martes, 31 de agosto de 2021

LOS NIÑOS Y LA NATURALEZA

 

Cuanto más sepan los niños del mundo natural, más querrán protegerlo.

Lucy Jones y Kenneth Greenway

 

 

 

 

 




 

 

"Debemos trabajar para brindar a todos los niños la oportunidad de pasar tiempo en entornos naturales restauradores y de encontrar asombro y asombro en el mundo viviente". 

Cuando se publicó el informe del Panel Intergubernamental de Expertos sobre el Cambio Climático de la ONU a principios de agosto, confirmó lo que ya se estaba haciendo cada vez más evidente con los fenómenos meteorológicos extremos de 2021: la quema de combustibles fósiles está "asfixiando nuestro planeta y poniendo en riesgo inmediato a miles de millones de personas".

Si bien los principales titulares del informe no fueron una novedad para muchos, especialmente los científicos del clima, que han hecho sonar la alarma durante décadas, y la industria de los combustibles fósiles, que ha gastado miles de millones en ocultar la verdad sobre el cambio climático, una cohorte fue mayoritariamente capaz para seguir con sus días ajenos a sus implicaciones: los niños pequeños.




David Sobel, el educador ambiental estadounidense, tiene una máxima: no hay tragedias ambientales antes del cuarto grado (en los Estados Unidos, cuando un niño tiene nueve o diez años). ¿Es esto realista hoy en un mundo que se calienta rápidamente? La forma en que los padres hablen con sus propios hijos sobre la crisis de la Tierra dependerá de los niños, de la edad y de la ubicación. Por supuesto, a medida que los niños vayan a la escuela y se vuelvan más conscientes, se harán preguntas y se deben reconocer y explorar todos los miedos y emociones, en lugar de esconderlos bajo la alfombra. Los padres y los adultos que pasan tiempo con los niños pueden modelar una vida liviana y fomentar comportamientos ecológicos responsables desde las edades más tempranas.




Pero, como defensores de la interacción con el resto de la naturaleza y como padres de niños pequeños, argumentaríamos que la única acción positiva que todos deberíamos poder tomar y lograr es brindar a todos los niños la oportunidad de pasar tiempo en entornos naturales restauradores. y encontrar asombro y asombro en el mundo viviente.

La evidencia científica ahora está demostrando lo que muchos siempre han sabido, que el contacto y la conexión con el mundo natural mejora la salud y el bienestar. Los niños que pasan más tiempo en la naturaleza tienen menos probabilidades de tener problemas de salud mental en el futuro. Estar en entornos naturales se asocia con resultados positivos, desde un juego más creativo y desarrollo social y cognitivo hasta una función inmunológica mejorada y una mejor salud psicológica. Nos recuperamos del estrés de forma más completa y rápida en un entorno natural que en un entorno construido.

Dado que la gran mayoría de las personas en el Reino Unido vive en áreas urbanas, donde las enfermedades relacionadas con el estrés van en aumento, la relación con los lugares de restauración será cada vez más crucial. Los niños nacidos hoy, que podrían estar experimentando un aumento de 3 ° C en la temperatura en su vida si continúa la trayectoria basada en las políticas actuales, necesitarán tantos entornos naturales restauradores y resilientes como sea posible para recuperarse del estrés de un mundo cada vez más peligroso.




La evidencia muestra que pasar tiempo en entornos naturales cuando era niño es el factor determinante clave en una relación continua con ellos, y tiene todos los beneficios asociados. También está relacionado con comportamientos pro ambientales posteriores. Solo podemos amar lo que sabemos y solo podemos proteger lo que amamos. Dar a los niños la oportunidad de conocer las estaciones, observar aves migratorias y aprender sobre los ritmos de más que mundos humanos es un antídoto para el " síndrome de la línea de base cambiante ". Si un niño no puede reconocer a un vencejo, ¿cómo sabrá si no regresa un año atrás?

También hay aspectos que son más difíciles de medir. Belleza, por ejemplo, deleite, fantasía, libertad. En el exterior, incluso en las zonas más urbanas, hay magia en las grietas de un pavimento y maravilla en un paseo por la manzana.

