LOS NIÑOS ...Y EL ARTE

 

Un Basquiat en casa

Jean-Michel Basquiat
Autorretrato. 1984

“Si me preguntaran cómo educar a los niños, les haría vomitar hasta el último pedacito de manzana que sus padres y todos los otros les han hecho morder” (J.D. Salinger)

De repente un día, de la noche a la mañana, Junior sabía pintar. Tenía que preparar su cena, no quería enchufarle la tele y saqué unos folios y lápices de colores que había comprado hace meses y que entonces rechazó. Pero esta vez no, y comenzó a dibujarme. Toda una sucesión de rayas quebradas, líneas en serrucho, perpendiculares y paralelas; y, como por arte de magia, ahí estaba yo. O al menos alguien con barba muy parecido a mí. Una muestra artística dadá que en manos de un caricaturista habría dado por buena.   

—¿Soy yo? —le pregunté.
—Sí. 

E igual que En busca de Bobby Fischer alentaban al joven Josh Waitzkin a jugar partidas rápidas en Washington Square, le di más papel y me senté a su lado. Entonces el genio que había estado en la lámpara se expresó raudo y sin cadenas. Folio, folio, folio. Casas, bosques, coches, aviones, vampiros con unos hilillos de sangre muy técnicos saliendo de sus colmillos y bicicletas; ahora su madre con las mejillas sonrosadas y el pelo de punta. Le pregunto qué es ese círculo que ha plantado al lado de su cabeza y responde que mamá está pensando en algo. Hago una foto y se la mando, y ella se emociona igual que yo. Veo yates y puros y gastos superfluos en el horizonte. Puede que tengamos un gran talento entre manos, puede que las promesas insatisfechas de su yo compositor, de su yo deportista o de su yo capaz de recoger todo lo que desordena, no fueran sino descartes razonabilísimos que aguardaran al emperador de las pinturillas. 

A veces me pide que le dibuje un corazón enorme porque quiere colorearlo, pero yo recuerdo el cuentito Teddy de Salinger y me resisto un poco. Preguntado el niño prodigio protagonista por el sistema educativo, este respondía: “Trataría de enseñarles (a los niños) a descubrir quiénes son, y no simplemente cómo se llaman y todas esas cosas... Pero antes, todavía, creo que les haría olvidar todo lo que les han dicho sus padres y todos los demás. (…) Aunque los padres les hubieran dicho que un elefante es grande, yo les sacaría eso de la cabeza. Un elefante es grande solo cuando está al lado de otra cosa, un perro, o una señora, por ejemplo (…). Ni siquiera les diría que un elefante tiene trompa. Cuanto más, les mostraría un elefante, si tuviera uno a mano, pero los dejaría ir hacia el elefante sabiendo tanto de él como el elefante de ellos. Lo mismo haría con el pasto y todas las demás cosas. Ni siquiera les diría que el pasto es verde. Los colores son solo nombres. Porque si usted les dice que el pasto es verde, van a empezar a esperar que el pasto tenga algún aspecto determinado, el que usted dice, en vez de algún otro que puede ser igualmente bueno y quizá mejor. No sé. Yo les haría vomitar hasta el último pedacito de manzana que sus padres y todos los otros les han hecho morder”. 

 

POEMA

Instantes

Claribel Alegría

Fotógrafo: Nirav Patel

Sólo éste ahora es mío
este momento
el pasado escapó
y no vislumbro el rostro
del futuro.

RECONSTRUYENDO A KLIMT

 

La inteligencia artificial recupera tres cuadros destruidos de Klimt

 

 

El resultado del trabajo del algoritmo sobre el cuadro 'Medicina', de Gustav Klimt.

 

 

Google Arts and Culture y expertos del Museo Belvedere de Austria logran con millones de imágenes y documentos históricos reconstruir el color original de piezas que sucumbieron a las llamas

La última pista que existe de Medicina, Jurisprudencia y Filosofía, las denominadas Pinturas de la Facultad, de Gustav Klimt, es de 1945. Las tres grandes obras estaban en un castillo en Austria que, el día antes de que acabara la Segunda Guerra Mundial, los nazis mandaron quemar antes de que el Ejército Rojo les confiscara un patrimonio artístico que ellos mismos habían expoliado por toda Europa. En aquel incendio desaparecieron más obras del artista austriaco, no se sabe cuántas, lo que parece más que probado es que estas tres piezas de finales del siglo XIX, de más de cuatro metros, sucumbieron a las llamas. El único rastro que quedaba eran unas fotografías en blanco y negro hasta que recientemente el Google Arts & Culture y el Museo Belvedere de Austria han resucitado las piezas y sus brillantes colores gracias a la inteligencia artificial.

