martes, 30 de septiembre de 2025

COMPARTIENDO A CÉZANNE EN AIX -EN- PROVENCE

 

 Sobre el rastro de Cézanne en Aix-en-Provence, Francia







Impresionando: Aix-en-Provence, casi inseparable de Paul Cézanne. Fotografía: Jean-Luc Ichard/Getty Image








Es fácil ver por qué la elegante ciudad del sur de Francia impresionó tanto al famoso artista.

Un trozo de elegancia parisina en el sur de Francia, Aix-en-Provence es un lugar idílico para pasar un fin de semana de otoño. En julio y agosto, los bulevares romanos se calientan (el calor aquí es más intenso que el de la costa de Marsella, a solo 30 km de distancia) y las hileras de elegantes plátanos a lo largo del Cours Mirabeau ofrecen un pequeño respiro. Pero venga en noviembre o principios de la primavera y el lugar está animado, gracias a una población universitaria de 80.000, y los cafés y restaurantes en sus numerosas plazas arboladas son vibrantes y concurridos. El clima también es más nítido y fresco, lo que significa que hay más que hacer y menos excusas para no probar los muchos senderos para caminatas y caminatas alrededor de la ciudad, incluido Mont Sainte-Victoire, el pico escarpado que se eleva a 3,300 pies al este de la ciudad.

Sainte-Victoire tiene un estatus icónico en Aix. Es casi inseparable de la obra de Paul Cézanne, quien pintó sus ángulos grises picados más de 80 veces. Su estilo evoluciona del impresionismo a algo completamente diferente. Las audaces formas geométricas y las líneas abstractas que surgieron de estas composiciones inspirarían a Picasso, lo que le valió a Cézanne el título de padre fundador del arte moderno.


                   Artista en residencia: estudio de Cézanne en Aix-en-Provence. Fotografía: Sophie Spitéri

La visión del mundo de Cézanne define el paisaje alrededor de Aix: cada aspecto refleja sus pinturas dondequiera que elijas mirar. El Terrain des Peintres, a 10 minutos a pie del centro de la ciudad, es donde a menudo estudiaba su tema favorito y, además de impresionantes vistas del pico, hay varias reproducciones de sus pinturas para mostrar cómo progresó su trabajo. Muy cerca se puede visitar su antiguo estudio, el Atelier des Lauves. Es fácil ver por qué pasó tanto tiempo aquí. Es un espacio hermoso que él mismo construyó, rodeado de árboles y con luz que entra por las ventanas del piso al techo. Fue aquí donde produjo algunas de sus piezas más famosas, incluyendo The Bathersy muchos de sus estudios de Mont Sainte-Victoire, trabajando incesantemente hasta su muerte en 1906, pero se siente como si solo se hubiera alejado. Su abrigo y sombreros permanecen, junto con los mismos jarrones y cuencos de porcelana que aparecían en sus naturalezas muertas, así como sus pinceles y pinturas.



Paisaje célebre: en lo alto del Mont Sainte-Victoire, que Cézanne pintó más de 80 veces. Fotografía: Hemis/Alamy


Route de la Montagne Sainte-Victoire, par Paul Cézanne




. Near-aix-en-provence.Paul Cézanne 1867

Pero hay mucho más para disfrutar de Aix más allá de su residente más famoso. Para empezar, sus elegantes calles comerciales frente a Cours Mirabeau, llenas de boutiques de moda. Una ojeada a Sézane (¡sin relación!), la marca de ropa parisina que ha llegado a nuestras costas, es puro placer tras un paseo por el Musée Granet. Al igual que el almuerzo en La Fromagerie du Passage, escondido en una pequeña calle, donde puede disfrutar de un plato de deliciosos quesos con una o dos copas de rosado frío.Hay muchos hoteles a precios razonables en el corazón de Aix: el Grande Hôtel Roi René está a solo cinco minutos a pie de Cours Mirabeau; su atracción principal es el patio de color rosa pastel bellamente diseñado con balcones que dan a una piscina de lujo.

Si anhelas una última dosis de Cézanne, conviértela en una visita guiada a las canteras cubiertas de maleza conocidas como Bibémus al este de Aix. Este salvaje puesto de avanzada de rocas dentadas, quemadas de color amarillo y naranja por el sol, se representa de manera tan literal en la obra del artista que es casi como si no se requiriera una visión cubista: simplemente pintó lo que vio.


