jueves, 23 de enero de 2020

EL CORDERO DE GANTE



 La restauración 'alarmantemente humanoide' del retablo de Gante








La adoración del cordero místico, el panel central del retablo de Gante.











La operación de reparación para devolver la adoración del Cordero a su antigua gloria ha dejado a muchos sin palabras



La restauración de una de las pinturas más famosas del mundo ha sido descrita como "un shock para todos" después de que revelara una representación de una oveja con ojos extremadamente humanos.



 Detalle del original restaurado del retablo Adoración del Cordero Místico (1432) de los hermanos y artistas flamencos Hubert van Eyck y
 Jan van Eyck en el Museo de Bellas Artes de Gante. 

El Retablo de Gante, completado por Hubert y Jan van Eyck en 1432, es una obra maestra del siglo XV en la Catedral de San Bavo en Bélgica, considerada ampliamente como la primera obra de arte importante en utilizar pintura al óleo.
Durante siglos, su panel central, titulado Adoración del Cordero Místico, presentaba una oveja recatada (el Cordero de Dios) sacrificada en un altar como una representación de Jesucristo.   La oveja fue pintada por un artista diferente en 1550, pero una restauración multimillonaria ahora ha revelado la cara original y sorprendente del ovino titular.



Descrito por la revista Smithsonian como " alarmantemente humanoide ", el nuevo cordero de Gante ahora tiene ojos más grandes, más vibrantes y una nariz rosada más detallada y acampanada. Las imágenes de las dos caras una al lado de la otra han estado circulando en las redes sociales y se describen como pesadillas.



A diferencia de otras restauraciones artísticas, como el infame Ecce Homo (también conocido como Monkey Christ), el cordero de Gante ha sido restaurado profesionalmente a su aspecto original.  La jefa de restauración, Hélène Dubois, describió la cara descubierta como "caricaturesca" y "un shock para todos" en una entrevista con The Art Newspaper ."Nada como esto se había observado en la pintura holandesa temprana", dijo Dubois.

 No cualquier oveja ... un primer plano del Cordero de Dios.

Los conservadores del Real Instituto de Patrimonio Cultural de Bélgica utilizaron bisturís y microscopios quirúrgicos para eliminar la pintura vieja "centímetro a centímetro", durante tres años, para revelar la oveja original.
"No hay palabras para expresar el resultado", dijeron en un comunicado en el sitio web del instituto real . "Liberados de las gruesas capas de barniz amarillo y las pinturas más gruesas, podemos descubrir en abundancia el sublime virtuosismo de los Van Eycks".
El instituto dijo que su restauración había "traído de vuelta la viveza original, la riqueza de detalles y los colores brillantes para que todos los vean", y concluyó que "la Adoración del Cordero Místico es abrumadoramente hermosa".Solo el 5% de la pintura original se perdió, dijeron los curadores.

El panel central con el cordero será devuelto a la catedral el 24 de enero, donde se exhibirá al público en un evento titulado "El regreso del cordero".
El retablo está formado por múltiples paneles y tiene 15 pies de ancho y 11 pies de alto cuando está completamente abierto. También es una de las pinturas más frecuentemente robadas de todos los tiempos . La restauración se completó en diciembre, pero las imágenes del rostro original de la oveja se volvieron virales en enero.


El Retablo de Gante evita deliberadamente imágenes cliché de Cristo. Por encima del cordero, cuando ves el políptico completo, se sienta a Cristo entronizado en el cielo, con una barba espesa y equipo papal. Esta visión aterradora de la majestad de Cristo se contrasta con el cordero condenado que representa la crucifixión.

Este cordero no es tonto, como lo hicieron parecer los restauradores del siglo XIX. Ahora se revela como Dios, hombre y sacrificio. Una idea medieval pintada de una manera moderna e incómoda. Lo que han hecho los restauradores es recuperar el genio extraño y maravilloso de Jan van Eyck.

























miércoles, 22 de enero de 2020

SOMBRÍO VAN GOGH...





