domingo, 21 de diciembre de 2025

EL SANTUARIO " LA PAUSA" DE COCO CHANEL Y LAS SUPERESTRELLAS DEL ARTE

  

Dentro del santuario bañado por el sol de Coco Chanel para las superestrellas del arte


Katy Hessel





Un lugar de refugio… Coco Chanel en el campo de lavanda de La Pausa en 1938 Fotografía: Roger Schall © Schall Collection







La lujosa villa mediterránea de la diseñadora de moda francés fue frecuentada por figuras como Dalí, Garbo, Stravinsky y Churchill. Ahora ha sido restaurada con esmero, con una biblioteca magníficamente reforzada

Es el lugar donde Salvador Dalí pintó El enigma de Hitler, un paisaje inquietante con un auricular de teléfono gigante que parece derramar una lágrima sobre una imagen recortada del Führer. Concebida en 1939, la obra parece anticipar la guerra. También es el lugar donde Winston Churchill escribió partes de su obra multivolumen "Historia de los pueblos de habla inglesa" y pintó su paisaje moteado. Somerset Maugham también lo visitaba, al igual que la novelista Colette, el compositor Igor Stravinsky y el dramaturgo Jean Cocteau, participando en almuerzos que duraban día y noche, con debates y discusiones sobre ideas artísticas.


El enigma de Hitler. SalvadorDalí



Este lugar es La Pausa: la villa mediterránea en las colinas de Roquebrune-Cap-Martin, que una vez fue propiedad del dúo de escritores Charles Norris Williamson y Alice Muriel Williamson, y posteriormente de la diseñadora de moda francesa Gabrielle "Coco" Chanel, quien la hizo reconstruir desde cero a finales de la década de 1920. Más tarde se la vendió a una pareja de editores estadounidenses, Emery y Wendy Reves.

Extensa pero monástica, la casa de paredes blancas —con contraventanas azules y ventanas de crittall negro agrupadas de cinco en homenaje al número 5 de Chanel— acaba de ser restaurada a su estado original, tras ser recomprada por la marca de moda de lujo en 2015. El arquitecto Peter Marino estudió innumerables fotografías para lograr el resultado perfecto: desde los cuadrados de hormigón que forman una cuadrícula similar a una colcha sobre el césped, hasta las macetas con cactus al pie de la escalera. También se adquirieron los marcos de cama originales, así como la instalación de un baño completamente con espejo, similar al del número 31 de la rue Cambon, la dirección de Coco en París.



Revivida… La Pausa, la villa mediterránea en las colinas de Roquebrune-Cap-Martin, en 2025. Fotografía: Jason Schmidt/Chanel


Pero al restaurar un lugar con un pasado tan rico, ¿cómo capturar su espíritu y honrar su historia, dando vida a las palabras y las mentes de sus ilustres huéspedes para crear el retrato más complejo de todos? Sencillo. Construyes una biblioteca.
Las estanterías son, al fin y al cabo, un registro del conocimiento, los personajes y las ideas que han rondado la mente de alguien, reflejando sus intereses, deseos y, a menudo en el caso de artistas o escritores, sus amigos. Siempre que visito el estudio de un artista o la casa de alguien, me intriga lo que habita en sus estanterías, sobre todo si los escritores ya no están vivos. Es una forma íntima de conocer a alguien. Profundiza nuestra comprensión de ellos, nos da acceso a su mundo interior y nos transporta a lugares que desconocíamos.

Recuerdo haber visitado el apartamento de Alice Neel en Manhattan y haber visto sus numerosos libros sobre temas que abarcaban desde el socialismo hasta el psicoanálisis. Y la casa de Leonora Carrington en la Ciudad de México estaba llena de textos sobre budismo, magia, historia celta y libros sobre la soledad.



