ROBERT MAPPLETHORPE POR EDWARD ENNINFUL

Una nueva y emocionante versión de Robert Mapplethorpe por Edward Enninful

Charlotte Jansen

Se hizo eco de una toma de Enninful y su marido... Ken Moody y Robert Sherman, 1984. Fotografía: Fundación Robert Mapplethorpe. Usado con permiso. Cortesía de la galería Thaddaeus Ropac, 

Londres • París • Salzburgo • Seúl

Sacudió el mundo de la moda. Para su próximo paso, quiere cambiar la forma en que vemos al fotógrafo explosivamente provocativo. Edward Enninful revela todo sobre su primer show.

"Terminó como quería que terminara”, dice Edward Enninful con firmeza, hablando unos días después de que saliera a la venta su último número como editor en jefe de British Vogue. La portada de despedida es un himno al pasado de Enninful y sus logros en la revista, presentando a 40 mujeres icónicas con las que ha trabajado a lo largo de los años, desde Victoria Beckham hasta Oprah Winfrey, Dua Lipa y Anok Yai. Pero ahora sus ojos están fijos en el futuro. Su siguiente aventura es un alejamiento inesperado de la moda y de Londres: su interpretación de Robert Mapplethorpe, en una exposición en la galería Thaddaeus Ropac de París.

Enninful se niega a hablar de una supuesta ruptura con la suprema de Vogue, Anna Wintour – “No comento chismes, nunca lo he hecho” – pero en sus seis años y medio en la revista, sentó una serie de precedentes, incluida la primera trans de Vogue británica. la estrella de portada, Paris Lees, en junio de 2020. También estuvo detrás de las primeras ediciones en braille y audio de la revista.

“Para mí, la inclusión y la diversidad no eran sólo palabras cuando comencé”. “Creo en las acciones. Estoy muy contento con lo que hemos hecho y estoy muy contento de irnos en lo más alto. Siento que la industria está cambiando y espero que siga cambiando. Estoy orgulloso de haber podido ayudar a impulsar esta nueva forma de ver a las personas”.

Enninful, hablando por Zoom desde su casa en Londres, parece la pareja ideal para Mapplethorpe, el fotógrafo y agente provocador con un ojo escrupuloso, que desafió las ideas convencionales sobre la belleza. "Cuestionó la idea de qué es el retrato". "¿Que es hermoso? ¿Quién puede entrar? Creo que hice lo mismo: ambos cuestionamos el status quo en nuestras industrias”.

'Estoy obsesionado con ella'... Aira, 1979. Fotografía: Fundación Robert Mapplethorpe. Usado con permiso. Cortesía de la galería Thaddaeus Ropac, Londres • París • Salzburgo • Seúl 

La carrera de Enninful en la moda comenzó poco después de que su familia llegara al Reino Unido desde Ghana. A la edad de 16 años, se convirtió en modelo después de ser descubierto por el legendario estilista británico Simon Foxton en el metro de Londres. A la edad de 18 años, Enninful se convirtió en el director de moda más joven de una publicación internacional cuando fue designado para el puesto en iD. Después de dos décadas allí, trabajó en Vogue italiana y estadounidense, así como en W. En 2016, recibió un OBE por sus servicios a la diversidad en la industria de la moda.

Fue Foxton quien presentó por primera vez a un adolescente Enninful The Black Book, la explosiva colección de Mapplethorpe de 96 fotografías eróticas de hombres negros. “Yo era entonces un modelo de piel oscura y calvo”, dice. "Podría verme en Ken Moody". Moody, instructora de fitness, a menudo es considerada la musa de Mapplethorpe. “Me encantó la forma en que Mapplethorpe usó la luz. Era tan poderoso que querías tocar la imagen. Tenía la sensación de que algo nuevo e increíble estaba sucediendo en su trabajo”.

'Fui modelo así que lo entiendo'... Enninful. Fotografía: Adama Jalloh. 

