OSLO, VISITANDO A MUNCH

 

Donde el arte de Edvard Munch cobra vida: una escapada a Oslo

Laura Hall

El Sol de Munch en el Aula Universitaria de Oslo. Fotografía: Laura Hall

Con motivo de la inauguración de una nueva exposición que celebra los retratos de Edvard Munch en la National Portrait Gallery de Londres, realizamos un viaje a la ciudad natal del artista en Noruega

Llegué al Parque Ekeberg al atardecer y caminé por los senderos embarrados hasta llegar al mirador. El cielo de finales de invierno era como una acuarela: nubes azules y grises se superponían, con un amplio gradiente de amarillo que va del tabaco al limón pálido sobre las lejanas colinas de color moretón. Desde el mirador, miré Oslo y escuché un grito.

El Grito. Fotografía: Halvor Bjørngård /Rena Li

Nadie sabe si el grito fue real (había un hospital cerca) o imaginario. Hoy, solo oigo los gritos de alegría de los niños jugando en la ladera, entre corredores y caminantes que recorren los senderos cubiertos de hojas del parque.

Mientras la Galería Nacional de Retratos presenta una nueva exposición de retratos de Munch, estoy en Oslo siguiendo los pasos del artista. Munch es ineludible: en el Hotel Clarion de Oslo , donde me hospedo, una versión de Andy Warhol de El Grito adorna el vestíbulo (el artista pop era un gran admirador) y una fotografía de la interpretación de Marina Abramović me recibe en el desayuno.

Desde el mirador, mientras el cielo me envuelve como un manto, la principal atracción de Munch en la ciudad se ve claramente. Si bien las formas de las islas y los límites del fiordo de Oslo son claramente iguales a las del fondo de El Grito, el Museo Munch, conocido simplemente como Munch, destaca entre los nuevos edificios modernos del paseo marítimo de Bjørvika. La cima de su imponente torre está inclinada, según explicaron los arquitectos, para que parezca que se inclina ante la ciudad de Oslo, inspiración de muchas de las obras de Munch. En su interior, mi guía, Sid, me lleva a recorrer la extensa colección.  “Munch fue único al capturar un cambio generacional y de percepción”, dice Sid. “Documenta la humanidad en una época en la que las creencias y las instituciones se derrumban”.

Me sorprende que la obra de Munch, gran parte de la cual tiene más de 100 años de antigüedad, siga siendo relevante hoy en día: desde su capacidad para pintar el paisaje emocional de sus modelos con un enfoque particular en la salud mental, hasta su creencia de que no había separación entre la humanidad y la naturaleza.

El Museo Edvard Munch. Fotografía: Sergio Delle Vedove/Alamy

En la galería, tres versiones diferentes de El Grito se exhiben en una rotonda tenuemente iluminada durante 30 minutos cada una, para preservar sus colores. Una de ellas tiene daños por agua en la esquina inferior izquierda: este es uno de los Gritos robados, tomado por audaces ladrones de arte durante un robo a plena luz del día en 2004 y dañado durante el almacenamiento (fue devuelto en 2006). En el Museo Nacional, otra versión de El Grito está en exhibición (realizó ocho en total) bajo la atenta mirada de dos guardias de seguridad. Otra versión de la pintura fue robada de esta galería en 1994, cuando la atención policial estaba ocupada con los Juegos Olímpicos de Invierno de Lillehammer. Esa solo estuvo ausente durante 12 semanas.

Otros puntos destacados del Museo Munch incluyen una vasta sala que muestra bocetos de las pinturas del Aula, una serie de obras de arte gigantescas que Munch realizó para el salón de ceremonias de la Universidad de Oslo. Representan un sol abstracto destrozado en rayos multicolores, una madre que cuida a sus hijos en una costa rocosa y un pescador enseñando a un niño pequeño, y se consideran sus obras maestras. Cuando los nazis invadieron Noruega, estas pinturas fueron ocultadas en una mina. La obra de Munch figuraba en la lista de arte degenerado de los nazis: el arte modernista y vanguardista se consideraba depravado; cualquier desviación de la norma, cualquier desafío al statu quo, era castigado. Después de la guerra, estas obras monumentales fueron restauradas a un lugar de honor en el salón de actos de la universidad, que está abierto al público un sábado al mes de febrero a mayo.