Creemos que el futuro se construye con fragmentos del pasado... La biblioteca de La Pausa tras la restauración de Peter Marino. Fotografía: Jason Schmidt/Chanel

Pero ¿y si la biblioteca de alguien pudiera seguir creciendo después de su fallecimiento? Si los residentes de La Pausa hubieran seguido vivos, ¿qué libros seguirían leyendo y cómo podríamos percibirlos en la actualidad?
Este fue el reto que Chanel se planteó durante la restauración, con la ayuda de los libreros especializados de Hatchards en Londres (donde el amante de Coco, el duque de Westminster, tenía una cuenta) y 7L en París. Con una lista de 100 libros que Chanel apreciaba y leía, el equipo se dedicó a elegir títulos acordes con su formación académica. Pero también querían crear un retrato más amplio de sus amigos e intereses, y de quién y qué pasó por La Pausa. «Y qué ha sucedido desde entonces, en la música, la arquitectura y la ficción», afirma Yana Peel, presidenta de arte, cultura y patrimonio de Chanel.

Entrar en la biblioteca revestida de madera fue como adentrarse en las mentes y los mundos de quienes estaban allí frente a mí. Adornando los estantes se encontraban biografías de Picasso escritas por John Richardson, ediciones raras del Álbum de recortes de Cecil Beaton, sobrecubiertas diseñadas por Vanessa Bell para el libro de su hermana Virginia Woolf, Las olas; además de primeras ediciones de quienes frecuentaban la Riviera Francesa, como F. ​​Scott Fitzgerald y Ernest Hemingway. También había libros de (o sobre) los huéspedes que visitaron la villa, desde Somerset Maugham hasta Greta Garbo, así como vistazos a sus mundos privados, con los volúmenes encuadernados de las cartas de Jean Cocteau.



Vistazos a mundos privados… la biblioteca La Pausa. Fotografía: Roger Schall © Colección Schall

“Creemos que el futuro se construye con fragmentos del pasado”, afirma Peel, por lo que la biblioteca también se actualiza con obras de Hilary Mantel, Margaret Atwood, Zadie Smith y Rachel Cusk. Para hacerla aún más contemporánea, añade Peel, “nuestros visitantes, al venir de visita, dejarán sus propios libros”.

Al contemplar la biblioteca en su conjunto, se percibe una extensa red de artistas que trabajaron, conversaron, se inspiraron y consumieron las obras de los demás, directa e indirectamente, a lo largo de los siglos. Y en el centro de esta red se encontraba una mujer que moldeó, y sigue moldeando, la cultura actual. Pero ¿por qué sería importante una biblioteca para ella?

Los libros fueron el medio que Coco aprovechó para escapar de sus duros y humildes orígenes. A los 11 años, se quedó huérfana tras la muerte de su madre por tuberculosis y el abandono de su padre en un orfanato regentado por monjas cistercienses en la abadía de Aubazine. Aunque nunca tuvo mucho dinero, encontró maneras astutas de acceder a los libros: «Leía de todo... Nunca comprábamos libros en casa; recortábamos la serie del periódico y cosíamos largas hojas de papel amarillo. Eso era lo que la pequeña Coco absorbía en secreto... Copiaba pasajes enteros de novelas... [ellas] me enseñaron sobre la vida».



Salvador Dalí en La Pausa en los años 30. Fotografía: Foto Wolfgang Vennemann. © Fundació Gala–Salvador Dalí © Salvador Dalí, Fundació Gala–Salvador Dalí/ADAGP, París 2025

Los libros eran un refugio, un medio para que Coco soñara con ser la heroína de su propia historia fabulosa e imaginara innumerables vidas. Hay que recordar lo difícil que habría sido para ella, como mujer, construir un imperio desde cero, décadas antes de que las mujeres obtuvieran el derecho al voto en Francia. Habría requerido una enorme dosis de imaginación y narrativa. Como ella misma dijo: «Los libros han sido mis mejores amigos».