Un niño puede ser alimentado por un árbol en particular en un parque, o un diente de león en la esquina de una calle, o los caracoles en los bordes de las carreteras urbanas que se han dejado crecer silvestres. La empatía por otras especies también puede alimentarse en una especie de reciprocidad simbiótica. Fundamentalmente, darles a los niños la oportunidad de saber que son parte de una vasta y compleja matriz de vida y que solo respiramos y comemos debido a las plantas, los insectos, el sol y la lluvia, arraiga las mentes jóvenes a la tierra y fomenta una ética de cuidado con otros. seres.




Por supuesto, hay un problema. La mayoría de los niños viven al frente de la crisis de la naturaleza y sufren la silenciosa privación de los beneficios para la salud y el bienestar. Tres cuartas partes de los niños pasan menos tiempo libre al aire libre que los presos. Cuatro de cada cinco no tienen una conexión adecuada con el mundo natural, según la organización benéfica de vida silvestre RSPB. El plan de estudios nacional no permite que se pase suficiente tiempo fuera de la experiencia directa de nuestras ecologías más amplias, y las escuelas y los maestros no cuentan con el apoyo ni los recursos necesarios para brindar a los niños oportunidades suficientes para aprender y jugar en áreas más salvajes. Millones no viven a poca distancia de un espacio verde.

En muchas ciudades el 98% de las escuelas se encuentran en áreas que exceden los límites de la Organización Mundial de la Salud sobre contaminación tóxica del aire. En Tower Hamlets, los niños tienen hasta un 10% menos de capacidad pulmonar que el promedio nacional. Los coches dominan; los niños no pueden jugar con seguridad en las calles. Esta es una injusticia de salud pública. El tiempo que se pasa en la naturaleza no es un lujo ni una comodidad. La evidencia científica nos muestra ahora, claramente, que necesitamos entornos naturales para nuestra salud. Incluso se ha descubierto que el acceso a la naturaleza proporciona un amortiguador al estrés de la vida de los niños vulnerables.




Nadie sabe cómo terminará la crisis climática y si el informe del IPCC catalizará el cambio rápido y urgente que se necesita. Pero sí sabemos esto: los niños necesitan las experiencias vivificantes, que alivien el estrés, formen parentesco, que induzcan a asombro y que deslumbren las maravillas del mundo natural. Dejar que nuestros ciudadanos más jóvenes amen el mundo y conozcan el mundo, correr por la hierba alta hasta que su corazón lata como un tambor, trepar a un árbol y convertirse en pájaro o ardilla, remar en ríos en busca de pececillos, pasar tiempo en áreas libres de aire dañino y la contaminación acústica, sabiendo que son parte de la Tierra, es lo mínimo que podemos hacer por ellos hoy.


Lucy Jones y Kenneth Greenway son coautores de The Nature Seed: How to Raise Adventurous and Nurturing Kids, publicado el 26 de agosto

























lunes, 30 de agosto de 2021

POEMA



Baile

Amelia Biagioni



















Es el ahora circular,
giramos,
es la reunión sin tú ni yo,
creciendo.
En el centro infinito
de un jardín que se sueña
crecemos girando,
y una flor vertiginosa
abre su pulpa, su fulgor, su aliento,
su locura perfecta,
su baile,
entre las otras ardientes azucenas
cuyo número
ni el mito ni la música
han podido nombrar.
Somos un nuevo sol
con su corola de vaivenes,
con sus planetas delirantes,
ebrios de ciclos y noches de amor,
en esta temporada de universo.






































viernes, 27 de agosto de 2021

CHICOS LINDOS

 La historia secreta de la belleza masculina

Priya Elan

 

 

 

Glam rocks… David Bowie en 1973. Fotografía: R Bamber / Rex / Shutterstock








El experto en moda y belleza David Yi ha escrito un libro que revela cómo el prejuicio ha mantenido ocultas las rutinas de belleza de los hombres.

