IN MEMORIAN

Quino

(1932-2020)

 

BOTTICELLI EN SUBASTA

Botticelli de 80 millones de dólares en subasta*

Joven sosteniendo un Roundel de Botticelli.

Sotheby's dice que la estimación de pintura de 550 años es la más grande que jamás haya establecido para un viejo maestro

 

Un retrato de Sandro Botticelli de un joven rico y apuesto, descrito como una de las mejores pinturas renacentistas que quedan en manos privadas, aparecerá en una subasta con una estimación de más de $ 80 millones de dólares.  Sotheby's dijo que era la estimación más grande para una pintura de un antiguo maestro que jamás había realizado, un reflejo de su importancia y rareza.

"Nuestro 'Joven' tiene 550 años, pero parece que podría haber entrado en nuestras galerías esta mañana", dijo George Wachter, copresidente de pinturas de antiguos maestros de Sotheby's. "Es una verdadera belleza para todos los tiempos".

La casa de subastas cree que es uno de los retratos más importantes jamás vendidos, con pinturas como el Retrato de Adele Bloch-Bauer II de Klimt, que se vendió por 87,9 millones de dólares en 2006 y el Retrato del doctor Gachet de Van Gogh, que se vendió por 82,5 millones de dólares. en 1990, luego un récord mundial .La mayoría de las obras de Botticelli se encuentran en los mejores museos del mundo y solo una docena son retratos. Sotheby's dijo que su retrato, que se venderá en Nueva York en enero, era tan importante como el Retrato de un hombre con una medalla de Cosimo il Vecchio de 'Medici en la galería Uffizi en Florencia y el Retrato de Giuliano de'Medici en la Galería Nacional. of Art en Washington DC.

El retrato, Young Man Holding a Roundel, está registrado en la colección de Lord Newborough en Caernarfon, Gales, en la década de 1930. Se cree que fue comprado por su antepasado Sir Thomas Wynn, el primer Lord Newborough, mientras vivía en Toscana.  Aparentemente colgaba en una antesala desconocida para el mundo exterior , sin reconocer su importancia. Fue comprado por un comerciante que lo vendió a un coleccionista privado cuyos herederos lo vendieron en una subasta al propietario actual en 1982 por £ 810,000.  Durante los últimos 50 años ha tenido períodos de préstamo extendido a la National Gallery de Londres, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, la National Gallery of Art de Washington y el Städel Museum de Frankfurt.

Los expertos dijeron que el rostro del joven encarna los ideales de la belleza renacentista, mientras que su cabello largo ondulado con raya al centro habría estado a la altura de la moda. Su túnica parece modesta, pero su color malva oscuro habría sido costoso de lograr y sugiere que era rico y de clase alta.

El número de pinturas de Botticelli en el mundo habría sido mayor si el artista no hubiera caído bajo el hechizo del fanático religioso Girolamo Savonarola. El artista quemó varios de sus cuadros en la “hoguera de las vanidades” en 1497 pero no, afortunadamente, el Nacimiento de Venus y Primavera, dos de los cuadros más famosos y populares del mundo.

No se sabe exactamente quién es el joven, aunque el medallón  que sostiene con la representación de un santo probablemente contenga pistas aún no codificadas.  El roundel o medallón  es particularmente interesante e inusual, ya que es una obra original del siglo XIV atribuida al pintor sienesa Bartolomeo Bulgarini, que fue cuidadosamente insertada en el panel en el que Botticelli pintó su retrato.

Una sugerencia ha sido que Botticelli estaba contrastando deliberadamente la hermosa vitalidad del joven con la canidad del santo anciano. A lo largo de los años se ha sugerido que el joven podría ser Giovanni de'Medici, hermano de Lorenzo, uno de los mecenas más importantes de Botticelli.  Sotheby's dijo que el retrato encarnaba el Renacimiento florentino, pero también era "atemporalmente moderno" con sus colores llamativos y simplicidad.

