UCRANIA EN LA BIENAL DE VENECIA

 

'Estamos luchando por nuestra cultura': artistas ucranianos en la Bienal de Venecia

Charlotte Higgins

 

 

 

Venice Biennale 2022

 

Pavlo Makov se mostró reacio a dejar Kharkiv, pero después de dormir en un refugio antiaéreo durante una semana, decidió que tenía que representar a Ucrania.

“La idea de Rusia es eliminar Ucrania y eliminar la cultura ucraniana. Si no tiene cultura, Ucrania no existe”.  Ese fue el sentimiento que impulsó a Pavlo Makov, el artista ucraniano oficial de la 59 Bienal de Venecia, a viajar a Italia para instalar su exposición.

Makov y su equipo, incluida la curadora Maria Lanko, estaban decididos, dijo Pavlov, a “mostrar que estamos aquí y existimos. No estoy citando a Churchill directamente, pero habló sobre las cosas por las que estamos luchando, y estamos luchando por nuestra cultura, nuestra forma de ver el mundo”.

El trabajo de Makov se llama Fuente del agotamiento: una pirámide de 78 embudos de bronce colocados en niveles, a través de los cuales fluye el agua. La idea original surgió en 1995, cuando, debido a graves inundaciones, la ciudad de Kharkiv se quedó sin suministro de agua durante varias semanas.

 

Max está en la serie Army (2022) de Lesia Khomenko. Fotografía: David Levene

Cuando comenzó la invasión el 24 de febrero, Lanko se subió a su automóvil, con las chimeneas de bronce en el maletero. Seis días después, con las carreteras bombardeadas y las carreteras secundarias atascadas, llegó a la frontera. En Milán, encontró un fabricante que podía recrear las partes de la obra de arte que no había podido llevarse.

Makov describió cómo él y su familia inicialmente se habían mostrado reacios a abandonar Kharkiv, a pesar de un período aterrador en febrero cuando “la vida era como un péndulo que se balanceaba primero de esta manera y luego de esa: ¿comenzará la guerra? Sí o no."

Después de una semana durmiendo en un refugio antiaéreo debajo del centro de artes de la Universidad de Kharkiv, él, su esposa, algunos amigos cercanos, su madre (y sus gatos) se pusieron en camino. Una vez que su madre se instaló a salvo en Viena, partió hacia Venecia. “Sentí que no soy tanto un artista o un individuo, sino más bien un ciudadano de Ucrania. Sentí que Ucrania tiene que estar representada”, dijo.

 

Pavlo Makov con su obra de arte Fuente del agotamiento en el pabellón de Ucrania en Venecia.

 Fotografía: David Levene

El equipo también está organizando la Piazza Ucraina, un pabellón temporal en la sede principal de la Bienal, los Giardini, que albergará charlas “centradas”, dijo Lanko, “en descolonizar Ucrania de Rusia y dar importancia a la cultura ucraniana”.

Mientras tanto, la escritora y artista Yevgenia Belorusets pasó los primeros 40 días de la guerra durmiendo (o mejor dicho, no durmiendo) en un pasillo de su casa de Kiev, lo más lejos posible de cualquier cristal que pudiera romperse, “con mi computadora y en coche, un teléfono cargado, un pasaporte y documentos a mi lado”.

Su diario de guerra, acompañado de sus sencillas fotografías, se mostrará en This is Ukraine, una exposición colateral oficial de la Bienal de Venecia. El lugar del espectáculo, la espectacular Scuola Grande della Misericordia, está adornado con carteles azules y amarillos con las palabras "Estamos defendiendo nuestra libertad" escritas a mano por el presidente, Volodymyr Zelenskiy. La exposición está financiada por el oligarca ucraniano y donante de arte, Victor Pinchuk.

 

Un cartel con un mensaje del presidente Volodymyr Zelenskiy en Esto es Ucrania: Defendiendo la libertad en Venecia. Fotografía: David Levene.

Los rusos, por el contrario, brillan por su ausencia. Su pabellón nacional en una de las sedes principales de la Bienal, los Giardini, está vacío después de la renuncia de su equipo. El martes, un guardia armado patrullaba el edificio, propiedad del estado ruso. También está ausente el yate de 377 pies de Roman Abramovich, una vista habitual en años anteriores.

Además del diario de Belorusets, Esto es Ucrania incluye las enormes pinturas de Lesia Khomenko de hombres comunes transformados de sus vidas habituales (químico, digamos, o consultor de TI) en soldados. Las instalaciones de Nikita Kadan utilizan fragmentos de metal arruinado y retorcido que recogió tanto del conflicto en Donbas en 2014 como de las calles en la guerra actual.

Una pared está cubierta con más de 300 fotografías de madres de hombres que perdieron la vida en la guerra de 2014. Damien Hirst ha contribuido con una pintura de mariposa azul y amarilla.

“El frente cultural también es un frente”, dijo Björn Geldhof, director del Centro de Arte Pinchuk en Kiev. “Hay soldados defendiendo nuestra libertad todos los días. No todos somos soldados, pero todos tenemos una tarea y una misión”.

Pinchuk hizo su fortuna con las tuberías de acero en los años posteriores al colapso de la Unión Soviética. Es yerno del segundo presidente postsoviético del país, Leonid Kuchma, cuyo régimen fue acusado reiteradamente de corrupción. Esta es Ucrania ocupa este año el lugar del premio de arte Future Generation, que la fundación de Pinchuk organiza cada dos años en Venecia desde 2010.