Cantera de Bibemus,Paul Cézanne: 1898

 Camine hasta el borde de la cantera para disfrutar de una vista panorámica de la campiña de Provenza, interminables pinos bajo un cielo cobalto, que se extienden debajo de usted. Entonces es hora de regresar a la civilización: un aperitivo en Le Grillon, una brasserie clásica que gotea en dorado y candelabros, y que sirve el mejor bistec y papas fritas de la ciudad.




Otras tres ciudades francesas que inspiraron a artistas famosos



Albi: cuna de  Toulouse-Lautrec. Fotografía: Getty Images


La bonita ciudad medieval de Albi fue el lugar de nacimiento de Henri de Toulouse-Lautrec, y en el museo Palais de la Berbie puedes disfrutar de la colección más grande de su obra, desde sus retratos íntimos de artistas de dancehall hasta los audaces e icónicos carteles de teatro que aún parecen tan modernos.  Cerca está el clásico restaurante francés Le Lautrec, a minutos de donde nació y que aún sirve el tartouillat aux pommes et armagnac, elaborado según su propia receta.



El clásico restaurante francés Le Lautrec


Arlés: .  Fotografía: Sergio Formoso/Getty Images



Arlés: Van Gogh

A orillas del río Ródano, Arles es una encantadora ciudad de calles empedradas y elegantes plazas. Van Gogh vivió aquí durante más de un año, atraído por la luz suave y los colores vibrantes de la Provenza, y creó cientos de obras, incluidas algunas de sus mejores pinturas. Además de la Fondation Vincent van Gogh, dedicada a promover el trabajo del artista, hay un festival de fotografía de fama mundial, Les Rencontres d'Arles, que transforma esta pequeña ciudad en un centro internacional.


Colliure Fotografía: Getty Images/iStockphoto

Al sur de Perpiñán y cerca de España, Collioure tiene un bonito puerto color pastel enclavado en colinas cubiertas de viñedos y cerca de playas de arena. Matisse llegó aquí en 1905 e hizo suyos los colores brillantes y la luz luminosa de este paisaje, en particular su famosa obra, Ventana abierta, Collioure, que se celebra como una obra maestra del modernismo temprano, allanando el camino para la escuela de artistas fauve.



Matisse: La fenêtre ouverte,Collioure












lunes, 29 de septiembre de 2025

UN AUTÉNTICO Y MAL VENDIDO CARAVAGGIO, DESCUBIERTO POR LA IA




La IA descubre que un cuadro vendido en 71.000 libras es un auténtico Caravaggio.







La versión de El jugador de laúd de Badminton House fue vendida por Sotheby's en 2001 
como "círculo de Caravaggio"en 71000 libras.







Es uno de los artistas más venerados del arte occidental, pero solo se conservan unas pocas docenas de obras de Caravaggio. Ahora, la mano del maestro del siglo XVII se ha confirmado en una pintura que Sotheby's y el Museo Metropolitano de Nueva York habían descartado como una simple copia.

El análisis científico de El jugador de laúd, comprado para Badminton House en Gloucestershire en el siglo XVIII, ha concluido que es de Caravaggio, con una probabilidad del 85,7%.
Las pruebas con inteligencia artificial mostraron una fuerte coincidencia con las pinturas verificadas. El estudio fue realizado por Art Recognition, empresa suiza especializada en la autenticación de obras de arte, en colaboración con la Universidad de Liverpool, entre otras instituciones. Su directora, la Dra. Carina Popovici dijo: “Todo valor por encima del 80% es muy alto”.


Michelangelo Merisi da Caravaggio es considerado un revolucionario entre los artistas, venerado por su uso radical de la luz y la oscuridad –el claroscuro– y el realismo de sus composiciones.
Tal es la rareza de sus pinturas que, cuando se descubrió una en 2019 , se valoró en unos 96 millones de libras. 

Sin embargo, en 1969, Sotheby's vendió El jugador de laúd  como copia "según Caravaggio" por 750 libras. En 2001, la vendió como "Círculo de Caravaggio" por unas 71.000 libras.