El trabajo lo ha hecho un algoritmo al que han entrenado especialistas de ambas instituciones tras una exhaustiva labor de investigación cromática. El punto de partida, ya que de las tres piezas solo quedaban imágenes en blanco y negro, fue un fragmento de color que todavía se conserva de la Medicina. A partir de ahí, se recopilaron 80 imágenes de cuadros de Klimt repartidos por distintas instituciones. Con esta primera información, el robot aprendería a través de la prueba y el error un sesgo hacia los colores de su obra. Los expertos recurrieron a obras como el Friso de Beethoven, donde aparecen serpientes doradas similares a las que rodean a las tres mujeres a la vanguardia en Jurisprudencia, explican en el Instituto de Google.

El antes y el después de la obra 'Medicina' de Klimt.

Pero un algoritmo de este tipo necesita más alimento para seguir aprendiendo, unas 5.000 imágenes de media para asimilar un objeto, por lo que además le enseñaron un millón de fotos de cosas del mundo real, incluidas personas, animales y edificios; y 91.749 obras de arte que ya almacena Google Arts & Culture (la plataforma alberga piezas y documentación de más de 2.500 instituciones culturales de 80 países). “Esto permite que el modelo de aprendizaje automático asimile los límites de los objetos, las texturas y las composiciones frecuentes en las obras de arte”, aseguran los expertos de Google.

El antes y el después de la coloración del algoritmo del cuadro de la 'Jurisprudencia'.

No solo usaron imágenes, expertos en Klimt como Franz Smola, del Museo Belvedere, hicieron una labor de investigación reuniendo documentos académicos y periodísticos de la época. Smola usó, por ejemplo, extractos de crónicas del periodista Ludwig Hevesi sobre la Jurisprudencia, que estuvo expuesta en 1903: “Tres diosas vengadoras de forma aterradoramente hermosa, con serpientes doradas en el pelo”. Seis años después, en otra crónica, Hevesi vuelve a tratar el cuadro: “Un infierno de lujo, donde los instrumentos de oro de tortura están incrustados con diamantes y los mártires sangran rubíes”. La precisión en los detalles de estos textos y, sobre todo, en la descripción de los colores, ha sido tan determinante para el aprendizaje del robot como las imágenes. “Para que las pinturas fueran históricamente precisas, guiamos al algoritmo con la investigación del doctor Smola. Si sabemos que un determinado objeto tiene un color específico, agregamos ese color directamente a las fotos en blanco y negro”, explican en el Instituto de Google.

El antes y el después de 'Filosofía' de Klimt.

Con toda esta información, Emil Wallner, ingeniero de Google, dedicó casi seis meses a programar el código de inteligencia artificial con el que trabaja el algoritmo para que consiguiera generar predicciones de color acordes a la obra de Klimt. En el siguiente paso del proceso volvieron a entrar Smola y el equipo del laboratorio. El robot no colorea manualmente las pinturas, sino que hace un análisis estadístico de las obras de arte existentes de Klimt y aprende a imitar el estilo de coloración. Por eso, con las referencias cromáticas que había generado el algoritmo, los especialistas insertaron cuidadosamente los colores en las tres pinturas del maestro austriaco.

“El resultado fue sorprendente porque pudimos colorear incluso las partes sobre las que no teníamos ninguna información”, explica Smola. “Cuando por primera vez vi el cielo verde de Filosofía, exclamé: ‘¿Qué es esto?’. Me quedé asombrado porque supuse que sería azul. Fue una emoción especial, algo que nunca olvidaré”, asegura Wallner. El cielo era verde esmeralda, como ya habían adelantado algunos documentos periodísticos que describían tonos verdosos en esa parte de la pintura.