"Esta es una pintura que trasciende los límites normales del género de los viejos maestros", dijo Wachter. Fue "uno de los retratos renacentistas clásicos mejor conservados y más exquisitos que cualquiera podría desear tener" Christopher Apostle, jefe del departamento de antiguos maestros de la casa de subastas en Nueva York, dijo que ningún otro pintor evocó la edad de oro del Renacimiento florentino con más fuerza que Botticelli.“Sus ninfas, diosas, Madonnas y santos pueblan nuestra imaginación como representantes del renacimiento de la ciencia, el arte y la literatura en una ciudad que sentó las bases del mundo moderno."

“Es en sus retratos, sin embargo, donde Botticelli abre con más claridad una ventana al mundo de la Florencia renacentista, nunca más que en El joven sosteniendo una medalla, una pintura que encapsula las virtudes intelectuales, cortesanas y humanistas que definen al Renacimiento."

*Actualización:El extraordinario retrato pintado por Sandro Botticelli fue vendido este jueves, 28 de enero de2021,  por 92,1 millones de dólares en una subasta celebrada en la sede neoyorquina de Sotheby's, por encima del valor de 80 millones que le habían otorgado los expertos de la compañía.

"Young Man Holding a Roundel" (Hombre joven sujetando un medallón), de unos 540 años de antigüedad, es sólo uno de tres retratos pintados por Botticelli que permanecen en manos privadas, y pese a sus más de 5 siglos de vida, se encuentra en muy buenas condiciones.

 

LA EVOLUCIÓN DE LAS CIUDADES SEGÚN NORMAN FOSTER

La pandemia acelerará la evolución de nuestras ciudades

Norman Foster

La ilustración de Norman Foster sobre el futuro de las ciudades, que se exhibirá en la 

Royal Academy of Arts en octubre

Es probable que los centros de las ciudades vean menos autos en el futuro, pero eso habría sucedido eventualmente sin Covid-19

Predecir el futuro de las ciudades es arriesgado, especialmente si se presta atención a las palabras de la leyenda del béisbol estadounidense, Yogi Berra, de que “el futuro no es lo que solía ser”.

En el período transcurrido desde el inicio de la pandemia, puede parecer que todo es diferente, pero a largo plazo, sugeriría que, en lugar de cambiar nada, simplemente ha acelerado y magnificado las tendencias que ya eran evidentes antes de que atacara el virus.

La historia de la civilización es la historia de las ciudades y los espacios cívicos: las palabras están entrelazadas. Las ciudades son el futuro, estadísticamente más hoy que nunca. En 1920, Nueva York y Londres eran las ciudades más grandes del mundo. Hoy ni siquiera están entre las 10 primeras, superadas por una superliga de megaciudades, principalmente en Asia continental. Las ciudades están en un estado de evolución constante, cambiadas para siempre por la tecnología de su tiempo.

El Gran Incendio de Londres en 1666 dio lugar a los códigos de construcción que crearon la ciudad georgiana de construcción de ladrillos ignífugos. La epidemia de cólera a mediados del siglo XIX impidió que el Támesis fuera una alcantarilla abierta, lo que dio lugar a un sistema de saneamiento moderno y al terraplén del Támesis. A finales de ese siglo, la movilidad era tirada por caballos y la ciudad estaba sumida en capas de estiércol de caballo, lo que generaba hedor y enfermedades. El automóvil fue el salvador y limpió las carreteras, antes de convertirse más tarde en el villano urbano. Entonces la tuberculosis fue un asesino y alentó el movimiento de parques verdes, así como las raíces de la arquitectura moderna, con su énfasis en la luz solar y el espacio al aire libre. El gran smog de Londres en 1952 y su número de muertos provocó la Ley de Aire Limpio en 1956, y el cambio del carbón al gas.  Pero cada una de esas consecuencias (edificios a prueba de fuego, sistemas de alcantarillado, parques verdes, el automóvil) habría sucedido de todos modos. Las crisis del día aceleraron y magnificaron su llegada.

