáver de un tiburón conservado en un tanque de formol—, que lo situaron en el pelotón de cabeza de aquella revolucionaria generación llamada Young British Artists. Pero inmediatamente después de aquello pasó a firmar su colorista serie de pinturas abstractas Visual Candy, un precedente manifiesto de los cerezos que nos ocupan.

Damien Hirst con uno de sus nuevos cuadros de flores de cerezos

“Me encantaría ver una exposición en la que pusieran estos cuadros al lado del tiburón. Casarían muy bien. Los componentes de esos animales son perturbadores, pero también hay en ellos calma y belleza. Con mi arte nunca he querido alejar a la gente ni generar controversia, sino dudas. Quiero que dudes del mundo en el que vives y lo reconfigures, y que eso cambie tu manera de vivir”.

De hecho, los cadáveres de animales y las flores comparten un mismo tema, la muerte, presente en toda su obra. Hablar de la muerte es una forma de hablar de la vida, como entendieron los artistas del Barroco, y como siempre ha hecho Hirst: “Los cerezos dan la sensación de la belleza fugaz. Tengo uno en el jardín en mi casa y todos los años lo veo florecer durante unas pocas semanas. En ese tiempo se juntan la vida y la muerte. De todas las flores, la de cerezo es la más loca, la más desenfrenada. Quizá lo que pretenda al pintarla sea que ese momento dure para siempre”.

‘Excitement Blossom'.

¿Por eso vuelve a la pintura aunque se le reconozca más como artista conceptual? Ni escultor ni artista suenan tan bien como pintor. 

Yo siempre he deseado serlo, pero he tenido miedo a no poder pintar, a no ser capaz de crear esas imágenes en las que creía. Además, se ha asumido la idea de que las pinturas son más valiosas que el coste de sus componentes, lo que no ocurre con la escultura. Cuando hice Por el amor de Dios (una calavera de platino y diamantes, célebre por su millonario coste de producción) todo el mundo me preguntaba cuánto costaban los diamantes o el metal, y decían “¡oh, la está cobrando más cara de lo que valen los diamantes que la componen!”. Pero con la pintura no se hace eso. La Mona Lisa debe de costar como 15 libras hacerla, pero se acepta que vale billones, que no tiene precio. No sé por qué.

¿Y qué opina de quienes dicen que su trabajo está sobrevalorado?

 ¡Que también he estado infravalorado! Hay gente que compró mi trabajo en los noventa e hizo dinero con él, pero otros que compraron 10 años después lo perdieron. Conozco un tipo que estaba comprando y vendiendo mi obra y ganando mucho con ella, y de pronto llegó la crisis y me dijo: “Ay, Dios, he comprado un cuadro del que ahora no me puedo deshacer! ¿Qué hago con él?”. Le respondí: “¡Cuélgalo en la pared!”.

Detalle de ‘Cherry Blossoms’

A Hirst se le ha acusado de montar operaciones dirigidas al mercado, como aquella exposición de 2017 en los palazzi venecianos de François Pinault presidida por un coloso de 18 metros fundido en bronce que la crítica destrozó. Él admite que la cuestión monetaria no le resulta ajena: “Me pongo nervioso si mis obras no dan dinero. Al principio se las vendía a amigos por 50 libras y sabía que me estaban haciendo un favor. Ahora que hay gente dispuesta a pagar tanto por ellas, me siento afortunado. Pero el arte es más importante que el dinero”.

Dicen que es el artista más caro. O el más rico. "Hay pintores más caros, y definitivamente también más ricos. Mi nombre siempre va asociado al uno de. Uno de los más caros. Uno de los más ricos. ¡Los pintores muertos hacen más dinero!"