Una técnica usa las cámaras de Google para fotografiar la obra 'Judith II', de Klimt, en la Galleria Internazionale d'Arte Moderna en Ca' Pesaro en Venecia

De esta manera revivieron las obras con las que el pintor provocó un escándalo —otro más a lo largo de su carrera— en la institución académica. En 1894, la Universidad de Viena encargó a Klimt y al artista Franz Matsch unas pinturas alegóricas que representaran estas tres disciplinas. Oportunidad que el primero aprovechó para criticar “la estrechez de miras del Estado y la sociedad austriaca”. Para conseguirlo, desplegó su imaginario a través de conceptos mitológicos como mujeres desnudas atrapadas en serpientes o embarazadas, niños, esqueletos, seres espectrales de largas cabelleras, todos brillantemente rematados con el característico oro de Klimt. El resultado fue la ofensa e ira de los expertos, que calificaron los cuadros de pornográficos y ofensivos.

El ingeniero de Google Emil Wallner y el experto en Klimt Franz Smola, en el laboratorio de Google en París.

Los investigadores de la Fundación Gustav Klimt recuerdan que tras ser requerido en varias ocasiones para que revisara sus creaciones, finalmente el pintor retiró las piezas, devolvió el dinero que le habían dado y se las vendió a Serena Lederer, una adinerada judía y coleccionista de las obras de Klimt residente en Viena que fue víctima del expolio nazi. Su colección acabó en el castillo que los oficiales de las SS incendiaron. Ahora revive en internet. El resultado se ha convertido en una experiencia de realidad aumentada en 360º que forma parte de Klimt frente a Klimt - El hombre de las contradicciones.

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DIGITALIZACIÓN CULTURAL...Y COMERCIO

 

Museos frente a empresas: el creciente mercado de la digitalización cultural

Georgina Quach

 

 

 

 

Detalle del nacimiento de Venus de Botticelli. La galería de los Uffizi amenazó con demandar a Pornhub por usar sus obras maestras en un video de 'desnudos clásicos'. Fotografía: Heritage Images / Getty

 

A medida que aumentan las ventas de productos con licencia, se ciernen batallas sobre el uso de obras de artistas muertos hace mucho tiempo.

Este verano, la galería de los Uffizi amenazó con demandar a Pornhub* por usar sus obras maestras en un video de “desnudos clásicos”. "Algunas personas piensan que los museos son aburridos, congestionados o aburridos", planteó el sitio de transmisión para adultos. "Pero, ¿y si te dijéramos que albergan una colección de porno invaluable?" El video recreó escenas eróticas de la historia del arte utilizando obras de arte que incluyen El nacimiento de Venus de Botticelli, ubicado en los Uffizi en Florencia.

Pornhub eliminó rápidamente los desnudos no autorizados, lo que provocó un debate sobre quién controla la copia de artefactos culturales que están fuera de los derechos de autor y son de dominio público.

Tradicionalmente, los museos han sido protectores de las versiones de alta resolución de sus obras de arte, cobrando tarifas elevadas por las fotos o el alquiler del lugar. Hay varias razones: proteger los derechos de autor, prevenir falsificaciones y controlar los lucrativos ingresos de los acuerdos de marca. En 2019, los Uffizi obtuvieron alrededor de 1 millón de euros en ingresos por la venta de fotos de su colección. Ese año, las ventas globales de productos con licencia fueron de $ 293 mil millones, y los sectores de arte y organizaciones sin fines de lucro experimentaron el mayor crecimiento .

Los museos de todo el mundo están capitalizando cada vez más la propiedad intelectual de sus piezas invaluables, en colaboraciones inesperadas, desde lencería de lujo hasta empaques de KFC. China está liderando esta área, y el Museo del Palacio de Beijing supuestamente ganó $ 222 millones  a través de las ventas de productos en 2018.

Estas ofertas ofrecen un salvavidas para las atracciones con problemas de liquidez después de que Covid provocó una caída en el número de visitantes. El número de visitantes del Victoria and Albert Museum se redujo en un 97% a 130.000, lo que obligó a reducir el horario de apertura a cinco días a la semana. La junta ejecutiva ha dicho que es posible que las admisiones y las finanzas nunca vuelvan a los niveles anteriores a la pandemia.