Así que, a la hora de restaurar La Pausa, la biblioteca debía ser su corazón palpitante y su mente reflexiva, el lugar que lo unía todo. En muchos sentidos, ¿no lo son todas nuestras estanterías? Reflejan lo que hemos hecho, aprendido y guardado en nuestro interior; a quiénes hemos conocido (a veces tanto literal como imaginativamente) y cómo hemos escapado. Al igual que las de Neel y Carrington, revelan nuestras curiosidades, secretos y deseos. Palacios de la memoria que albergan nuestros vastos mundos interiores, pueden ser los retratos más íntimos de todos. Echa un vistazo a tus propias estanterías y pregúntate: "¿Qué dicen de mí?".
















miércoles, 17 de diciembre de 2025

LOS DOCUMENTOS Y LA HISTORIA

 

El minucioso trabajo para conservar los documentos en papel más antiguos de Irlanda











Se pretende conservar unas delicadas páginas de 650 años de antigüedad que son algunos de los textos históricos más importantes de la isla.

Han comenzado los trabajos de conservación y digitalización de uno de los documentos en papel más antiguos que aún existen en la isla de Irlanda.

El registro eclesiástico, que data de la época medieval, tiene unos 650 años y perteneció al antiguo arzobispo de Armagh, Milo Sweteman.Sus delicadas páginas están siendo reparadas por expertos de la Oficina de Registros Públicos de Irlanda del Norte (Proni) como parte de una iniciativa para rejuvenecer y preservar algunos de los textos históricos más importantes de la isla de Irlanda. Los registros eclesiásticos contienen copias o borradores de documentos creados por el trabajo administrativo de los arzobispos, incluyendo documentos legales, cartas oficiales, correspondencia, recibos y testamentos.


Filas de estanterías que contienen cajas de archivo con registros en la Oficina de Registros Públicos de Irlanda del Norte en Belfast. Fotografía: Liam McBurney/PA



El registro perteneciente a Sweteman data de su época como alto funcionario clerical, entre 1361 y 1380.Ya se han completado los trabajos de conservación del registro del arzobispo John Swayne, fechado entre 1418 y 1438, y ahora hay disponible en línea una copia digitalizada junto con un resumen traducido.


El trabajo de conservación de los libros de Swayne implicó separar cuidadosamente las encuadernaciones que datan del siglo XVII, lavar suavemente todos los folios de papel y luego consolidar cada trozo de papel con una solución de gelatina débil.Los desgarros y pérdidas en el papel se rellenaron con papel kozo japonés antes de encuadernar los libros utilizando material del siglo XVII.

El trabajo que se está llevando a cabo actualmente en el registro de Sweteman implica la necesidad de reparar los daños que se produjeron a raíz de anteriores esfuerzos de conservación que se remontan a principios del siglo XX, cuando se colocó papel de calco sobre las páginas en un intento de preservarlas. El papel de calco era ácido y, de hecho, aceleró la corrosión de la tinta y el papel.


Ahora se está eliminando con un gel especial antes de someterlo a un proceso de lavado a baja presión. Luego se están realizando las mismas reparaciones con papel kozo y pasta de almidón de trigo que se usaron para el registro de Swayne.

Se están realizando trabajos similares en un tercer registro, fechado entre 1400 y 1418, que perteneció al antiguo arzobispo Nicholas Fleming.

Sarah Graham, jefa de conservación de Proni, explicó que el papel era extremadamente raro en la isla de Irlanda cuando se compilaron los registros.



Sarah Graham trabaja con un registro eclesiástico medieval de la diócesis de Armagh, en un taller de conservación. Fotografía: Liam McBurney/PA



Fue un período anterior a la invención de la imprenta, cuando el pergamino elaborado con pieles de animales todavía era el material de escritura preferido.

"Los documentos anteriores a 1450 son particularmente raros; no aparecieron en Irlanda hasta un par de siglos después de que se completaran los registros de Milo Sweteman o John Swayne", dijo Graham.“Hemos investigado un poco sobre las marcas de agua y sabemos que el papel procede de Italia y de España”.

Graham dijo que era probable que los arzobispos importaran el periódico a Irlanda durante sus viajes por Europa. El Tesoro de Registro Virtual de Irlanda es un esfuerzo por recrear parcialmente el rico archivo histórico que fue destruido cuando la Oficina de Registro Público de Irlanda en Dublín fue incendiada en junio de 1922, al comienzo de la guerra civil irlandesa. Graham enfatizó la importancia de preservar los documentos centenarios que aún existen.


