«Tenía una vocación divina»: el increíble y conmovedor arte de Minnie Evans.
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Minnie Evans, Sin título (Collage de cuatro figuras), 1961–1967.
Fotografía: Colección de John Jerit. © Herederos de Minnie EvansPhotograph: Collection of John Jerit. © The Estate of Minnie Evans
Poco más de 50 años después de que fuera una de las primeras artistas negras en tener una exposición individual en el Whitney, el museo reúne algunas de sus pinturas más destacadas para una nueva exposición.
Sorprendentemente, el término «arte marginal» se acuñó hace relativamente poco tiempo, en 1972, cuando el historiador de arte Roger Cardinal lo convirtió en el título del libro con el que introdujo la idea en el mundo angloparlante. Desde entonces, se han desatado debates sobre si realmente está justificado usar dicho término para describir el arte creado fuera de los límites del mundo artístico, y si alguno de los otros términos alternativos —entre ellos arte ingenuo, arte popular y arte crudo— es realmente mejor.
La nueva exposición del Museo Whitney de Arte Estadounidense, El mundo perdido: El arte de Minnie Evans, ofrece al público la oportunidad de reflexionar sobre si su protagonista pudo haber sido, o no, una figura ajena al mundo del arte, y también de deleitarse con la creciente integración de Evans en el mismo en las décadas transcurridas desde su muerte en 1987. Esta retrospectiva integral, con casi 100 piezas que abarcan la totalidad de la producción artística de Evans, se presenta casi exactamente 50 años después de que el Whitney diera a conocer el genio de la artista a la élite artística neoyorquina.
Nacida en 1892, Evans creó su primera obra de arte en 1935, pocos días después de la muerte de su abuela, cuando dibujó dos piezas claustrofóbicas a pluma y tinta que tituló acertadamente "Mi primera" y "Mi segunda". Realizadas en trozos de papel, son obsesivas y laberínticas, compuestas principalmente por formas irregulares y espirales aparentemente abstractas, que, al observarlas con detenimiento, revelan lo que parecen ser algunas formas reconocibles: un arcoíris y un sol, un campo de cruces que podría ser un cementerio y una embarcación parecida a una canoa con tres pasajeros.
Minnie Evans en la caseta de entrada de Airlie Gardens, sosteniendo uno de sus dibujos a crayón, 1970. Fotografía: Propiedad de Nina Howell Starr. Cortesía de la galería March.
Según la curadora del Whitney, Barbara Haskell, después de firmar y fechar diligentemente estas piezas, Evans no creó ni una sola obra durante los siguientes cinco años, hasta que un encuentro fortuito con estas obras le indicó que debía continuar. «Pintaba todo el tiempo de niña, pero luego, al casarse, dejó de hacer arte», dijo Haskell. «Y luego, en 1940, lo retomó».
A partir de ahí, Evans creó con un fervor inspirador, dedicando la mayor parte de su tiempo a la creación artística en momentos de tranquilidad mientras trabajaba como ama de llaves en la finca del financiero Pembroke Jones, y más tarde como portera en los jardines de Airlie, pertenecientes a la misma finca. Lo que la impulsaba era prácticamente una vocación religiosa.
“Sintió que vio a Dios hablándole desde detrás de una corona de flores, tres veces, como una conversión en tres etapas, y la tercera vez lo oyó decirle que pintara o muriera. Así que sintió que tenía este llamado divino al que estaba respondiendo”, dijo Haskell.
El arte de Evans es denso e inspirador: las formas se repiten en deslumbrantes composiciones, los seres están decorados con un nivel de detalle casi increíble, y los rostros, que recuerdan a mandalas, presentan infinitas curvas y hendiduras que se convierten en espacios para el uso preciso del color y el sombreado por parte de Evans. Abundan las imágenes bíblicas, así como las representaciones exuberantes, de vegetación y flores, con un aire casi tropical.
Las obras de Evans tienden a ser mezclas lúdicas y bidimensionales, ligadas a simetrías que irradian desde un eje central, aunque de vez en cuando una pieza más naturalista te dejará sin aliento, como el inquietante Templo junto al mar de 1955 o la imponente representación que Evans hizo en 1954 del famoso roble de Airlie.