Pero a medida que la actividad en persona se desplomó, las ventas de productos con licencia se dispararon, y los artículos para el hogar fueron los más vendidos. “Los consumidores han estado decorando sus hogares con nuevos muebles, papeles pintados y arte mural, lo que juega con los puntos fuertes de los archivos de V&A”, dijo Lauren Sizeland, directora de licencias de V&A.

Mientras sus puertas estaban cerradas, V&A adquirió 22 nuevos licenciatarios, en línea con los años normales, y lanzó 1.400 productos con licencia, desde arte mural hasta joyería y artesanía.

La comercialización de las obras maestras de los museos no es nueva. En 1998, Citroën obtuvo la licencia del nombre y la firma de Picasso por una suma no revelada pagada al hijo del pintor, Claude, el administrador designado por el tribunal de la herencia del artista.

Desde 2019, el Louvre, el museo más visitado del mundo, ha intensificado sus esfuerzos de concesión de licencias, asociándose con DS Automobiles, el relojero suizo Swatch y la panadería de macarrones Ladurée. Según los informes, las asociaciones de marcas del Louvre generaron 4,5 millones de euros en 2020, en comparación con 2,7 millones de euros en 2019, según Le Monde. Este año, firmó un contrato de cuatro años con el minorista japonés Uniqlo y lanzó una colección de camisetas gráficas inspiradas en las obras de arte de Mona Lisa, Venus de Milo y Liberty Leading the People.

Estas mujeres reconocidas también protagonizan fundas para teléfonos con licencia del Louvre y accesorios tecnológicos fabricados por la marca Casetify, con sede en Hong Kong. Si bien algunos diseños son simplemente imágenes de las obras de arte, otros están diseñados para que parezcan boletos oficiales. En 2021, el Museo Británico lanzó una paleta de sombras de ojos influenciada por artefactos del antiguo Egipto con la marca de maquillaje china Zeesea.

Estas creaciones son audaces y contemporáneas, lo que impulsa el interés de la cultura pop de un público global más joven. Yizan He, cofundador de Artistory, una agencia de licencias de propiedad intelectual con sede en Shanghai, dijo que los museos están recurriendo a la mercadería para atraer al público de la Generación Z, que es más probable que acceda al contenido del museo en línea, en lugar de en persona. El objetivo es familiarizar a todos con sus archivos.

Los diseñadores de Artistory optan por mezclas creativas de los viejos maestros (los girasoles de Van Gogh es su creador de éxitos garantizado). “Nunca colocamos las pinturas sobre los productos, sino que creamos patrones originales inspirados en obras de arte y los compartimos en TikTok y en eventos transmitidos en vivo”, dijo. "Queremos transformar algo antiguo y aburrido en algo moderno y emocionante".

Pero estos conciertos corporativos han irritado a quienes temen que el patrimonio cultural de los museos esté amenazado. En 2019, el Louvre se asoció con Airbnb en una competencia para permitir que una pareja pasara la noche en sus sagrados pasillos. Ian Brossat, teniente de alcalde de vivienda de París, escribió en una carta al ministro de cultura de Francia, Franck Riester, que “este uso de una institución pública con fines comerciales por parte de un gigante digital es un gesto político impactante”. Brossat ha hecho campaña para prohibir los apartamentos de Airbnb en el centro de la ciudad de París, argumentando que están expulsando a los parisinos del mercado inmobiliario.

Otros cuestionan por qué las galerías deberían tener la libertad de beneficiarse de las obras de arte que ya no están sujetas a derechos de autor, que en el Reino Unido y la UE dura hasta 70 años después de la muerte del creador. Entonces, la obra es propiedad intelectual de libre acceso, aunque en ciertos países, incluida Francia, los museos pueden reclamar los derechos morales perpetuos de la obra de un autor. Esto les da a los custodios el derecho de atribución y la capacidad de eliminar reproducciones dañinas.

La Dra. Grischka Petri, abogada e historiadora del arte de la Universidad de Glasgow, dijo que era problemático que los museos actuaran como fideicomisarios de artistas fallecidos hace mucho tiempo cuyas obras ya no están protegidas por derechos de autor. "Se vuelve interesante desde la perspectiva de los derechos de autor cuando un museo quiere monopolizar sus colecciones de dominio público y prohibir las reproducciones".