La historia también nos dice que el futuro no es un distanciamiento de dos metros. La última gran pandemia de 1918-20 creó centros urbanos desiertos, máscaras faciales, encierros y cuarentenas. Pero también anunció la revolución social y cultural de la década de 1920 con espacios de reunión de nueva construcción: grandes almacenes, cines y estadios.

¿Cuáles podrían ser los sellos equivalentes de nuestra era venidera, después del Covid-19? Ya hemos sido testigos de aumentos dramáticos en la movilidad de personas, bienes e información al mismo tiempo que enfrentamos las realidades del cambio climático y la carbonización. Ahora estamos viendo tendencias que se alejan de los combustibles fósiles a una propulsión eléctrica más limpia, vehículos que pueden cargar por inducción, no tener conductor y ser “pelotón”, nariz a cola; un cambio en contra de la propiedad de automóviles por parte de los jóvenes con apetito por el uso compartido de vehículos y servicios a pedido como Uber; el auge de los scooters y las bicicletas eléctricas y la perspectiva de la tecnología de drones para el transporte de personas y mercancías. A estas tendencias en movilidad, agregue nuevos patrones de trabajo. El lugar de trabajo tradicional sobrevivirá y será aún más apreciado por sus oportunidades sociales y creativas. Pero se usará de manera mucho más flexible y equilibrada con el tiempo que se pase operando fuera de casa o en un tercer lugar: un alpino o un Starbucks digital en la calle principal.

El efecto acumulativo de algunas de estas tendencias cambiará la infraestructura de nuestras ciudades a medida que se necesite cada vez menos espacio para los vehículos. Ya podemos ver los efectos en el centro de Londres, con propuestas de ensanchamiento de aceras y conversión de carriles de tráfico en carriles para bicicletas; en otros lugares, calles enteras se han dedicado a las terrazas para cenar. La calefacción y la refrigeración radiantes ampliarán el uso estacional de los espacios al aire libre.

La peatonalización no es nueva en el centro de Londres; tengo recuerdos de las cruzadas para la eliminación de automóviles del Horse Guards Parade y el lado norte de Trafalgar Square, transformaciones que ahora se olvidan hace mucho tiempo. Lo nuevo es la tasa de cambio, especialmente en términos de actitudes mentales hacia el embellecimiento de la ciudad.

RegentsStreet

Los centros urbanos tendrán el potencial de ser más tranquilos, limpios, seguros, saludables, amigables, transitables a pie y en bicicleta y, de manera vital, si se aprovecha la oportunidad, serán más ecológicos.

Durante la última década, los proyectos en tres continentes han mostrado el camino a seguir. En los EE. UU., " Big Dig " de Boston creó un sitio central de parques y bulevares de 12 hectáreas  al enterrar una carretera elevada en túneles. En Europa, el proyecto Madrid Río “desapareció” de forma similar, creando un enorme parque urbano nuevo de 10 km de largo. En Asia, Seúl ha creado un espacio de recreación pública de 40 hectáreas en el centro de la ciudad, en el sitio de un arroyo que fue cubierto con carreteras durante el rápido desarrollo de la posguerra. Más recientemente, París anunció planes para 650 km de ciclovías "posteriores al cierre".

Los vecindarios han visto un resurgimiento en atractivo con la etiqueta de "la ciudad de 15 minutos ". El ideal de poder vivir, trabajar, dormir, comprar, cenar, educarse, entretenerse y entretenerse, con todos los lugares para la mayor cantidad de actividades posibles a poca distancia entre sí. El atractivo de vivir en el vecindario no es nuevo, pero la pandemia le ha dado un impulso oportuno y bienvenido. Ahora es oportuno construir sobre eso mediante una combinación de intervenciones de diseño y la política de zonificación.

Estas densas comunidades no han visto tasas de infección más altas, más bien el problema son los hogares densamente hacinados, ya sea dentro de las ciudades o suburbios, un problema antes de la pandemia. El alojamiento asequible sigue siendo un desafío y es inseparable de la difícil situación de las personas sin hogar.

