Tracey Emin: Una reseña de Second Life: muestra de amor puro, angustia y dolor.
Eddy Frankel
Tracey Emin con The End of Love en la Tate Modern a principios de este mes.
Fotografía: Alishia Abodunde/Getty Images
Tate Modern, Londres: Olvídate del sexo y las drogas de los 90. Esta exposición, profundamente emotiva, muestra que la obra de Emin ha sido convertir el sufrimiento en escultura, los insultos en poesía y la agonía en arte.
Se siente como si estuvieras invadiendo la sala. Entrar a la enorme retrospectiva de Tracey Emin en la Tate Modern es como verla llorando, desnuda, sollozando y mocosa, como si te hubieras topado con algo dolorosamente privado.
Eso no es algo fácil de lograr en los espacios cavernosos de nuestra principal institución de arte contemporáneo, pero eso es lo que hace de Tracey (no parece correcto llamarla Emin, te atrae tan cerca que es como si la conocieras, es Tracey, ¿no?) una artista tan especial, importante y que define una era.
Es un ícono, la artista más famosa de Gran Bretaña. Formó una generación, conmocionó a una nación, cambió el concepto de arte. Desde principios de los 90, ha creado un arte tan crudo, tan visceral, tan emocionalmente honesto que te obliga a sentir lo que ella siente.
Tracey simboliza el apogeo de los 90, su sexo, drogas y alcohol, éxitos y excesos, pero esta serie no se trata de eso. Se trata de cómo ella ha expuesto su vida, se ha desnudado, y nos ha impulsado a todos a aceptar nuestras propias emociones en el proceso.
Esta no es una celebración enorme, fría y de paredes blancas de su obra; es mucho más íntima, oscura y claustrofóbica. En la brutal y desgarradora película de 1995, Why I Never Became a Dancer, Tracey habla de dejar la escuela a los 13 años, de tener relaciones sexuales degradantes y abusivas con hombres mayores, de caminar por Margate mientras los chicos le gritaban "slag". Pero al final, convierte todo este dolor en algo alegre. "Shane, Eddie, Tony, Doug, Richard, esto es para ustedes", dice, y baila al ritmo del himno disco de Sylvester (You Make Me Feel) Mighty Real. Esa es nuestra Trace: vive, siente, ama y sufre, y luego lo convierte todo en arte.
Tracey Emin con su obra de 1998, "Mi Cama", en la Tate Modern. Fotografía: Yui Mok/PA
Es una ecuación simple que se repite una y otra vez de diferentes maneras a lo largo de su carrera. Convierte las burlas crueles en colchas, el desamor en pinturas, los insultos que le gritan a su madre —por haberse casado con un turcochipriota— en poesía.
Un aborto que la artista tuvo a principios de los 90 proyecta una gran sombra sobre ella. En una película, habla de la miseria que sufrió y del trato que recibió después. En la habitación contigua hay un estante con su pulsera de hospital y un frasquito de ácido mefenámico analgésico junto a un expositor de zapatos infantiles. Es casi demasiado, demasiado angustioso.
Sin embargo, el aborto fue su "suicidio emocional", un momento trascendental que lo cambió todo. Destruyó todas sus pinturas de la escuela de arte, se encerró en un estudio durante tres semanas y media y empezó de cero. Ese estudio se recrea aquí, cubierto de pinturas garabateadas, latas vacías de cerveza europea y ropa sucia.
Mi Cama también está aquí, ¿cómo no? Pero para ser algo tan icónico, no se siente monumental ni grandilocuente, ni como una pieza que haya dominado el discurso del arte popular durante décadas. Simplemente se siente como si alguien te dejara entrar, como si te diera acceso a otro momento privado de dolor. Nunca tuvo la intención de ser noticia ni de cambiar el mundo, era simplemente la verdad: la realidad de alguien viviendo su vida.
Te seguí hasta el final, de Tracey Emin, 2024. Fotografía: © Tracey Emin
Vivir esa vida se ha vuelto más difícil últimamente. Le diagnosticaron cáncer de vejiga hace poco, y un pasillo oscuro está lleno de fotos de su estoma sangrante. Con Tracey no hay límites, la disfrutas al máximo, pase lo que pase. Su recuperación del cáncer marca la segunda vida del título de la serie, un renacimiento.
Las colchas, películas e instalaciones son las obras más famosas, pero la exposición también está repleta de pinturas. Autorretratos toscos y caóticos en negro, rojo y gris: el cuerpo de Tracey yace despatarrado y sangrando, destrozado en la cama o de pie, frágil y fantasmal, al borde del colapso. Muchas de ellas están cubiertas de poesía semidiarística. No todas son grandes pinturas, pero conmueven en toda su crudeza, desordenada y tempestuosa.
Tracey la Loca de Margate. Todos Hemos Pasado Por Allí, 1997, de Tracey Emin.
Fotografía: Antonia Reeve/Tracey Emin
Lo que realmente no es genial es su obra escultórica. Cada bronce parece un cacharro metálico mal hecho tirado por la galería. Y podría pasarme el resto de mi vida sin volver a ver sus neones, todos ellos con el aspecto de estar destinados a los vestíbulos de los peores hoteles del mundo
Pero incluso cuando es mala, al menos es auténtica y sincera. Algunas partes de esta exposición me dejaron hecha pedazos. La pintura de ella cargando las cenizas de su madre me destrozó por completo y me hizo extrañar a mi propia madre, que falleció justo antes de la pandemia. Estaba hecha un mar de lágrimas; fue abrumador. Debe ser agotador ser Tracey. No podía sentirme tan intensamente todo el tiempo; tengo que funcionar, enviar correos electrónicos e ir al supermercado.
No vengas aquí buscando pasar un buen rato, no lo encontrarás. Pero si buscas amor puro, sin complejos, sin diluir, sin reservas, con total sinceridad, dolor, angustia y tristeza, acabarás sintiendo más de lo que probablemente has sentido en años.
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