 

EVERLYN NICODEMUS, LA INDOMABLE

 'Me dijeron que era un salvaje' – la imparable pintora Everlyn Nicodemus

Lanre Bakare

'No tenía frenos en la boca'... Everlyn Nicodemus y su obra en la galería Richard Saltoun. 

Creció a la sombra del Kilimanjaro y nunca conoció el racismo hasta que se mudó a Europa. A medida que la 'artista clandestina' finalmente obtiene lo que le corresponde, recuerda una vida rica vivida desafiando las convenciones.

Esa noche, cuando su hija estaba arropada y su esposo se había quedado dormido, Everlyn Nicodemus se dirigía a su estudio, encendía las luces y comenzaba a pintar en el silencio. Como una escena de Parasite de Bong Joon-ho, creaba arte nocturno en su casa en Åkersberga, un suburbio de Estocolmo, mientras el mundo exterior dormía. De día era madre, profesora y alumna de swahili; de noche un artista clandestino.

Cuarenta años después, nos reunimos en el sótano de la galería Richard Saltoun en el Mayfair de Londres. Mientras Nicodemus baja las escaleras, alguien le pregunta cómo está. "Todavía no estoy muerta", dice inexpresiva, antes de sentarse y de repente cobrar vida. La verdad es que no está para nada decaída: es un hilo vivo, con historias para días y opinión sobre todo.

Las paredes están cubiertas con sus pinturas: obras vívidas a gran escala que combinan el simbolismo religioso y los elementos figurativos y la han descrito como "una de las voces feministas más fuertes que han surgido en África Oriental en los últimos 30 años". Todo el piso de arriba también está dedicado a su trabajo. Nicodemus no solo está viva sino que prospera, teniendo un renacimiento profesional a medida que se acerca a los 70 años.

Nació en 1954 en Marangu, la ciudad de Tanzania que es el punto de partida para la mayoría de las personas que escalan el Monte Kilimanjaro. Desde muy temprana edad, Nicodemus emprendería sus propias expediciones filosóficas que a menudo la pondrían en desacuerdo con las figuras de autoridad. En la iglesia, preguntó a los sacerdotes sobre las inconsistencias en sus enseñanzas; una vez amenazó con abandonar la iglesia luterana e ir a la católica más adelante para ver si podía obtener respuestas. Era tan franca que su padre solía preocuparse de que se metiera en peleas. “Solía decirle a todo el mundo que le gustaría tener un bolsillo grande para poder llevarme a todas partes para protegerme”, dice ella. “Porque no tenía frenos en la boca. Le digo a la gente exactamente lo que siento”.

'Cuando llegué a Suecia, fue la primera vez que me miré la piel y dije: 'Ah, soy negra''... Everlyn Nicodemus. 

Nicodemus atribuye su enfoque pugilístico de la vida a su abuela, Makuna, quien crió a la artista y a sus hermanos en un hogar sin una figura de autoridad masculina (sus padres vivían en otra parte de la ciudad). Niños y niñas serían tratados por igual en la casa de Makuna. Se produjo una rotación para la recolección de agua y se esperaba que todos hicieran su parte. Eso podría parecer un sistema igualitario simple, pero era radicalmente diferente a la tradición patriarcal Chagga en la que crecieron la mayoría de los niños, e inculcó en Nicodemus un sentido del bien y el mal, y de cómo era la igualdad. “Mi abuela no se llamaba a sí misma feminista”, dice. “Para ella, era existencial”.

Cuando se fue a vivir con sus padres, se oponía a que le dijeran que tenía que servir a los demás. “Yo no encajaba. Porque aquí, de repente, mi madre me dice: 'Hazle el desayuno a tus hermanos'”. A esto, ella respondía: “Bueno, lo hice ayer. Mañana me van a preparar el desayuno”.

Tales actos de desafío se han convertido en un tema recurrente en la vida de Nicodemus. Cuando era adolescente, ingresó a la escuela de formación docente, pero luego conoció a su primer amor y se fugó con el hombre que se convertiría en su esposo: un economista sueco de una familia acomodada que trabajaba en Tanzania. Se casaron y después de que terminó su contrato de dos años, la pareja regresó a Suecia, donde tuvieron una hija, Carolina.

Su relación con Suecia se ha agriado con los años. Pasó 14 años allí, dominando el idioma y criando a su hija antes de irse a Francia, luego a Bélgica, y finalmente se instaló en Escocia en 2008. Antes de que comience la entrevista, me pasa una nota que tiene una breve lista con viñetas con entradas que incluyen: “Me niego a ser prisionera del racismo, el sexismo y el pasado… El capítulo sueco de mi vida está cerrado”.

Nicodemus llegó a Suecia en 1973 y se encontró con el racismo por primera vez en su vida. “Esa noción no estaba en mi cabeza”, dijo. “Incluso cuando me casé con el hombre blanco, no pensé en el hecho de que era de un color diferente. Simplemente no tenía sentido para mí. Yo era igual, igual que cuando estaba creciendo. Nunca hubo esta noción de que yo era inferior . Entonces, de repente, me están diciendo que yo era negra, una salvaje e incivilizada”.

En un intento por comprender a qué se enfrentaba, Nicodemus decidió estudiar antropología social. Pero en la universidad, quedó impactada por las actitudes eurocéntricas y reduccionistas que los europeos tenían hacia sus súbditos, especialmente los africanos. “Yo no sabía acerca de la 'otredad'. Cuando llegué a Suecia, fue la primera vez que miré mi piel y dije: 'Ah, soy negro'”.