Auténtico










Autorretrato, 1889











La única pintura conocida del maestro holandés mientras tenía psicosis 
es su trabajo "inconfundible" 


Un cuadro de Vincent van Gogh con certificado de autenticidad. El museo del artista en Ámsterdam ha confirmado este lunes la autoría de un Autorretrato*, fechado en 1889, que pertenece a la colección del Museo Nacional de Oslo (Noruega) desde 1910. La obra muestra los efectos del primer gran ataque de psicosis que sufrió mientras estaba internado en el sanatorio de Saint-Rémy, al sur de Francia. Durante años había sido descartada por los estudiosos porque no se parecía al resto de su producción. Ahora las conclusiones de la investigación efectuada por los expertos del museo de la capital neerlandesa adjudica el cuadro sin dudas a Van Gogh, sumándolo así a los otros cerca de 35 retratos de sí mismo que pintó entre 1886 y 1889, la mayoría en París.


El investigador Louis van Tilborgh junto al retrato de Vincent van Gogh, en Ámsterdam. 




Aunque Van Gogh se pintó con y sin sombrero, fumando en pipa, con la cabeza rapada o frente al caballete, en la tela del museo de Oslo llama la atención su expresión. Mira de reojo al espejo y devuelve una mirada doliente, casi vacía. “Utiliza la espátula en abundancia y sacrifica la expresión de sus ojos y el parecido físico para reflejar su estado, tras un episodio psicótico grave padecido entre julio y agosto de 1889. El ataque le lleva a aceptar en cierto modo su internamiento médico”, dice Louis van Tilborgh, investigador jefe del Museo Van Gogh. 


Un detalle de la obra recientemente autenticada de Vincent van Gogh, completada en 1889.

Los colores mate que llenan la tela, en particular el verde fangoso, acentuaron en parte las dudas sobre la autoría. “No parece la paleta de Van Gogh, y eso confunde, pero los usa para acentuar lo ocurrido. También sube el cuello de la chaqueta y aplasta su pelo, que tenía más ondulado, para trasmitir una sensación de incomodidad. Por otra parte, el lienzo es similar a los utilizados por él en esa época, lo mismo que los pigmentos. El resto de los análisis técnicos efectuados sobre las capas de pigmentos con rayos X y microfotografía han confirmado la autoría”, añade.
Además de estas pruebas, está la carta escrita a su hermano, Theo. La mandó tras el ataque, a partir del 22 de agosto de 1889, “y aunque la tenemos catalogada desde hace tiempo no se había establecido antes el nexo definitivo con el cuadro”, sigue Van Tilborgh. El equipo del museo ha concluido también que el cuadro fue pintado “en un intervalo del brote psicótico, porque una vez concluido tuvo una recaída hacia septiembre, de modo que trató de reflejar su enfermedad”.
Van Gogh escribió el 22 de agosto de 1889 que todavía estaba "perturbado" pero se sentía capaz de pintar nuevamente. El autorretrato recién autenticado fue seguido en las siguientes tres semanas por dos autorretratos famosos y mucho más vibrantes, que se encuentran en la Galería Nacional de Arte de Washington DC. y el Museo de Orsay en París.


Para el Museo Nacional de Oslo, propietario del cuadro, es como si Van Gogh “hubiera vuelto a casa”, admitió este lunes en Ámsterdam Mai Britt Guleng, su conservadora. “Las dudas sobre la firma se remontan a 1970 y para nuestra colección era esencial despejarlas de una vez. Además, este autorretrato era uno de los que más intrigaban al pintor noruego Edvard Munch, (autor de la famosa obra El grito,1893) conocido por su evocación de la angustia. Llegó a decir que no se atrevía a acercarse a verlo bien, pero sí lo hizo. Así que estamos encantados”.
Los efectos del ataque reflejados en este autorretrato de Van Gogh son posteriores al episodio de la automutilación de su oreja derecha, sobre el que hay diversas teorías. La más extendida explica que se enojó con Paul Gauguin, el artista francés, al que había invitado a crear con él en La Casa Amarilla, con apoyo económico de su hermano Theo. Situada en la ciudad de Arlés, e inmortalizada en 1888 en otro de sus cuadros, su dormitorio es hoy una de las imágenes más reproducidas y estaba en el mismo inmueble. La pareja trató de montar una utópica comunidad de artistas, pero cuando Van Gogh se cortó la oreja, Gauguin se marchó a París. Aunque mantuvieron contacto por carta no se vieron nunca más, pero en las nueve semanas que estuvieron juntos pintaron en total 57 cuadros, indica la documentación del museo de Ámsterdam.