El comprador fue entonces el historiador de arte y galerista británico Clovis Whitfield, especialista en antiguos maestros italianos, quien reconoció su calidad y el hecho de que “correspondía exactamente” con una descripción de Giovanni Baglione en su biografía de Caravaggio de 1642. Whitfield dijo: “Baglione menciona detalles minuciosamente observados, como el reflejo de las gotas de rocío en las flores”.
 En 1597, Caravaggio vivía en las calles de Roma como un artista empobrecido cuando recibió alojamiento y comida del cardenal Francesco Maria del Monte, quien se convirtió en su mecenas más importante. Poco después, Caravaggio pintó El Tocador de Laúd, mostrando su talento a su entonces futuro mecenas.
A finales de la década de 1620, la colección Del Monte se vendió. Antonio Barberini, futuro cardenal, adquirió cinco Caravaggios, entre ellos El jugador de laúd, que un siglo después fue adquirido por el tercer duque de Beaufort, de Badminton House.


 "El laudista" es una de tres versiones. Una, indiscutible, se conserva en el Hermitage de Rusia, y otra —en la que el laudista es una mujer en lugar de un hombre joven— se encuentra en la colección Wildenstein, tras haber estado expuesta en el Met entre 1990 y 2013.

En 1990, Keith Christiansen, entonces jefe de pinturas europeas del Met, describió la versión de Wildenstein como un original y la de Badminton como una copia.

Whitfield realizó su compra a Alfred Bader, un coleccionista que murió en 2016, a quien Christiansen escribió en 2007: “Nadie –y ciertamente ningún erudito moderno– ha considerado jamás o consideraría jamás la idea de que su cuadro pudiera ser pintado por Caravaggio”.
Whitfield afirmó que Christiansen y algunos académicos italianos estaban "un poco estancados en el fango tradicional" al negarse a aceptar la atribución, a pesar de que otros expertos la apoyan. "El resultado de la IA derriba al Sr. Christiansen", afirmó.
El análisis de Art Recognition también concluyó que el Wildenstein no era una obra auténtica. Popovici afirmó: "Nuestra IA arrojó un resultado negativo".

La evidencia incluye las representaciones del laúd. David Van Edwards, destacado fabricante de laúdes y presidente de la Sociedad del Laúd, afirmó que el instrumento Wildenstein presentaba numerosos defectos, a diferencia de los que aparecen en las pinturas de Badminton y del Hermitage.



Las versiones de El jugador de laúd de The Hermitage (izquierda) y Wildenstein.


William Audland KC, abogado y amante del arte que escribe un libro sobre El laudista, declaró: "Como abogado y litigante, analizo todas las pruebas de cualquier caso con un enfoque muy forense. Teniendo en cuenta todas las pruebas, me parece que cualquier académico que sugiera que la versión de Wildenstein es autógrafa y la de Badminton una copia deficiente comete una injusticia manifiesta".
Una visión holística de la evidencia relevante apunta a la conclusión corroborada por el análisis de IA, que es objetivo, a diferencia de las opiniones subjetivas de los académicos, que pueden interferir. La versión de Badminton es una pintura asombrosa. Te deja sin aliento al verla.

Geraldine Norman, una destacada experta en el mercado del arte, explorará la historia completa de la pintura en un documental que está en desarrollo.
El cuadro de Badminton se encuentra ahora en Londres. Whitfield desea que pase a una colección pública, justo cuando la National Gallery ha conseguido una inversión histórica de 375 millones de libras.

En su catálogo de venta de 2001, Sotheby's señaló que "se ha sugerido razonablemente" que el pintor puede haber sido Carlo Magnone, de quien se tiene registro en 1642 por haber pintado una copia de El jugador de laúd de Del Monte.

George Gordon, copresidente de Sotheby's Worldwide Old Master Paintings, describió la "extensa" entrada del catálogo como "reflexiva y completa" y señaló que muchas de las pinturas de Caravaggio fueron copiadas por otros artistas, incluso durante su vida, "como lo muestran los inventarios romanos de principios del siglo XVII y las fuentes escritas". 

