Vanessa Thorpe
Las siete obras de misericordia. Caravaggio. 1607. Pio Monte de la Misericordia.
Con su última obra maestra expuesta en Londres y su influencia en Ripley con Andrew Scott en Netflix, el atractivo del problemático pintor perdura.
¿Te gusta Caravaggio? pregunta el rico Dickie Greenleaf a su enigmático nuevo amigo, Tom Ripley, al principio del actual drama de Netflix basado en el famoso thriller de Patricia Highsmith, The Talented Mr Ripley . La consulta es una especie de prueba y se trata de algo más que una simple clase. Pretende ser una medida de carácter, de alma. Para Greenleaf, el hijo playboy de un magnate naviero estadounidense que se encuentra de vacaciones permanentes en la costa de Amalfi, la respuesta podría funcionar como una llave que abre un mundo de cultura y gustos compartidos.
También se hacen preguntas sobre Caravaggio en Londres mientras la Galería Nacional abre sus puertas con una muestra que examina la última obra del artista Michelangelo Merisi da Caravaggio, exhibida en Gran Bretaña por primera vez en 20 años. Su obra maestra de 1610, El martirio de Santa Úrsula, ha sido prestada por una galería de Nápoles y es un amplio y oscuro estudio de la violencia y el fervor religioso.
En preparación para la exposición, los críticos de arte británicos desempolvaron su vocabulario más elevado para saludar una vez más a la gran estrella del arte barroco. "Es hipnótico", escribió Jonathan Jones la semana pasada, instando a los espectadores a ir a ver su drama estático de forma gratuita, en lugar de pagar entradas para el West End. También pueden mirar al propio Caravaggio, que está a un lado de la figura del santo, en el último autorretrato que pintó meses antes de morir a los 38 años. Después de todo, este es el tipo que lo cambió todo al introducir emociones intensidad y humanidad identificable en el negocio de representar historias bíblicas.
El Martirio de Santa Úrsula se exhibe en el Último Caravaggio, National Gallery de Londres. Fotografía: Amer Ghazzal/REX/Shutterstock
“Ahora nos resulta difícil darnos cuenta de cuán diferente es su trabajo de lo anterior”, dice la curadora de la Galería Nacional Francesca Whitlum-Cooper, explicando cómo Caravaggio desdeñó la tradición artística de crear objetos bellos por encima de todo. “Él es todo lo contrario. Incluso cuando nos topamos con estas imágenes sin el nivel de conocimiento religioso habitual entonces, pueden comunicarnos. Una de sus innovaciones fue el realismo, se ven personas reales con bocio y arrugas. Incluso pintó a las conocidas prostitutas de la ciudad”.
¿Qué impulsó esta nueva y cruda visión? Whitlum-Cooper especula que fue la infancia del artista en Milán, una ciudad devastada por la peste y gobernada por el idiosincrásico Cardenal Borromeo: “Existe la sensación de la necesidad de sentir; para que las cosas sean reales, incluso para autoinfligirse actos de contrición. Es intenso”.
Sospecha que su libertad artística también surgió de la falta de formación formal como aprendiz en el estudio de un artista. “Ni siquiera aprendió a pintar frescos cuando se apuntó para hacerlo. Y no hay evidencia de bocetos debajo de la pintura. Parece haber aplicado la pintura directamente, con auténtica valentía”.
Esa iluminación 'cinematográfica' ha convertido a Caravaggio en una superestrella de la era de la pantalla.
Las repetidas apariciones de Caravaggio en la nueva serie de Ripley, en escenas de Nápoles y, más tarde, de Roma, no son una mera coincidencia geográfica. Como comenta Jones mirando a Santa Úrsula: "Esa iluminación 'cinemática' ha convertido a Caravaggio en una superestrella en la era de la pantalla". El célebre claroscuro del artista ha fascinado a fotógrafos y cineastas durante décadas: de hecho, comenzó casi desde el primer momento en que fue posible jugar con luz real, con bombillas eléctricas y proyectores, en lugar de pintura.
“Hay algo en cómo recorta y enmarca la imagen. Ahora lo vemos como un lenguaje cinematográfico”, añade Whitlum-Cooper. “El tamaño del lienzo también significa que el espectador casi completa la imagen; casi participa”.
Andrew Graham-Dixon, autor del libro de 2010, Caravaggio: A Life Sacred and Profane, cree que el director italiano Pier Paolo Pasolini fue el primero en imitar la mirada en la pantalla. “Luego Martin Scorsese, por supuesto. Cuando estaba haciendo Mean Streets solía ir al Met para estudiar el Caravaggio. Diseñó la película en torno a su encuadre, iniciando una escena en medio de la acción; generalmente con alguien que hace algo atroz, como torturar a alguien”. Scorsese le dijo que quedó inmediatamente cautivado por la obra y explicó: “Al principio me identifiqué con ellos por el momento que eligió iluminar la historia. La conversión de San Pablo, Judit decapitando a Holofernes : estaba eligiendo un momento que no era el momento absoluto del comienzo de la acción... Habría sido un gran cineasta, de eso no hay duda”.