La historiadora irlandesa Berdadette Murphy brinda otra versión en su libro La Oreja de Van Gogh: la verdadera historia. Según ella, le dio el pedazo a una joven francesa de 18 años conocida suya y que trabajada de doncella en un burdel. La publicación mensual The Art Newspaper hizo sus propias investigaciones en el Instituto Pasteur, de París, y concluyó que se trataba de Gabrielle Berlatier.


Los 'Van Gogh' de Van Gogh.


Es posible que sigan apareciendo cuadros dudosos, sobre todo de su primera época, pero, en 2019, el museo de Ámsterdam confirmó la firma del lienzo Jarrón con amapolas (1886), guardado en la sala de arte Wadsworth Atheneum, de Estados Unidos desde 1957. En 1990 se puso en duda su autenticidad y fue descolgada, hasta que los expertos confirmaron que el estilo y materiales corresponden al pintor. En 2013, de nuevo el museo descubrió que Puesta de sol en Montmajour (1888), pintada en Arlés, era verdadero. Oficialmente se trataba de “un falso van gogh”, aunque el rastreo de la correspondencia del pintor reveló que hablaba de dicho paraje, donde buscaba inspiración. Las nuevas técnicas de análisis pictórico hicieron el resto. En 2012, Bodegón con flores de oreja de ratón y rosas (1886), fue adjudicado al artista por expertos de Bélgica, Alemania y Países Bajos. Pintado sobre unos luchadores que tapó luego con un jarrón rebosante, pertenece a la colección del museo neerlandés Kröller-Muller. En 2010, Le Blute Fin, que representa un molino del barrio parisiense de Montmartre en 1886, se le atribuyó “fuera de dudas”. Una vez más, la sala de Ámsterdam constató que, en este caso, “había una línea roja trazada por el pintor para guiarse en la perspectiva, como en otras telas certificadas”.







*La pintura se exhibe en el Museo Van Gogh y formará parte de una exposición temporal, titulada In the Picture, hasta el 21 de febrero. Luego regresará a Oslo para ser exhibido como parte de la colección permanente del Nasjonalmuseet cuando se abra un nuevo edificio en la primavera de 2021.





















lunes, 20 de enero de 2020

POEMA




Quiero ser todo en el amor

Claribel Alegría.











Imagen: Aaron Griffin













Quiero ser todo en el amor
el amante
la amada
el vértigo
la brisa
el agua que refleja
y esa nube blanca
vaporosa
indecisa
que nos cubre un instante.




























domingo, 19 de enero de 2020

LOS MUSEOS Y LOS NIÑOS


 Como los niños cambiaron los museos

 Bethan Ryder













 TapeScape, una instalación de arte interactivo construida en colaboración con el artista Eric Lennartson 
en el Brooklyn Children's Museum.









Un templo para adorar a las musas. Ese fue, en su origen,  la esencia de los museos ligada con una actividad académica o de contemplación. Ahora desde Londres hasta California, los arquitectos están ayudando a los museos a proporcionar experiencias de aprendizaje interactivas que no se pueden encontrar en la pantalla.



El  año pasado, la práctica de arquitectura con sede en Hoxton AOC creó el Open Studio en el Museo de la Infancia V&A en el cercano Bethnal Green, al este de Londres.   La institución de 147 años fue renovada y la consulta inicial de los escolares locales descubrió que querían que el espacio se convirtiera en el "museo más alegre del mundo". AOC configuró Open Studio para descubrir cómo se podría hacer esto. Era un laboratorio de pruebas de foros y talleres para niños y familias, un espacio donde se animaba a los visitantes a guardar objetos de la colección de V&A y responder preguntas como: "¿Qué es un museo?"

Geoff Shearcroft, quien es el cofundador de AOC y dirigió el Open Studio, dijo que el consenso entre los niños era que un museo es "un lugar para recolectar y mirar objetos". Pero también pensaron que las principales atracciones en el Museo de la Infancia eran "jugar en el caballito de madera, el arenero, correr por la rampa y tomar un helado".
"Menos claro", dice Shearcroft, "fue la razón por la que quisiéramos recolectar y cuidar los objetos. Después de una larga pausa, un niño de nueve años dijo: "Los objetos tienen derechos". "La frase ha pegado. Captura la necesidad de conservar objetos y considerarlos como participantes activos en la experiencia del museo. Ha dado vida a la colección, permitiéndonos a todos imaginar y diseñar en torno a la capacidad de los objetos para hablar con los visitantes y entre ellos”.