Christiansen se negó a hacer comentarios.











































sábado, 27 de septiembre de 2025

WARHOL, HARING, BASQUIAT, NUEVA YORK EN LOS AÑOS 80

 


Warhol, Haring, Basquiat:  recordando a artistas clave de Nueva York en los años 80

Verónica Esposito






Imagen de la instalación "Downtown/Uptown: Nueva York en los años ochenta".
 Fotografía: Cortesía de Lévy Gorvy Dayan.






Un período vibrante para el arte en la ciudad se celebra en una nueva exposición que abarca desde el
 ascenso de la celebridad hasta el hipercapitalismo y la devastación del SIDA.

Con Downtown/Uptown: Nueva York en los años ochenta, la galería Lévy Gorvy Dayan busca defender la década de 1980 como una década vital y relevante para la producción artística. Esta exitosa exposición ha reunido a lo más destacado del arte de los 80, con obras destacadas de Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Francesco Clemente, Jeff Koons, Keith Haring, Cindy Sherman y muchos otros.

El objetivo de Downtown/Uptown es bastante simple: mostrar el mejor arte de la década a las nuevas generaciones. "Estaba pensando en qué arte fue crucial en ese momento", dijo Brett Gorvy, cocurador de la exposición. "Y también en qué se ha vuelto crucial con el tiempo. Hemos tenido la suerte de poder acceder a las mejores pinturas de tantos de estos artistas".

Según Gorvy, los años 80 se caracterizaron por el papel central de la celebridad en el mundo del arte, además de ser una década marcada por la epidemia del sida y el auge de una mentalidad hipercapitalista. El estribillo de Gordon Gekko, «la avaricia es buena», resonó en todas partes, especialmente en el mundo del arte, ya que las trayectorias de los artistas, de la miseria a la riqueza, se caracterizaron frecuentemente por el frenesí y la extravagancia.




Andy Warhol - Reel Basquiat (1984) Fotografía: Cortesía de Lonian Gallery II, LLC / Oriol Tarridas

“Los artistas literalmente sacan cosas de la basura y crean arte, así que parecía lo contrario de Wall Street”, dijo Gorvy. “Pero lo que les pasa a muchos de estos artistas es que el dinero llegaba muy rápido. Al final, había drogas y excesos”.

La exposición cuenta con la legendaria marchante de arte Mary Boone, figura clave en el mundo artístico de los años 80, como cocuradora, ofreciendo una experiencia inigualable en la mente de los artistas. Una pieza de Basquiat demuestra el papel íntimo de Boone: un saco de boxeo en el que ha escrito su nombre en mayúsculas bajo su icónica corona. "Ha sido increíble trabajar con Mary Boone, quien fue la reina del Soho", dijo Gorvy. "Ha sido una colaboradora increíble; en definitiva, su conexión con los artistas me permitió aprovechar eso y crear una exposición que es a la vez histórica y muy relevante".

Downtown/Uptown abre con una muestra de retratos serigrafiados de Warhol, incluyendo algunos de las figuras más destacadas de la exposición, Clemente, Robert Mapplethorpe y Basquiat, así como uno muy apropiado de símbolos de dólar. "Warhol es una figura muy importante en la exposición, porque es el eje central de toda esta actividad", dijo Gorvy. "Fue un mentor, y su Factory era un lugar donde uno podía reunirse como artista. Existe la idea de que estos jóvenes son básicamente presentados por Warhol como superestrellas. En esencia, él creó el aspecto de celebridad".

Más allá de los efectos generalizados del dinero y la fama, la epidemia del sida también impregnó el mundo artístico de los años 80. Este aspecto de Downtown/Uptown se destaca en 27764 de Ross Bleckner, que representa un recuento de las personas fallecidas por la enfermedad en el momento de su creación en 1987. Realizada en un blanco roto y turbio, compuesta por innumerables pinceladas, la obra es sombría y profundamente conmovedora; es un punto de partida para las miradas más profundas y tristes sobre el VIH que Bleckner realizaría a lo largo de los años 90. "Parece casi una legión de heridas en el lienzo", dijo Gorvy. "Y luego, justo en el centro, está este número, en una escritura gótica".