Cortesía de la galería Thaddaeus Ropac, Londres • París • Salzburgo • Seúl

El tratamiento que Mapplethorpe da al cuerpo masculino negro ha sido criticado por lo que se considera su mirada explotadora y fetichista. Moody escribió más tarde sobre una relación tensa con el fotógrafo, quien, según afirmó, una vez lo llamó "Oreo", porque sus modales no eran "gueto". Enninful dice: “A lo largo de la historia, los hombres negros han sido retratados de muchas maneras. Nos han utilizado para crear algunas de las imágenes más icónicas. Necesitamos mantener viva la conversación sobre la cosificación. Pero tenemos que lidiar con imágenes que definen a hombres y mujeres; no se puede limitar a los hombres negros”.

El propio enfoque de Enninful con el medio es más colaborativo. “Yo era modelo”, dice, “así que entiendo estar en el set y no tener voz, cuando estás al servicio de la imagen y el rodaje. Tuve mucha suerte de contar con personas como Simon Foxton y (el fotógrafo) Nick Knight, quienes me animaron a hablar. Ser modelo no es fácil: siempre te dicen que te calles, tu opinión importa menos. Entonces, cuando trabajo con Kate o Naomi, trabajamos juntas en historias, desarrollamos personajes; eso es algo que realmente aprendí de esos primeros días”.

Mapplethorpe se convirtió en una especie de talismán para Enninful cuando se lanzó a toda velocidad en la escena de la moda de Londres en la década de 1980, un ritmo que mantuvo en la década siguiente, mucho después de que Mapplethorpe muriera por complicaciones relacionadas con el sida en 1989 a la edad de 42 años. "Nosotros, los niños que crecimos juntos en la década de 1990, algunos de los cuales ahora somos los fotógrafos de moda más importantes del mundo, estábamos muy influenciados por Mapplethorpe. Nos inspiró mucho la honestidad de sus fotografías”.

La interpretación de Enninful de Mapplethorpe es elegante, emotiva y discretamente disruptiva, lo que hace evidente su sensibilidad compartida y su profunda preocupación por ser vistos. Tras revisar más de 2.000 imágenes conservadas en el archivo de la Fundación Robert Mapplethorpe, Enninful seleccionó sólo 46. “Las abordé como imágenes de su trabajo que resonaban en mí”, dice. "Fue muy instintivo". Después de tres décadas trabajando en material impreso, Enninful abordó la exposición como un editor, emparejando las imágenes como una procesión de pliegos de doble página.

Retrato de Fran Lebowitz. Robert Mapplethorpe 1980

Como era de esperar, Enninful parece más atraído por las imágenes icónicas: glamour de la vieja escuela y ostentación de la alta sociedad con un poco de cerebro. Está Fran Lebowitz, cigarrillo en mano, junto a una etérea Isabella Rossellini, mientras un retrato de 1988 de Susan Sarandon sosteniendo a su hija Eva Amurri recuerda la portada de Vogue de marzo de 2022 de Enninful de Naomi Campbell con su hija pequeña en brazos. Una foto de cuerpo completo de un joven Arnold Schwarzenegger semidesnudo, flexionando sus famosos músculos, aparece junto a la culturista Lisa Lyon, fotografiada desde atrás, luciendo un vestido fabuloso y su cuerpo luciendo tan llamativo y esculpido como el de Schwarzenegger. Un conocido retrato, tomado de perfil, de Ken Moody y otro sujeto frecuente llamado Robert Sherman le recordó a Enninful a sí mismo y a su esposo Alex Maxwell, director de videos de moda.

Herculano... Charles Bowman, 1980 Fotografía: Fundación Robert Mapplethorpe. Usado con permiso. Cortesía de la galería Thaddaeus Ropac, Londres • París • Salzburgo • Seúl 

Las parejas hacen eco de la fascinación de Mapplethorpe por la dualidad y los binarios borrosos: cambiando las expectativas de género, intelectuales y bajos, bellos y feos, clásicos y subculturales. Mientras que el obstinado perfeccionismo de Mapplethorpe se desliza hacia la frialdad y la severidad, las yuxtaposiciones de Enninful resaltan el humor y la ternura también presentes en su trabajo. Una pareja trae Embrace, un elegante retrato de 1982 de dos hombres, uno negro y otro blanco, abrazados, junto a Charles Bowman, un primer plano sublime y sensual de 1980 que muestra el torso hercúleo y brillante de Bowman. Ambos tienen algo que decir sobre el poder y la masculinidad, pero el contraste no podría ser más marcado: suavidad y vulnerabilidad versus poder lujurioso y musculoso. Es un recordatorio de cuántos lados tenía Mapplethorpe. "Era un maestro". “Pero creo que estaba encasillado. Quería mostrar la amplitud de su trabajo”.