 Escala móvil, tobogán: Muf's Wonderlab en el Museo de Ciencias de Londres. Fotografía:
 © Plastiques Photography, cortesía del Museo de Ciencias


Gracias a los arquitectos, diseñadores y conservadores de museos, las voces de los niños ahora son una fuerza sorprendentemente fuerte en la revitalización de las instituciones previamente polvorientas. Si bien la autoridad y el propósito de los museos se cuestionan por razones culturales más amplias (cuestiones de diversidad, acusaciones de saqueo de antiguas colonias), también se reconoce que deben cambiar para mantenerse relevantes en la era digital. Cuando los niños pueden perderse en el mundo entero de una pantalla con más libertad que en la realidad, los museos necesitan mejorar su juego.

Desde la época victoriana, los museos para niños han involucrado exhibiciones interactivas y un cierto grado de presionar botones. Pero en los últimos 20 años esto ha crecido exponencialmente. Los arquitectos y diseñadores progresistas han estado reinventando, ampliando y construyendo espacios. Los años noventa vieron una serie de renovaciones en los EE. UU., incluida la expansión del Museo de los Niños de Brooklyn, que se inauguró en 1899 y afirma ser el primero de su tipo en América del Norte. La extensión de dos pisos de Rafael Viñoly Architects abrió líneas de visión para niños con ventanas de ojo de buey de bajo nivel, amplió la imaginativa galería de los niños pequeños, agregó un estanque de agua dulce con tortugas y aumentó el espacio para jugar.



Beautiful Painting

Checking out the animals


Panadería



Museo de los Niños de Brooklyn



En el Museo de los Niños de Pittsburgh, Makeshop abrió sus puertas en 2012 para enseñar a los niños locales a bordar, hacer magia y hacer limo. El Museo de Arte de Libros Ilustrados Eric Carle en Massachusetts se abrió en 2002 después de que la familia Carle visitara museos de libros ilustrados en un viaje a Japón. El Reino Unido obtuvo su propia versión en el Discover Children's Story Center en Stratford, al este de Londres, que alberga cuevas, árboles mágicos y jardines. El mayor desarrollo en Kew Gardens en la última década fue el Children's Garden, que se inauguró el verano pasado con túneles de bambú vivos, piscinas de chapoteo, cerezos y ruibarbo gigante.














Children's Garden, Ken Gardens



La idea de aprender a través del juego está en el corazón de esta nueva ola de museos, con diseñadores que se basan en las ideas de Friedrich Fröbel , el educador alemán del siglo XIX y pionero de la guardería, que "el juego es la máxima expresión del desarrollo humano en la niñez".

A medida que las escuelas priorizan los métodos de enseñanza académicos centrados en los exámenes, los museos, como dice Shearcroft, "reconocen la necesidad de proporcionar la otredad": una forma de aprendizaje más abierta y abierta al descubrimiento. "Esta es una respuesta a las presiones y limitaciones del plan de estudios, la presión sobre el espacio en la ciudad y también como una reacción a las atracciones lineales de 'máquina de salchichas'", dice Liza Fior, cofundadora del grupo de arquitectura y arte Muf, que diseñó el innovador  Wonderlab en el Museo de Ciencias de Londres.





Wonderlab ofrece un paisaje de zonas de juegos que fluye libremente que incluye toboganes, un roble con imanes y un modelo gigante del sistema solar. Muf habitualmente factoriza el nivel de la vista de un niño en cada proyecto y crea entornos inmersivos con un ritmo variable. "A veces, 10 niños simplemente se acuestan estirados, mirando las estrellas que giran alrededor del sol", dice Fior. Ella dice que el éxito de Wonderlab se debe en parte a los nueve años que Muf pasó investigando obras para un proyecto con la Asociación de Museos para Niños en los EE. UU., Donde las instituciones más innovadoras han estado tomando en serio el juego durante un tiempo.