Nicodemus estaba orgulloso de Marangu: su familia tenía educación; su pueblo tenía una galería y un centro de formación de profesores; su padre era artesano, carpintero que reparaba iglesias luteranas. La obsesión con el llamado África primitiva era un anatema para ella, por lo que decidió cambiar las tornas. “Le dije a mis profesores que creo que las personas que necesitan ser estudiadas son ustedes, los antropólogos. Voy a estudiarte, lo que significa que vas a ser mi espécimen”. ¿Que dijeron? “No podían creerlo”.

'Madre, amante, amiga, hija'... Jälvporträtt, Åkersberga, el autorretrato de 1982 adquirido por la National Portrait Gallery. Fotografía: National Portrait Gallery, Londres/cortesía de Richard Saltoun Gallery

Cada vez que Nicodemus cuenta una de estas historias, va acompañada de una risa que comienza como un murmullo bajo, casi inaudible, y se convierte en una risita aguda que a menudo la deja doblada. Habla en serio sobre los prejuicios que enfrentó, pero claramente se deleita con las travesuras que causó, viendo el lado divertido del doble rasero desesperado de quienes la rodean.

Decidió regresar a Tanzania para que Carolina pudiera conocer a su familia y la cultura Chagga. En 1980, Nicodemus comenzó a pintar por primera vez, después de tomar clases de dibujo los fines de semana. Después de dos lecciones, hizo un anuncio: “Dije: '¿Sabes qué? Dentro de seis meses voy a exponer en el Museo Nacional de Dar es Salaam.' Sus amigos dijeron que estaba loca, pero Nicodemus hablaba en serio. Comenzó a pintar y una vez que tuvo 60 obras se acercó al director del museo de Tanzania. “Dije: 'He venido aquí con mis obras de arte y poemas, y quiero que se exhiban en este museo. Las obras están aquí, yo estoy aquí y no me muevo hasta que mires mi arte.' Se rió y dijo: '¿Podemos tomar una taza de té primero?'”.

Al director le gustó su trabajo y le regaló una exposición tal como ella lo había previsto. Las pinturas, y la poesía que creó que se sentó junto a ellas, surgieron de forma natural. No estaba el bagaje racial de la antropología. “Descubrí que, cuando estaba haciendo arte, me sentía yo misma”. “Esta era mi identidad”.

Después de divorciarse de su primer marido, conoció y se casó con el historiador de arte, productor de televisión y crítico sueco Kristian Romare , quien la apoyó económicamente para que pudiera concentrarse en su arte y poesía a tiempo completo. Nicodemus combinó sus habilidades antropológicas con su práctica artística, utilizando su nueva libertad para entrevistar a mujeres y preguntarles sobre sus vidas: trabajadoras sexuales, limpiadoras y médicas: nadie fue excluido o considerado indigno.

El resultado fue Mujeres en el mundo, que vería a Nicodemus viajar a Dinamarca, Tanzania y Bengala Occidental para hacer entrevistas y producir pinturas inspiradas en sus conversaciones. “Reuní más de 50 horas de cinta sobre lo que es ser mujer”. “Empecé contándoles todo sobre mí, desde mi infancia hasta los problemas laborales que enfrenté, el racismo y el sexismo. Debido a mi franqueza, se abrieron. Hablaron de incesto, violación, abortos, felicidad”. Siguieron más trabajos sobre el trauma, como Silent Strength, una colección de mujeres sin rasgos, a menudo en parejas, que “aborda el triunfo del espíritu humano sobre el sufrimiento”; y el Pergamino de referencia sobre genocidio, masacres y limpieza étnica de 2004, un pergamino de 16 metros de largo que documenta genocidios y limpiezas étnicas.

Disfrutando de las travesuras... Nicodemus en Richard Saltoun. 

Después de la muerte de Romare en 2015, Nicodemus se volvió a capacitar como enfermera y comenzó a trabajar en un hogar para ancianos en Edimburgo. Algunos pacientes tenían demencia y podían ser violentos. No era raro que volviera a casa con moretones en los brazos y las muñecas después de un turno de 12 horas. Estaba luchando para sobrellevar la situación y las facturas comenzaron a acumularse. Luego, el galerista Richard Saltoun se acercó a ella y presentó a Nicodemus en la Feria de Arte Africano 1-52 en 2021, donde fue una de las revelaciones de la feria, a pesar de haber tenido su primera exposición individual en 1980.

“No me estoy haciendo más joven”. “Así que fue el momento justo en que me descubrieron, porque creo que ya no podía más”. El interés significaba que no tenía que preocuparse por pagar sus facturas, dejándola pintar cuando quisiera y sin necesidad de trabajar en el hogar de cuidado.

Fue una de las pinturas originales creadas en 1982 en Suecia que traería a Nicodemus su mayor éxito hasta la fecha. En marzo de 2022, su obra Självporträtt, Åkersberga se convertiría en el primer autorretrato pintado por una artista negra en ser adquirido por la National Portrait Gallery . “No podía creerlo”, recuerda. Ese momento fue la culminación de un viaje que comenzó en las faldas del Kilimanjaro. Sorprendentemente, la obra fue creada solo dos años después de que comenzara a pintar. Una reflexión sobre los diversos roles que se esperaba que desempeñara (madre, amante, amiga, hija); es una rara mirada interna a una artista que en su mayoría trata de comprender a los demás. Además de la exposición individual en Richard Saltoun y la adquisición de la National Portrait Gallery, también le acaban de ofrecer una beca en Princeton.

Entonces, ¿piensa ella que todo el desafío finalmente ha valido la pena? “Supongo que nunca aprendí cuál es mi lugar”, se ríe.