El programa también insinúa historias aún por contar en el trabajo de Mapplethorpe. Junto a la pureza austera y minimalista del retrato de Moody y Sherman se encuentra el de una figura misteriosa llamada Aira vestida con plumas, pieles, velo y uñas postizas. "¡Ella es audaz!" Enninful exclama con deleite. Sin embargo, se sabe poco sobre Aira más allá de su nombre. “¡Estoy obsesionado con ella! Literalmente no he dejado de buscar; he estado preguntando a amigos que estaban en Nueva York en ese momento. Me fascina saber quién era ella”.

La exposición finaliza con dos retratos sorprendentes e independientes tomados en 1976: una sonriente princesa Margarita en traje de baño en la playa y un indiferente David Hockney, reclinado y sorprendido en medio de un bostezo. La soltura improvisada, la ligereza y la aparente falta de coreografía revelan un lado diferente de Mapplethorpe. “Es casi como si estuviera allí y dijera: '¡Déjame tomar mi cámara!'”. Estas tomas son una forma para que Enninful ponga un sello británico en el programa. "Son tan icónicos y tan británicos y, como editor y persona británica, era importante para mí demostrar que él realmente arrojó luz sobre nuestros aristócratas".

'Tan icónico y tan británico'... David Hockney, 1976. Fotografía: Fundación Robert Mapplethorpe. Usado con permiso. Cortesía de la galería Thaddaeus Ropac, Londres • París • Salzburgo • Seúl

No menos sorprendente es la decisión de Enninful de pasar por alto las imágenes sexuales más extremas de Mapplethorpe, como las fotografías que tomó en el club Mineshaft BDSM en la década de 1970 y las que se publicaron en su controvertido X Portfolio. "Era imposible incluirlo todo", afirma. "Simplemente tuve que seguir mi instinto". ¿Eso significa que no le gustan las imágenes más duras? Enninful vuelve a tener tacto. “Aprecio su trabajo. Es un gran artista. Pero para esta exposición, mi primer esfuerzo curatorial, estas son las imágenes que me llamaron la atención”.

Mapplethorpe fue implacable en su búsqueda del “momento perfecto”. ¿Es ese otro rasgo con el que se identifica Enninful? “Todo el mundo te diría que literalmente cambiaba las imágenes hasta que la revista tenía que salir a imprimir. Nunca se hizo. Nunca es lo suficientemente bueno. En mi opinión, siempre tiene que ser lo mejor posible. A veces resulta bastante desalentador”.

Enninful no parece demasiado intimidado por esta incursión en el mundo del arte, tal vez porque su misión de cambiar la forma en que nos vemos está lejos de estar completa. "No se puede simplemente hacer algo una vez y decir que ya terminamos y seguir adelante". “Hay que ceñirse a un punto de vista. Tienes que seguir así”. Es esta cualidad la que claramente admira en Mapplethorpe, un espíritu afín en la batalla por redefinir la belleza.

"Todos deberían ser vistos", dice. “Siempre sentí eso. Todos deberían estar representados, independientemente de su raza, religión, sexualidad o origen socioeconómico. Si puedes verlo, puedes serlo”.

 

Robert Mapplethorpe estará en Thaddaeus Ropac , París, del 2 de marzo al 6 de abril.

Ver también : https://lamusaencantada.blogspot.com/2018/09/mapplethorpe.html

https://lamusaencantada.blogspot.com/2017/12/autoretrato.html

 

VAN GOGH Y LAS SELFIES

 

Cardiff elige  un autorretrato de Van Gogh para un espectáculo de selfies

 

 

Se alentará a los visitantes de las pinturas, que incluyen el Retrato del artista de Van Gogh (1887), a tomar sus propios autorretratos. Fotografía: Servicio de noticias de Gales.

 

El Museo de Orsay de París presta pintura a cambio de una exposición de Renoir for Welsh Art of the Selfie

Es posible que el artista no haya aprobado del todo que uno de sus intensos y buscados autorretratos sea comparado con una imagen tomada con un teléfono móvil.