Playa de Ramme, cerca de la casa de Munch. Fotografía: Laura Hall

Al día siguiente, viajo a Ramme, donde Munch pintó dos de estas obras. A 30 minutos en tren y un corto trayecto en taxi desde Oslo, es un paraíso para los amantes de Munch. Se puede pasear por su casa, su estudio al aire libre y la playa. Hay algo en el sonido del mar, la costa rocosa del fiordo de Oslo y los manzanos que transmite una gran sensación de calma. Para Munch, aquejado de problemas de salud y mentales toda su vida, esa era la idea.  Compró la casa blanca aquí en 1910, que curiosamente se alquila a turistas en verano, y la conservó hasta su muerte en 1944. En el interior, las paredes de color amarillo brillante, cuidadosamente restauradas, y las cortinas de encaje blanco sirvieron de fondo para muchos de sus retratos. Camino entre los manzanos hasta una costa escarpada, repleta de conchas de mejillones, donde paneles interpretativos muestran sus pinturas con el paisaje como fondo.

De vuelta en Oslo, hago un recorrido a pie por el animado barrio de Grünerløkka. La familia de Munch vivió en varios edificios de la zona, marcados con placas, y fue en uno de ellos donde ubicó una de sus pinturas más conmovedoras, El niño enfermo, inspirada en la muerte de su hermana por tuberculosis. Aquí se respiran todos los colores de la vida: tiendas vintage y cafés hípster se alinean a lo largo de un pequeño parque central, tranvías azules brillantes pasan a toda velocidad y los jóvenes y creativos de la ciudad pasean, mientras baristas con pelo punk preparan bebidas en la cafetería de Tim Wendelboe. Siento que podría pasar de largo ante la protagonista de una de mis pinturas favoritas de Munch, Madonna, una mujer de pelo negro con boina roja.

Madonna, Edvard Munch (1894-1895)

Antes de irme, presento mis respetos ante su tumba en el cementerio de Nuestro Salvador. Me pregunto qué habría creado si viviera hoy. Según Linda, la guía turística, su pasión por los autorretratos solo significaría una cosa: "Sería un rey de las selfies".

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Los retratos de Edvard Munch se exhibirán en la National Portrait Gallery del 13 de marzo al 5 de junio ( 21 £/23,50 £ con donación).

LA VENGANZA DE LAS MUJERES SURREALISTAS

 

Despedidas, excluidas y ahora adoradas: la venganza de las mujeres surrealistas

Eliza Goodpasture

Toda la diversión… La Verbena de Maruja Mallo, 1927. Fotografía: Album/Alamy

Descartadas como "musas" y sin acceso al movimiento, aun así produjeron una obra extraordinaria que recién ahora se está valorando. Entramos en un mundo de culto oculto que rompe con el género.

“Por supuesto que las mujeres eran importantes”, dijo el artista Roland Penrose en 1982, “pero fue porque eran nuestras musas”. Penrose estaba hablando con la historiadora de arte Whitney Chadwick, quien lo estaba entrevistando para un libro que estaba escribiendo sobre las mujeres surrealistas. “No eran artistas”, insistió Penrose, quien pensaba que ni siquiera debería escribir sobre ellas. Pero Chadwick lo hizo de todos modos, y el resultado, su libro de 1985 "Mujeres artistas y el movimiento surrealista", cambió fundamentalmente nuestra comprensión tanto del surrealismo como de las artistas femeninas.

Frida Kahlo: Breton descubrió su obra en México en 1938. En 1939, en el texto que escribió para el catálogo de su primera exposición en la Julien Levy Gallery de Nueva York, la reconoció como una auténtica surrealista. 

En los cuarenta años transcurridos desde entonces, muchas de las mujeres sobre las que Chadwick escribió han ganado una mayor fama, pero en los últimos años hemos presenciado una explosión de interés por las mujeres surrealistas. El año pasado se cumplió el centenario del Manifiesto Surrealista, que en realidad eran dos manifiestos contendientes publicados por grupos rivales de surrealistas (hombres) en París. Por eso no sorprende que hayamos visto tanto interés por el movimiento. Pero sí es sorprendente que el centenario haya provocado un frenesí de interés por las mujeres, que en realidad estaban excluidas de esos grupos. De hecho, muchas ni siquiera estaban en París. ¿A qué se debe esta repentina ampliación del enfoque?