Dijo que los museos corren el riesgo de ser "hipócritas" si promueven la comercialización de su colección y al mismo tiempo prohíben el uso por parte de otros por razones morales. “De todos modos, muchas obras de arte antiguas funcionan de una manera pornográfica suave”, dijo Petri.

En los últimos años, a medida que Internet ha provocado una explosión de copias de baja calidad, las instituciones están reconsiderando su estrategia. Covid ha acelerado la digitalización de acceso abierto. El año pasado, el portal en línea de V&A, donde el público puede buscar y ver imágenes de 1,5 millones de objetos de sus colecciones, tuvo niveles récord de participación.

El Rijksmuseum de Ámsterdam va más allá al permitir que el público descargue fotos de alta resolución de sus colecciones que incluyen a Rembrandt, Vermeer y Van Gogh. Taco Dibbits, director de colecciones, explicó: "Si quieren tener un Vermeer en su papel higiénico, prefiero tener una imagen de muy alta calidad ... que una reproducción muy mala".

 

*Pornhub es un sitio web de pornografía en Internet con sede en Montreal, Canadá. Es uno de los varios sitios web de transmisión de videos pornográficos propiedad de MindGeek. ​ A junio de 2020, Pornhub es el décimo sitio web con más tráfico del mundo y el tercer sitio web para adultos con más tráfico sólo después de XVideos y XNXX.

FRIDA EN LA ARGENTINA

Eduardo Costantini compró la obra de Frida Kahlo que marca un récord para el arte latinoamericano

“Esas tres lágrimas que caen sobre sus mejillas son las más poderosas que he visto en toda la historia del arte”, asegura Anna Di Stasi, directora de arte latinoamericano de Sotheby's

Diego y yo es uno de los últimos autorretratos de Frida Kahlo y representa la vulnerabilidad y la confusión emocional de la artista por el adulterio de su esposo Diego Rivera.

Siete décadas después, en un giro único del destino, la pintura se ha vendido por casi 35 millones de dólares, lo que la convierte en la obra de arte latinoamericana más cara que se vende en una subasta y supera el récord anterior que ostentaba el propio Rivera.  Horas más tarde se confirmó que la obra fue comprada por Eduardo Costantini, fundador del Malba, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

Costantini había querido comprar esa obra en 1995, cuando se remataba en Sotheby´s la colección IBM y su presupuesto limitado lo obligó a decidirse por otra,  eligió Autorretrato con chango y loro, de Kahlo. Al pagar por ella 3,1 millones de dólares, la convirtió por mucho tiempo en la más cara del arte latinoamericano. Seis años más tarde la donaría al museo, donde aún se destaca como una de las piezas icónicas de la colección.

El cuadro que ahora regresa al podio fue pintado en 1949, año en que Rivera pintó otro sensual retrato de la diva mexicana María Félix. Muchas coinciden en señalar que esto desencadenó una nueva crisis entre Frida y Diego, que habían acordado respetar sus respectivas infidelidades. “Esa relación fue objeto de numerosos rumores –señala Sotheby´s-. Y aunque bromeó públicamente al respecto, Kahlo, que era amiga de Félix, quedó profundamente herida”.

Diego y yo puede considerarse un retrato doble. Sobre la frente de Kahlo se ve una pequeña imagen de Rivera, con un tercer ojo, que según la casa de subastas simboliza “el grado que él ocupó en su conciencia”. El cabello suelto de ella, generalmente recogido en trenzas, parece estrangularla; tiene las mejillas enrojecidas y una mirada intensa y llorosa.

“Esas tres lágrimas que caen sobre sus mejillas son las más poderosas que he visto en toda la historia del arte”, asegura Anna Di Stasi, directora de arte latinoamericano de Sotheby´s, en un video dedicado a la obra. “El cabello parece indomable y natural pero también envuelto sobre su garganta, como sofocándola –observa por su parte Julian Dawes, codirector de arte impresionista y moderno de Sotheby’s en Nueva York-. En esa época de su vida había muchas circunstancias que la sofocaban. Y unos pocos años más tarde muere, a la corta edad de 47″.