Los problemas de la agricultura también podrían ayudar a transformar nuestras ciudades en enclaves aún más verdes. La agricultura urbana de hortalizas, mediante el uso de hidroponía, podría producir alimentos frescos, más baratos y más sabrosos, con mayores rendimientos y una fracción del uso de agua preciosa, todo entregado en la puerta de la ciudad, una nueva versión del mercado de agricultores. Un aparcamiento de varios pisos obsoleto es la granja urbana ideal. En la búsqueda de una ciudad autosostenible, se necesita un pensamiento holístico que atraviese las burocracias tradicionales (la conversión de residuos en energía es un buen ejemplo). En el camino hacia una mayor autonomía, debemos cuestionar la red eléctrica tradicional, que, por ejemplo, vio a 2,5 millones de californianos sin electricidad el verano pasado.

En el panorama más amplio, la globalización ha sacado de la pobreza a grandes segmentos de la humanidad, pero no deja de tener las terribles consecuencias de los cinturones de óxido localizados. ¿Los desafíos económicos de una pandemia conducirán a menos y más, en el arte de la supervivencia? La esperanza es un mejor equilibrio: acción global compartida sobre los grandes problemas ambientales y de salud, y acción local en la construcción, crecimiento y potencia de nuestras sociedades conectadas.

 

POEMA

 

 Manifiesto

Amelia Biagioni 

Yo me resisto,

en la calle de los ahorcados,

a acatar la orden

de ser tibia y cautelosa,

de asirme a la seguridad,

de acomodarme en la costumbre,

de usar reloj y placidez,

aventura a cuerda,

palabra pálida y mortal

y ojos con límites.

Yo me resisto,

entre las muelas del fracaso,

a cumplir la ley de cansarme,

de resignarme,

de sentarme en lo fofo del mundo

mortecina de una espada lánguida,

esperando el marasmo.

Yo me resisto,

acosada por silbatos atroces,

a la fatalidad

de encerrarme y perder la llave

o de arrojarme al pozo.

Con toda la médula

levanto, llevo, soy el miedo enorme,

y avanzo,

sin causa,

cantando entre ausentes.

LUCAS CRANACH, HOY

Cranach:  una gran seducción

Laura Cummings

Venus y Cupido, c1525 por Lucas Cranach el Viejo.

Venus, diosa del amor, no lleva nada más que una sonrisa de ojos de lince y una reluciente gargantilla de perlas. Tiene los senos altos, las caderas delgadas y las torsiones improbables de una muñeca, blanca como la leche contra un fondo de terciopelo negro. Balanceándose sobre un pequeño zócalo debajo, Cupido apunta su dardo directamente hacia su pudenda desnuda, en caso de que no hayas notado lo que supuestamente intenta ocultar, con un velo de tal transparencia que apenas es visible a simple vista. Sus mechones rubios crujen con sugerente emoción.

La Venus de Lucas Cranach el Viejo era tan popular, tan atractiva, aparentemente tan seductora (cómo cambian los gustos) que él y sus asistentes pintaron, como mínimo, 20 versiones más. En todos ellos, ella es una silueta flagrantemente sinuosa, una provocación absoluta para los espectadores del siglo XVI y más allá. En el siglo XIX, el Príncipe Alberto estaba comprando desnudos de Cranach para la Reina Victoria; en el siglo XXI eran familiares para millones de espectadores de la secuencia del título de Desperate Housewives, donde Cranach's Eve se acerca para arrancar una manzana, luego otra, y así hasta que Adam sea enterrado en una avalancha.

Eve, Venus, Diana: se prestan tan perfectamente a la animación, estos recortes agudos, que ya son inventos tan brillantes del diseño gráfico.

Venus ( Detalle)

Venus y el amor

La excelente exhibición de Compton Verney, abierta solo durante unos días antes de que el virus atacara y ahora se extiende hasta el próximo año, vuelve a enfocar la modernidad de Cranach. Esto se logra en parte por la yuxtaposición reveladora de sus pinturas con obras de artistas contemporáneos como Michael Landy, John Currin e Ishbel Myerscough, todos ellos influenciados por el artista renacentista alemán. Pero no es difícil hacer una figura moderna del propio Cranach.