Escalofriante… una obra de Claude Cahun de 1936. Fotografía: Nils Jorgensen/Shutterstock

Cuando Chadwick le preguntó a la surrealista Leonor Fini sobre la afirmación de Penrose sobre las musas, ella respondió con su característica franqueza, calificándola de “tontería”. Fini nació en Argentina y pasó un tiempo en Italia antes de terminar en París. Era abiertamente bisexual y pasó la última parte de su vida viviendo en una relación poliamorosa con dos hombres y docenas de gatos. “Soy pintora”, dijo una vez, “no una mujer pintora”.

Sus palabras reflejan la compleja política que implica dedicarse al arte siendo mujer. Si bien sus vidas estuvieron definidas por sus experiencias de haber nacido mujeres, y muchas de ellas crearon arte que trataba explícitamente sobre la feminidad y la sexualidad, también desafiaron las suposiciones basadas en su género que hicieron sus pares masculinos y el público espectador.

 

El único género que me conviene es el neutro”… Claude Cahun. Fotografía: Album/Alamy

Claude Cahun, ya en 1914, fue incluso más allá que Fini en su identificación radical como lesbiana y no binaria. Se la cita célebremente diciendo: “¿Masculino? ¿Femenino? Depende de la situación. El neutro es el único género que siempre me conviene”. La fotografía de Cahun, que actualmente es objeto de una exposición itinerante cortesía de la Hayward Gallery de Londres, fue realizada con su pareja, Marcel Moore, una lesbiana que también vivía de manera andrógina.

Incluso entre las mujeres surrealistas que no se identificaban como queer, suele haber un elemento de rareza en su obra, ya sea a través de una exploración de la “feminidad divina” o a través de un sentido más fundamental de enigma. La difunta académica estadounidense Eve Kosofsky Sedgwick describió “queer” como una “malla abierta de posibilidades” entre géneros y sexualidades, una forma definitoria de utilizar la palabra que la ha convertido en un término tan generalizado hoy en día, que a veces significa nada más que “imposible de categorizar”.

Composition with figures on a terrace, 1938, Leonor Fini, Colección privada.

Fini y Cahun trabajaban en el centro surrealista de París, pero muchas de las otras mujeres que recibieron nueva atención no lo estaban. Ithell Colquhoun fue una surrealista británica y actualmente es el tema de una gran retrospectiva en la Tate St Ives. Es una exposición trascendental que defiende con fuerza el poderoso legado de Colquhoun. Colquhoun estaba relacionada con tantos grupos ocultistas y espirituales en Gran Bretaña que es difícil contarlos a todos. Desde el druidismo hasta el tantra y el cristianismo, pasó su vida buscando una verdad superior, todo ello reflejado en su obra.

En busca de una verdad superior… Ithell Colquhoun. Fotografía: Guy Carrard/© Man Ray Trust / ADAGP París, Centro Pompidou

Al igual que Fini, Colquhoun se sentía atraída por personas de todos los géneros y su arte era a menudo explícitamente sexual. Realizó una pintura que mostraba cuerpos masculinos castrados y fue censurada de inmediato por su contenido impactante. Otras obras muestran paisajes abstractos, similares a vulvas, exploran imágenes de diosas y emplean técnicas que introducen un elemento de azar, para permitir que el inconsciente se apodere del acto creativo.

Desde hace mucho tiempo existe una conexión entre las mujeres y la magia (pensemos en brujas, diosas, sanadoras y narradoras de cuentos). Y durante casi el mismo tiempo, esta conexión ha estado cargada de una sensación de amenaza. El poder místico e intangible que podían ejercer las mujeres amenazaba a los sistemas patriarcales y necesitaba ser controlado. En el arte occidental, se lo consideraba absurdo o irrelevante. Colquhoun fue expulsada del grupo surrealista británico debido a su fascinación por las sectas ocultistas, que llegaron a dominar su obra.

El surrealismo, aunque es claramente extraño, no se preocupaba por lo sobrenatural. Los movimientos de París y Gran Bretaña lo rechazaron. Su interés por la mente inconsciente era en gran medida científico, aunque también fuera irracional (o tal vez antirracional). Hoy, sin embargo, hay mucho más interés en estos temas: la biógrafa de Colquhoun, Amy Hale, lo ha llamado el "giro chamánico", ya que nuestra conciencia colectiva se vuelve más abierta a las creencias esotéricas. El otoño pasado, la galería londinense Lévy Gorvy Dayan presentó Enchanted Alchemies, una muestra que se centró en surrealistas místicos y ocultistas. Casi todas eran mujeres, entre ellas Eileen Agar, Leonora Carrington, Fini y Colquhoun.