La historia del ritual de belleza masculino ha sido en gran parte indocumentada y olvidada debido a una combinación de prejuicio de género y misoginia, según un nuevo libro de David Yi, escritor y fundador del sitio web de cuidado de la piel con inclusión de género Very Good Light. “Durante siglos, es como si hablar de las predilecciones cosméticas de un rey o de la estética de un gobernante famoso significara que eran femeninos, lo que significaba que eran menos poderosos”.

El autor de Pretty Boys: Legendary Icons Who Redefined Beauty concluye que la historia omite los rituales de preparación de líderes y gobernantes en un intento de poner un filtro moderno y heteronormativo en el pasado. Yi dice: "Muchos historiadores temen que los hombres que han estudiado y reverenciado sean despojados de su dignidad, o incluso considerados menos poderosos, si se descubre que usaban maquillaje o tenían pasión por ser bonitos".

Además de escribir sobre pioneros de la belleza masculina moderna como el actor Billy Porter, las estrellas del K-pop BTS y el maquillador Patrick Starrr, Yi descubre la impactante historia secreta de las prácticas de belleza que explota el mito de que el maquillaje de los hombres se convirtió en un fenómeno después de que David Bowie marcó el comienzo con glamour con Ziggy Stardust

De hecho, comenzó en la prehistoria. Una excavación arqueológica de 2010 realizada por el profesor João Zilhão de la Universidad de Bristol descubrió un hallazgo inesperado. “Los neandertales de todos los ámbitos de la vida molieron pirita (piedra preciosa) y rocas brillantes como un medio para resaltar sus características. También usaban base ”, dice Yi. Añade que muestra que eran más que "seres gruñidos, de bajo coeficiente intelectual y de cejas bajas".


El bloguero de belleza Patrick Starrr. Fotografía: AFF-USA / Rex / Shutterstock


Pretty Boys también revela que nuestros primos escandinavos tenían sus propios kits de belleza, con pinzas, corta uñas, palillos de orejas y palillos de dientes. “Los vikingos eran verdaderos chicos bellos obsesionados con su belleza”“Tenían cepillos separados para el cabello y la barba, hechos de hueso, asta, madera y marfil. Se humedecían la barba con champú (elaborado con) aceites especiales, de ceniza de haya y grasa de cabra ”.

Vikingos

En la década de 1770, los hombres elegantes apodados los macarrones, que adoptaron un estilo italiano, vistiendo ropa y cosméticos extravagantes, escandalizaron a la sociedad. "Asombraron a Gran Bretaña con su ropa más ajustada, pelucas más grandes y rostros pálidos y empolvados". Hubo revistas, obras de teatro y arte dedicados a los macarrones. “Durante aproximadamente un siglo le dieron la vuelta a la masculinidad y sus nociones. Aunque se les dijo que eran seres subhumanos y sin género, los Macarrones realmente eran extraordinarios por la forma en que no prestaron atención a quienes los odiaban "


El siglo XIX trajo un auge en los productos cosméticos para hombres que tomaron el liderazgo del rey francés Luis XIV, quien normalizó el uso de coloretes, pelucas y polvos para los hombres. Durante este tiempo, dice Yi, "la relación de los hombres con la belleza fue positiva y saludable".

Billy Porter llega a la 62 edición anual de los Grammy en Los Ángeles. 


No pasó mucho tiempo antes de que hubo un cambio de actitud. “Sabemos que los binarios de género se crearon en este punto”, dice Yi, “(más tarde, en 1930, el psicólogo, psicoanalista y autor británico, John C Flügel) llamó a este momento crucial La Gran Renuncia Masculina; la identidad se definió y separó por el binario de género. Fue una época en la que los hombres 'abandonaron su pretensión de ser considerados hermosos' y 'de ahora en adelante solo pretendían ser útiles' ”. Yi dice: "La belleza ahora se veía como algo frívolo".

Esto, dice, "marcó el comienzo de la era más aburrida de la historia", el período victoriano que "le quitó toda la diversión a la expresión, toda la ropa lúgubre y el comportamiento austero". También fue una época en la que la Ley de reforma del derecho penal de 1885 significaba que "los hombres eran condenados a trabajos forzados y azotes por ser encontrados con cosméticos en el cuerpo".