Fotografía: Cortesía de Lévy Gorvy Dayan


Además de ser devastado por el SIDA, el mundo del arte de los años 80 también fue devastado por la plaga del sexismo, un hecho que el colectivo artístico anónimo Guerrilla Girls logró declarar con una inventiva y un sarcasmo que llamó la atención. 
Downtown/Uptown le rinde el debido respeto al colectivo mostrando algunos de sus carteles más ingeniosos. Uno de estos carteles señala cómo el Guggenheim, el Met, el MoMA y el Whitney presentaron colectivamente a una sola artista femenina en una exposición individual en 1984. Otro recoge irónicamente las "ventajas de ser una mujer artista", que incluyen "no estar atrapada en un puesto de profesora titular" y "tener la oportunidad de elegir entre la carrera y la maternidad".
Gorvy reconoció que la representación de artistas femeninas en Downtown/Uptown es muy desigual, señalando que este hecho refleja tristemente la realidad del mundo artístico de los 80. "Lo sorprendente de esta exposición es la fuerte presencia masculina", dijo Gorvy. "Esa idea de que las artistas femeninas encontraran su propio espacio para crecer no existía en el mundo de la pintura de los 80. Las galerías de la época no necesariamente elegían artistas femeninas para promocionar. Creo que tenemos siete artistas femeninas en la exposición, lo cual, proporcionalmente, probablemente sea bastante acertado".



Cindy Sherman - Sin título #86 (1981) Fotografía: Cortesía de la artista y Hauser & Wirth.
 Cortesía de Fischl Gornik Family Foundation.


Según Gorvy, la faceta del arte de los 80 que más impregna el mundo artístico actual es el enfoque en la figuración, que resurgió tras una década de 1970 dominada por un minimalismo severo y frío. "La primacía de la figuración hoy en día es algo que nació en los 80", dijo Gorvy. "Fue en gran medida una reacción contra el minimalismo y la mentalidad fría de los artistas que no tenían nada que ver".




Bolsa de boxeo fue pintada por Jean-Michel Basquiat con el nombre de la marchante de arte
 Mary Boone, quien lo representó en la década de 1980. 



Downtown/Uptown también ofrece una oportunidad fascinante para ver cómo se han desarrollado las principales obras de los 80. Parecería casi imposible hacer una exposición de los 80 sin rendir homenaje a Piss Christ de Andrés Serrano, quien prácticamente por sí solo desencadenó las guerras culturales en torno a las artes que durarían hasta bien entrados los 90. Sin embargo, cuando Gorvy menciona a los artistas que realmente han perdurado, la figura que encabeza su lista es Basquiat.



Fotografía: Cortesía de Lévy Gorvy Dayan


“Con un artista como Basquiat, la autenticidad de su obra reside en traer la historia de la calle, del grafiti, a la galería”, dijo Gorvy. “Tiene una vitalidad que te conmueve. Hay una razón por la que Basquiat es uno de los artistas más destacados hoy en día a nivel comercial. Es, mucho más que cualquier otro artista de la exposición, el artista más caro que tenemos, y tiene relevancia tanto para los artistas jóvenes como para los coleccionistas”.

Gorvy compartió que, mientras trabajaba en Downtown/Updown, pensaba con frecuencia en su hija de 20 años, reflexionando sobre lo que alguien de su generación querría saber sobre el mundo del arte de los 80. "Pensaba en por qué los 80 deberían ser un mensaje para esta generación", dijo. Ve relevancia en la moda y la música de la Generación Z, una oportunidad que, con suerte, despertará la curiosidad. "Esperamos presentar a estos artistas a un nuevo público, mostrando un espectro completo de artistas para que los jóvenes puedan comprenderlo de una manera muy integral. En mi mente, esto se remonta a la idea de mi hija y a preguntarme: '¿Cómo se pasa el testigo de algo tan especial?'".







Downtown/Uptown: Nueva York en los años ochenta se exhibe en Lévy Gorvy Dayan en Nueva York hasta el 13 de diciembre.


































jueves, 25 de septiembre de 2025

WOODY ALLEN Y "¿ QUÉ PASA CON BAUM ? "

 


"¿Qué le pasa a Baum?" de Woody Allen: la primera novela del cineasta en su etapa final de vida.







Desentrañar el cómic… Woody Allen. 




Abundan los buenos chistes en esta historia de un escritor judío con gafas atrapado en una campaña de #MeToo, pero no esperes sorpresas.