Wonderlab: Química


Uno de los líderes mundiales en diseño de museos para niños tiene su sede en Seattle. Olson Kundig tiene dos proyectos importantes en proceso. Se inaugurará en mayo ANOHA , el Mundo Infantil del Museo Judío de Berlín, construido alrededor de la historia de la Torá del arca de Noé. En Sausalito, California, está la renovación de $ 18 millones del Bay Area Discovery Museum , un centro de arte y Stem (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas) que se completará en 2021.


Alan Maskin, copropietario de Olson Kundig, trabajó como profesor de arte durante 14 años antes de pasar a la arquitectura. Es fanático de la teoría del aprendizaje del psicólogo del desarrollo Howard Gardner. “Gardner descubrió que existen múltiples modalidades de aprendizaje, como la cinestésica, niños que aprenden a través de sus cuerpos, musical / rítmica, lingüística. Nuestro objetivo es diseñar proyectos donde cada uno de estos esté representado de alguna manera. Por lo tanto, puede haber algo de imagen y texto, pero no es predominante”.

ANOHA ocupa un mercado de flores brutalista reutilizado en el barrio berlinés de Kreuzberg, frente al Museo Judío. Un edificio dentro de un edificio, la estructura circular de madera tiene un fuerte tema de cambio climático. "Se basa en 500 mitos de inundaciones de todo el mundo, muchos de los cuales son anteriores al arca de Noé", dice Maskin. “Nos intrigó que esta narrativa sea universal. Desde una perspectiva de diversidad, es una historia poderosa en la que casi todas las culturas se han asentado”. El equipo de Olson Kundig trajo a un grupo de niños de seis a 12 años para ver cómo interactuaron con la historia de la inundación. A cada uno se le pidió que construyera una casa para una familia de cuatro, que luego se colocó en una bañera llena de agua. "Algunos se hundieron, otros se rompieron, algunos flotaron", dice Maskin. “Lo que fue emocionante fue que los niños se reagruparon para mejorar sus modelos."





Vuelos de fantasía: ANOHA - El Mundo Infantil del Museo Judío, Berlín. Fotografía: Olson Kundig / ANOHA

La forma escultórica y en forma de rosquilla del museo se inspiró en una tableta babilónica de 3.700 años expuesta en el Museo Británico que Maskin dice que es como "un manual de instrucciones de Ikea", que detalla la construcción de un arca redonda.  “Como dibujamos, alguien dijo que se parecía a la nave espacial en 2001: una odisea del espacio. Nos gustó la idea de tener esta arca moderna en el espacio y convertirse en un lugar donde los niños puedan crear sus propias historias de supervivencia y de hacer del mundo un lugar mejor ”.

El Bay Area Discovery Museum incluirá enormes instrumentos musicales como un piano gigante y una pista de carreras donde los niños pueden jugar con un chasis, carrocería y ruedas para explorar la física de la velocidad y el movimiento.

Mientras tanto, en la Colección Wellcome en Euston Road, una exposición llamada Play Well está a la mitad de su recorrido. El programa analiza "cómo los niños aprenden a través del juego y cómo puede fomentar la resiliencia", dice la curadora, Shamita Sharmacharja. El espectáculo fue diseñado por Andrés Ros Soto y Hato con el aporte de talleres realizados con niños de una escuela local. Los diseñadores también visitaron Italia para conocer el enfoque de Reggio Emilia para la educación, una filosofía que se enfoca en el aprendizaje experimental. “Lo que realmente nos sorprendió fue la forma en que piensan que los niños son parte de la sociedad. Entonces, si los niños son miembros de la sociedad, ¿cómo los consideramos y diseñamos para ellos? ”, pregunta el cofundador de Hato, Ken Kirton.   Jugar  te deja preguntándote dónde estaría la sociedad, y, de hecho, el diseño mismo, sin juego. Incluye objetos geométricos utilizados en los primeros años de aprendizaje que tuvieron una profunda influencia en muchos de los mejores arquitectos del siglo XX, incluidos Buckminster Fuller, Frank Lloyd Wright y miembros de la escuela Bauhaus y el movimiento Memphis. 


¿Es de extrañar que los arquitectos y diseñadores de hoy estén colaborando con curadores y educadores para garantizar que los museos brinden no solo un edificio en el que aprender, sino un lugar donde la imaginación de los niños pueda realizar plenamente su vasto potencial?