 

Explícitamente sexual… Ithell Colquhoun, Scylla (méditerranée), 1938 Fotografía: Joe Humphrys/© Spire Healthcare, © Noise Abatement Society, © Samaritans

Mary Wykeham, surrealista británica cuya obra se exhibe en la exposición Forbidden Territories: 100 Years of Surreal Landscapes (Territorios prohibidos: 100 años de paisajes surrealistas) de Hepworth Wakefield , encontró la plenitud espiritual de una manera ligeramente diferente: después de una vida tumultuosa como enfermera en tiempos de guerra, activista política y artista profesional, se hizo monja. Muchas de sus obras supervivientes están realizadas en papel, lo que las hace más frágiles y de menor escala. Están llenas de líneas geométricas o en espiral, casi completamente abstractas. Como todas las obras surrealistas, se esfuerzan por desbloquear la mente inconsciente, pasando por alto la racionalidad en favor de una exploración a menudo inquietante del yo interior.

Lee Miller, Retrato del espacio, cerca de Siwa, Egipto, 1937.

Otra surrealista británica, Lee Miller, siguió un camino completamente diferente: después de construir una exitosa carrera como fotógrafa surrealista y modelo en París, se convirtió en fotoperiodista durante la Segunda Guerra Mundial. Miller estuvo presente en la liberación de los campos de concentración de Buchenwald y Dachau, y la foto de ella bañándose en la bañera de Hitler se ha vuelto icónica. A menudo recordada más como modelo y musa (estuvo casada con Penrose), Miller vio recientemente su historia contada nuevamente en Lee, una película protagonizada por Kate Winslet en el papel principal.

Esta foto se llama "Lee Miller en la bañera de Adolf Hitler" y se tomó en el departamento de Hitler en Munich, en 1945.

Maruja Mallo. Fotografía: Album/Alamy

Maruja Mallo, que pronto será objeto de una gran retrospectiva en el Centro Botín de Santander, España, vivió y trabajó en Madrid. Conoció a importantes surrealistas españoles como Salvador Dalí y Federico García Lorca, pero a diferencia de ellos, permaneció en España durante toda su carrera, salvo su exilio en Argentina durante la guerra civil. Su obra incorporó imágenes populares españolas, pero se volvió más geométrica y abstracta. Mallo fue escritora y pintora, y colaboró ​​en revistas y libros.

El surrealismo fue un movimiento especialmente multidisciplinario. Junto con la escritura, el cine era popular, lo que vinculaba el movimiento a la modernidad a pesar de sus impulsos hacia la atemporalidad. Esta plétora de medios refleja que el surrealismo es, en esencia, una práctica de pensamiento radicalmente diferente, utilizando palabras e imágenes; cualquier medio, de hecho, siempre que saque al mundo el inconsciente.

“Estamos en una ola de redescubrimiento en torno a las mujeres en general”, dice la comisaria de la Tate St Ives, Katy Norris, “y eso nos está permitiendo reconocer las diferencias entre ellas: no eran un único grupo escindido”. De hecho, el impulso surrealista básico de los sueños, la sexualidad y la obsesión tuvo un alcance y un atractivo globales: a diferencia de los movimientos de vanguardia anteriores de principios del siglo XX, que a menudo buscaban derribar los ismos anteriores, el surrealismo dejó rápidamente de ser tan centralizado. La diversidad entre las vidas, los estilos y las prioridades de sus adeptos es enorme. “El surrealismo responde a la incertidumbre”, dice Norris, “por lo que nos habla ahora en tiempos de incertidumbre”.

 

                                                  Chamánica… Leonor Fini. Fotografía: Album/Alamy

Hoy en día, ese impulso de examinar el propio yo interior resulta muy familiar, pero la magnanimidad de las surrealistas –con su inquebrantable impulso a plasmarse en su arte en toda su irracional y extraña gloria– es diferente de la oleada de narcisismo autocrítico impulsado por las redes sociales que es tan prominente hoy en día. El feroz individualismo de estas artistas, de estas mujeres que eran tan implacablemente ellas mismas, es un tónico. No es de extrañar que estén captando la atención del público como nunca antes. En un mundo que parece cada vez más impredecible, hay una verdadera resonancia en el hecho de que las mujeres acepten la inestabilidad y la utilicen para alimentar su trabajo creativo. Es, dice Norris, “una tormenta perfecta”.