En los Estados Unidos, las cosas fueron igualmente sombrías. “En 1840, los miembros del Congreso cuestionaron la masculinidad del presidente Martin Van Buren al criticar los cosméticos que se encuentran en su escritorio”, dice Yi. "El noveno presidente de Estados Unidos, William Henry Harrison, se postuló para el cargo bajo una bandera de hipermasculinidad, diciendo que era un hombre varonil, un golpe directo a Van Buren".

Pretty Boys continúa trazando el ascenso de los pioneros de la belleza masculina de los siglos XX y XXI, desde los glam rockeros hasta la cultura drag y más allá. Para Yi, hay una línea directa desde ellos hasta los primeros pioneros. “Lo que he estudiado de cada uno de estos chicos guapos históricos es que todos tienen tanta confianza en sí mismos que pueden luego continuar impulsando la cultura”. “Cada uno, en sus respectivas formas, pudo hacerlo porque eran seres completos, enteros”.

 

























jueves, 26 de agosto de 2021

LUCIEN FREUD Y LA REINA

 


Retrato de la reina 'que parece un corgi' en la exposición de Lucian Freud

 Mark Brown  

 


 

 

Retrato de la reina de Lucian Freud. "Probablemente el mejor retrato real de cualquier miembro de la realeza
 en al menos 150 años",

 

 

 

La National Gallery marcará el centenario del nacimiento de Freud reuniendo sus obras más importantes.

Fue aclamado  como el mejor retrato real durante 150 años. Otros pensaron que hacía que la Reina pareciera un delantero de rugby o uno de sus corgis.

Más de dos décadas desde que se reveló en una tormenta de elogios y burlas, el retrato de Lucian Freud de la reina Isabel II hará que la gente hable una vez más cuando aparezca en una exposición de la Galería Nacional el próximo año.

Lucian Freud  pintor de modelos y altezas

El jueves, la galería reveló detalles de lo que dijo sería una muestra histórica para conmemorar el centenario del nacimiento de Freud.

El retrato, que la reina está prestando de la colección real, será uno de los más de 60 préstamos de museos y colecciones privadas de todo el mundo para una exposición que examinará cómo cambió la práctica de Freud con el tiempo.

La muestra reunirá sus obras más importantes de una carrera que abarcó siete décadas. La National Gallery dijo que el objetivo era "presentar nuevas perspectivas sobre el arte de Freud, centrándose en su compromiso incansable y siempre investigador con el medio de la pintura".

Freud entregó su retrato a la Reina en persona. Según el segundo y último volumen de la biografía del pintor William Feaver, publicada el año pasado, la Reina no dijo lo que pensaba de ella pero parecía muy complacida. Ella le dijo a Freud: “Muy amable de tu parte por hacer esto. Disfruté mucho viéndote mezclar tus colores ".

La reacción de la prensa no fue tan reservada. Un crítico pensó que parecía un delantero de utilería con la sombra de las seis en punto en la barbilla.

El titular de la portada del Sun era: "Es una farsa, Su Majestad". Buscó la reacción de Robin Simon, el editor del British Art Journal, quien dijo: “La hace parecer uno de sus corgis que ha sufrido un derrame cerebral. Es un gran error para Lucian Freud. Ha ido demasiado lejos con un retrato ".

Hubo una reacción similar en otras secciones de la prensa, pero no en todas partes. Adrian Searle de The Guardian lo comparó con una máscara de broma de Richard Nixon, o quizás "la mitad del 'antes' de un testimonio de antes y después de las tabletas para el estreñimiento", pero también le encantó.

"Este es el único retrato pintado de la reina, o de cualquier otro miembro de la familia real actual, de cualquier mérito artístico o incluso humano", escribió. "Es probablemente el mejor retrato real de cualquier miembro de la realeza en cualquier lugar durante al menos 150 años".

El retrato puede haber sido objeto de burlas, pero los curadores siempre lo han tenido en alta estima. Junto con las obras de Andy Warhol y Annie Leibovitz , fue un punto culminante de una muestra de retratos de la Reina en el Castillo de Windsor en 2012 por el jubileo de diamantes .