La pintura  siempre ha fascinado a los amantes del arte con su descripción de la tumultuosa relación de la pareja. Se interpreta que Rivera ilustra el tercer ojo de Kahlo, para simbolizar el grado en que él ocupó su conciencia.

Para entonces, en 1954,  Kahlo se había sometido a 35 operaciones como consecuencia de un choque contra un tranvía, tenía una pierna amputada y había abortado tres veces los hijos que soñaba tener con Rivera, el gran amor de su vida, que la engañó hasta con su propia hermana. Aunque ella también tuvo sus amantes -incluidos León Trotsky y, se supone, Chavela Vargas-, esta última infidelidad provocó el divorcio. Pero volverían a casarse en 1940, tras hacer un trato: dormirían en camas separadas y no se exigirían más de lo que pudieran dar.

Autorretrato con chango y loro, comprada por Costantini y donada al Malba Gentileza Malba

“Nadie sabrá jamás cómo quiero a Diego. No quiero que nada lo hiera, que nada lo moleste y le quite la energía que él necesita para vivir. Si yo tuviera salud, quisiera dársela toda. Si yo tuviera juventud, toda la podría tomar”, escribe Frida en su diario, publicado por La Vaca Independiente en 2010.

 Ocho años más tarde, Google Arts & Culture le dedicaría Caras de Frida, un sitio propio donde se puede repasar su legado. Cuerpos abiertos, sangre, calaveras, mujeres muertas y, sobre todo, la mirada penetrante de su propio rostro: todo eso muestran sus obras descarnadas, muchas de las cuales fueron pintadas desde la cama, frente a un espejo.

“Frida Kahlo describe directamente su propio dolor, su dolor no la vuelve muda, su grito es un aullido articulado porque alcanza una forma visible y emocional”, observa Carlos Fuentes en la introducción de El diario de Frida Kahlo, donde define a Rivera como “un anarquista, un mitómano, un mentiroso compulsivo y un narrador fantástico”. 

“Ella admitía que sufrió dos accidentes en su vida, el del tranvía y el de Diego Rivera"

Ver: https://lamusaencantada.blogspot.com/2021/09/frida-kahlo-en-subasta.html

Actualización: https://www.lanacion.com.ar/cultura/tras-un-viaje-secreto-el-cuadro-record-de-frida-kahlo-ya-esta-en-buenos-aires-nid22082022/

DESECHOS EN EL SIGLO XXI

 

'Esta es la era del desperdicio': nuestra adicción al descarte y cómo curarla

 Oliver Wainwright

 

Hay oro  allí  en colinas ... una instalación de clasificación y reciclaje en Bélgica. Fotografía: Rudi Van Beek / Recupel

 

 

 

Ahora es 100 veces más lucrativo extraer oro de vertederos electrónicos que del suelo. Sin embargo, hace 70 años, apenas tiramos nada. ¿Puede el diseño cambiar nuestra cultura desechable?

¿Cómo se recordará esta época? Después de la edad de piedra, la edad del bronce, la edad del vapor y la era de la información, ¿qué material o innovación definirá más la era actual? Según una nueva exposición en el Museo del Diseño, el sello distintivo más omnipresente del Antropoceno no es un material que cambie las reglas del juego ni el dominio de la tecnología. Es basura.

“Podría decirse que vivimos en la era del desperdicio”, dice Justin McGuirk, curador en jefe del museo de Londres, quien ha pasado los últimos tres años hurgando en la basura con la co-curadora Gemma Curtin para armar esta muestra oportuna. “La producción de residuos es absolutamente fundamental para nuestro estilo de vida, una parte fundamental del funcionamiento de la economía mundial. Queríamos mostrar cómo el diseño es profundamente cómplice del problema de los residuos, y también está en la mejor posición para abordarlo ".

Inaugurada en vísperas de la cumbre climática Cop26, Waste Age es una poderosa llamada de atención, no tanto para los consumidores, sino para los fabricantes, minoristas y, lo que es más importante, los reguladores gubernamentales. No pretende ser una bofetada por comprar ese café para llevar en su camino al museo, u olvidar su bolsa de algodón una vez más, sino una mirada reveladora a la magnitud del problema y a las personas que trabajan. en soluciones ingeniosas.