Pero se ha presentado una pintura al óleo de Van Gogh como pieza central de una exposición en Cardiff que plantea la pregunta: "¿Es un autorretrato la selfie original?" El cuadro de Van Gogh Retrato del artista (1887) ha llegado al Museo Nacional de Cardiff, en un intercambio con el Museo de Orsay de París, que ha tomado prestado un Renoir de la colección galesa.

El retrato ha sido colgado junto a un Rembrandt, un Francis Bacon y autorretratos de artistas galeses, en una muestra llamada Drych ar yr Hunlun/Art of the Selfie, y se espera que atraiga a multitudes de fans a quienes se les permitirá tomar sus propios retratos selfies junto a él.

Es posible que Van Gogh no estuviera de acuerdo con la tesis de la exposición y una vez escribió: “Estoy buscando una semejanza más profunda que la obtenida por un fotógrafo”.

Kath Davies, directora de colecciones e investigación del Amgueddfa Cymru (Museo de Gales), dijo: “Los autorretratos y los selfies son cosas diferentes, pero tienen algo en común: ambos se utilizan para mostrar quién eres como persona. Nos gustaría animar a los visitantes a que se sientan inspirados por la exposición y se hagan sus propios autorretratos de todo tipo de formas creativas”. También dijo que llamar al programa Art of the Selfie podría atraer a una audiencia más joven.

Davies describió cómo el Museo de Orsay se acercó al museo para pedir prestada una de sus pinturas más queridas, La Parisienne, también conocida como La Dama Azul, de Renoir.

La Parisienne, Renoir, 1874

La Parisienne ha estado en la colección galesa desde 1952, cuando fue legada por la mecenas galesa de las artes y coleccionista impresionista Gwendoline Davies.

Al principio el museo se mostró un poco reacio. "La gente viaja kilómetros para verla y se molesta cuando no está en el museo", dijo Davies. "Ella tiene una conexión emocional con mucha gente". El Museo de Orsay estaba planeando una exposición llamada "París 1874: inventando el impresionismo. “La Dama Azul fue pintada" en 1874, por lo que tenía sentido que le permitiéramos regresar a su lugar de nacimiento y pasar sus vacaciones con viejos amigos. “Pero ella iba a dejar un hueco. Entonces sugerimos: si estás tomando una de nuestras obras icónicas, ¿podrías corresponder y enviar algo que sea realmente significativo, uno de tus objetos estrella?"

Davies dijo que tales intercambios no son tan comunes, pero uno de los curadores en París pasó un tiempo en la ciudad de Lampeter, en el suroeste de Gales, y ayudó a allanar el camino. Se acordó que se enviaría un Van Gogh a cambio del Renoir.    En un principio la idea era ponerlo en el espacio que dejó la Dama Azul. "Pero Van Gogh es una superestrella, pensamos que sería una tontería no hacer algo más creativo, más divertido".

Tres artistas galeses vivos también se exponen junto a Van Gogh. Hay una fotografía de y realizada por Bedwyr Williams, vestido con la túnica de un bardo galés que luce una larga barba blanca, que lleva el divertido título Bard Attitude.  También se exhibe una pieza textil de Anya Paintsil, quien se basó en su herencia galesa-ghanesa para crear una imagen de sí misma como Blodeuwedd, una mujer mitológica hecha de nuestras flores. Además, hay un autorretrato de la artista Shani Rhys James que mira duramente al espectador.

El acuerdo de préstamo cierra el año de Gales en Francia del gobierno galés, que ha creado vínculos entre los dos países en el comercio, la cultura y el deporte. Dawn Bowden, viceministra de Cultura y Deporte, dijo que el intercambio era “una forma adecuada” de cerrar nuestro año.

 

  La exposición estará abierta del 16 de marzo al 26 de enero de 2025. Se pide a los visitantes que paguen lo que puedan por las entradas.

 

POEMA

 

Suposición

Consuelo Tomás Fitzgerald,

Midjourney Ai Photorealism

Y si regresas

con otra mitad que te puso el mundo

perdida ya en la memoria de la piel

bajo tus manos

ausente el gesto del antiguo abrazo

no me busques.

Te prefiero limpio y humano

como cuando nos bebimos los dos

intentando atrapar la plenitud.

LA OBRA DE ARTE DE LA SEMANA

Tracey Emin

Mi mundo se rompió por tu culpa.  Tracey Emin, 2024.