Everlyn Nicodemus está en Richard Saltoun Gallery, Londres , hasta el 28 de mayo.

LA MADONA DEL PARTO

Disputa sobre un fresco del maestro renacentista Piero della Francesca 

La Madonna del Parto, de Piero della Francesca, representa a una Virgen María embarazada. Fotografía: Ivan Vdovin/Alamy

El alcalde de Monterchi, Toscana, rechaza el fallo del tribunal de que la pintura de Piero della Francesca se devuelva a la capilla en la cima de una colina

Una disputa de 30 años sobre un fresco del maestro renacentista Piero della Francesca no muestra signos de disminuir después de que un tribunal italiano dictaminó que debe devolverse al lugar donde se pintó originalmente, a pesar de que ese lugar ahora sirve predominantemente como cementerio.

La Madonna del Parto representa a una Virgen María embarazada y es considerada una de las mejores obras del Renacimiento. Terminado alrededor de 1460, se cree que della Francesca hizo las obras, in situ, para adornar una pared detrás del altar de la Capilla de Santa Maria di Momentana en Monterchi, un pueblo en lo alto de una colina en el área de Arezzo en la Toscana.

La pared y su fresco sobrevivieron a un devastador terremoto en 1785. Posteriormente, la pintura se desprendió de la pared y se exhibió en un altar-nicho en la capilla reconstruida, cuyo tamaño se redujo significativamente para dar paso a un cementerio. Fue atribuido a della Francesca solo en 1889 y sobrevivió a otro terremoto en 1917 antes de ser restaurado y trasladado en 1992 al edificio de una antigua escuela en Monterchi que se había convertido en el museo Madonna del Parto.

El traslado al museo, que hoy atrae a unos 40.000 visitantes al año, algunos de ellos peregrinas que buscan protección durante su embarazo, desató una enredada batalla legal por la ubicación del cuadro entre el ayuntamiento de Monterchi, la diócesis local, las autoridades regionales y el ministerio. de Cultura. La pelea entró en una nueva etapa cuando el Consejo de Estado, el tribunal administrativo más alto de Italia, dictaminó recientemente que se devolviera la pintura a su hogar original.

Alfredo Romanelli, alcalde de Monterchi, argumentó que la pequeña capilla, ubicada ligeramente en las afueras del pueblo y reconstruida nuevamente en 1956, ya no existe en su forma original. “Poner el símbolo de la natividad en un cementerio de las afueras, entre 3.000 tumbas, no me parece buena idea”, dice a La Stampa. “Se necesita algo de imaginación”.

Romanelli agregó que la capilla no es adecuada para la obra maestra debido a la luz y no tiene espacio suficiente para acomodar a los turistas.

Después de que se planteó en el parlamento la cuestión sobre la idoneidad del entorno de la capilla, Romanelli fue convocado para reunirse con la viceministra de cultura, Lucia Bergonzoni, el 20 de abril. Dijo que no podía comprender la decisión “sin sentido” de la corte y cuestionó quién estaba detrás.

Vittorio Sgarbi, crítico de arte y diputado con estrechos vínculos con el ex primer ministro Silvio Berlusconi, dijo que era una buena oportunidad para que la obra fuera trasladada de un lugar “vagamente clínico” al lugar donde fue producida, argumentando que la La capilla podría ampliarse para dejar espacio para el "turismo religioso".

Se cree que Della Francesca hizo la pintura en honor a su madre, Romana di Pierino, que era de Monterchi.

RUSIA Y EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Galerías vacías y artistas en fuga: la desvinculación cultural de Rusia con Occidente

Pjotr ​​Sauer y Andrew Roth

El centro de arte contemporáneo GES-2 a orillas del río Moskva en Moscú. 

Un sábado reciente de abril, los moscovitas paseaban por el GES-2, un enorme centro de arte nuevo construido en una central eléctrica en desuso a unos pasos del Kremlin. Pero los invitados que visitaron el centro de 54.400 metros cuadrados, diseñado por el pionero arquitecto italiano Renzo Piano, se enfrentaron a un problema difícil de pasar por alto: el arte estaba ausente.

 

El artista ruso Evgeny Antufiev, que pidió que sus obras fueran retiradas del GES-2.

“No es el momento del arte contemporáneo cuando la gente muere y la sangre se derrama. No podemos fingir que la vida es normal”, dijo Evgeny Antufiev, un artista ruso que pidió que se retiraran sus obras del GES-2 poco después de que Rusia invadiera Ucrania el 24 de febrero.

A finales del año pasado, Vladimir Putin recorrió el museo GES-2 junto a Leonid Mikhelson, uno de los empresarios más ricos del país, quien financió la multimillonaria construcción del centro.

Las cámaras siguieron a Putin mientras observaba el trabajo del artista islandés Ragnar Kjartansson, quien inauguró el tan esperado GES-2 con Santa Bárbara: una escultura viviente, una pieza teatral que examinó la relación entre Rusia y los EE. UU.

 

Vladimir Putin, segundo a la derecha, y Leonid Mikhelson, a la izquierda, visitan el centro de artes GES-2 en Moscú en diciembre 

Pocos lugares ahora parecen personificar mejor el desacoplamiento cultural de Rusia de Occidente que los grandes muros vacíos de GES-2, creado como la respuesta de Moscú a la Tate Modern.

“Necesitamos acabar con esta ilusión de que las cosas volverán a ser como eran antes de la guerra. Beber cócteles en las inauguraciones de arte mientras matan a la gente se siente criminal”, dijo Antufiev.