La Fundación Cartier ha producido un documental donde él aparece pintando con las ropas salpicadas de colores, en un registro performativo que parece vincularlo a cierta estirpe que va desde los impresionistas hasta la action painting de Jackson Pollock. El mensaje es que estos cuadros no solo han salido de la cabeza de su autor, sino también de sus propias manos. Lo que transpira un romanticismo algo anticuado que, contra todo pronóstico, el propio Hirst no duda en desmontar. ¿Marca Cherry Blossoms el futuro de su carrera? “No”, responde tajante. “Cuando hago una cosa, inmediatamente después tengo que hacer la contraria. Ahora he empezado a pintar con robots, programándolos con un ordenador. Me encanta cuando me dicen ‘no pintas tú, pintan tus asistentes’, yo les respondo: ‘Mis asistentes no, ¡pintan mis robots!”.

‘Fantasia Blossom’.

POEMA

 Pienso en ti.

Loreto Sesma

Imagen: Petra Kaindel

Pienso en ti

Te recuerdo en mi cabeza con la autorrecomendación de no dejar

que me empapes el alma,

que solamente te quedes paseando por mis pensamientos.

Llevo arrastrándome tanto por el barro,

que tú me sabes a lino en una piel quemada.

Te diría que eres el conejo blanco

que siguió Alicia para salir de su laberinto

(y meterse en otro).

Eres la boca del lobo

que devoro

con el ansia de quien lleva sin comer meses.

Eres (la) locura

que cometo siendo cuerda

y consciente,

como el cocainómano que busca camino de nieve hacia el cielo

con fugas ya en el tabique.

Despiertas mis instintos olvidados,

como una perra en celo

que se salió de la manada

para cruzarse con un zorro.

Tengo el estómago vacío

y tanta hambre (de ti)

que no me hace falta que me digas "ven"

para que lo deje todo.

STANDING MALE NUDE

 

La pintura de Lucian Freud desmentida por el artista es autenticada por expertos

Dalya Alberge

Desnudo masculino de pie, de Lucian Freud. 

El artista insistió en que no pintó Standing Male Nude, pero tres especialistas han concluido que es obra suya.

Hace casi 25 años, un coleccionista de arte suizo compró una pintura de Lucian Freud, un desnudo masculino de cuerpo entero, en una subasta. Luego recibió una llamada del artista británico, pidiéndole que se lo vendiera. Los dos hombres no se conocían, y el coleccionista se negó cortésmente, ya que le gustaba la imagen.

Tres días después, afirma haber recibido otra llamada de un Freud ahora furioso que le dijo que, a menos que se lo vendiera, negaría haberlo pintado.

El comprador, que desea permanecer en el anonimato, le dijo al Observer: “Él dijo: 'Te daré más de lo que pagaste, lo doblaré'. Lo rechacé y él se puso muy agresivo, con malas palabras. Dijo: 'En ese caso, nunca lo venderá'”. Para su consternación, los herederos de Freud posteriormente se negaron a autenticar el Desnudo Masculino Permanente, y ese podría haber sido el final de una triste historia para el coleccionista.

Ahora, sin embargo, después de años de investigación, se le ha dado un salvavidas. Tres estudios independientes han concluido que es muy probable que Standing Male Nude  haya sido pintado por el maestro del siglo XX.

No solo eso, sino que también se cree que es probable que la pintura sea un autorretrato que Freud puede haber tenido buenas razones para querer ocultar.

Freud, que murió en 2011, es hoy venerado por sus magistrales representaciones de la carne desnuda de otras personas, a menudo con un realismo brutal. Su representación desnuda de tamaño natural de su musa Sue Tilley, conocida como Fat Sue, se vendió en 2015 por 35,6 millones de libras.

Standing Male Nude, un óleo inacabado sobre lienzo que mide 43 cm por 65 cm, fue uno de los artículos de un individuo fallecido en Ginebra subastado en 1997. Fue catalogado como Freud. Con la posterior negación por parte del artista de su autoría, los subastadores no podrían venderlo hoy, tal como predijo Freud.