IMAGINANDO LA INFANCIA

 

Picturing Childhood: Imaginando la infancia: una nueva perspectiva en Chatsworth

Jonathan Jones

 

Juguetón... detalle de un retrato de la duquesa de Devonshire con su hija, de Sir Joshua Reynolds. 

Fotografía: Chatsworth House Trust

 

Desde la poco sentimental representación que hizo Lucian Freud de la pequeña Bella hasta las íntimas observaciones de Rafael y un cochecito del siglo XVIII diseñado para ser tirado por una cabra, esta exposición está llena de diversión y conocimiento.

Obligó a Lucian Freud a mirar a su propio niño pequeño con el mismo ojo riguroso con el que miraba sus pinturas de adultos. La cabeza del bebé es enorme –una protuberancia bulbosa de color marrón, crema y gris– en su retrato de Bella Freud de 1961. De hecho, es lo suficientemente grande como para observarte desde una larga galería en Chatsworth House y atraerte magnéticamente hacia ella para que puedas ver cómo las características arrugadas, arrugadas y arrugadas se vuelven más grandes que la vida mientras Bella duerme en un sofá puños formidablemente cerrados. Su párpado izquierdo está ligeramente abierto, revelando un globo ocular amarillo.

Lucien Freud • Bella, 1961,

Puede que no sea sentimental, pero Bella es una muestra de vida poderosa. Se siente que el artista está asombrado por la autonomía, la energía y la voluntad que exhibe esta pequeña criatura. Ella es un gigante a sus ojos. La infancia, la niñez, la niñez, la adolescencia: se nos escapan tan rápido mientras intentamos captar el milagro en constante cambio de una persona en crecimiento. Picturing Childhood, el título del revelador espectáculo de Chatsworth esparcido por sus inmensos salones y cámaras barrocas, es algo que hacemos hoy en día principalmente con nuestros teléfonos. Qué suerte ser un Freud, capaz de retratar a tu hijo con una profundidad tan monumental.

Más de 300 años antes que él, el artista flamenco Cornelis de Vos hizo algo similar. Él también pintó a su pequeña hija, pero mientras el bebé de Freud yace indómito y sin socializar en un sofá, Magdalena de Vos se mantiene erguida con un fino vestido rojo con un amplio cuello de encaje, mirando a su padre con una inteligencia con hoyuelos mientras posa pacientemente.

    Magdalena de Voss(1623-1624)

Es un contraste que parece establecer clichés simples y trillados sobre las formas en que se ha representado a los niños en el arte y cómo se ha definido socialmente la infancia a lo largo de los siglos. Se nos dice que en los viejos tiempos a los niños no se les permitía ser niños. Fueron vistos y tratados como adultos pequeños, ferozmente disciplinados para desempeñar sus futuros roles en el orden social. Imaginando la infancia muestra que no es tan simple. Sí, De Vos está vestida con una versión infantil de un traje adulto del siglo XVII, pero una sonrisa parece a punto de estallar y la artista está claramente encantada con sus mejillas y manos regordetas: felizmente no es una adulta. Sus buenos modales precoces enfatizan la alegría de su inocencia. Es linda, en una palabra, y el artista quiere que lo sepamos.

Observación aguda... Dibujo a punta de metal de Raphael, 1512 o 13.

 Fotografía: Diane Naylor/Chatsworth House Trust

Desde los primeros trabajos de esta muestra, queda claro que nunca hubo un momento en el que los adultos no vieran a los niños como niños. ¿Dónde estarían las pinturas renacentistas de la Virgen y el Niño sin saber cómo se comportan los bebés y cómo interactúan con sus madres? Un extraordinario dibujo de Rafael demuestra que los artistas del Renacimiento adquirieron esa comprensión mediante una aguda observación. En 1512 o 13, dibujó delicadamente a una mujer joven con un libro en una mano mientras abraza a un niño pequeño en la otra. Está absorta en su lectura mientras el bebé nos mira fijamente. Es posible que la mujer le esté leyendo en voz alta al niño. O tal vez esté leyendo para sí misma, una mujer de clase baja que cuida al hijo de otra persona que necesita distracción. De cualquier manera, esta obra maestra del dibujo con punta metálica es una visión conmovedoramente íntima de la vida real hace más de medio milenio.