Nacido en Kronach en 1472, de ahí el apellido, Cranach era versátil, prolífico, perpetuamente emprendedor. Tres veces alcalde de Wittenberg, y su ciudadano más rico, fue promotor inmobiliario y fundador de la primera farmacia con licencia de Alemania, así como pintor de la corte de Federico el Sabio. El mejor hombre de Martin Luthero, ilustró las traducciones de su Biblia.

 Díptico de Johann the Steadfast de 1509

Cranach pintó a Federico de Sajonia muchas veces, sus pesadas mandíbulas se volvieron plateadas con la edad, una sabiduría cansada en sus ojos. Y luego retrató a los sucesores de Federico como elector de Sajonia. Una de las mejores imágenes aquí es un díptico de Johann the Steadfast de 1509, un hombre tenso y deprimido y ya viudo. La figura en el panel contiguo no es la esposa de Johann sino su hijo, un niño de seis años que eventualmente lo sucederá como elector. El niño está incómodo con su traje verde de seda cortada y no está muy seguro de qué hacer con sus manos. Un díptico de padre e hijo, tan conmovedor, es raro en el arte occidental.

Sin embargo, los retratos de Cranach son a menudo excepcionalmente extraños, un extraño híbrido de verdadero e irreal. Puedes ver el tenue orzuelo en un ojo, muy agudo, o el lunar en la mejilla, afilado como un Holbein, mientras te maravillas de la dramática orquestación de formas pálidas contra la oscuridad total. Colgado frente a Johann hay un retrato de una mujer que puede ser su esposa, Sibylle of Cleves , con otro de sus hijos. Su rostro es luminoso como un disco lunar, debajo de un sombrero con forma de ave rapaz extravagante en la oscuridad total. En el elaborado diseño de la ropa roja y dorada, es casi posible pasar por alto el hecho secreto de las manos entrelazadas de la madre y el hijo.

 Saints Genevieve and Apollonia, 1506 de Lucas Cranach the Elder, izquierda,
 y Saint Apollonia de Michael Landy, 2013.

Es una fusión tan curiosa: humana pero también extraña. Cranach juega con la forma del cuerpo como un Photoshopper practicado, disminuyendo un torso para adaptarse al espacio, alargando las extremidades o las manos. Este efecto es ampliado por el artista británico Michael Landy, en una imponente escultura cinética de 2013. Santa Apolonia se eleva por encima de ti, poderosamente realista y sin embargo teatralmente artificial como la pintura de Cranach en la que se basa. Aprieta el pedal, y ella levanta un par de alicates en su cabeza mucho más pequeña, cortando el yeso pintado. El martirio de Apolonia era que le sacaran los dientes.

Estas exageraciones estilísticas son más evidentes en los desnudos de Cranach, donde los contornos sinuosos mantienen las figuras tan apretadas contra el telón de fondo plano que casi podrían ser cortadas del papel. Los retratos de Ishbel Myerscough en la década de 1990 toman estas siluetas incisivas y las llenan con las verdades carnales de los cuerpos reales de las mujeres; Las anatomías de Cranach son lo que ella llama acertadamente "desinformadas".

Pablo Picasso, ladrón como de costumbre, se acerca a la forma en que Cranach concentra todas las características en el epicentro de la cara femenina, con un pastiche cubista enloquecedor.