IN MEMORIAM

 

Jack Vetriano

1951-2025

Jack Vettriano | The Singing Butler

NUESTRA HUMANIDAD: NUESTRO LEGADO ?

"Tecnofósiles": el testamento eterno de la humanidad:  serán bolsas de plástico, ropa barata y huesos de pollo

Damián Carrington

La moda rápida y las latas de bebidas son los materiales de la era tecnológica que más probablemente perdurarán como fósiles, dicen los científicos

Como testamento eterno de la humanidad, las bolsas de plástico, la ropa barata y los huesos de pollo no son un legado glorioso. Pero dos científicos que investigan qué artículos de nuestra civilización tecnológica tienen más probabilidades de sobrevivir durante muchos millones de años como fósiles han llegado a una conclusión irónica pero instructiva: la comida rápida y la moda rápida serán nuestra impronta geológica eterna.

“El plástico será sin duda un ‘tecnofósil’ característico, porque es increíblemente duradero, lo estamos fabricando en cantidades enormes y se distribuye por todo el planeta”, afirma la paleontóloga Sarah Gabbott, experta en la formación de fósiles de la Universidad de Leicester. “Así que, dondequiera que excaven las civilizaciones futuras, encontrarán plástico. Habrá una señal de plástico que envolverá el planeta".

Los envases de comida rápida dominan el plástico oceánico, pero las latas de aluminio para bebidas también serán parte de nuestro legado. Los metales puros son excepcionalmente raros en el registro geológico, ya que reaccionan fácilmente para formar nuevos minerales, pero las latas dejarán una huella distintiva.

“Van a estar presentes en los estratos durante mucho tiempo y, con el tiempo, se esperaría que pequeños jardines de minerales arcillosos crecieran en el espacio donde estaba la lata. Va a ser un tipo de fósil nuevo y distintivo”, afirma el geólogo Jan Zalasiewicz, uno de los principales defensores del Antropoceno como una nueva época geológica que refleja el impacto de la humanidad moderna en el planeta, quien, junto con Gabbott, ha escrito un libro sobre tecnofósiles, "Discarded."

 

El auge de la producción masiva de prendas sintéticas significa que la ropa entrará abruptamente 

en el registro fósil de la humanidad. Fotografía: Sarah Gabbott y Jan Zalasiewicz

Otro alimento básico de la comida rápida, el pollo, también está destinado a la inmortalidad. Los huesos son bien conocidos como fósiles, pero si bien los de los pollos de engorde modernos son frágiles (se los cría para vivir rápido y morir jóvenes y gordos), su gran volumen garantizará que muchos sobrevivan y perduren en el registro geológico.

En cualquier momento, hay alrededor de 25 mil millones de pollos vivos en el mundo, mucho más que el ave silvestre más abundante de la Tierra, dicen Gabbott y Zalasiewicz, lo que los convierte probablemente en el ave más abundante en toda la historia del planeta. La aparición repentina de grandes cantidades de un ave monstruosa cinco veces más grande que su antecesor silvestre sin duda sorprenderá a los paleontólogos del futuro.

La ropa también entrará abruptamente en el registro fósil de la humanidad. Durante milenios, la ropa se fabricaba con materiales naturales y de fácil descomposición, como el algodón, el lino y la seda. Hoy, la creciente población mundial suele llevar prendas sintéticas producidas en masa que se desechan rápidamente.

“Estamos fabricando cantidades ridículas”, afirma Gabbott: unos 100.000 millones de prendas al año, el doble que hace 20 años. “A la gente le sorprendería saber cuánta ropa hay en el medio ambiente. Trabajo limpiando ríos en la ciudad de Leicester y aproximadamente una cuarta parte de lo que sacamos es ropa. También la tiramos a vertederos, que son como gigantescas tumbas de momificación”. Como dicen los geólogos en su libro: “Ya está claro que gran parte de la moda moderna acabará siendo, en el sentido más profundo posible, verdaderamente atemporal”.

El último de los tecnofósiles emblemáticos es también el ejemplo más sólido: el hormigón. Es esencialmente una roca, por lo que se conserva fácilmente y existe en cantidades colosales. Cada año se fabrica hormigón suficiente para proporcionar cuatro toneladas a cada persona de la Tierra, lo que se suma a las reservas existentes de 500.000 millones de toneladas.