Otros artistas y curadores rusos y extranjeros, incluido Kjartansson, se distanciaron rápidamente del GES-2 cuando quedó claro que el museo no iba a utilizar su plataforma para oponerse a la invasión de Rusia.

 

Francesco Manacorda, ex director artístico de la Fundación VAC: 'Sabes que hacer una declaración contra la guerra tiene consecuencias legales'. 

“Después de la invasión, mucha gente le pidió a la institución que tomara una posición más prominente, como si las instituciones escribieran cartas abiertas diciendo que GES-2 y otros museos deberían decir algo, pero en realidad es una amenaza para su propia existencia”, dijo Francesco. Manacorda, el ex director artístico de la Fundación VAC en Moscú que administra GES-2, quien renunció poco después de que comenzara la guerra.“Me imagino que (exhibir obras contra la guerra) está fuera de discusión. Sabes que hacer una declaración contra la guerra tiene consecuencias legales”

El parlamento de Rusia aprobó el mes pasado una ley que impone una pena de cárcel de hasta 15 años por difundir noticias "falsas" sobre el ejército en Ucrania.

Otro edificio que permanecerá vacío en las próximas semanas es el pabellón nacional de Rusia en la Bienal de Venecia. El pabellón, construido justo antes de la Revolución Rusa de 1917, es tradicionalmente un lugar de encuentro para gran parte de la élite política y cultural de Rusia, que viaja ansiosamente a Venecia para ser visto en posiblemente la exposición más prestigiosa del mundo.

Días después de que Rusia invadiera Ucrania, dos artistas rusos declararon que no podían representar a su país en el pabellón, mientras que su curador nacido en Lituania, Raimundas Malašauskas, renunció.

“Cuando comenzó la guerra, nos quedó claro que no podemos estar en Venecia porque es el pabellón de la Federación Rusa. E incluso en una especie de término medio, como Venecia, en suelo italiano, todavía está subordinado al ministerio de cultura ruso”, dijo Malašauskas.

Marat Gelman, un veterano coleccionista de arte ruso, dijo que a medida que la guerra se prolongue, solo aquellos artistas rusos que protestaron abiertamente contra ella en su arte serían bienvenidos en Europa.“Los artistas deberían protestar contra la guerra en su trabajo o quedarse callados. No creo que haya ningún espacio para el compromiso”.

En los primeros días de la guerra, cuando aún no se había criminalizado la oposición al conflicto, más de 17.000 rusos dedicados a las artes firmaron una carta abierta exigiendo el fin de la invasión.  Sin embargo, cuando el país lanzó su represión sistemática contra la oposición a la guerra, cientos de artistas decidieron abandonar el país.

“Huí de Moscú, que se ha convertido en Mordor. Para mí, personalmente, no quedaban opciones: no podría quedarme allí y estar en silencio, y dadas mis actividades actuales, no habría estado libre por mucho tiempo”, dijo la artista rusa Antonina Baever.   “El único arte de Rusia que es relevante ahora es el arte activista contra la guerra, pero le dan de 15 días a 15 años”, dijo Baever, refiriéndose a la ley de “noticias falsas”.

Para el resto del mundo cultural que se quedó atrás, el mensaje quedó claro: ponerse en línea.

 

Un símbolo Z gigante se muestra en el teatro Oleg Tabakov en Moscú en apoyo de la invasión rusa de Ucrania. 

Hablando en una reunión con importantes figuras culturales transmitida por la televisión nacional el mes pasado, Putin marcó la pauta al decir que Rusia también estaba involucrada en una batalla cultural contra Occidente , comparando el tratamiento de la cultura rusa en el extranjero con la quema de "literatura no deseada" por parte de los nazis. simpatizantes en Alemania.

Su mensaje se escuchó claramente en Moscú. Poco después, el teatro Bolshoi de la ciudad anunció que realizaría una serie de representaciones en apoyo de la “operación militar” de Rusia en Ucrania, y todas las ganancias se destinarían a las familias de los soldados rusos que habían muerto en combate. El teatro Oleg Tabakov colocó el símbolo militar a favor de la guerra Z en la fachada de tres pisos de su edificio en el centro de Moscú.

Aún así, algunos artistas en el país han seguido protestando contra la guerra a pesar de los riesgos.

 

La artista de San Petersburgo Alexandra Skochilenko, que se enfrenta a hasta 10 años de cárcel por 'desacreditar' al ejército ruso. Fotografía: Instagram

Alexandra Skochilenko, una artista de San Petersburgo, fue arrestada la semana pasada por una atrevida actuación en la que supuestamente reemplazó las etiquetas de precios de los supermercados con mensajes de protesta contra la campaña militar de Moscú en Ucrania. Skochilenko ahora enfrenta hasta 10 años de cárcel por cargos de “desacreditar” al ejército ruso.

Y el martes, la policía allanó un concierto de música clásica contra la guerra en un centro cultural de Moscú, interrumpiendo una actuación del pianista Alexei Lubimov, quien de manera dramática terminó de tocar los últimos compases de Impromptu Op 90 No 2 de Schubert cuando dos policías subieron al escenario. .

Por ahora, el alguna vez deslumbrante VAC servirá como un sorprendente recordatorio de cómo la guerra cambió a Moscú de la noche a la mañana, mientras su antiguo personal continúa lidiando con la desaparición del ambicioso proyecto de arte que estaba destinado a acercar a Rusia a Occidente.

“El personal, son 250 personas, trabajaron juntas para este gran proyecto, y con una acción todo esto se ha eliminado. Todavía estoy en estado de luto”, dijo Manacorda.