 Cupido de Cranach quejándose de Venus el Viejo, 1526-7, y Venus y Cupido de Claire Partington, 2020. Fotografía: Galería Nacional, Londres; Claire Partingto

La escultora Claire Partington arroja una Venus de Cranach en esmalte y brillo centelleantes, para que la diosa se convierta en un objeto lujoso: una definición de la pintura original, que cuelga al costado, en la que Venus es seductoramente serpentina y se alza contra el follaje oscuro como su contraparte Eva con un chiste cómico en el gordito Cupido a sus pies. Estaba tratando de conseguir un poco de miel, pero fue picado por abejas tan afiladas como su amor.
Una inscripción en la parte superior de la pintura - "el breve y fugaz placer que buscamos / se mezcla con la tristeza y nos trae dolor" - actúa como una especie de reprimenda para el espectador: puedes mirar todo esto cariño, pero podrás ser picado también. Es una especie de pintura pagana-puritana.

Cranach nunca perdió su posición como pintor de la corte, a través de cuatro generaciones de electores. Navegó de manera productiva hasta la edad de 81 años. Esta muestra omite las repeticiones de las últimas décadas, centrándose en algunas selectas de las primeras pinturas más radicales. Y quizás la elección más astuta del seguidor moderno para analizar su radicalismo es la estrella del arte estadounidense John Currin, cuya fusión de la pintura maestra antigua con la cultura popular convierte la inventiva de Cranach en un don.

 Desnudo de luna de miel de John Currin, 1998: "toma una Venus de Cranach y la convierte en kitsch".

Compton Verney ha tomado prestado el Desnudo de luna de miel de Currin (1998) de la Tate. Toma una Venus de Cranach y la convierte en kitsch, con ojos increíblemente grandes, cabello seco y la sonrisa más blanca que la odontología estadounidense puede proporcionar. El efecto es a la vez misterioso y magnético. También te hace preguntarte qué pensaron los propios contemporáneos de Cranach cuando observaron sus ideales de belleza. ¿Fueron considerados elegantes, elegantes, excitantes o tan extraños como la actualización de la cirugía plástica de Currin?

Lo que le interesaba a Currin era precisamente este aspecto conjunto, estos cuerpos inventados construidos para llenar el espacio de la imagen en lo que él llama "la forma más bella". Los comentarios de Currin sobre su propio arte difícilmente podrían ser más elocuentes con respecto a los logros de Cranach. Todas estas figuras son creaciones, fabricaciones, productos, nunca personas reales. "Lo único que es real", observa Currin, "es la pintura".

MELANIA Y SU ESTATUA

La estatua de Melania Trump

La estatua de bronce de Melania Trump se ha comparado tanto con un pitufo como con un espantapájaros. 

El artista estadounidense Brad Downey y su colaborador esloveno Rok Pahor erigieron recientemente una réplica de bronce de una escultura de madera erigida en el mismo sitio en julio del año pasado en el Sava en Rožno en el municipio de Krško, encarnando a la primera dama estadounidense, Melanie Trump, que creció en la cercana Sevnica. El original de madera fue quemado por extraños en julio de este año.

El artista estadounidense detrás de una controvertida estatua de la primera dama estadounidense Melania Trump, develada la semana pasada en bronce en su Eslovenia natal, ha defendido la obra como una representación de las contradicciones de la presidencia de su esposo.  Brad Downey, artista conceptual de Kentucky con sede en Berlín, dijo que la estatua que reemplazó una talla de madera anterior destruida en un incendio provocado en julio, fue motivada por sus "frustraciones con las políticas de mi país de nacimiento".

Brad Downey, el autor, y su estatua

Escultura de madera de tamaño natural de la primera dama de Estados Unidos, Melania Trump,  que resultó dañada, un año después de su inauguración en Eslovenia. 

Escultura de madera: detalle

“Por un lado tenemos personas enjauladas en la frontera de Estados Unidos con México, por el otro, en lo que para mí es una clara contradicción, tenemos a una primera dama que es la primera para quien el inglés no es su lengua materna , cuya ciudadanía estadounidense se aceleró con una visa reservada para inmigrantes con habilidades extraordinarias. Al mismo tiempo, su marido es xenófobo, antiislámico. "Sentí que podía aislar esta contradicción y hacer un retrato de ella".