 

Según los científicos, las ciudades que se hunden, como Nueva Orleans, son propicias para la fosilización. Fotografía: Brett Duke/AP

Ciudades zombis

Todos los fósiles necesitan un poco de suerte para conservarse. Por lo general, eso significa que deben quedar enterrados bajo sedimentos en lagos y mares. Por eso, es probable que se formen fósiles colosales de hormigón en ciudades que se hunden, como Nueva Orleans.

La mitad de la ciudad ya está bajo el nivel del mar y el pronóstico de Gabbott y Zalasiewicz es sombrío: “Es una ciudad zombi, que morirá ahogada, probablemente a finales de este siglo, y por lo tanto está madura para la fosilización”. Rascacielos, cimientos de edificios, losas de pavimento, revestimiento de alcantarillado y los diques marinos de la ciudad serán todos candidatos para la preservación.

Un signo inequívoco de la civilización humana serán nuestros propios huesos, y aquellos de nosotros que estemos enterrados ya habremos dado el primer paso hacia la fosilización. Pero, una vez más, sólo aquellos enterrados en lugares que se hunden tienen probabilidades de conservarse.

Después del bronce y el hierro, bienvenidos a la era del plástico, dicen los científicos

“Los cementerios de montaña no durarán mucho”, dice Zalasiewicz. “Pero si estás en el delta del río Mississippi, en los Países Bajos o en el delta del Yangtsé, los cementerios de allí sobrevivirán, en general”. Aun así, es más probable que los paleontólogos del futuro encuentren los restos de nuestro ganado de granja, que pesa mucho más que nosotros .

Para evaluar qué detritos humanos sobrevivirán, Gabbott y Zalasiewicz hacen analogías frecuentes con fósiles existentes. Los graptolitos, un grupo extinto hace mucho tiempo de pequeños animales marinos que se alimentaban por filtración y los tubos orgánicos en los que vivían, son fósiles comunes de hace unos 500 millones de años. "Los tubos parecen haberse convertido en algo plástico y algunos, cuando los extraes de la roca, todavía son elásticos; es extraordinario", dice Zalasiewicz.

Las paredes celulares de las algas verdes proporcionan otro análogo del plástico. “Los fósiles de casi 50 millones de años están hechos de este material que es químicamente indistinguible del polietileno”, dice Gabbott. Los geólogos concluyen: “Es probable que nuestros plásticos desechables persistan en la Tierra prácticamente para siempre”. Para siempre es mucho tiempo y, en realidad, todos los fósiles durarán tanto como el planeta, pero el sol tardará unos 5.000 millones de años en engullir la Tierra.

Las minas, los pozos de sondeo y los lugares de pruebas de armas nucleares han dejado una huella "prácticamente indeleble" en el planeta. Fotografía: Mike Bowers

Cicatrices subterráneas

Los fósiles no son sólo objetos que quedan atrás, sino también rastros de la actividad de la vida escritos en las rocas, y la humanidad está dejando una huella gigantesca. Por ejemplo, hemos perforado más de 50 millones de kilómetros de pozos de petróleo y gas, cada uno de los cuales atraviesa estratos geológicos.

También se han llevado a cabo alrededor de 1.500 pruebas de armas nucleares bajo tierra . Si bien son relativamente raras, los resultados fueron geológicamente espectaculares: grandes cuevas esféricas revestidas de roca fundida que se derrumbaron en una masa de escombros radiactivos y están rodeadas por una compleja red de fracturas. Junto con las minas y otros pozos, "esta erupción mundial de cicatrices subterráneas es prácticamente indeleble", dicen Gabbott y Zalasiewicz.

Igualmente duraderas, pero mucho más sutiles, serán las señales químicas tóxicas dejadas por la humanidad, en particular las llamadas “sustancias químicas eternas ”, como el PTFE. El metal de una sartén antiadherente probablemente se disuelva a lo largo de millones de años bajo tierra, dicen los geólogos, pero el revestimiento de PTFE persistirá como una película delgada y flexible.