“El trabajo que hacemos en conservación en general es realmente importante para estabilizar las colecciones para que estén disponibles para el público ahora, pero también para las generaciones futuras, para que las generaciones futuras puedan entender de dónde vienen, cuál es su historia y la fuente principal de material está aquí y disponible para ellos”.






























lunes, 15 de diciembre de 2025

CUANDO HARRY CONOCIÓ A SALLY



Por qué "Cuando Harry conoció a Sally"* es mi película favorita

Henry Roberts








Meg Ryan y Billy Crystal en Cuando Harry conoció a Sally.








La  recomendación de una película reconfortante: la emblemática comedia romántica de Nora Ephron y Rob Reiner.

No hay un solo momento aburrido en " Cuando Harry conoció a Sally", el clásico de 1989 de Nora Ephron y Rob Reiner, que se ha convertido en la apoteosis de la comedia romántica. Cada detalle de la película es para disfrutar: las hojas doradas de Central Park. El apartamento de Billy Crystal . Las gafas de Meg Ryan. ¡Los suéteres! ¡Ay, los suéteres!
No es precisamente una decisión innovadora, tanto que casi me da vergüenza llamarla mi " película para sentirse bien ". Decir que "Cuando Harry conoció a Sally" es una película reconfortante es como decir que la pizza es la comida reconfortante perfecta. No es nada exigente ni original.

Pero como ocurre con todas las comodidades, nunca se trata solo de la cosa en sí. Siempre hay una historia, una razón personal por la que esa obra de arte en particular te impulsa a volver a ella una y otra vez.





Mi relación con Cuando Harry conoció a Sally empezó a los 11 años. Temía las mañanas de lunes: esa sensación de repugnancia al darte cuenta de que sí, es de mañana y sí, tienes que ir a la escuela. La sola anticipación de esa sensación llenaba de pavor las tardes de domingo.

En mi habitación tenía un viejo televisor con reproductor de VHS incorporado. Para cuando empecé el instituto en 2008, las cintas VHS ya habían pasado de moda; la mayoría de la gente veía películas en casa con DVD y Blu-ray. Pero nuestra casa estaba llena de cintas VHS. (Me encantaba que Sally ordenara sus cintas de vídeo en fichas. Y sí, lector, pronto empecé a ordenar las cintas de nuestra familia).
Revisé las cintas VHS que teníamos en casa, igual que los niños más precoces rebuscan en la biblioteca local. Una noche, cogí "Cuando Harry conoció a Sally". Recuerdo que los colores de la caja eran apagados y descoloridos. Pero en cuanto empezaron los elegantes créditos iniciales, con la jazzística interpretación al piano de "Tenías que ser tú" sonando encima, me enganché.

Poco después, vi "Cuando Harry conoció a Sally" casi todos los domingos por la noche durante un año. A veces le dedicaba toda mi atención; otras, la tenía puesta de fondo mientras hacía otras cosas. Era un consuelo saber que estaba ahí. Rebobinar la cinta hasta el principio era una parte preciada de mi ritual semanal. Desde entonces, he visto la película innumerables veces en diversos formatos, pero siempre recuerdo esas tardes de domingo, viendo el VHS con las piernas cruzadas en el suelo de mi habitación.

En esencia, Cuando Harry conoció a Sally es una película de fantasía. No solo por su insistencia en que los hombres y mujeres heterosexuales nunca pueden ser amigos sin que el sexo se interponga, sino por el estilo de vida que retrata: habitantes de Manhattan sanos y atractivos que viven en hermosos apartamentos, visten ropa de ensueño y cuyas principales preocupaciones (a pesar de la hipocondría de Harry) son asuntos del corazón y no, por ejemplo, cómo se pagará el próximo alquiler.