La estatua, que se encuentra en el tronco de un álamo cerca de la ciudad natal de Trump, Sevnica, en el sureste de Eslovenia, es parte de un proyecto que Downey comenzó hace varios años. Ha culminado con el documental, Melania, que retrata respetuosamente al artesano Aleš “Maxi” Župevc, profesional sin formación académica en la escuela de arte, que hace esculturas de arte popular con motosierras en su tiempo libre. "Elegí a Maxi entre varios artistas locales, debido a los paralelismos entre su vida y la de Melania", dijo Downey. Nació el mismo mes y año y en el mismo hospital que ella. Como ella, su padre era mecánico.“Tomé la posición de que no iba a controlar la estética del proyecto. Mantendría una distancia conceptual y no impondría nada. Solo le di una foto para trabajar, del momento en que se convirtió en la primera dama ".

Downey compró el árbol y lo cortó en las proporciones adecuadas, así como también compró la parcela de tierra en la que se encuentra la estatua que le dio el derecho a erigirla. Pagó a Maxi por crear la obra, tallada en un álamo. Representa a Melania Trump saludando con un vestido de lana azul. La talla permaneció en el campo más o menos desapercibida durante un año, hasta que Downey organizó una presentación informal, después de la cual fue recogida por los medios de comunicación del mundo que la ridiculizaron en gran medida, haciendo comparaciones con todo, desde un pitufo hasta un espantapájaros.

"No lo planeé como un meme", insiste Downey, "aunque supongo que no me sorprendió mucho que fuera tan amigable con los memes". Los lugareños con los que estuvo en contacto apreciaron el monumento. "Vinieron a la inauguración y comimos pastel, el Melanja Tort local con crema y nueces, y bebimos vino. Mis padres y mi esposa volaron hasta aquí. La gente decía que les gustaba ”.

Pero recibió una oleada de correos de odio, "tanto de izquierda como de derecha", que, junto con las reacciones de los medios, dijo que integrará en su serie documental en curso "Melania". “Por un lado, la gente me criticaba y me preguntaba: '¿por qué has monumentalizado a esta mujer?', por otro lado, la gente me decía“ es mucho más guapa que eso ”.

Siguiendo la tradición del protocolo del monumento de propaganda, con un enfoque particular en los bustos y estatuas de la Guerra Fría que deificaron a los líderes comunistas, también en Eslovenia, Downey ya había hecho un molde de silicona de la estatua de madera el año pasado, con miras a hacer un bronce, versión de la misma.  “Después de que Lenin tomó el control de Rusia tras la Revolución de Octubre, ordenó la instalación de miles de Lenin de madera, desde Kirguistán hasta Ucrania”, explicó Downey. “Con el tiempo, se fueron convirtiendo poco a poco en bronces más permanentes. La tendencia luego se expandió a China ".

Cuando la talla de madera de Melania se quemó en un aparente ataque incendiario el 4 de julio de este año, algunos lugareños, dice Downey, "sospechan de la participación de la CIA", aunque la policía aún no ha encontrado a los perpetradores, rápidamente sacó los restos carbonizados y ampollados que luego se exhibió en una exposición de arte .

La réplica de bronce fue creada durante el encierro del Covid-19, que lo obligó a quedarse en Eslovenia, y fue mostrada por Maxi el miércoles, en presencia de una veintena de lugareños que trajeron vino casero.  Un portavoz del municipio de Sevnica, ciudad natal de Melania Trump, dejó en claro su desaprobación de la estatua y dijo al diario esloveno Dnevnic: “no corresponde a nuestros valores de cultivar sentimientos de respeto hacia nuestros semejantes”.

La actuación de Downey en Eslovenia ha coincidido perfectamente con el derrocamiento de estatuas junto con las recientes protestas de Black Lives Matter, de las que Estados Unidos se ha estado recuperando.  “Si bien estoy de acuerdo con las ideas de BLM, aunque no necesariamente derribando monumentos, pensé que en este caso esto es como un efecto secundario: un monumento a un monumento que es crítico con el monumentalismo, la percepción del poder y aquellos que lo apoyan. "

STREET ART...¿ ARTE ?