La infancia Tudor tampoco parece tan mala. Es posible que Lady Arabella Stuart, pintada en 1577, estuviera vestida con ropa de adulto para su retrato, pero también se le permitió sostener su muñeca favorita. Y es exactamente igual a la propia reina de la época, Isabel I. ¿Es este el equivalente Tudor de regalarle a una niña una Barbie empoderadora?

Lady Arabella Stuart, pintada en 1577

Incluso en el atormentado siglo XVII, cuando la ansiedad religiosa y la revolución sacudieron a Gran Bretaña, los niños eran reconocidos como niños. En una pintura de una familia desconocida de William Dobson, realizada justo antes o durante la Guerra Civil, el marido y la mujer parecen puritanos, vestidos de negro, pero sus cuatro hijos visten de forma más llamativa y se les permite tener como mascota un conejo, fruta y flores.

Willam Dobson 1640

Por eso puede parecer que la infancia es eterna e inmutable, pero no del todo. Hay un cambio real en el siglo XVIII cuando a los jóvenes retratados se les permite mucha más espontaneidad. En una pintura de Sir Joshua Reynolds, Georgiana Cavendish, duquesa de Devonshire, levanta el brazo para reflejar juguetonamente a su pequeña hija, que tiene ambos brazos levantados salvajemente. Sus miradas se encuentran en una comunicación amorosa mientras Reynolds captura lo que cualquiera reconocería como un momento natural entre madre y bebé. 

Georgiana Cavendish, duquesa de Devonshire por Sir Joshua Reynolds

Cerca de allí, Johan Zoffany muestra a las hijas y los hijos del conde de Bute en la década de 1760 jugando en el jardín, trepando a un árbol, saltando sobre un banco y luciendo un arco y una flecha.

Incluso hay una rara reliquia de este culto a la infancia del siglo XVIII: un cochecito de bebé diseñado por el arquitecto William Kent, con la forma de una concha de vieira gigante con serpientes esculpidas entrelazadas. Fue diseñado para ser arrastrado por una cabra mientras un niño de Devonshire, como un dios, inspeccionaba la finca.

Cochecito de bebé diseñado por el arquitecto William Kent

Como exploración de la infancia, se podría acusar a esta exposición de ser una historia social muy privilegiada. No sólo el ancestral cochecito de bebé, sino la mayor parte de las obras de arte, incluidos el Raphael y el Freud, pertenecen al duque de Devonshire, cuya sede es esta. Pero Chatsworth también da placer a muchos con sus vastos jardines, con una cascada de agua de 300 años de antigüedad en la que estoy seguro todavía chapotean los niños.

Otras pinturas de la exposición incluyen The Whitsun Walk Through Lees, 1907, de Helen Bradley, pintada en 1968. Fotografía: Chatsworth House Trust

Esta exposición es en parte un intento de llevar la diversión familiar también al interior, brindando a los visitantes más jóvenes Entretenimiento interactivo en medio de los interiores formales de la casa: incluye muebles tapizados en los que puedes recostarte para mirar los techos pintados, olores de comida para adivinar en el comedor y un dispositivo óptico de la artista Abigail Reynolds que te permite escanear el Salón Pintado. a través de los ojos de un halcón.

Tendrán que vigilar a los niños como halcones si esperan que su juego sea tan limpio como la gorguera de un niño Tudor. Pero esta es una exposición llena de vida y conocimiento que abre el arte y la historia a todos. Es divertido y conmovedor y desearás tener una casa llena de niños pintados.

 Picturing Childhood, en Chatsworth House,  del 16 de marzo al 6 de octubre

 

RIKEN YAMAMOTO: ARQUITECTO

"No soy muy bueno diseñando": el máximo honor de la arquitectura es para Riken Yamamoto

Oliver Wainwright

'La calma conduce al esplendor'... Museo de Arte de Yokosuka. Fotografía: Cortesía de Tomio Ohashi

El premio Pritzker lo ha ganado el maestro japonés de 78 años cuyas obras abarcan desde una estación de bomberos de acceso abierto en Hiroshima hasta un edificio aparentemente hecho de libros.