Para mí, a los 11 años, Cuando Harry conoció a Sally representaba una vida con la que valía la pena fantasear: quería viajar por carretera; no podía conducir. (Todavía no puedo). Quería vivir en Manhattan, no en Lancashire. (Todavía no). Quería enamorarme. (Al final lo hice, aunque tras años de ensayo y error). Sabía que el cinismo y la arrogancia de Harry no eran dignos de admiración, pero por lo demás, quería su vida: cuando te das cuenta de que quieres pasar el resto de tu vida como asesor político en Nueva York leyendo novelas de Stephen King en sillones elegantes en apartamentos aún más elegantes, quieres que el resto de tu vida empiece cuanto antes.

Parte de la brillantez de la película reside en el reparto secundario: Carrie Fisher como Marie y Bruno Kirby como Jess, los mejores amigos de Harry y Sally, quienes desarrollan su propio romance. Marie y Jess ofrecen las mejores frases de la película (sí, mejores que "Tomaré lo mismo que ella"). Jess, durante una frustrante partida de Pictionary, le suplica a Sally: "¡Dibuja algo que se parezca a cualquier cosa !". Y Fisher recita una frase memorable en la librería Shakespeare & Co de Nueva York: "Alguien te está mirando en Crecimiento Personal".

A veces me pregunto si debería amar "Cuando Harry conoció a Sally" tanto como lo hago. O sea, ¿no es la película un poco reduccionista en cuanto al género? Quizás. Pero al mismo tiempo, es una comedia romántica que es realmente romántica y realmente divertida, algo de lo que pocas comedias románticas pueden presumir hoy en día. Pero la razón por la que es mi película favorita es porque la descubrí justo cuando más la necesitaba. Como dijo Sally: "Cuando Harry conoció a Sally", puede que me hayas proporcionado un modelo de vida poco realista, pero es imposible que te odie.


  *Recordando una de las películas clave del gran director de Hollywood,  Rob Reiner, fallecido junto a su esposa ayer, 14 de dicembre.




























sábado, 13 de diciembre de 2025

IN MEMORIAM

 

Hector Alterio

1929-2025









"Corría septiembre de 1974 y Alterio había llegado a España para acompañar la presentación de La tregua en el Festival de Cine de San Sebastián. Ya se había ganado un nombre como uno de los grandes protagonistas del cine argentino de ese momento con apariciones muy destacadas en La piel del amor, Quebracho y La Patagonia rebelde. Pero la gran película de Sergio Renán, que poco después se convertiría en la primera candidata al Oscar que representó a nuestro país, cambió su vida en todo sentido.

...Alterio consiguió una semana de licencia en el teatro en donde estaba representando Sabor a miel y pudo viajar al País Vasco. En ese momento llegó al teléfono de su casa el primer llamado, inquietante y amenazador, de la Triple A. Lo primero que pensó Alterio es que se trataba de una equivocación. “Yo estaba a 11.000 kilómetros y no podía volver a mi país. Al principio me causó risa. Pero cuando la Triple A empezó a matar gente, mi mujer, con mi hija de seis meses y mi hijo de dos años y medio, vino para aquí para comenzar una aventura, incierta por cierto, pero afortunadamente superada”, recordó muchos años después en una entrevista con el diario español El País...

...Años después descubrió que la razón de las amenazas tenían que ver justamente con La tregua. Al grupo terrorista de ultraderecha que se movía a sus anchas en el gobierno de la viuda de Juan Domingo Perón no le gustaba nada ese retrato de familia disfuncional expuesto en la película de Renán, especialmente porque el personaje de Alterio tenía un hijo homosexual (interpretado por Oscar Martínez). Ese disgusto se extendió a los militares que tomaron el poder en 1976. “Lo que pasa es que usted elige mal las películas. No tiene que hacerlas más”, llegó a escuchar de boca de un alto jefe uniformado."...........................

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Conservó hasta el final ese fuego sagrado. Fue en ese tramo postrero un hombre que hablaba con letras de tango en Fermín (2014), la última película que rodó en la Argentina, y también el entrañable protagonista de la versión teatral española de En la laguna dorada. Tan fuertes eran las energías que le transmitía el teatro que a los 91 años, en plena pandemia, se animó a interpretar en vivo Como hace 3000 años, un recorrido por la poesía y la memoria de León Felipe, una de las figuras a las que Alterio más tiempo le dedicó en el medio centenar de obras teatrales que protagonizó en España.