La exposición comienza con un útil recordatorio de que no llegamos aquí por accidente. Los humanos no son criaturas inherentemente derrochadoras. La cultura del descarte era algo que teníamos que aprender; de hecho, era una elección de estilo de vida, comercializada desde mediados del siglo XX en adelante como un lanzamiento decadente, siguiendo la austeridad de la época de guerra. Fue lo contrario intencionalmente de "arreglárselas y remendar". Un anuncio de la década de 1960 ensalza las maravillas de la nueva copa de poliestireno: “¡Nuevo y muy de moda! El 'vaso' de la fiesta lo disfrutas ... y lo tiras ". Cuelga junto a una bolsa de plástico de la década de 1980, impresa con descripciones de sus muchas ventajas sobre el papel. Poco sabíamos que, cuatro décadas después, el mundo consumiría más de un millón de bolsas de plástico por minuto.

Hacia un mundo post-desperdicio… Totomoxtle es una chapa hecha de maíz mexicano

Generar desechos, argumentan los curadores, ha sido durante mucho tiempo un motor primario de la economía. La historia de la bombilla es un ejemplo esclarecedor. En la década de 1920, las bombillas eran tan duraderas que se las consideraba comercialmente inviables. General Electric, Philips y otros formaron el cartel de Phoebus en 1924 para estandarizar la esperanza de vida de las bombillas en 1.000 horas, por debajo de las 2.500 horas anteriores. Y así nació la cultura de la obsolescencia programada. Casi un siglo después, continúan prácticas similares: el año pasado, Apple acordó pagar hasta $ 500 millones, luego de que fuera acusada de ralentizar deliberadamente los modelos de teléfonos más antiguos para alentar a los consumidores a comprar los últimos teléfonos.

Una impactante instalación de Ibrahim Mahama trae a casa la realidad de dónde terminan estos aparatos electrónicos desaparecidos. Ha erigido una pared gigante de viejos monitores de televisión que reproducen clips de Agbogbloshie en Ghana, durante muchos años el vertedero de desechos electrónicos más grande del mundo, donde los trabajadores informales queman cables eléctricos para cosechar el alambre de cobre y otros metales preciosos. Mahama les ha encargado que moldeen el metal recuperado en forma de marcos de pantalla de televisión, que enmarcan imágenes que muestran este proceso tóxico. Las escenas son desesperadas, pero el mensaje es claro: el desperdicio es precioso.

Alrededor del 7% de los suministros de oro del mundo están atrapados dentro de los dispositivos electrónicos existentes, lo que significa que, según algunas estimaciones, para 2080 las mayores reservas de metales no estarán bajo tierra sino en circulación como productos existentes. Además, una tonelada de mineral de oro extraído rinde 3 g de oro, mientras que reciclar una tonelada de teléfonos móviles rinde 300 g. Entonces, los vertederos de desechos y los vertederos son las nuevas minas ricas en recursos.

“En muchos sentidos, 'desperdicio' es un error de categoría”, dice McGuirk. "A menudo es un material perfectamente bueno que simplemente está infravalorado". La exposición incluye diseñadores que ya están trabajando en cómo sería el futuro de la “minería aérea”, explorando cómo se pueden desmantelar objetos y edificios y reutilizar sus partes. Existe el trabajo del pionero grupo belga Rotor, un equipo de arquitectos que estableció una empresa de demolición para eliminar cuidadosamente los materiales y componentes de los edificios programados para la bola de demolición.

Recuperar y reutilizar… un fardo de jeans viejos esperando ser reciclados en Circulose, un nuevo material hecho de algodón. Fotografía: Alexander Donka / Renewcell

Su almacén de Bruselas rebosa de todo, desde losas de mármol hasta lámparas antiguas, el botín de lo que ellos llaman “la silvicultura en la ciudad”. Se muestra junto a los proyectos de rehabilitación de los arquitectos franceses Lacaton & Vassal*, para quienes la demolición es “un derroche de energía, un derroche de material, un derroche de historia (y) un acto de violencia”. En un momento en que se prevé que los residuos de la construcción a nivel mundial se dupliquen a 2.200 millones de toneladas al año para 2025, sus llamamientos conjuntos para reutilizar lo que ya tenemos no podrían ser más urgentes.