Desde hileras de viviendas públicas conectadas por pasillos elevados y terrazas compartidas hasta elegantes edificios universitarios de vidrio diseñados para la máxima transparencia entre departamentos, la arquitectura de Riken Yamamoto siempre se ha centrado en ver y ser visto. Ahora es su turno de ser el centro de atención, ya que el arquitecto japonés de 78 años ha sido nombrado ganador del premio Pritzker en 2024, el máximo honor de la arquitectura.

'Un papel muy importante'... Estación de Bomberos de Hiroshima Nishi. Fotografía: Cortesía de Tomio Ohashi

Es una elección sorprendente. Yamamoto nunca ha sido parte de la vanguardia de la moda, del tipo “starchitect” que el Pritzker a menudo ha honrado en el pasado. Tampoco proviene de una región pasada por alto o infravalorada, como el premio ha querido resaltar en los últimos años. En cambio, durante una carrera que abarca las últimas cinco décadas, ha producido un cuerpo de trabajo consistente en un estilo neutral y modernista, creando formas cúbicas y cuadriculadas en acero, concreto y vidrio, que pueden resultar difíciles de entusiasmar a primera vista.

Pero una mirada más cercana revela una mayor complejidad y sofisticación en la forma en que sus edificios están estratificados y estructurados teniendo en cuenta la interacción social, siempre diseñados para fomentar un sentido de comunidad, vida colectiva y ayuda mutua. Como lo expresó el jurado del premio Pritzker, la arquitectura de Yamamoto sirve “al mismo tiempo como fondo y primer plano de la vida cotidiana, desdibujando los límites entre sus dimensiones pública y privada y multiplicando las oportunidades para que las personas se encuentren espontáneamente”.

Su estación de bomberos en Hiroshima, construida en 2000, tiene la forma de una caja de siete pisos, revestida con lamas de vidrio por todos lados, lo que permite al público una vista directa de la acción que tiene lugar en su interior. Las habitaciones se organizan alrededor de un gran atrio donde se entrenan los bomberos, mientras que las personas pueden acceder al vestíbulo y subir a una terraza en el cuarto piso con vistas a las diferentes áreas de trabajo. Refleja la opinión de Yamamoto de que “una estación de bomberos debería desempeñar un papel muy importante en la configuración de una comunidad local” y que estos heroicos funcionarios públicos deberían ser homenajeados a la vista de todos. Su Ayuntamiento de Fussa, construido en 2008, tiene una cara pública igualmente atractiva: sus paredes de azulejos rojos se funden con el suelo, creando una suave pendiente donde la gente puede recostarse contra las paredes curvas.

Su campus de la Universidad de la Prefectura de Saitama en Koshigaya, construido en 1999, es un diagrama transparente de colaboración departamental. Especializados en enfermería y ciencias de la salud, los nueve edificios están conectados por terrazas que se convierten en pasillos, lo que conduce a volúmenes de vidrio que permiten vistas de un aula a otra y de un edificio a otro, diseñados para fomentar el aprendizaje interdisciplinario. "Los espacios aquí son como un modelo de ciudad", dijo Yamamoto, "es decir, están para ser vistos".

'La normalidad se vuelve extraordinaria'... Universidad de la Prefectura de Saitama. Fotografía: Cortesía de Tomio Ohashi

El arquitecto chileno Alejandro Aravena, presidente del jurado del Pritzker, elogió la capacidad de Yamamoto para crear espacios sociales y de convivencia. "Una de las cosas que más necesitamos en el futuro de las ciudades es crear condiciones a través de la arquitectura que multipliquen las oportunidades para que las personas se reúnan e interactúen". “Yamamoto contribuye positivamente más allá del mandato para habilitar a la comunidad. Es un arquitecto tranquilizador que aporta dignidad a la vida cotidiana. La normalidad se vuelve extraordinaria. La calma conduce al esplendor”.

Nacido en Beijing en 1945, Yamamoto creció en una casa que tuvo un impacto formativo en su pensamiento espacial, particularmente en términos de la relación entre los ámbitos público y privado. La casa se inspiró en una machiya tradicional japonesa, con la farmacia de su madre en el frente y la sala de estar en la parte trasera. “El umbral por un lado era para la familia”, dijo, “y por el otro lado para la comunidad. Me senté en el medio”. Fue una posición que ha ocupado a lo largo de su carrera, siempre prestando cuidadosa atención a los límites entre lo público y lo privado, lo individual y lo colectivo.