Daniel F Herrmann, curador de la próxima muestra de la Galería Nacional, dijo que la pintura era importante, y que Freud se posicionó en la tradición de los artistas de la corte a través de la historia.

“Es un retrato fascinante y proviene de un pintor que siempre tuvo tanto interés en mirar a los poderosos como en la vida cotidiana. Pintó a Su Majestad la Reina; también pintó retratos de corredores de apuestas y pícaros. Pintó retratos de su propia madre ".


Girl with Roses


Una pintura de la madre de Freud, documentada al final de su vida, figurará en la exposición. Los primeros trabajos incluirán Girl with Roses, de la colección del British Council, mientras que los trabajos de mitad de carrera incluirán Reflection with Two Children (Autorretrato), cedido por el museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. La muestra culminará con algunos de sus últimos retratos de desnudos monumentales donde Freud se deleitaba con la representación de la forma humana.

Herrmann dijo que la muestra examinaría por qué sus pinturas seguían siendo tan relevantes. "Fue uno de los pintores figurativos más importantes del mundo y sigue inspirando a los artistas de hoy".

Espera que los visitantes quieran echar un vistazo lento e intenso a las obras expuestas. “Lo que todos necesitamos en este momento es que las cosas se ralenticen, que echemos un buen vistazo al mundo que nos rodea. La mirada honesta es algo que Freud hizo en su propio trabajo".

"Queremos que la gente mire su trabajo, entienda cómo operaba, por qué era emocionante y cómo cambia su pintura con el tiempo".

Freud, quien murió en 2011 a la edad de 88 años , siempre tuvo una estrecha relación con la Galería Nacional y fue un visitante habitual durante toda su vida.

“Uso la galería como si fuera un médico”, le dijo Freud al periodista Michael Kimmelman . “Vengo en busca de ideas y ayuda, para ver situaciones dentro de pinturas, en lugar de pinturas completas. A menudo, estas situaciones tienen que ver con brazos y piernas, por lo que la analogía médica es correcta ".




Lucian Freud: New Perspectives está en la Galería Nacional del 1 de octubre de 2022 al 22 de enero de 2023.

 

















 

miércoles, 25 de agosto de 2021

ABBAS AKHAVAN



  Abbas Akhavan: un monumento poético a la locura

 Laura Cumming




Llamada al telón, Variaciones sobre una locura, 2021 por Abbas Akhavan en la Galería Chisenhale. Fotografía: Cortesía del artista. Fotografía de Andy Keate




Las antiguas ruinas de Palmira destruidas por Isis se levantan nuevamente en paja precaria y arcilla de Londres, moldeadas por las manos de este artista iraní profundamente alusivo

El aroma te llega antes de la vista: una estimulante combinación de savia fresca y de hoja perenne que emite desde la entrada de la galería. Parece presagiar bosques en pleno verano. Y, efectivamente, el espectáculo en el interior es como un claro de árboles altos, sus troncos oscuros se elevan a copas de hojas, esparcimiento de tierra en el suelo. Pero exactamente en el mismo momento, lo que está mirando es también algo muy distinto, inmediatamente distinto y reconocible: la columnata de un magnífico templo clásico.

Los árboles son tanto troncos como columnas; las hojas pueden ser de acanto en un capitel corintio. Toda la estructura está formada por lo que parece ser materia orgánica, posiblemente tierra negra cubierta de paja.

Esa es la sorpresa uno-dos al llegar: lo que ves es completamente arqueológico, una columnata grecorromana, y al mismo tiempo completamente botánico, incluso arbóreo. ¿Cómo pueden ser ambos a la vez? Esa es la maravilla inicial.




Abbas Akhavan






Cada columna es de hecho una escultura, formada por las manos de Abbas Akhavan. Nacido en Teherán en 1977, Akhavan se mudó a Canadá con su familia durante la guerra Irán-Irak y ahora tiene su sede en Montreal. Es un pensador extremadamente sutil. Cualquiera que haya visto su exposición de Delfina en 2013 (por desgracia, apenas ha mostrado aquí desde entonces) puede recordar la forma en que llevó el exterior al interior , dejando que la naturaleza se apoderara de una casa adosada con setos altos, cascadas con goteras y pisos llenos de brotes. Con su mentalidad pausada, Akhavan está constantemente reflexionando sobre nuestro lugar en la tierra como seres contemporáneos que viven entre edificios antiguos, a menudo ruinas, y las extrañas relaciones entre las personas, la arqueología y la naturaleza.