Después de una extensa investigación, el coleccionista y su amigo Thierry Navarro, un investigador privado, creen que la desesperación de Freud por adquirir el cuadro fue provocada por la vergüenza porque el desnudo masculino parece ser un autorretrato. Visto desde atrás, con el rostro vuelto de perfil, sus rasgos faciales coinciden con fotografías de él.

Aunque Freud era conocido por sus muchas amantes femeninas, se cree que tuvo relaciones homosexuales tempranas. Navarro descubrió que había obras suyas en un piso de Ginebra utilizado en secreto por el artista Francis Bacon y amigos homosexuales, con Freud entre sus visitantes.

Dijo: “Hay un testigo vivo en Ginebra de la comunidad gay. Cuando el coleccionista realizó una exposición privada de sus pinturas en Ginebra, esta persona dijo: "Conozco esta pintura". Explicó que estaba en un piso que usaba Bacon y que Ginebra era una especie de burbuja para la comunidad gay.

“Este testigo sabía de la relación entre Freud y Bacon. Dio muchos detalles. Dijo que Bacon le pidió a Freud que le pintara esto y que Bacon tenía este y otro cuadro en la entrada del piso ".

Navarro también se sorprendió al descubrir un vínculo entre el desnudo masculino pintado y una de las fotografías de atletas desnudos de 1880 de Eadweard Muybridge en un libro titulado "La figura humana en movimiento", cuyas imágenes homoeróticas también se sabe que inspiraron a Bacon: “Freud usó el 'Atleta atrapando una pelota 'de este libro. Si miras en la espalda de la figura, hay un punto que se ha reproducido de la fotografía, lo que significa que hay un vínculo directo ".

Cuando se le preguntó por qué Bacon había dejado la pintura en Ginebra, Navarro especuló que la pareja pudo haber tenido una pelea y tomar caminos separados, con Bacon abandonando la pintura.  Concluyó: "Freud probablemente mintió sobre esta pintura porque le resultaba vergonzoso y probablemente preferiría destruirla en lugar de verla en manos de alguien que intenta venderla en el mercado".

El Dr. Nicholas Eastaugh, un destacado experto británico en análisis científico de pinturas, tomó pigmentos minúsculos y los comparó con datos de la Tate de pinturas de Freud autenticadas. Sus pruebas también incluyeron el uso de imágenes infrarrojas para revelar un dibujo preliminar de acuerdo con otros Freud. Concluyó: "Hemos encontrado en el trabajo presentado aquí tanto un resultado comparativo positivo con Freud como una ausencia de indicadores negativos para su autoría de Standing Male Nude ".

 El historiador de arte Héctor Obalk estudió la pintura y, en su informe, señaló que “la forma en que se representa la carne es bastante típica del artista”. Concluyó: “En mi opinión, es cierto que el autor de los gestos pictóricos necesarios para la ejecución no puede ser otro que Lucian Freud, en la medida en que reconozco su mano”.

Otro estudio fue realizado por la Dra.Carina Popovici, científica y cofundadora de Art Recognition, una empresa suiza con sede cerca de Zurich, cuyas pruebas científicas emplean tecnología de inteligencia artificial innovadora. Ella dijo: "Nuestra IA ha clasificado partes de la pintura como de la mano de Freud con una puntuación alta, un resultado positivo de hasta el 95%, y esto podría implicar que la superficie restante fue pintada por otra persona".

Navarro dijo: “Esta es una pintura única que une a dos maestros: Bacon y Freud. Merece estar en un museo ”. En 2016, se atribuyó al artista un cuadro de Freud temprano, a pesar de sus propias negaciones de que lo pintó. Al parecer, el artista se había negado a reconocer el trabajo porque originalmente era propiedad de Denis Wirth-Miller, un artista con quien Freud tenía una disputa de larga data.

Los herederos  de Freud se negaron a comentar.