Minnie Evans – Templo junto al mar, 1955. Fotografía: Mike Jensen/Fideicomiso de Minnie Evans.
“Son muy densas, y hay una especie de mezcla de éxtasis y contención que resulta fascinante”, dijo Haskell. “Al mirar las piezas, sientes que te adentras en un bosque de imágenes que te rodean”.
Mientras creaba, Evans organizaba exposiciones improvisadas de sus obras colgando las piezas terminadas en la entrada de Airlie Garden y, aunque reacia a exponer formalmente su trabajo, realizó su primera exposición en 1961 en la Little Gallery de Wilmington, Carolina del Norte. Con su creciente reputación, la fotógrafa e historiadora de arte Nina Howell Starr la buscó en 1962. Atraída por la fama de Evans, Starr quiso conocerla en persona; pronto se convirtió en su amiga y en su publicista de facto, una relación que duraría veinticinco años.
Starr ayudó a Evans a introducirse en el mundo artístico de Nueva York y organizó su primera exposición en la Gran Manzana en 1966, titulada El mundo perdido, lo que abrió el camino a una serie de muestras que culminaron en una importante exposición en el Whitney en 1975. El título de la muestra era muy acertado, ya que Evans se veía a sí misma representando precisamente eso: una visión de un reino glorioso y del pasado lejano.
Minnie Evans – Sin título (Del día a la noche con bestias y ángeles), 1966.
«Evans hablaba de cómo estaba creando esta visión de un mundo perdido, un paraíso destruido por el gran diluvio», dijo Haskell. «Recreaba imágenes de ese mundo y nos permitía acceder a él. Era también, en cierto sentido, un mundo que llegaría a existir».
Dado que Evans nació en el sur durante la era de las leyes de segregación racial y vivió la mayor parte de su vida antes de que los afroamericanos lograran algún avance en materia de derechos civiles, resulta tentador interpretar su obra desde la perspectiva de la opresión racial, algo que, según Haskell, muchos intérpretes han hecho. Sin embargo, Haskell defiende una interpretación que, en cambio, se fundamenta no en la raza, sino en la religión.
“En su obra abundan las imágenes de ojos entre la vegetación, y muchos críticos interpretan esos ojos como referencias a la vigilancia a la que debió estar sometida como mujer negra en el sur”, dijo Haskell. “Pero yo los veo más como los ojos de Dios; sin duda, la Biblia la inspiró profundamente, y la tenía presente cuando tomaba las notas en la entrada. Lo asombroso de su obra es que permite que ambas interpretaciones sean válidas”.
Minnie Evans – Sin título (Rostro con corona y ángeles), 1968. Fotografía: Christopher Burke
Según Haskell, en los años transcurridos desde la muerte de Evans, su figura se ha vuelto cada vez más querida por el mundo del arte; tan solo el año pasado se presentaron importantes exposiciones suyas en el High Museum de Atlanta y en el Museo de Bellas Artes de Boston. «Su reconocimiento público no ha dejado de crecer», afirmó Haskell. «Su reputación se ha disparado».
Sin título (Cabeza de toro con puesta de sol y ojos) , ca. 1960
Arte moderno , 1963
La exhaustiva retrospectiva del Whitney ofrece a los visitantes una oportunidad única para adentrarse por completo en el mundo de Evans, un lugar repleto de emociones intensas, una luminosidad grandiosa y breves momentos de tranquilidad. Es un importante recordatorio de la fuerza visionaria que encierra el arte. Como afirma Haskell: «Es una artista extraordinaria que creó un universo entero de armonía y trascendencia, incluso en medio de la inquietud y el desasosiego. Espero que la gente encuentre consuelo en esta exposición y que la luz que emana de su maravilla se aferre a ella».
La exposición "El mundo perdido: El arte de Minnie Evans" se puede visitar en el Museo Whitney de Arte Estadounidense del 22 de agosto al 10 de enero de 2027.
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