 


Una vista detallada de Curtain Call, Variations on a Folly. Fotografía: Cortesía del artista. Foto: Andy Keate


Es posible, por ejemplo, que reconozca la forma de esta columnata: el camino original hasta el monumental Arco de Palmira, la ciudad en ruinas de 2000 años en Siria, gran parte de la cual fue destruida por Isis en 2015. Lo que se cree que es el cuerpo de Khaled al-Asaad, el arqueólogo sirio que intentó defender Palmira, fue encontrado recientemente entre los escombros , decapitado. Como mínimo, la instalación escultórica de Akhavan es su propio tipo de monumento a esta trágica historia: a estos edificios antiguos y quizás a ese hombre, todos desaparecieron. Tierra a tierra, polvo a polvo.

Los ciudadanos sirios han intentado recrear Palmyra en miniatura en sus propios hogares devastados. Y se dice que Siria ha firmado un contrato con Rusia para reconstruir los edificios antiguos en el sitio. Pero ya existe un facsímil del legendario arco, a través del cual los viajeros procesaron más de dos milenios. Se basa en los datos agregados de innumerables fotografías, transformadas mediante impresión 3D en una versión recortada en mármol egipcio . Este es el trabajo del Instituto de Arqueología Digital, un proyecto conjunto entre profesores de Harvard y Oxford, con la colaboración de, entre otros (y quizás te preguntes por qué), la Dubai Futures Foundation y los Emiratos Árabes Unidos.

El repro arco fue presentado por primera vez en Trafalgar Square en 2016 por Boris Johnson, entonces alcalde de Londres, con un discurso de desafío postural en el que eleva dos dígitos, ho ho, a los bárbaros. Luego se fue de gira por Europa. No hay duda de que Akhavan alude a este curioso circo y a la ilusión de que realmente estamos viendo o encontrándonos con el arco. Su instalación se alza sobre un paisaje sardónico, en forma de una pantalla verde chroma key de barrido, como se usa en el cine y la televisión para aislar un sujeto de su fondo y transportarlo a otra parte. Su columnata no está, por así decirlo, ni aquí ni allá.

Y lo absurdo tanto del soporte de mármol como de su inauguración ceremonial es el tema de otra obra de esta muestra. Una imagen de la escena en la que la hoja blanca reluciente cubría el facsímil 3D antes de ser revelada está impresa en otra hoja blanca reluciente, aproximadamente del tamaño de un pañuelo de seda de mago. Ahora lo ves, ahora no.

Una gran pintura en el techo de la galería es más inescrutable, sobre todo porque solo se puede ver desde los bloques de torres circundantes y los pájaros en el aire. Se trata de la frase “garra de gato”, de la fábula de La Fontaine, en la que un mono adula a un gato para que se queme las patas en el fuego para abastecerle de castañas asadas. Hoy en día se refiere a personas que se convierten en engaños o herramientas de otros.

 

Una vista aérea de Cat's Paw, 2021 por Abbas Akhavan.Fotografía: Ali Sadeghian


Mi sensación es que esto puede tener algo que ver con las instituciones, incluidas las galerías y los museos, que continúan siguiendo las órdenes de los políticos y patrocinadores. Podemos fabricar versiones de la antigua arquitectura siria pero bloquear el asilo de los refugiados sirios; podemos exhibir artefactos sagrados en nuestros museos sin responsabilidad para las sociedades que los fabricaron o los civiles que intentaron defenderlos. Podemos actuar para los patrocinadores, pero eludimos la restitución.