 

A FIJARSE EN CASA

 

Invaluable mosaico romano como mesa de café en un apartamento de Nueva York

 

 

 

El arquitecto Dario del Bufalo asiste a la exposición del mosaico Calígula en el Museo delle Navi Romane en Nemi, Italia. Fotografía: Ernesto Ruscio / Getty Images

 

 

Mosaico perdido por encargo del emperador Calígula desapareció del museo italiano durante la segunda guerra mundial

Un mosaico romano de valor incalculable que alguna vez decoró un barco utilizado por el emperador Calígula se utilizó durante casi 50 años como mesa de café en un apartamento de la ciudad de Nueva York .

Dario Del Bufalo, un experto italiano en piedra y mármol antiguos, describió cómo encontró el mosaico en una entrevista con 60 Minutes de CBS el domingo.

En Nueva York en 2013, Del Bufalo dio una conferencia y firmó copias de su libro, Porfirio, sobre la roca de color púrpura rojizo muy utilizada por los emperadores romanos. El libro incluía una imagen del mosaico perdido hace mucho tiempo, que una vez formó parte de un piso en uno de los dos enormes "barcos de fiesta" comisionados por Calígula para flotar en un lago cerca de Roma y hundido cuando el emperador fue asesinado.

El mosaico y otras antigüedades se recuperaron del lago en la década de 1930 y se encuentran en un museo junto al lago. En 1944, cuando los nazis se retiraron de Italia, los barcos y muchos otros tesoros fueron quemados.

Casi 70 años después de eso, mientras firmaba copias de su libro, Del Bufalo escuchó a un hombre y una mujer decir que la mujer tenía el mosaico que estaban mirando en la página. “Había una señora con un chico joven con un sombrero extraño que se acercó a la mesa”, dijo Del Bufalo a CBS . “Y él le dijo, 'Qué hermoso libro. Oh, Helen, mira, ese es tu mosaico. Y ella dijo: 'Sí, ese es mi mosaico' ".

Mosaico: Detalle

Del Bufalo localizó al joven, quien confirmó que “Helen” tenía el mosaico en su apartamento de Manhattan.  Ella era Helen Fioratti, marchante de arte y dueña de una galería. Según una entrevista que concedió al New York Times en 2017, ella y su esposo, un periodista italiano, compraron el mosaico a una familia noble italiana en la década de 1960. Cuando llegó a Nueva York, la pareja lo convirtió en una mesa de café.  "Fue una compra inocente", dijo Fioratti al Times. "Era nuestra cosa favorita y la tuvimos durante 45 años".

La oficina del fiscal de distrito de Manhattan dice que la evidencia sugiere que el mosaico fue robado, posiblemente durante la Segunda Guerra Mundial. Regresado a Italia, se exhibió en el Museo de Barcos Romanos en Nemi en marzo de este año.

“Sentí mucha lástima por ella”, dijo Del Bufalo sobre Fioratti, “pero no pude hacer nada diferente, sabiendo que a mi museo en Nemi le falta la mejor parte que pasó por los siglos, por la guerra, por un incendio, y luego a través de un marchante de arte italiano, y finalmente podría volver al museo.""Eso es lo único que sentí que debería haber hecho".

Del Bufalo dijo que quería hacer una copia del mosaico para que Fioratti lo guardara en su apartamento.

"Creo que mi alma se sentiría un poco mejor", dijo.

 

ETEL ADNAN

 

Etel Adnan en imágenes y palabras

Etel Adnan: El peso del mundo en la Serpentine Gallery, Londres, 2016

Poeta y artista mantuvo sus vínculos con Oriente Medio a lo largo de su vida.

Si la poesía y la prosa de Etel Adnan se caracterizan por su lúgubre evocación de la turbulenta historia de su nativa Líbano, a menudo vista a través de los ojos de un emigrado, entonces su pintura, por la que encontró fama más tarde en la vida, estaba impregnada de un alegre sentido del color. Para Adnan, que murió a los 96 años, las dos disciplinas eran complementarias.

