Una exposición del modernismo apunta a la esperanza
Verónica Espósito
En una nueva exposición en el Whitney de Nueva York, una mirada retrospectiva al arte modernista de principios del siglo XX ofrece optimismo y también una rara diversidad.
Aunque el comienzo del siglo XX fue una época de guerra, pandemia y agitación social, también trajo consigo una innegable sensación de esperanza y oportunidad que fue fundamental para el arte modernista que florecía en ese momento. Nuevas estéticas visionarias se estaban desatando en el mundo, y los artistas realmente creían en el potencial revolucionario de su trabajo. Es esta posibilidad inigualable, apertura y optimismo lo que la nueva exhibición de arte modernista del Museo Whitney, At the Dawn of a New Age, busca canalizar para los visitantes del museo.
“Hay una sensación de efervescencia que se registra en el trabajo”, dijo la académica y curadora del Whitney desde hace mucho tiempo Barbara Haskell, quien organizó esta muestra. “Parecía que sería apropiado exhibir este trabajo en un momento en que estamos lidiando con la distopía del presente. Espero presentarle al público la gama de calidades y estilos, las innumerables formas en que los estadounidenses tradujeron lo que estaba sucediendo en Europa a una lengua vernácula estadounidense”.
Fiel a los objetivos de Haskell, el espectáculo es un derroche de colores, estados de ánimo y estilos, que da una idea de la experimentación embriagadora en el trabajo de los artistas que labraron un modernismo distintivamente estadounidense. Desde la fantasía neoclásica hasta las abstracciones sensuales, los paisajes radiantes, las visiones trascendentales, las escenas callejeras cubistas e incluso un conjunto antiguo de la baraja de tarot predominante en el mundo, At the Dawn of a New Age presenta una vertiginosa variedad de arte. Esta profusión es algo domesticada al estar cuidadosamente dispuestas en tres galerías que ofrecen a los visitantes la oportunidad de controlar su ritmo y descubrir vínculos entre las piezas en una habitación determinada.
Haskell quería que su espectáculo hiciera un contrapunto provocativo a la Bienal de Whitney que se está llevando a cabo actualmente. Por lo tanto, revisó los archivos del museo no solo para celebrar a los abanderados modernistas como Georgia O'Keefe y Aaron Douglas, sino también para exhibir artistas, a menudo mujeres y/o personas de color, que en gran parte han sido borrados del movimiento modernista. Casi la mitad del trabajo en At the Dawn of a New Age ha estado almacenado en el Whitney durante 30 a 50 años, y muchas de las piezas en exhibición son nuevas adquisiciones destinadas a abordar las lagunas en las colecciones del Whitney que Haskell identificó mientras ensamblaba juntos su exposición. “La historia de este período tiende a contarse a través de un puñado de artistas, mientras que la realidad es que tantos artistas estaban trabajando a un nivel tan alto. Esto nos ha negado esa efervescencia, el sentido de las posibilidades en la obra. Traer de vuelta estas obras realmente transmite ese estado de ánimo de la época”.
Entre los artistas menos célebres que se merecen en At the Dawn of a New Age se encuentran Marguerite Zorach, Blanche Lazzell, Yun Gee, Isami Doi y Henrietta Shore. Llegados de todas partes del mundo y de todos los Estados Unidos, se sintieron atraídos por los centros modernistas de Nueva York y París por el arte que les hablaba con un sentido de novedad y promesa. Canalizando sus impulsos creativos en este movimiento, han creado un trabajo que es a la vez reconociblemente modernista pero que se mantiene fiel a sus orígenes y a los espacios sociales marginados que habitaron.
La contribución de Zorach a la muestra, un paisaje pintado sobre seda titulado simplemente Paisaje con figuras, recuerda Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte de Seurat, por la sensación de reunión y disfrute que ambos transmiten. Pero Zorach se destaca por sí solo como un trabajo extraño y convincente: en las posturas de flexión y flexión de los bañistas hay un clásico, neogriego, y el árbol central de la pieza, compuesto por un tronco rojo radiante y hojas de color verde lima, contribuye a la sensación de otro mundo de la pintura. A medida que el trabajo empapa lentamente su conciencia, comienza a sentir que estas figuras misteriosas conocen secretos de placer y relajación que pocos penetrarán.
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En contraste con el pesado paisaje de Zorach, Street Scene de Yun Gee está compuesta en un ángulo vertiginoso, dando a la pieza una sensación de desequilibrio. La obra, que consta de grandes trozos de amarillos, azules, rojos y marrones, tiene una deuda con el cubismo y transmite una sensación de rebeldía de la vida moderna que recuerda a John Dos Passos. La soledad e incluso la desesperación de cada una de las abundantes figuras humanas en Street Scene se siente intencionada, tal vez como resultado del racismo que experimentó Gee como inmigrante chino que vivía y creaba en San Francisco.
De bañistas y paisajes urbanos, se llega a la monumental flor de Henrietta Shore, titulada Trail of Life. Recordando el trabajo de Georgia O'Keefe, con quien expuso (siendo a veces la preferida de las dos), muestra una flor simplificada y abstracta que se dobla con formas sensuales. El trabajo se encuentra entre los favoritos de Haskell en el programa. “Es casi este comienzo en ciernes de una flor. Shore aplicó varias capas de pintura para que el color brille. Me encanta cómo los artistas de este período se ocupan de las ideas universales sobre la interconexión entre los humanos y la naturaleza, y Trail simplemente codifica esta idea de la naturaleza como una especie de contenedor, si no es algo espiritual, al menos comunica la interioridad”.
Oscar Bluemner, Old Canal Port, 1914. Fotografía: Robert Gerhardt y DenisY Suspitsyn/ Whitney Museum of American Art
Esa interioridad e interconexión es bastante clara en los dos inquietantes grabados en madera de Isami Doi, un hijo de inmigrantes japoneses que creció en Hawái antes de dedicarse al arte en París y Nueva York. Juntando cuidadosamente diversas texturas y formas, los grabados en madera encuentran un todo que es a la vez solemne y sereno, pero que también estalla con la energía del reino natural. Su Moonlight nos muestra las espaldas de dos figuras unidas por el brazo mientras dan un paseo nocturno a través del follaje y hacia las casas en la distancia. En la forma en que las figuras y su entorno se fusionan, la conexión entre lo humano y lo natural es potente. The Stream de Doi presenta a una mujer con los ojos bajos, de pie pensativa ante una cerca, detrás de la cual fluye un arroyo. Uno anhela saber qué comprende exactamente la corriente de pensamientos que fluyen a través de la mente de esta mujer.
En un momento en que el mundo a menudo puede sentirse tan pesado, y cuando muchos todavía están considerando si volver a comprometerse por completo con la vida, At the Dawn of a New Age ofrece un poderoso recordatorio de exactamente por qué acudimos en masa a los museos. Este desfile de éxitos del dinamismo y la diversidad estadounidenses es una invitación bienvenida a dejar atrás las pantallas y disfrutar de la presencia de algo transformador. “Mi objetivo muy inocente sería que espero que la gente venga al espectáculo y se enamore del trabajo. Es tan alegre y tan lleno de promesas. Al subir a las galerías tengo una sensación de euforia”.
At the Dawn of a New Age: Early
Twentieth-Century American Modernism
se exhibe en el Whitney Museum of Art de Nueva York hasta enero de 2023
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