Lo maravilloso de la instalación central de Akhavan es su densa poesía de ideas y alusiones. Las esculturas provienen de la tierra misma, en este caso de ese viejo material de construcción orgánico, la mazorca, mezclado con arcilla de Londres. Estamos aquí, después de todo, incluso mientras imaginamos a Palmira. Y a medida que las columnas clásicas se alejan del ojo, dejan de representar columnas, volviendo al compostaje de la naturaleza misma. Los montantes son columnas, luego troncos que se desintegran, luego cuerpos que se caen. Sin embargo, la idea permanece y la visión de la humanidad permanece.




Abbas Akhavan está en la Chisenhale Gallery, London E3, hasta el 17 de octubre


























 

martes, 24 de agosto de 2021

'MI' FRANCIS BACON

 

'Recuperaré mi colección de Francis Bacon de 20 millones de libras esterlinas'

Dalya Alberge

 

 

 

 

 

Barry Joule con Francis Bacon en Londres, marzo de 1986. 

 

 

 Barry Joule, un amigo cercano del artista, dice que la galería no ha cumplido su compromiso de organizar exposiciones de las obras.

Cuando más de 1.200 bocetos, fotografías y documentos del estudio de Francis Bacon fueron donados a la Tate Gallery  en 2004 , se describió como uno de los obsequios más generosos que la galería había recibido, con un valor estimado de 20 millones de libras esterlinas. Ahora el donante amenaza con cancelar el obsequio, acusando a la galería de incumplir sus promesas de realizar exposiciones del material.

Barry Joule, un viejo amigo de Bacon, había querido que los artículos fueran a la Tate, ya que había sido la galería favorita del artista. A lo largo de los años, siguió esperando que la Tate le hiciera justicia con una exhibición, ya que dice que habían planeado aceptar el regalo. Escribió repetidamente al personal curatorial, preguntando cuándo se realizaría la muestra.  Después de casi dos décadas de espera, ha perdido la paciencia.

No solo está preparado para una batalla legal, sino que le dijo al Observer que también cancelará un legado planeado a la Tate de un importante autorretrato de Bacon de 1936 y otras nueve pinturas de Bacon del mismo período. Tampoco les dejará “una cantidad considerable de otras obras de arte, cartas, libros, grabaciones de Bacon” que tenía la intención de dejar si la Tate cumplía “todos los términos y el espíritu del contrato de 2004”.

 

Autorretrato de Francis Bacon, 1936: parte del regalo de Barry Joule a la obra Tate of Bacon. Fotografía: Fotografía de Barry Joule

Más recientemente, el 3 de agosto, le escribió: “Si no se llega a una conclusión satisfactoria ... para octubre de 2021 durante el términos de exhibición del contrato Tate-Joule, consideraré seriamente tomar el camino legal para la resolución de este asunto preocupante tan frustrantemente pendiente desde hace mucho tiempo, uno que claramente significa que buscaré la devolución completa de esta mi donación 2004 del estudio Tate Francis Bacon . Y así, el asunto puede decidirse en última instancia en los tribunales ".

El regalo de Joule había incluido el dramático estudio al óleo de Bacon sobre la cabeza de William Blake , el poeta y pintor. Sostiene que un par de vitrinas en el área de exhibición del archivo, que mostraban algunas de sus cartas de Bacon y sus fotografías del artista hace algunos años, no le hacían justicia a la colección.

 

Estudio de Francis Bacon para el director de William Blake, realizado alrededor de 1955. Fotografía: Fotografía de Barry Joule

Rechaza la afirmación de la Tate de que se han cumplido los términos del contrato para catalogar y exhibir las obras. Le escribió a Balshaw: "¿Dónde y cuándo exactamente sucedió esto?"Él reconoce que su donación de 2004 ocurrió antes de que Balshaw se convirtiera en directora de Tate en 2017, pero dice que el "contrato" ahora es responsabilidad de ella.

Él le dijo: “Cuando los curadores de la Tate... vieron mi archivo de Bacon mucho antes de que se completara mi donación, todos sugirieron una exposición en la Tate ... (Entonces) el director Sir Nicolas Serota en 2003 me aseguró un mes antes de que se firmara el contrato, esto sería sea ​​el caso y dentro de los tres años de mi donación. Sin embargo, a medida que pasaba el tiempo, me encontraba continuamente en silencio, ignorado o simplemente engañado ... "

En su anuncio de obsequio de 2004, la galería señaló: "Tate se comprometerá a estudiar, fotografiar y catalogar la colección durante los próximos tres años, antes de mostrar estos artículos y ponerlos a disposición para su préstamo".