 

POEMA

Otoño

Claribel Alegría

Has entrado al otoño

me dijiste

y me sentí temblar

hoja encendida

que se aferra a su tallo

que se obstina

que es párpado amarillo

y luz de vela

danza de vida

y muerte

claridad suspendida

en el eterno instante

del presente.

WARHOL Y MARILYN II

Por qué Warhol ahora vale más que Picasso 

Jonathan Jones

Shot Sage Blue Marilyn, 1964. Fotografía: © Christie's Images Limited 2022/© 2022 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Inc/Con licencia de DACS, Londres

Se espera que uno de sus retratos de Marilyn Monroe rompa récords en una subasta el próximo mes. Pero, ¿era Andy Warhol simplemente un "héroe sin afecto" de la era de los medios? ¿O fue el artista más grande y profundo de su época?

Andy Warhol: artista pop obsesivamente comercial, el santo patrón de los reality shows, Facebook, Instagram, selfies, TikTok y cualquier otro cumplimiento imaginable de su profecía de que en el futuro todos serán famosos durante 15 minutos. O eso podría parecer. Pero ese no es el verdadero él. Warhol fue un vidente cuyas superficies ocultan aguas misteriosas. “Lo que la gente piensa que es Andy Warhol no es Andy Warhol”, dice Tracey Emin.

Prueba un experimento para entender esto. Comience a grabar video y siéntese frente a la cámara durante tres minutos. No debes hablar. No debe abandonar su asiento. Basta con mirar a la cámara. "Ser uno mismo." ¿Pero quién es ese?

A esto es a lo que Warhol sometió a la gente en sus Screen Tests, filmados en su estudio The Factory de Nueva York en la década de 1960. Sus sujetos parecen aturdidos por un escrutinio sin pestañear. No pueden ganar. Hagan lo que hagan, la cámara de cine inmóvil e ininterrumpida lo registra como la verdad de quiénes son. Bob Dylan se retuerce y hace muecas, despreciando abiertamente el ejercicio, por el cual se dice que tomó una de las pinturas de Elvis de Warhol como “pago”. Un joven Lou Reedes suave y vulnerable, pero en una aparición posterior ha aprendido el juego, o cree que lo ha hecho, y trata de obstruir la cámara manteniendo sus anteojos negros mientras bebe una botella de Coca-Cola en una excavación sarcástica en el arte pop de Warhol. Una vez más, es un retrato perfecto de quién era él en ese momento. Entonces, si las redes sociales fueran realmente como las pruebas de pantalla de Warhol, estaríamos constantemente enfrentando nuestros pecados en un confesionario. Viviríamos en la verdad.

 

'Tan espiritual en todo'... Warhol en la Factory en 1968. Fotografía: Santi Visalli Inc/Getty Images

Un retrato de Warhol más famoso saldrá a subasta en Christie's en Nueva York en mayo: su Marilyn, el rostro más icónico del arte pop. Warhol lo creó por primera vez en 1962, el año en que Monroe se quitó la vida, recortando un fotograma publicitario de su primera película Niágara para enfocarse únicamente en su rostro, y luego hizo una malla de serigrafía para poder imprimirla en lienzo tantas veces como quisiera. , añadiendo colores pintados a mano. Probablemente sea su obra más reconocida, “una de las imágenes más raras y trascendentes que existen”, si crees en la propaganda de Christie, que la compara con la Mona Lisa y la Venus de Botticelli. Si Christie's tiene su estimación correcta, su pintura de 1964 Shot Sage Blue Marilyn se venderá por alrededor de $ 200 millones. Eso la convertirá en la obra de arte del siglo XX más cara jamás subastada. El récord actual lo ostenta Picasso.

En 1962, Warhol comenzó a imprimir literalmente billetes de dólar. Produjo múltiples imágenes del todopoderoso dólar, no como falsificaciones sino como obras de arte. El dinero es hermoso, susurran estas primeras obras de arte pop. Más tarde se pondría filosófico sobre el tema. “Ser bueno en los negocios es el tipo de arte más fascinante. Ganar dinero es arte y trabajar es arte y un buen negocio es el mejor arte”.

Pero, ¿qué es lo que hace que Shot Sage Blue Marilyn sea aparentemente tan valiosa? En 1964, una visitante del estudio de Warhol llamada Dorothy Podber creó su propio momento de arte escénico al sacar un arma y dispararle a una Marilyn recién serigrafiada en la frente. El disparo atravesó la pila de lonas que había detrás; el que está a la venta todavía tiene la cicatriz mal disimulada. Ese escalofrío de violencia y caos se suma al argumento de venta. Pero es solo la forma en que el mercado se pone al día con el hecho escandaloso e improbable de que Andy Warhol es el artista más grande y profundo que ha trabajado en cualquier lugar desde 1945.

El retrato de Warhol de Marilyn parece resumir mucho sobre él. Hizo famosa la palabra "superestrella", aplicándola a cualquier persona que lo mirara y pudiera defenderse en la atmósfera sarcástica y llena de anfetaminas de The Factory. Su estudio y lugar de reunión con paredes de lámina plateada llegaron a definir el Manhattan de los años 60 y regularmente se recrea en películas como un fantástico lugar de fiesta de plástico. Warhol mezcló la adoración por estrellas “reales” como Monroe, Elizabeth Taylor y Elvis con la creencia niveladora de que cualquiera puede ser una celebridad, al menos por un momento. Hay una historia de que Judy Garland asistió a una fiesta en Factory solo para ser ignorada deliberadamente. Warhol también se convirtió en una celebridad allanando el camino para los artistas de hoy con su explotación consciente de los medios en todo, desde programas de chat y apariciones en telenovelas, aunque monosilábicas, hasta un anuncio de hamburguesas que se ha convertido en un éxito viral póstumo. Sus retratos Polaroid de los años 70 incluso hicieron que los ricos y famosos pagaran para convertirse en sujetos de Warhol. Él fabricó su propia imagen como una figura svengali enigmática, retratándose a sí mismo en media sombra, en sombras, como drag.