Mientras tuvo fuerzas (y vaya si las conservó hasta el final) para hacer ese viaje feliz entre sus dos mundos, geográficos y artísticos, Héctor Alterio defendió su mayor convicción: nunca recurrió a la ayuda de un método para actuar. “Lo mío -repetía una y otra vez- es nada más que sudor y lágrimas”.



Marcelo Stiletano para La Nacion, fragmento.


Hector Alterio falleció hoy 13 de diciembre en Madrid, donde residía desde el exilio-














viernes, 12 de diciembre de 2025

PETER DOIG: HOUSE OF MUSIC

 


Peter Doig: House of Music: pinturas embriagantes con una banda sonora impactante

Jonathan Jones






Inquietante... Pintura de Peter Doig para pintores de pared (Prosperity PoS), 2010-12. 
Fotografía: Richard Ivey/Peter Doig









Combinando sus fantásticos paisajes con una banda sonora reproducida a todo volumen en sistemas de sonido antiguos, el pintor difumina las fronteras entre club y galería con un efecto sísmico.

Un gigantesco sistema de sonido se alza contra verdes montañas en la pintura Maracas de Peter Doig, mientras un hombre diminuto se sube a una torre de altavoces para revelar la monstruosa escala. Es una utopía —o distopía— de lo que puede ser el sonido. ¿Podrían los altavoces transmitir suficiente potencia sónica, suficiente alma y amor para destruir la realidad? Permanecen en silencio, por supuesto; el misterio, el temor, reside en la expectación.
Ya no. La Casa de la Música, la nueva exposición, club o festival de Peter Doig, convierte este cuadro colgado en el espacio introductorio, similar a un vestíbulo, del Serpentine en un manifiesto, y sube el volumen.

Las inquietantes pinturas de Doig se acompañan de una banda sonora compuesta por música seleccionada de su colección personal de vinilos y reproducida a través de inmensos altavoces, rescatados de antiguos cines por su colaborador Laurence Passera. Estos objetos arqueológicos son esculturas en sí mismos, con enormes bocas de madera y metal que antaño resonaban tras las pantallas de los cines y auditorios británicos en la época dorada del cine. Un sistema de altavoces Western Electric/Bell Labs se fabricó a finales de los años 20 y principios de los 30, en plena llegada del cine con sonido sincronizado. Tu cuerpo y tu mente se llenarán de Aretha Franklin, Kraftwerk, Black Truth Rhythm Band, Neil Young y otros favoritos del pintor, si es que funciona.



León en el camino, 2015. Fotografía: © Peter Doig. Todos los derechos reservados.


Cuando lo visité temprano, los altavoces estaban en silencio; Passera trepaba entre un caos de cables y circuitos, ultimando el montaje, como si se preparara para un festival de música legendario: la víspera de Woodstock, el día antes de Altamont. La víspera de la creación o la destrucción. Doig permaneció imperturbable.
Al menos pude concentrarme en las pinturas en paz. Puede que se ponga ruidoso cuando abra. Habrá baile y sudor. Mesas y sillas de madera tallada y sillones reclinables están dispersos por las salas de la galería, con diferentes luces, lo que se suma a la invitación a disfrutar de esto como un club. Sin embargo, todo es una extensión natural de las vibraciones que uno obtiene del arte de Doig. En el momento en que entras, te envuelves en sus brumosos sueños musicales. Un viejo músico toca una guitarra. ¿Dónde estamos? Ningún lugar y todos los lugares, un reino fantástico del arte. A pesar de toda la afinidad con la cultura pop, hay algo de la década de 1890 en el arte de Doig. Canaliza los paisajes inmóviles del muralista francés Puvis de Chavannes y los bosques tahitianos de Gauguin. Hay mujeres desnudas en el bosque o en patines. Me parecen más espirituales que carnales. En una pintura, una mujer enmascarada parece estar atada a un árbol como San Sebastián, mientras desnudos azul oscuro se mueven a su alrededor en un bosque rojo y verde que se funde. Es el sueño desquiciado que podrías tener después de preocuparte todo el día por la política del "primitivismo" en el arte moderno.