¿Qué pasa con Baum?, del novelista debutante de 89 años Woody Allen, trata sobre… un novelista judío con gafas. Asher Baum, ansioso e hipocondríaco, con dos exesposas, una hermosa casa en Connecticut y un piso en Manhattan, se encuentra tomando cócteles en el bar Bemelmans con una atractiva joven. Sea cual sea la sorpresa que se pueda esperar de esta novela, la sorpresa de lo nuevo no es una de ellas.

Leer "¿Qué pasa con Baum?" es una experiencia inquietante, casi sobrenatural, como ser transportado a una zona secreta de Narnia en Nueva York donde está a punto de estrenarse una nueva obra de Neil Simon, o a una tienda de discos donde se puede escuchar un LP de Burt Bacharach en la cabina de escucha, o a un estudio de televisión donde se puede ver una grabación en directo del Show de Dick Cavett, con Robert Wagner, Rex Reed y Gore Vidal. Los gestos de Allen, sus temas, su humor —y hay algunos gags muy buenos— siguen siendo los mismos de siempre. De hecho, esta novela es más fluida, más plausible en sí misma, que cualquiera de sus películas recientes, aunque finalmente cae en una tontería superficial e irresuelta de una forma muy familiar.
Entonces: ¿utilizará Allen las posibilidades más confesionales de la novela para abordar algunas de las controversias que lo rodean, como la acusación de agresión sexual de su hija adoptiva Dylan Farrow en 1992? ¿Investigará las guerras culturales, que en su caso estallaron recientemente con una visita al festival de cine de Moscú ? La respuesta es no, aunque al principio parece que podría hacer todas estas cosas, como si, de hecho, fueran el núcleo de su historia.

Asher Baum concedió recientemente una entrevista para promocionar su último libro a una joven periodista japonesa-estadounidense llamada Cindy Tanaka (o, como Baum dice distraídamente: "Cindy Mindy Woo, la china, como se llame"). Después, posó sus manos sobre sus hombros y le dio un beso profundamente inapropiado y desacertado. Ahora, su agente le llama para advertirle que la entrevistadora está indignada, que el artículo será una refutación del #MeToo y que la carrera de Baum, moribunda en cualquier caso, está acabada.Esta novela es más fluida, más plausible en sus propios términos, que cualquiera de sus películas recientes.

El lector podría estar en ascuas por descubrir cómo la visión del mundo, irónica y sardónicamente encogida de hombros, de Baum se mantendrá en medio de esta inminente tormenta política y, por ende, cómo es ser Woody Allen. Pero la tormenta nunca llega. Cindy Tanaka nunca aparece en persona en la historia, que prácticamente termina antes de que se publique el artículo.

El objetivo es, más bien, mostrar el desenlace cómico general de Baum y el afloramiento de todas sus neurosis. Al igual que la compulsiva escritura de cartas de Herzog en la novela homónima de Saul Bellow, Baum comienza a hablar consigo mismo abiertamente, en un diálogo farfullante de autoconfrontación y autoexculpación. Entre los personajes se encuentran su hermano, un empresario más exitoso (de quien sospecha que tuvo una aventura con su tercera esposa) y un mentor intelectual que, para consternación de Baum, pretende abandonar la vida intelectual para tocar la pandereta en una banda de jazz de Nueva Orleans llamada White Chocolate Dandies.
Pero lo más importante es la esposa de Baum, Connie, y su insufrible hijo —e hijastro de Baum—, Thane. Aquí es donde la novela cobra vida. De niño, cuando Connie y Baum empezaban a salir, Thane era un niño pésimo. Ahora, mientras la carrera de Baum se tambalea, con malas críticas y ventas en picada, Thane se convierte de repente en una superestrella literaria con una novela de gran éxito titulada "El corazón biselado". Es un título que irrita muchísimo a Baum, consumido por la envidia, tras haberse convertido aparentemente en Salieri ante este joven y pésimo Mozart.

Hay muchas frases bonitas por el camino. Baum desprecia a los animales por ser "humanos fracasados". Dice que la señal sexual "da vueltas y vueltas sin cesar, como un radar" y que la culpa es ese "poderoso elemento envolvente, tan prevalente como el oxígeno y quizás igual de necesario". El pobre Baum solo tiene que seguir trabajando, como Sísifo: "¿A alguien le importa que esté empujando una piedra cuesta arriba? Y si alguna vez la llego, ¿qué demonios tengo? Una piedra en la colina". Baum, y su creador, siguen adelante.