 

Díptico de Marilyn, 1962. Fotografía: Martin Shields/Alamy/© 2022 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc/Con licencia de DACS, Londres

Hay un mejor Warhol justo detrás del que creemos conocer. Su mejor versión de Monroe no es Shot Sage Blue Marilyn. Es el Díptico de Marilyn de Tate Modern de 1962, pintado justo después de su muerte, que repite su rostro en colores brillantes en un lienzo, mientras que en el otro se desvanece en gris en una inquietante tira de película de memoria que falla, fama que decae, tiempo que se acaba. El Andy interior se ha hecho cargo, y tiene más en mente que la fama o el dinero.

Emin admite que solo recientemente vio la verdadera naturaleza de Warhol. Como cualquier futuro artista y seguidor de David Bowie que creció en la Margate de los 70, estaba fascinada con él. “Cuando estaba en la escuela, solía imaginar que iría a Nueva York en barco y cuando bajara por la pasarela, Andy Warhol estaría allí esperándome”. Pero más tarde, siendo una joven artista, se preguntaría a sí misma: “¿Quién preferirías ser, Andy Warhol o Joseph Beuys? En aquellos días se le apareció Beuys el verdadero visionario, el chamán. Era un artillero trasero en un bombardero en picado Stuka en la Segunda Guerra Mundial que fue derribado sobre Crimea y salvado, según lo contó, por chamanes tártaros que cubrieron sus quemaduras con fieltro y grasa. Estas sustancias se convirtieron en sus materiales rituales. Warhol, por el contrario, nació en Pittsburgh en 1928, se convirtió en un exitoso artista publicitario dibujando zapatos en el Manhattan de los años 50 y luego se dedicó a las bellas artes a principios de los años 60, cuando contemporáneos como Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein estaban demostrando que el arte podía estar hecho de las cosas de la vida cotidiana y la cultura pop. “Warhol siempre parece externo, pero él era el verdadero chamán”, piensa Emin ahora.

Un chamán puede cambiar de forma y entrar en otros mundos para comunicarse con los espíritus y los muertos. Eche un vistazo a la pintura de Warhol de 1963 Five Deaths on Orange. En la impactante imagen de noticia que Warhol ha serigrafiado en negro sobre un plano abstracto de color fuego, un hombre y una mujer jóvenes salen arrastrándose de un coche boca abajo. Vuelven a mirar hacia la jaula de metal retorcido de la que han escapado, donde una mujer yace entre cadáveres, con los ojos fijos en los tuyos. ¿Está muerta, cerca de la muerte, aturdida? Parece haber visto cosas que los vivos no ven. Los dos sobrevivientes parecen estar mirando a través de un umbral mortal, mientras sus ojos se encuentran con los nuestros desde el otro lado.

 

Las latas de sopa Campbell en el museo Albertina de Viena, Austria. Fotografía: Florian Wieser/EPA/© 2022 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc/Con licencia de DACS, Londres

Si tuviera que desembolsar 200 millones de dólares por un Warhol, sería una de las series Muerte y desastre a la que pertenece. De hecho, el precio récord actual de una de sus obras lo ostenta Silver Car Crash (Double Disaster), que se vendió por 105 millones de dólares en 2013 .

El Warhol que creemos conocer no duró mucho. En 1962, realizó una exhibición sensacional de latas de sopa Campbell cuidadosamente pintadas en la Galería Ferus de Los Ángeles. El mismo año comenzó a serigrafiar el rostro de Marilyn. Pero en 1963, él y su asistente Gerard Malanga estaban registrando fotos de noticias sensacionalistas, algunas de las cuales se remontaban a la década de 1940, de accidentes automovilísticos y suicidios, y serigrafiándolas como manchas negras en campos de púrpura, rojo, verde y plata. Ese mismo año, John F. Kennedy fue asesinado a tiros y Warhol interpretó a Jackie Kennedy en su funeral, con el rostro velado herido por el desastre de la nación.

Green Car Crash (Green Burning Car I), 1963. Fotografía: Christie's Images/Bridgeman Images/© 2022 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc/Con licencia de DACS, Londres

En Green Car Crash repite una y otra vez, como si no pudiera creerlo del todo, una imagen en la que un hombre ha sido arrojado de un coche y empalado en un árbol. El coche arde debajo de su cadáver suspendido. Un testigo camina con indiferencia, aparentemente despreocupado por esta escena de sufrimiento extremo.

Ese espectador indiferente es exactamente lo que muchos suponen que Warhol fue él mismo: un espectador indiferente que celebraba que no le importaba, el voyeur de peluca plateada apuntando aturdido con una cámara. Su crítico más duro, Robert Hughes, lo calificó de "diligente y frígido" en un ensayo en el que descartó a Warhol como uno de los "héroes sin afecto" de la era de los medios. Pero en Green Car Crash es Warhol quien retrata y critica esa mirada sin emociones; el hombre que pasa da más miedo que el coche en llamas. Lo que el transeúnte ignora, lo que nosotros, los seculares modernos, estamos educados para ignorar, es el milagro, la señal, en medio del horror. Porque el hombre que cuelga del madero se ha convertido en una imagen de Cristo, su cuerpo está fijado allí para que todos lo vean.