En el ámbito de los bienes de consumo, la causa de la reutilización es defendida por empresas como iFixit, una plataforma de reparación global en línea que publica guías de reparación gratuitas y vende repuestos y herramientas, como un destornillador para desmontar el iPhone. Ha estado presionando a los gobiernos para que legislen sobre reparaciones desde 2003, con cierto éxito. Francia es el primer país de Europa en implementar un índice de reparabilidad, adoptado en enero, que requiere que los fabricantes proporcionen información clara sobre la capacidad de reparación de teléfonos inteligentes, computadoras portátiles, lavadoras, televisores y cortadoras de césped, y otorguen a sus productos una puntuación de 10. El iPhone 11 puede incluir algunos elementos de tierras raras recicladas, pero obtuvo una puntuación de reparabilidad de 4,5 sobre 10.

La sección final de la exposición va más allá de la reparación y el reciclaje para imaginar un mundo “post-desperdicio”, donde los materiales se cultivan en lugar de extraer. Los clientes habituales de las exposiciones de diseño pueden estar familiarizados con las maravillas del aislamiento de cáñamo o micelio, pero esta muestra incluye una deslumbrante gama de innovaciones, desde placas de circuitos electrónicos solubles en agua hechas de fibras naturales, hasta " piedra marina ", un material similar al hormigón hecho de conchas marinas trituradas. También se incluyen los envases de Sony hechos de bambú y caña de azúcar (en relieve en lugar de impresos, para evitar el desperdicio de tinta), las bolsitas de Notpla a base de algas marinas para líquidos y condimentos, un sustituto de poliestireno hecho de girasoles y un nuevo tipo de cuero hecho de coco. agua- junto con cosas hechas de algas, hojas de maíz y pulpas orgánicas de todo tipo.

Estas soluciones biodegradables vienen con sus propios inconvenientes: ¿cuántas veces ha arrojado un recipiente de plástico a la papelera de reciclaje, antes de darse cuenta de que en realidad era compostable ? ¿Y debería ir a la papelera de abono o al vertedero? El comportamiento y las expectativas tendrán que adaptarse para afrontar el nuevo y valiente bio-futuro. “Es posible que nuestra sensibilidad estética tenga que adaptarse”, escribe McGuirk en el catálogo de la exposición. "Después de casi un siglo de apreciar la perfección dura, suave y brillante de los plásticos, podemos comenzar a abrazar la irregularidad, la imperfección, el deterioro y la descomposición".

Es posible que su futuro organo-portátil no se sobrecaliente, se ralentice o necesite que se le reemplace la batería constantemente. Pero podría empezar a enmohecerse.

*https://lamusaencantada.blogspot.com/2021/03/arquitectos-premio-pritzker.html

 

 

ARGENTINA: ELECCIONES LEGISLATIVAS, RESULTADOS

 

RESULTADO NACIONAL

Se obtiene de la suma de los votos de los partidos políticos en todas las provincias del país, agrupados según su orientación, para la elección de diputados.

       Mesas escrutadas: 98,84%

·        JUNTOS POR EL CAMBIO

41,97%

9.752.860
votos

PASO: 9.038.449 | 41,53%

·        FRENTE DE TODOS

33,57%

7.801.865
votos

PASO: 7.058.830 | 32,43%

·        IZQUIERDA

5,91%

1.373.548
votos

PASO: 1.295.934 | 5,95%

·        TERCERA VÍA

4,96%

1.151.775
votos

PASO: 1.004.100 | 4,61%

·        OTROS

13,59%

3.158.573
votos

PASO: 3.368.566 | 15,48%

>

 Votos totales: 24.406.798 (PASO 21.765.879)

Los resultados están expresados en porcentaje de votos positivos tanto para las PASO como para las generales. Las cifras de las primarias se tomaron del escrutinio definitivo para los totales de las provincias y del escrutinio provisorio para los totales de las secciones electorales.

Fuente: La Nacion. 15/ 11 /21