La humanidad ha creado muchas sustancias químicas casi indestructibles, como las dioxinas y el DDT. Dado que se han encontrado moléculas similares producidas por bacterias en rocas de 1.600 millones de años de antigüedad en Australia Occidental, estas sustancias químicas parecen haber llegado para quedarse. “Estas sustancias químicas eternas están literalmente en todas partes”, afirma Gabbott. “Luego se introducen en los sedimentos y allí se quedan”

Otra parte de la firma subrepticia de la humanidad es la presencia de elementos radiactivos esparcidos por todo el mundo por las pruebas de bombas nucleares sobre la tierra, principalmente entre 1952 y 1963. Estos forman una señal tan clara que fueron juzgados como el mejor candidato para indicar el amanecer del Antropoceno .

El cableado de los dispositivos electrónicos puede resultar muy llamativo, ya que los minerales que se forman a partir del cobre son brillantes y de hermosos colores. Fotografía: Sarah Gabbott y Jan Zalasiewicz

Estos signos químicos pueden parecer crípticos y poco probables de ser desenterrados en un futuro lejano. Pero los geólogos encontraron un rastro similar que acompañó la desaparición de los dinosaurios: sedimentos delgados enriquecidos con iridio, un elemento que se encuentra en los meteoritos. "El pico de iridio no es en absoluto obvio, a menos que tengas un espectrómetro superpoderoso y tomes la muestra del nivel justo. Y sin embargo, lo encontramos", dice Zalasiewicz.

Es probable que nuestra era digital deje menos rastros que los siglos en que el conocimiento se almacenaba en papel. Las hojas y los árboles fósiles antiguos muestran que el papel tiene una capacidad sorprendentemente alta para fosilizarse, y el grafito que se usa en los lápices también es robusto. “Resulta entrañable pensar que los garabatos fosilizados de los niños pueden ser los que mejor sobrevivan: un retrato de una familia fuera de una casa, tal vez, con el sol brillando y un arco iris atravesando el cielo”, dicen Gabbott y Zalasiewicz.

Los chips de ordenador, aunque numerosos, son diminutos y el silicio es muy reactivo con el oxígeno, por lo que es poco probable que sean importantes como fósiles en el futuro. Pero el cableado de los dispositivos electrónicos puede llamar la atención, ya que los minerales que se forman a partir del cobre son brillantes y de hermosos colores, desde la azurita hasta la malaquita y la bornita. Los paneles solares también pueden alcanzar la inmortalidad gracias a su forma distintiva y al gran volumen que se produce.

Su exploración de fósiles futuros ha llevado a Gabbott y Zalasiewicz a sacar algunas conclusiones. Una de ellas es que comprender cómo los desechos humanos pueden convertirse en fósiles indica cuál es la mejor manera de detener la acumulación de desechos en el medio ambiente.

“En la formación de fósiles, los primeros años, décadas, siglos y milenios son realmente cruciales”, afirma Zalasiewicz. “Esto coincide con el tiempo en el que tenemos la capacidad de hacer algo al respecto”.

Gabbott afirma: “El mensaje principal es que la cantidad de cosas que estamos produciendo actualmente es asombrosa, está fuera de escala”. Todo lo que producían los seres humanos en 1950 era una pequeña fracción de la masa de toda la materia viva de la Tierra. Pero hoy en día supera a todas las plantas, animales y microbios y se prevé que se triplique para 2040

“Esto va a durar millones de años, y algunos de ellos liberarán sus toxinas y sustancias químicas en el mundo natural”, afirma, lo que nos plantea a todos preguntas serias: “¿Necesitas eso? ¿Realmente necesitas comprar más?”

EN SAN VALENTÍN: BOGDANKA POZNANOVIC Y SU CORAZÓN

 

En el día de San Valentin

Redescubriendo a Bogdanka Poznanovic* con su performance Corazón-Objeto en Acción en este día.