“Mi escritura es bastante pesimista, debido al ángulo de la historia en el que me involucré”, dijo. “Las palabras son sociales. Creo que es más natural si un evento te molesta expresarlo con palabras. El arte también es una especie de lenguaje, pero es un lenguaje de sentimientos. Cuando pinto, soy feliz ”.

XLIV de The Arab Apocalypse fue típico de su trabajo escrito: “¿Dónde quieres que residan los fantasmas? / En nuestras horas de vigilia hay flores que producen pesadillas / Quemamos continentes de silencio / el futuro de las naciones ”.

Publicado por primera vez en francés en 1980, pero comenzado cinco años antes cuando se gestaba la guerra civil libanesa, el poema de un libro destilaba la violencia que envolvía al país en versos breves y elegíacos. Su publicación siguió al éxito de Sitt Marie Rose (1977), una novela basada en la vida de Marie Rose Boulos, una mujer ejecutada por una milicia cristiana durante el conflicto, también escrita en francés en París después de que Adnan había huido de Beirut, y que ganó el premio France-Pays Arabes.

 

Adnan en su estudio de París, 2015.

Al igual que The Arab Apocalypse, las obras posteriores, incluida la colección de ensayos De ciudades y mujeres (Letters to Fawwaz, 1993) y la colección de poesía In the Heart of the Heart of Another Country (2005), ambas escritas en inglés, abordaron la tensa política de el medio Oriente.

La pintura

Etel Adnan, la artista descubierta a los 87 años 

A pesar de que su pintura recibió reconocimiento internacional solo en la última década, (A sus 86 años) Adnan en realidad comenzó a hacer arte a fines de los años 50, en parte para escapar del idioma francés, un movimiento en solidaridad con los argelinos que luchan por la independencia. “De repente, y de manera bastante violenta, me volví consciente de que había tomado partido de manera natural y espontánea, que era emocionalmente un participante en la guerra y me molestaba tener que expresarme en francés… No necesitaba usar palabras, sino colores. y líneas ".

Luego vivió en los Estados Unidos después de graduarse, enseñando en una pequeña universidad en California. Lo que ella comenzó en este entorno es revelador: sus lienzos son ejercicios para capturar los tonos vivos de la costa oeste, en los que los bloques de color chocan entre sí en composiciones que se balancean entre la abstracción y el paisaje.

Autumn in Yosemite Valley 

En Otoño en el valle de Yosemite (1964), una masa geométrica de rojo estacional a la derecha del lienzo se refleja en varios tonos de amarillo y naranja a la izquierda. Cuadrados toscamente formados de pintura al óleo verde y violeta, aplicados con golpes firmes de una espátula, interrumpen el centro de la obra, atrayendo la atención. Los orbes fueron una presencia constante en su pintura hasta el final, actuando como soles brillantes y signos de puntuación.

Cuando regresó definitivamente a los Estados Unidos en 1979, y se instaló con su pareja, la artista y ceramista libanesa Simone Fattal, en la ciudad de Sausalito, el cercano monte Tamalpais se convirtió en su musa. Una gran pintura de 1985 titulada después del hito muestra un primer plano color melocotón que se extiende hasta un pico gris contra un hermoso cielo azul. “Esa montaña se convirtió en mi mejor amiga”, dijo. “Era más que una hermosa montaña: entró en mí, existencialmente, y llenó mi vida. Se convirtió en un poema en torno al cual me orienté ”.

 

Le Poids du Monde 1-20, 2016, de Etel Adnan. 

Etel nació en Beirut de Assaf Kadri, un sirio que había servido como oficial superior en el ejército otomano, y Rose Lacorte, conocida como Lily, una mujer griega cuya ciudad natal de Esmirna había sido destruida por el ejército de Kemal Atatürk tres años antes. Assaf se había entrenado en la misma academia militar que el padre fundador de Turquía. Más tarde cambió el apellido de la familia a Adnan, que era el nombre de pila de su padre.

