Georgia O'Keeffe
La carrera y las luchas de O'Keeffe como mujer en el siglo XX son una lección de independencia y autoinvención tanto como su arte. Su vida fue un viaje largo y extraño, llevándola de la granja lechera en Wisconsin, donde nació en 1887, a Santa Fe en 1986 donde murió, siendo por entonces la artista estadounidense más venerada y popular. Indomable, solitaria, muy viajada, paradójica, O'Keeffe es mucho más que el cliché que sugieren las innumerables reproducciones de su trabajo en las paredes de los dormitorios, las exhibiciones de estampados anodinos, los delantales de la firma O'Keeffe y los brazaletes y pendientes de plata con el tema de Nuevo México.
Creemos que conocemos a O'Keeffe, los carteles y las postales nos permiten conocerla haciendo que los encuentros con sus pinturas reales se sientan superfluos. La historiadora del arte Griselda Pollock llama a esto una "hiper-visibilidad destructiva", reforzando los aspectos más estereotipados de los logros de O'Keeffe. Sus pinturas en su mayoría se ven mejor en reproducción, ella era, ante todo, creadora de imágenes, y sus pinturas son aburridas, planas, simples, mientras que las imágenes son hermosas, incómodas y extrañas.
No se puede evitar pensar que esta discrepancia fue calculada. Muchos artistas suprimen la superficie, como René Magritte o Agnes Martin, pero hay una muerte desalentadora en el encuentro físico con gran parte del trabajo de O'Keeffe. Creo que tiene algo que ver con la opacidad pastosa de la pintura en sí misma, la forma en que suaviza y combina las sombras, dando a la obra una sensación demasiado deliberada.
Georgia O'Keeffe, fotografiada en 1918 por Alfred Stieglitz.
Alfred Stieglitz instaló los primeros dibujos y acuarelas de O'Keeffe, en su galería de 291 Fifth Avenue, Nueva York, en 1917. Con sus paredes grises, poca luz, la habitación tiene el aire de una funeraria. Sobre la base de las fotografías de Stieglitz, en las paredes están colgadas los carboncillos de O'Keeffe y la única escultura que ella hizo reposa en un estante.
En forma y tamaño, este yeso blanco (luego fundido en
bronce lacado) tal vez esté pensado como una figura encapuchada o algún tipo de aspirante a energía espiritual, pero no es
más que un pequeño falo erecto. Es casi imposible verlo de otra manera, de
la misma manera que muchas de las primeras pinturas de O'Keeffe nos recuerdan
los genitales femeninos, los labios vaginales, las vulvas. No solo la
erudición lucha con las lecturas
sexualizadas de las imágenes de O'Keeffe . El cuerpo femenino
siempre está ahí: en los pliegues de las colinas secas de Nuevo México con sus
arroyos y barrancos; en sus iris; en plena berenjena
redonda; las ramas del árbol piñon muerto.
Georgia O'Keeffe .Jimson Weed / White Flower No. 1 1932
Óleo sobre lienzo 48 x 40 pulgadas
Black Mesa Landscape, New Mexico / Out Back of Marie's II (1930).
O'Keeffe resistió con vehemencia estas interpretaciones y dijo: "Cuando las personas leen símbolos eróticos en mis pinturas, realmente están hablando de sus propios asuntos". Sin embargo, persistieron, de parte de Stieglitz (quien alentó a O'Keeffe a leer a Freud) a feministas de primera ola como Judy Chicago.
Sus primeras abstracciones, hechas cuando era maestra de arte y trabajaba en Virginia y Texas, tienen una cualidad ascendente y desplegable, como olas solitarias a punto de romperse o los zarcillos de una planta que se desenrollan. Su ímpetu parece haber sido más psíquico que orgánico. O'Keeffe se inspiró en el mismo pensamiento teosófico y espiritualista que Kandinsky, Mondrian, Hilma af Klint y muchos otros artistas de vanguardia (sin mencionar a compositores y escritores) de la época. Incluso Marcel Duchamp no era del todo inmune.
Georgia
O’ Keeffe New York street with moon
Los dibujos de carbón vegetal de O'Keeffe, con sus
cabezas reclinadas, mundos interiores e imágenes de lo invisible, dan paso a
flores y nubes, paisajes y hojas, cráneos desolados y blanqueados por el sol,
los cielos luminosos de Nuevo México.
Uno de sus cuadros, Jimson Weed , se vendió por $ 44.4 millones, lo que lo convierte en el cuadro más caro vendido de una artista femenina a partir de 2014 .
Georgia O' Keeffe, Horse's Skull with Pink Rose, 1931,
Sus nocturnos de rascacielos de Nueva York y la luz artificial de la ciudad (pintada mientras ella y Stieglitz, luego casados, vivían en un rascacielos de Manhattan) son tan buenos como cualquier paisaje que haya pintado.
Muchas de estas vistas de Nueva York se basaron en fotografías de Stieglitz quien fotografió a O'Keeffe muchas veces, convirtiéndola en su musa y en una imagen por derecho propio. Tomó su retrato, le disparó desnuda, fotografió sus pechos y sus manos expresivas. Es bueno tener tantas de esas fotografías aquí. Pero convierten a O'Keeffe en un objeto idealizado tan a menudo como lo hacen su tema.
Georgia O'Keeffe, fotografiada por Alfred Stieglitz.
Georgia O'Keeffe, fotografiada en 1918 por Alfred Stieglitz.
A lo largo de su arte hay una sinuosa línea de giro (pintada o dibujada) que tiene su origen en algún lugar más allá de lo visible. Tal vez fue algo innato, más que una afectación estilística pasajera. O'Keeffe estaba ciertamente alerta a los desarrollos en el arte tanto como a su entorno inmediato. Viajó a México para encontrarse con Frida Kahlo y Diego Rivera. También conoció a la solitaria canadiense Emily Carr , una artista con una inclinación aún más espiritual, sintió una afinidad con Ellsworth Kelly y fue entrevistada por Andy Warhol.
Starlight Night (1963) de Georgia O'Keeffe.
“Georgia O'Keeffe Museum - Antlers, Flowers
and Pedernal”
Georgia O'Keeffe, "My Last Door,"
Las pinturas de O'Keeffe de una puerta negra, colocadas en la pared lisa de su casa de adobe, desde principios de la década de 1950, parecen ser las más destacadas de la pintura estadounidense que vino después. Por una vez, la llanura y la reticencia, la autoridad de ese rectángulo en el lienzo, se sienten exactamente perfectas
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