John Richardson, biógrafo de Picasso y amigo de Warhol, reveló en un discurso en el funeral del artista en 1987 que Warhol asistió a la iglesia con regularidad durante toda su vida y sirvió en secreto en los comedores de beneficencia. El mundo ha tenido más de tres décadas para asimilar esta información de la religiosidad de Warhol, pero para muchos es una hostia amarga. Su último biógrafo, Blake Gopnik, intenta descartar la idea de Warhol como artista católico. “Warhol ciertamente vivió una vida menos santa, hizo un arte más profano y cometió más pecados mortales de los que debería haber en la conciencia de cualquier católico devoto, según lo definido por su época”. Pero, ¿desde cuándo los artistas católicos eran puros? Desde Caravaggio hasta las novelas de Evelyn Waugh y Graham Greene, el arte religioso más poderoso a menudo está impulsado por un sentimiento de condenación. “Warhol era muy espiritual en todo”, dice Emin.

Puedes pasar de ver nada más que materialismo en el arte de Warhol a ver el espíritu en todas partes. latas de sopa? El sacramento. ¿El rostro misterioso de Marilyn? Un icono bizantino; Los padres de Warhol eran de lo que ahora es el este de Eslovaquia y se crió en la fe católica bizantina. Y en el díptico de Marilyn usa explícitamente la tradición del retablo cristiano medieval para representar a Monroe como un mártir moderno.

Si todo eso parece excesivo, Warhol logró dejar un testamento final muy claro que confirma su visión del mundo: una serie épica de pinturas de La última cena, serigrafiadas a partir de una reproducción barata de la obra maestra de Leonardo da Vinci, en 1986, un año antes de su muerte. Su vida había estado ensombrecida por la fragilidad desde que Valerie Solanas le disparó en 1968. Mostró su torso herido para ser fotografiado por Richard Avedon y pintado por Alice Neel, ofreciendo la imagen de sí mismo como santo torturado, Cristo flagelado.

Emin, que ahora tiene la misma edad que Warhol cuando murió, y que recientemente sobrevivió al cáncer después de una cirugía que le cambió la vida, está particularmente fascinado por el difunto Warhol. “Realmente respeto lo que hizo Andy Warhol después de que le dispararon. Dijo que hay que pagar todos los impuestos, estamos limpiando... Simplemente creció. Se deshizo de la Fábrica y consiguió una oficina y todo el mundo vestía traje y corbata. Se dio cuenta de que todo lo que realmente podía dar era ser un artista”.

 

La Última Cena 

En La Última Cena es ese momento el que vemos. Es su propia fiesta de despedida. Para mí, los discípulos en la mesa son gente de la Fábrica: Candy Darling, Edie Sedgwick, Billy Name, Ondine.

The Factory no era solo una escena de fiesta. Fue la aventura más arriesgada de Warhol hacia los extremos del pecado y la salvación, un teatro de posibilidades y sufrimiento humanos en el que los actores no bajaron del escenario después de dos horas, sino que interpretaron sus papeles hasta un final a veces horrible. Verlo simplemente como el comienzo del arte multimedia y la muerte de la pintura no capta del todo la extraña autoridad de este artista y el medio que tejió a su alrededor. Cuando Warhol se alejó de las bellas artes, fue para dejar entrar la vida de las calles, donde las elecciones que haces son morales, no solo estéticas. “Andy Warhol hizo que lo real fuera más real”, dice Emin.

Podía dar una muy buena impresión de alguien a quien no le importaba un carajo. "¿Crees que cuando Edie salte nos dejará filmarlo?" se dice que dijo, aparentemente esperando que Sedgwick intentara suicidarse frente a la cámara. Sin embargo, él también era un personaje de esta obra moral o novela católica. ¿Es Warhol el diablo que conduce a los pecadores por un camino lleno de anfetaminas hacia el infierno, el mal samaritano que no hace nada, o más bien, el ángel registrador que lo ve todo?

En sus Screen Tests la cámara es el ojo de Dios. Nada lo supera.

 

Warhol en 1981. Fotografía: Nancy R Schiff/Getty Images

Si todo esto hace que Warhol suene un poco romántico, eso es exactamente lo que era. Es uno de los pocos artistas de los últimos tiempos que estuvo a la altura del culto decimonónico al artista como alguien otro, bohemio, capaz de ver lo que otros no ven. Adoptando una personalidad distante y misteriosa, rodeándose de gente que vive al límite, llevó el romanticismo a un nuevo reino de modernidad. Autorizó un caos tan inspirado que consiguió que le dispararan.

Así que no sorprende que este artista tan lleno de misterio y sorpresa esté a punto de vender más que Picasso y convertirse, por aclamación comercial, en el dios del arte moderno. Pero, ¿podríamos terminar matando lo que amamos? Hay una ventaja en Warhol que no le permite deslizarse fácilmente hacia la corriente principal. La subversión constante de la cultura pop que parece anhelar es lo que lo hace tan perdurable. La venta de Christie's de una de sus Marilyns menos emotivas celebra a un santo de mediana edad, pero él no es eso. “Andy Warhol no era un artista popular”, señala Emin. “Él siempre fue alternativo: alternativo a todo lo que estaba pasando”.

Ver: https://lamusaencantada.blogspot.com/2022/03/warhol-y-marilyn.html