¿Qué dice? ¿A quién le importa? Los detalles figurativos se disuelven ante tus ojos en embriagadoras aguas y cascadas ebrias de textura pictórica, que fluyen sobre lienzo, lino o, a veces, pergamino. Al principio, un muro de banderas te da la bienvenida; pero los bordes suaves, los límites difusos y los trazos difusos convierten estos símbolos en ecos fantasmales. Sobre ellos se encuentran dos diminutas islas tropicales en un mar azul quieto, sus siluetas oscuras laten, brillan, titilan.


 
Maracas, 2002–08. Fotografía: Peter Doig


Cada objeto sólido se hunde en el océano de colores. La pintura que más me atrae es Música del Futuro, una visión de más de tres metros de ancho de un local de fiesta junto al lago por la noche. Gente y luces, clubes y sombrillas se encuentran dispersos a lo largo de la orilla, mientras sus aguas, profundamente sombreadas, reflejan la noche. La creación de atmósfera mediante gradaciones de color ultrafinas, pero nunca remilgadas, es absolutamente cautivadora: la noche no es negra, sino una mezcla infinitamente variada de verde y morado, en una pintura que aún parece húmeda a pesar de que esta obra se realizó a principios del siglo XXI.

Una obra está realmente prácticamente mojada. Doig le estaba dando retoques el lunes antes de que llegaran los manipuladores de arte para sacarla de su estudio, me cuenta. Un león se yergue furioso y solitario en un patio amarillo junto a una cárcel. La sangre empapa su peluda melena, pero permanece erguido. Más allá de columnas coronadas con estatuas, al otro lado de un páramo marrón bajo un cielo rojo tan hueco e inquietante como un desierto de Dalí, se yerguen las ruinas de una ciudad bombardeada.
El arte de Doig parece transportarte a un espacio onírico etéreo, fuera del mapa y de los libros de historia, pero las noticias, provenientes de ninguna parte, resultan estar llenas de urgencia. Esta pintura es uno de los tres lienzos a escala histórica protagonizados por el León de Judá que cuelgan en el centro de la exposición, con los oradores más antiguos. En el primero que pintó, un hombre espectral tropieza junto a una prisión amarilla y verde mientras el león permanece en un desafío majestuoso. Inspiró un poema del premio Nobel Derek Walcott. El año pasado, Doig pintó Leones (Fantasma): dos leones medio jugando, medio dormitando bajo un arco musgoso ante una escena costera rosa (Collioure, donde Matisse inventó el fauvismo).
Justo cuando empiezo a pensar que todo tiene un mensaje moral claro, Doig explica que se inspiró en un viaje a La Valeta, Malta, para ver la Decapitación de Juan el Bautista de Caravaggio. Ahora veo que reproduce la arquitectura de esta inolvidable pintura, y que hay un pequeño boceto del verdugo sacando su cuchillo para cortar el último trozo de piel del cuello de Juan.

Es una versión. La aventura sonora de Doig enseña que el lenguaje de la pintura no es remoto ni difícil, sino tan disfrutable como la música. Los artistas remezclan a otros artistas y, en su caso, pueden pintar imágenes que se te meten en la cabeza de forma tan enigmática e irrevocable como una canción. No creo que jamás olvide ese nocturno junto al lago ni lo comprenda. Escúchalo de nuevo.




Peter Doig: House of Music se exhibe en la Serpentine South Gallery, Londres, del 10 de octubre al 8 de febrero.