Salomé recibe la cabeza de Juan Bautista, parte de la exposición "El último Caravaggio” en la
National Gallery de Londres. Fotografía: Yui Mok/PA
Para Graham-Dixon no son sólo las luces y las sombras, sino la inmediatez lo que todavía inspira a los directores. “La perspectiva se había vuelto increíblemente tediosa para los artistas. Significaba la pérdida de cualquier sentido de lo que se suponía que debías estar mirando, como una fotografía escolar. El claroscuro de Caravaggio saboteó la perspectiva y le permitió enfatizar un detalle. Si pensaba: "Sólo quiero mostrar la lágrima de su rostro reflejada en la luz", bueno, el claroscuro le permitía hacerlo. Éste es el golpe relámpago que asestó al mundo del arte”.
Y el legado cinematográfico va más allá del trabajo de cámara. La vida del artista también ha sido abordada en pantalla. La película de Derek Jarman de 1986, Caravaggio, destacó sus transgresiones, mientras que la película biográfica italiana de autor de 2022, Caravaggio's Shadow, se centró en la censura de su arte. El libro de Graham-Dixon acaba de ser adquirido por una compañía cinematográfica norteamericana, añade.
La exposición en el Nacional incluye el fallecido Caravaggio de la galería, Salomé recibe la cabeza de Juan el Bautista. Las decapitaciones eran un tema favorito. Hacia el final de la serie de Ripley se oye a un guía del museo de la Galería Borghese describir un cuadro igualmente sanguinario, David con la cabeza de Goliat . "Caravaggio vincula al asesino y a la víctima al retratar a David como un hombre compasivo en la forma en que mira la cabeza cortada", se les dice a los turistas, mientras Ripley, ahora un asesino, escucha.
La deslumbrante adaptación en blanco y negro de Steven Zaillian da gran importancia a la extraordinaria vida del pintor, que estaba prófugo por un asesinato, al igual que el “talentoso” antihéroe de Highsmith, interpretado por Andrew Scott. En un flashback de 350 años en el episodio final, Zaillian en realidad evoca el fantasma del artista, imaginándolo escondiéndose de los Caballeros de San Juan mientras lo rastrean, justo cuando Ripley esquiva a la policía. “Ese pequeño paralelo me pareció interesante”, ha dicho el director.
En Nápoles, Ripley también es llevado a ver un Caravaggio que ha estado colgado en el Pio Monte della Misericordia durante más de cuatro siglos en un episodio, Siete misericordias, que toma su título del cuadro. Al fondo de esta obra se puede ver a dos hombres preparando un cuerpo para el entierro. Ripley descubre que fue pintado un año después de que el propio artista fuera acusado de asesinato en Roma. Caravaggio, probablemente vilipendiado por su homosexualidad, luego abandonado por sus clientes y luchando por pagar las cuentas, pronto comenzó una espiral descendente que se aceleró una vez que su rostro quedó desfigurado en un ataque con cuchillo afuera de una posada napolitana. Ya había sido condenado a muerte por matar consecutivamente a Ranuccio Tomassoni en 1606. El forajido huyó a Nápoles, mientras Ripley se dirige a Roma con una identidad supuesta. Una vez allí, el asesino visita San Luigi dei Francesi, hogar de tres Caravaggios, uno de los cuales representa a un asesino blandiendo una espada.
Homoerotismo, crimen y arte: Tom Ripley y Caravaggio se fusionan en la serie de Netflix:Ripley :
Caravaggio, el doble de Tom
Ripley y el díscolo Caravaggio comparten un glamour sombrío y esto es un hecho incómodo para Whitlum-Cooper: “La forma en que fetichizamos la violencia es problemática. No lo sienten las mujeres ni los hombres negros que puedan haber cometido delitos. Así que hemos tratado de contrarrestar eso en el programa con énfasis en la historia de Santa Úrsula”.
El último impulso artístico de Caravaggio fue darle el tratamiento completo a una princesa paleocristiana de Gran Bretaña de quien se decía que había viajado para casarse con un príncipe pagano, según un misterioso texto religioso, La Leyenda Dorada. Las 11.000 vírgenes que acompañaban a Úrsula fueron asesinadas en Colonia, pero no antes de que “el jefe de los hunos” le ofreciera su mano a la princesa. Cuando ella lo rechazó, él le disparó con una flecha. La pintura muestra el acto letal en primer plano, a escala realista.
“Hubo mucha resistencia al estilo de Caravaggio. Estaba en el lado perdedor de una lucha religiosa sobre si la iglesia es para los pobres o debería ser controlada por los ricos”, dice Graham-Dixon. “El clero no quería pinturas que sugirieran que la religión era para las masas. Querían el estilo antiguo de las pinturas, donde la Virgen María parece la Reina del Cielo, no una mujer pobre en un refugio nocturno”.
Antes de la muerte de Caravaggio en el sur de Toscana, cuando, todavía huyendo, probablemente sucumbió a la malaria, su influencia creativa ya se había sentido en Nápoles y Sicilia, que en ese momento eran posesiones españolas. Así se sembró su gran efecto en el arte europeo, y luego en el cine, piensa Graham-Dixon: “Nadie lo apoyaba entonces, excepto todos los demás artistas que no podían quitarse su trabajo de la cabeza. "
No hay comentarios:
Publicar un comentario