A los cinco años, Etel asistió a una escuela de lengua francesa dirigida por monjas, antes de asistir a la École Supérieure de Lettres de Beyrouth. Con su padre desempleado al final del imperio, fuera del horario escolar, Etel trabajó en la Oficina de Información Francesa. Inspirada por Charles Baudelaire, Gérard de Nerval y Arthur Rimbaud, comenzó con sus primeros poemas.

A los 24 años recibió una beca de la Sorbona, trasladándose a París para estudiar filosofía, antes de dirigirse a los Estados Unidos en 1955 para continuar la asignatura en la Universidad de California, Berkeley, y posteriormente en la Universidad de Harvard. De 1958 a 1972 enseñó filosofía del arte en la Universidad Dominicana de California, una pequeña universidad en San Rafael en la Bahía de San Francisco, y fue en parte para poner en práctica la teoría que estaba enseñando, así como la lucha argelina, que la llevó a pintar.

Fue otra guerra la que la hizo volver a escribir, esta vez en inglés. The Ballad of the Lonely Knight in Present-Day America, un poema anti-Vietnam, fue publicado en la revista SB Gazette en 1965. Al año siguiente publicó su primera colección, Moonshots. Se unió a Escritores estadounidenses contra la guerra de Vietnam y, en el camino, se politizó hacia la causa palestina. En su poema Jebu de 1973 escribe sobre el conflicto: “El corazón innoble sangrando por haber caminado / sobre alambres de púas / buscando comida en los arbustos / un exilio que no tiene fin sino en el desgaste / de las celdas del pueblo”.

 

Adnan comenzó a utilizar la caligrafía en su trabajo en la década de 1970

Ella había regresado a Beirut en 1972 - “una exiliada de un exilio” - y se convirtió en editora de cultura del periódico Al Safa, donde a menudo se desvió más allá de las artes y pasó a la política. Cubriendo una conferencia, publicó el titular: "Fueron necesarios tres políticos para decir tonterías durante tres horas". Tales burlas eran peligrosas. En 1974 el periódico cerró, la editora había desaparecido y ella pasó a ocupar un puesto similar en L'Orient le Jour. Fue en Beirut donde conoció a Fattal, y en 1977 la pareja escapó a París, antes de mudarse a los Estados Unidos.

Viajando regularmente a Marruecos, Túnez, Jordania, Siria y de regreso al Líbano a lo largo de su vida, en los años 70 comenzó a copiar poesía en árabe con la intención de integrar la caligrafía en su trabajo. El resultado fue una serie de libros de concertina, “leporellos”, producidos a lo largo de los años 80 y 90, en los que escribía a mano poemas compuestos por amigos, complementados con ilustraciones en acuarela y tinta, o simplemente repetía líneas discretas repetidamente, como mantras. Cuando era niña hablaba árabe con su padre, pero ella, dijo, era “una extraña y nativa” del idioma y nunca compuso su propio trabajo con él.

Aunque solo había tenido cuatro exposiciones a pequeña escala anteriormente, en 2012 una colección de sus pinturas se incluyó en la exposición cuatrienal Documenta en Kassel, Alemania. Dos años después, White Cube en Londres organizó una muestra de su trabajo y en 2016 las Serpentine Galleries le dieron su primera retrospectiva, que incorporó tapices junto con las pinturas. Su trabajo se encuentra actualmente expuesto en el Guggenheim de Nueva York.

De la atención recién descubierta dijo: “La pasé muy bien, trabajando en mi rincón, como dirías. Luego mostré con Documenta y me di a conocer de la noche a la mañana. Fue divertido, porque todos los reportajes de los periódicos comenzaban con mi edad ”.

 

Etel Adnan falleció el 14 de Noviembre pasado a los 96 años.