Peter Doig (nacido en Edimburgo, el 17 de abril de 1959) es un pintor escocés. Esta considerado como uno de los pintores actuales más importantes de su generación. Sus obras han batido récords de precio en el mercado del arte contemporáneo.​

En 1962 se fue a vivir con su familia a Trinidad y Tobago y en 1966 se trasladaron a Canadá. Regresó al Reino Unido en 1979, pasando a estudiar en la Escuela de Arte de Wimbledon, después en la Escuela de Arte de San Martín y más tarde en Chelsea School of Art, donde completo un máster. En 1995 fue nombrado comisario de la Galería Tate. En 2002 regresó a Trinidad, donde abrió un estudio cerca de Puerto España.​ Se convirtió también en profesor en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, en Alemania.
Su obra, donde son notables sus paisajes, recuerda su infancia y juventud en Canadá. Muchas veces es inspirada por fotografías, aunque no sigue el estilo fotorrealista. Posteriormente utilizó como inspiración en sus obras sus experiencias en Trinidad.

En una entrevista con el critico de arte Angus Cook, con motivo de su exposición "No Foreing Lands" Peter Doig declaró que desea que su trabajo sea cada vez más abstracto.​
El estilo de Doig muestra la influencia de los pintores impresionistas, postimpresionistas y expresionistas, como Claude Monet y Edvard Munch.

En el año 2007, su cuadro White Canoe (Canoa blanca), alcanzó en una subasta el mayor precio pagado hasta entonces por una obra de un artista europeo vivo, y fue vendido por casi nueve millones de euros.​






































jueves, 11 de diciembre de 2025

McDONALD'S METE LA PATA


 McDonald's elimina un anuncio generado por IA tras las críticas



El anuncio generado por IA que sugería que la gente se refugiara en un McDonald's durante el estrés navideño provocó una reacción negativa en línea. Un usuario dijo: "¡Adiós a la bazofia de la IA!".
 Fotografía: Beata Zawrzel/NurPhoto/Shutterstock






Un anuncio en Países Bajos que retrata el caos de la temporada de festivales en "la época más terrible del año" provocó una oleada de críticas en línea.


McDonald's afirma haber eliminado un anuncio navideño generado por IA en los Países Bajos después de que fuera criticado en línea.

El anuncio, titulado "La época más terrible del año" , muestra escenas de caos navideño, con Papá Noel atrapado en un atasco y un ciclista holandés cargado de regalos resbalándose en la nieve. ¿Y el mensaje? Retírate a un McDonald's hasta enero y disfruta de las fiestas.
Pero el anuncio de inteligencia artificial generativa de la división holandesa del fabricante del Big Mac provocó una oleada de críticas en las redes sociales.




"Este anuncio me arruinó el espíritu navideño", dijo un usuario. "¡Adiós a la basura de la IA!", publicó otro.
La investigación sobre inteligencia artificial tiene un problemade descuido, dicen los académicos: "Es un desastre"

McDonald's Países Bajos dijo en un comunicado el miércoles: "El comercial navideño tenía como objetivo mostrar los momentos estresantes durante las vacaciones en los Países Bajos.  “Sin embargo, observamos, basándonos en los comentarios sociales y la cobertura mediática internacional, que para muchos huéspedes este período es 'la época más maravillosa del año'”.

Melanie Bridge, directora ejecutiva de Sweetshop Films, la compañía que realizó el anuncio, defendió el uso de IA en una publicación en LinkedIn.
“Nunca se trata de reemplazar la artesanía, sino de ampliar las herramientas. La visión, el gusto, el liderazgo… eso siempre será humano”, dijo.Y aquí está lo que la gente no ve: las horas invertidas en este trabajo superaron con creces las de un rodaje tradicional. Diez personas, cinco semanas, a tiempo completo.

Pero eso también provocó un debate en Internet.

Emlyn Davies, de la productora independiente Bomper Studio, respondió a la publicación de LinkedIn: “¿Qué pasa con los humanos que habrían estado allí, los actores, el coro?
“Diez personas en un proyecto como este es una cantidad mínima en comparación con filmarlo tradicionalmente en acción real”.
Coca-Cola lanzó recientemente su propio anuncio navideño generado por inteligencia artificial, a pesar de haber recibido críticas negativas cuando hizo lo mismo el año pasado.

La nueva oferta de la compañía evita los primeros planos de humanos y presenta principalmente imágenes generadas por IA de animales adorables en un entorno invernal.