¿Qué pasa con Baum? de Woody Allen es publicado por Swift y Alianza Editorial( 19,47). 










































martes, 23 de septiembre de 2025

REMBRANDT Y EL PERRO DE "LA RONDA NOCTURNA"

 


Un incidente curioso… el perro de La ronda de noche, una copia de Rembrandt.





La ronda de noche, obra maestra de Rembrandt de 1642, que muestra a los ciudadanos de Ámsterdam marchando para defender la ciudad. Fotografía: Rijksmuseum





El Rijksmuseum afirma que, al igual que Shakespeare, Rembrandt se inspiró ampliamente y sin vergüenza en fuentes anteriores.

Cuando la mayoría de la gente copia imágenes o ideas de otros, generalmente se considera plagio. Pero cuando Rembrandt lo hizo, fue una "emulación": una muestra de su arte, según expertos, al revelar una investigación que apunta a una imagen en una de las pinturas más famosas del maestro holandés que se cree que se inspiró en la obra de otro artista.

La ronda de noche, la obra maestra de Rembrandt de 1642 que muestra a los ciudadanos de Ámsterdam marchando para defender la ciudad, presenta un perro que ladra en la esquina derecha que está en gran parte copiado de un dibujo popular de un artista holandés menos conocido, según se ha afirmado.



Se afirma que el perro de La ronda de noche fue copiado de un dibujo de otro artista. Fotografía: Rijksmuseum



Un artículo académico de Anne Lenders, curadora del Rijksmuseum, señala las muchas similitudes entre el perro de la Ronda de Noche y una ilustración canina en la página de título de una guía del siglo XVII sobre cómo defenderse de la tentación sexual.
Taco Dibbits, director general del Rijksmuseum, dijo que, al igual que Shakespeare, Rembrandt se basó amplia y descaradamente en fuentes anteriores.

“Se puede ver que en los tratados italianos sobre pintura del siglo XVI, la intención era que, como artista principiante, copiaras mucho, lo hicieras tuyo, para poder mejorarlo y continuar la obra de otro artista”, dijo. “Rembrandt quería competir con los maestros italianos: Rafael, Tiziano y Miguel Ángel. Ahora bien, podría llamarse plagio o copia, pero en realidad no lo era en aquella época; se llamaba emulación”.

Lenders, curadora de arte del siglo XVII involucrada en la renovación pública de La ronda de noche, dijo que se dio cuenta de la fuente de Rembrandt cuando visitó una exposición en el Museo Zeeuws en Middelburg el año pasado.

“Estaba paseando por las habitaciones y de repente me fijé en un libro de Jacob Cats con un perro”, dijo. “(El artista, poeta y editor holandés) Adriaen van de Venne* había hecho este dibujo para la portada, y ahí es donde aparece el perro, pero en una imagen reflejada”.

Inmediatamente le recordó a La Guardia Nocturna, buscó la imagen en su teléfono y decidió estudiarla más a fondo. El dibujo en tiza de la Guardia Nocturna, revelado en recientes escaneos de alta tecnología, mostró aún más similitudes, añadió.
En el cuadro final, Rembrandt le dio a su perro una posición más activa y lo imaginó ladrando con la lengua afuera.

"Los perros que ladran no tienen la lengua fuera de la boca, pero ese es el caso aquí", dijo Dibbits, y agregó que también era poco probable que el animal hubiera estado tan cerca de un tambor de piel de animal: "Los perros a menudo le tienen mucho miedo a los tambores".
Sin embargo, fue un recurso para llevar la acción a un rincón del cuadro, dijo Lenders. "Es fascinante cómo (Rembrandt) lo colocó en un rincón en la sombra, para hacerlo más emocionante e insertar un momento de acción".

*Nacido en Delft en 1589, Van de Venne se convirtió en un pintor versátil del Siglo de Oro neerlandés y, aunque nunca alcanzó el reconocimiento de Rembrandt, fue popular. Su trabajo con Cats, poeta y pensador conocido por sus libros moralistas de emblemas, lo hizo especialmente conocido entre sus contemporáneos.