'Presto mucha atención a lo que me rodea'... Yamamoto. Fotografía: Cortesía de Tom Welsh

Yamamoto completó su licenciatura en la Universidad de Nihon en 1967 y su maestría en la Universidad de las Artes de Tokio en 1971. Después de graduarse, viajó mucho con su mentor, Hiroshi Hara, y pasó meses conduciendo por Europa y América del Sur. por una expedición a Irak, India y Nepal, documentando las interacciones sociales y los umbrales entre los espacios públicos y privados en todos los lugares a los que fue.

Fundó su práctica, Yamamoto & Field Shop, en 1973, y comenzó con encargos de casas privadas. Uno de sus primeros clientes, el señor Yamakawa, vino con un encargo muy simple: quería una villa con una amplia terraza que pareciera una sala de estar al aire libre , donde pudiera pasar todo el día en verano. "Por lo tanto, diseñamos una casa que parecía ser toda una terraza", dijo Yamamoto. Un techo inclinado simple alberga un grupo de volúmenes cúbicos, blancos y escasos, que enmarcan una gran terraza abierta. Su Casa Ishii, construida para dos artistas en Kawasaki en 1978, continuó con el tema. Consiste en una única sala tipo pabellón que se extiende al aire libre y sirve como escenario para albergar actuaciones, con asientos escalonados, mientras que las viviendas están enterradas bajo tierra.

Al igual que la casa de su infancia, el primer proyecto de vivienda social de Yamamoto , construido en Kumamoto en 1991, se inspiró en la forma en que las viviendas tradicionales machiya fomentaban un sentido de colectivismo entre los vecinos. Las 110 unidades están dispuestas alrededor de una plaza central arbolada, a la que sólo se puede llegar pasando por una de las casas, creando un corazón comunitario respetando al mismo tiempo la privacidad de las familias individuales. Practicando lo que predica, su propia casa, construida en 1986, se erige como un monumento a la interacción entre vecinos. Es uno de un grupo de apartamentos en un edificio de uso mixto, con tiendas en la planta baja, que incorpora una serie de jardines y terrazas en la azotea que permiten a los vecinos retirarse o trabajar juntos en el jardín.

Paredes de libros… Biblioteca de Tianjin. Fotografía: Cortesía de Nacasa & Partners

A lo largo de su carrera, Yamamoto ha sido muy crítico con la actitud japonesa hacia la vivienda. “Se esperaba que la vivienda estandarizada creara familias estandarizadas y una fuerza laboral estandarizada”, escribió en 2012. “El fracaso de una política de vivienda que ha proporcionado viviendas según el sistema 'una casa = una familia' significa el fracaso del gobierno japonés. sistema de gobierno”.

El mismo año, su proyecto Gangnam en Corea del Sur fue un intento de hacer que la vivienda fuera más multifuncional, basándose en su principio de un "área comunitaria local", diseñado para fomentar la ayuda mutua. “La vivienda ya no será simplemente un lugar donde la familia viva y críe a sus hijos”, escribió Yamamoto. "Se puede crear un nuevo sistema abriendo la vivienda a la comunidad local a través de diversas actividades, de modo que ni siquiera las personas que viven solas queden aisladas".

Aplicó principios sociales similares ya sea en el diseño de escuelas primarias, campus universitarios o museos de arte. En su Museo de Arte de Yokosuka , construido en 2006, las vistas del paisaje y de otras galerías están enmarcadas por recortes redondos, de modo que los visitantes estén siempre al tanto de la actividad de los demás en el museo. De manera similar, su biblioteca de Tianjin , construida en 2012, tiene la forma de 10 niveles entrecruzados, con terrazas de lectura dispuestas en una cascada abierta escalonada, envueltas con paredes de libros.

La actitud humilde de Yamamoto quizás se resume mejor en el prólogo de su monografía de 2012. "No soy muy bueno diseñando", escribe. "Soy consciente de eso. Sin embargo, presto mucha atención a lo que me rodea. Por lo que me rodea me refiero al entorno que me rodea, la comunidad local existente, las circunstancias de la sociedad contemporánea... Este libro es una historia sobre cómo prestar cuidadosa atención. Por lo tanto, definitivamente recomendaría este libro a aquellos que crean que no son muy buenos diseñando”.