 

Cuándo se convierte el arte callejero en arte "arte"?

Jonathan Jones

 Cuerpos de trabajo ... una pieza de Stik en Londres

Ya sea que piense que el graffiti es una forma de arte subversiva y democrática o una molestia pública, se remonta a nuestros días de pintura rupestre.

Seguramente debes tener tus dudas. Está muy bien para todo el mundo elogiar el último mural de Banksy en una pocilga en Suffolk y tener la astucia de elogiar a Stik (que pega figuras debajo de los puentes en Londres). Parece ser una verdad universalmente reconocida que el arte callejero es subversivo, democrático y brillantemente creativo. Pero luego te encuentras detenido en un tren esperando para entrar en una estación, mirando el "arte" en la pared de un cobertizo de mercancías. Alguien tomó riesgos, legales y físicos, para pintar con aerosol esas letras gigantes y líneas rizadas, pero los resultados parecen tan inspiradores como un paquete crujiente desechado.

Tal vez sea simplemente el dinero lo que convierte algunas de estas cosas poco impresionantes en algo elevado llamado "arte callejero". Banksy no solo es famoso, sino también famoso por tener un precio elevado. Cuando hizo los arreglos para que una de sus piezas se destruyera a sí misma en una subasta de arte, mucha gente asumió que el truco tenía la intención de aumentar aún más su valor de mercado. Encontrar un Banksy estampado en tu casa es como ganar la lotería. Si el arte se define por el valor, y en la época de Damien Hirst, ¿ quién puede decir que no lo es?. Ese símbolo del lado de la cooperativa merece el respeto debido a una posible inversión de un millón de libras.

El “arte callejero” es una categoría de mercado novedosa, ideada pensando en Banksy y sus imitadores. Sin embargo, el impulso detrás de esto ha existido durante al menos 60.000 años. A los seres humanos les encanta dibujar en las paredes. En la edad de hielo, la gente presionó sus manos contra las paredes de la cueva y escupió pigmento ocre para crear un contorno rojo. Prácticamente la misma técnica se usa hoy en día cuando los artistas callejeros rocían pintura sobre una plantilla precortada para dejar una imagen rápida antes de que llegue la policía.

Puede parecer irreverente clasificar el arte de la edad de hielo como graffiti, pero antes de que se reconociera la verdadera antigüedad de dicho arte en el siglo XX, las personas que se encontraron con mamuts dibujados en cuevas en realidad los descartaron como un simple graffiti. Y no hay evidencia escrita que demuestre quién hizo las pinturas rupestres o por qué. Tanto niños como mujeres y hombres dejaron huellas de manos en las cuevas. Tal vez fueron los hoscos adolescentes de la edad de piedra los que se escondieron bajo tierra dibujando bisontes para reírse un poco.

Entonces, quizás el arte callejero no sea solo arte, sino el arte más puro que existe. La antigua autoridad romana Plinio el Viejo y el escritor renacentista Giorgio Vasari pensaron que el primer artista fue una mujer que trazó una sombra en una pared. El teórico del arte moderno Dubuffet llevó la creatividad a sus raíces cuando acuñó el término Art Brut, “arte en bruto”, para las marcas marginadas, incluido el graffiti. El arte en el siglo XXI es tecnocrático y sofisticado; contamos con video arte, arte conceptual, arte digital. Ninguno de estos géneros no manuales tiene mucho que ver con que un niño raye una imagen con un palo. Pero el arte callejero regresa místicamente al impulso primordial de dejar una marca en una superficie en blanco.

Así que dale un segundo vistazo a esos garabatos junto al ferrocarril. No es solo una invención del mercado del arte o de los medios de comunicación que el arte callejero sea algo especial. Es una conexión con nuestras raíces creativas más profundas: una conexión que puede romperse y ser intermitente, como una señal que lucha a través del ruido blanco de la vida moderna, pero una señal de la edad de hielo de todos modos. "Aquí estoy. Esta es mi marca. Soy humano."