May Work As Symbols: estridente espectáculo de arte brasileño
Adrián Searle
Desde geniales piezas inspiradas en la Bauhaus hasta retratos de
personas con dientes terroríficos, esta refrescante muestra de arte de los años
50 y 70 revela una sensación de discordia.
Sambas infantiles y abstracciones estrictas, líneas vibrantes y arreglos de triángulos llamativos. Bodas en la iglesia y paseo por el parque. Lo racional y lo religioso, la cuadrícula y el carnaval chocan en Some May Work As Symbols en Raven Row en Londres. La exposición viaja entre Río de Janeiro, São Paulo y Salvador en el estado de Bahía, entre formas conflictivas de mirar, pensar y estar en el mundo.
Subtitulada Arte hecho en Brasil de los años 1950 a 1970, la exposición es a la vez tentadora y maravillosamente incoherente, saltando de un lugar y un tiempo a otro, entre las tensiones conflictivas de lo local y lo internacional, y las diferentes corrientes de la cultura brasileña. Hay placer en toda la variedad, los momentos tranquilos y el humor, de los cuales sólo una parte es intencionada. Basada en gran medida en las colecciones de cuatro museos brasileños, la exposición se deleita en su discordia. Las esculturas del sacerdote candomblé Mestre Didi se encuentran con el construccionismo inspirado en la Bauhaus. Rectángulos de Hélio Oiticica se empujan sobre fondos planos y pájaros con carácter cazan en las orillas del río en un tapiz de Madalena Santos Reinbolt. Gotas de pintura arrugadas estampan biliosamente sobre las superficies de los lienzos óptica y materialmente perturbadores del artista del Grupo Zero, Almir Mavignier , y la cabeza ceñuda de un toro tiene un pez por nariz en una de las pinturas emblemáticas de Abdias do Nascimento.
Emblemática… Mediación nº 2 de Abdias do Nascimento: Apis, el Toro Sagrado. Fotografía: Cortesía del Instituto de Estudios e Investigaciones Afrobrasileñas/Colección del Museo de Arte Negro
Hélio
Oiticica Metaesquema
En un momento me detiene las sutilezas fenomenológicas de dos cuadrados negros sobre fondos de diferentes colores de Willys de Castro , y al siguiente me absorben las inquietantes obras del músico de samba, diseñador de muebles y ropa y pintor Heitor dos Prazeres, cuyas pinturas se repiten en diferentes salas. Cuanto más miro, más extraños se vuelven. Chicas con vestidos a rayas bailan con sombrillas en la calle, la gente se agolpa en la favela y toca música bajo un árbol. Todos visten ropas preciosas mientras bailan sobre sus diminutos pies bien calzados, pero son las bocas de estas personas las que me atrapan. Visto de perfil, la gente de Dos Prazeres tiene graves problemas dentales, con los dientes sobresaliendo como si tuvieran volantes metidos entre los labios. Vistas de frente, sus bocas son tan aterradoras como las de las lampreas o los vampiros de una película de serie B. Este tipo de cosas te detiene en seco.
Constantemente tenemos que recalibrarnos a medida que pasamos de los austeros placeres de lo ortogonal y racional a lo folclórico y fantástico, o de una progresión de líneas finamente trazadas y dibujadas por Judith Lauand a una escultura de madera tallada de una madre y su hijo de Agnaldo Manuel dos Santos , cuyo arte se basó en su herencia africana.
De repente es la hora del almuerzo. Los niños hacen ruido en su propia mesa y los adultos comen, hablan y alcanzan los platos. Rico en detalles, todo, desde los platos de chuletas y guisos hasta las cosas que se amontonan en el fregadero, desde las botellas de cerveza hasta la fruta en el cuenco, se tambalea desde la superficie con un relieve grumoso, la pintura al óleo reforzada con yeso y cabello. Qué delicia, y clamor de los precisos y de los ineptos, es esta animada escena de 1974, de la pintora autodidacta María Auxiliadora . Las baldosas del suelo son un enrejado loco y los bordados de los manteles de damasco están elegidos con precisión.
Los conflictos que mejor conocemos en el arte brasileño de posguerra son aquellos entre las diferentes ramas de la abstracción geométrica que florecieron después de que el artista, arquitecto y diseñador suizo Max Bill expuso en Río en 1950 y en la bienal de São Paulo en 1951, y luego ayudó a establecer fundó la Escuela Técnica de Creación de Río, cuyas ideas fueron destiladas del futurismo, de Stijl y la Bauhaus. El enfoque de Bill impresionó al entonces presidente de Brasil, Juscelino Kubitschek, en su impulso para modernizar el país a través del desarrollo industrial y la creación de una democracia liberal, basada, según los curadores Pablo Lafuente y Thiago de Paula Souza, en principios racionales positivistas, que el trabajo de Bill ejemplificó.
Los desarrollos y fisuras posteriores dentro de la abstracción geométrica tal como se desarrolló en el Brasil de los años cincuenta probablemente ya no molesten a nadie como antes. Uno de los placeres de la colección de ensayos históricos del pequeño catálogo que acompaña a la muestra es un texto de 1967 del crítico Frederico Morais, titulado mordazmente Concretismo/Neoconcretismo: quién es, quién no, quién se unió, quién precedió, quién tocó. ¿Quién quedó, quién se fue, quién volvió? ¿Existió el concretismo? El título por sí solo lo dice todo.
Aquí hay un gran arte abstracto, cada uno con vida propia. Gran parte de ella parece tan nueva como hace 50 o 60 años. Ahora lo miramos de otra manera, por supuesto, menos agobiados por su pureza. Algunos pueden funcionar como símbolos es un vistazo a una situación social y cultural compleja, y presenta una especie de correctivo a las historias estereotipadas del arte brasileño de posguerra. Está lleno de sorpresas, de lo cotidiano, lo utópico y lo conflictivo. Dos serpientes se enroscan en una palma, en una de las esculturas de Didi, mientras que cerca, un disco mudo, de Lygia Clark , cuelga de la pared, como una especie de eclipse fabricado industrialmente. Quizás su proximidad sea más que una casualidad.
Algunos pueden funcionar como símbolos: Art Made in Brazil, 1950s-70s está en Raven Row, Londres , hasta el 5 de mayo
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