Bacon es ampliamente considerado como el mejor pintor británico desde JMW Turner, aunque nunca imaginó que su retrato de 1969, Tres estudios de Lucian Freud , se vendería por 89 millones de libras en 2013. Una vez dijo: “Cuando muera, mis pinturas no valer cualquier cosa ".

Tres estudios de Lucian Freud 

Joule había vivido cerca del estudio de Bacon en Londres. En 1978, Bacon lo vio reparando la antena de televisión de un vecino y lo invitó a tomar un poco de champán. Hicieron una amistad que se prolongó hasta la muerte del artista en 1992, después de que sufriera un infarto en España.

Hay un párrafo conmovedor en el último correo electrónico de Joule a Balshaw: “El 18 de abril de 1992 ... dejé a Francis Bacon en el aeropuerto de Heathrow, esto solo unas horas después de que me hubiera dado la enorme pila de arte y material ... Durante nuestro largo abrazo de despedida en el concurrida sala de embarque, me habló directamente al oído: "Te encargarás de las cosas cuando yo me haya ido". Naturalmente, prometí hacerlo y pensé en ese momento que se refería a terminar algunas tareas de mantenimiento ... mientras él estaba en España, sin imaginar ni por un segundo que esta sería la última vez que yo o cualquier otra persona en Inglaterra lo vería con vida. "

Hubo preguntas iniciales de Bacon Estate sobre la autenticidad del material, impulsadas, cree Joule, después de que rechazó una solicitud de 1998 para donar el material al Bacon Study Center en la galería Hugh Lane, Dublín.

Pero la Tate aceptó el regalo y, el mes pasado, Balshaw escribió a Joule que el material "arroja una luz única sobre los hábitos de trabajo y el entorno de uno de los principales pintores del siglo pasado".

Ella reiteró la gratitud de la galería y le aseguró que el material había aparecido en varias exhibiciones y fue "muy apreciado".

Pero Joule está aún más frustrado porque dice que la respuesta de la Tate contrasta dramáticamente con la de un museo francés, el Musée Picasso de París, al que donó 80 dibujos de Bacon. Bacon comenzó a pintar alrededor de 1930, inspirado en una exposición de Picasso. Joule dijo al Observer : “Todos estos dibujos donados se exhibieron en una gran exposición de pintura de Bacon / Picasso celebrada en el Musée Picasso en 2005. El Musée Picasso publicó un hermoso catálogo separado ... La exposición fue un gran éxito y, dos años más tarde, la El gobierno francés me otorgó el codiciado Chevalier des Ordres des Arts et des Lettres, el equivalente francés de un título de caballero ".

Añadió: “En 2008, la Tate celebró una gran exposición de Bacon. No se incluyó ni un solo artículo de mi donación Tate de 2004 ". Si retira el regalo de Tate, lo donará a un museo francés.  The Tate dijo: "Hemos propuesto una reunión con Barry Joule en septiembre". The Bacon Estate declinó hacer comentarios.
































 

lunes, 23 de agosto de 2021

POEMA



Poeta

Esther Garboni


























Se te dio, poeta, el don de la mirada
sobre las cosas bellas; pudiste ver arder
el mar y encenderse los bosques en la noche.
Se te dio, poeta, el color, el sabor, el tacto
de la belleza.
Se te dio la palabra.
Se te dio la música.
Y a cambio, poeta, se te dio el dolor,
el desgarro infinito, inconsolable, impúdico
de contemplar
cómo lo bello se hace mentira
a poco que alguien se recree en su goce.
Se te dio, poeta, el dolor de saber
que, al cabo, de nada sirve tu palabra.
Es la poesía, y no tú, poeta,
la que resiste al tiempo.
Morirás, poeta,
aunque tuyos sean ahora
el color, el sabor, el tacto… la poesía.