En inglés decimos “wear your heart on your sleeve” para indicar ese momento en el que alguien declara sus sentimientos a otro. Expresar el propio amor, en inglés, equivaldría a llevar el corazón en la manga, en un gesto que es la suprema exteriorización de la propia interioridad. Este es mi corazón, haz lo que quieras con él. De niños lo dibujábamos tímidamente al pie de nuestros libros de texto escolares, mientras que ahora lo compartimos sin miedo en forma de algunos emoticonos. De hecho, resulta casi gracioso pensar en escribir: "Si pasas por Esselunga, ¿puedes traerme un bote de pesto?", sin añadir un corazón al final. Ahora todo es cuestión de cortesía. Rojo, luego blanco, luego ahora con las nuevas actualizaciones también fucsia y azul claro. Se ha convertido en un gesto casi automático acompañar un mensaje en Instagram con un corazoncito: lo hemos usado tantas veces que ahora lo hemos despojado de significado. En 1970, el símbolo del corazón, con sus dos tiernas curvas y su base puntiaguda, todavía pertenecía a la esfera femenina, a pequeños dibujos garabateados apresuradamente en un cuaderno, un automatismo típico de las mujeres que se pensaba que construían su imperio sobre los sentimientos y el amor. En 1970, la artista de performance Bogdanka Poznanović construyó una acción artística de reivindicación feminista en torno a la forma del corazón. Se llama Acción Corazón-Objeto y consiste en llevar una escultura de un corazón gigante por las calles de la ciudad serbia de Novi Sad.

Cortesía del Museo de la Vanguardia

Cortesía del Museo de la Vanguardia

Cuando lo personal es político

Action Heart-Object es una de las primeras acciones imaginadas por Bogdanka Poznanovic, una artista de vanguardia serbia que en su práctica artística cruza el pensamiento feminista y el arte de performance social en un momento – los años 1960 y 1970 – en el que el mundo del arte está cambiando profundamente.

 La corriente en la que se inserta entonces en los manuales es la feminista pues conceptualmente sus obras exploran el cuerpo femenino, la identidad y la emocionalidad, reivindicandolas. A menudo se la compara con artistas como Marina Abramović y Yoko Ono porque las tres parten de sus propios cuerpos en su práctica artística. Se convierte en un medio para hablar de otra cosa, del papel de la mujer en la sociedad y en el arte. "Lo personal es político", decían las feministas de la segunda ola en los años 60, el momento histórico en el que realmente se movía Poznanovic. Lo que ese eslogan tantas veces repetido significaba la creencia de que las experiencias personales de las mujeres tenían su raíz en la situación política en la que crecieron y, por tanto, en la desigualdad de género que siempre habían sufrido.

En el caso de la acción pública realizada en las calles de Novi Sad, duró desde el 20 de septiembre de 1970 hasta el 29. Había creado una escultura de un corazón de dos metros por dos metros y 20 centímetros de espesor, envuelto en tela roja, en cuyo interior había instalado un metrónomo que latía a 80 pulsaciones por minuto, exactamente como un corazón humano. Cuatro personas lo llevaron por las calles de Novi Sad, con el deseo de crear una procesión participativa de personas siguiendo un solo corazón. Se trataba entonces de llevar por la ciudad una escultura –física, concreta– que representa tradicionalmente todo lo que los humanos llevamos reprimido en nuestro interior: la vulnerabilidad del amor y todas las emociones que nos da vergüenza expresar. Sacarlos a pasear e incluso por la ciudad era una manera de hacerles reflexionar sobre el conflicto entre interioridad y exterioridad; Fue un punto de partida para cuestionarnos si la práctica cotidiana de nuestras acciones correspondía a la filosofía que teorizamos en palabras . Las obras de Poznanovic, especialmente Action Heart-Object , fueron fundamentales en la década de 1970 porque demostraron cómo el arte es capaz de expresar experiencias humanas, especialmente para las mujeres. Su manera de explorar temas tan íntimos y emocionales de un modo tan directo la ha convertido en una exponente clave del arte de la performance. Desgraciadamente, en Occidente permaneció prácticamente desconocido. Hay un documental de tres minutos en Mubi que rastrea el funcionamiento del corazón, se llama Heart.

*Bogdanka Poznanovic nació en Begec, en 1930, en Vojvodina*. Obtuvo su título en pintura en la Academia de Bellas Artes de Belgrado. La práctica artística de Poznanovic incluye medios visuales tradicionales y nuevos, pintura y arte postal. Fue miembro del Consejo Editorial de las revistas Polja y Tribina mladih . Recibió una beca del gobierno italiano para residir y especializarse en su trabajo en Florencia y Roma en 1968/1969, y más tarde en Venecia en 1977. Poznanovic es profesora de Investigación de Intermedios desde hace mucho tiempo en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad.

*Voivodina, oficialmente Provincia Autónoma de Voivodina​ es una provincia autónoma que se localiza en la parte norte de Serbia. Su capital y ciudad principal es Novi Sad. La segunda urbe en importancia es Subotica.