En la Italia medieval, un joven rico llamado Giovanni di Pietro di Bernardone, hijo de un comerciante de seda, se deshizo de su identidad mundana para convertirse en el predicador errante conocido en la historia como Francisco de Asís. Feliz en su pobreza, en comunión con la naturaleza, hablando con los pájaros, alabando al hermano Sol ya la hermana Luna, su versión radical y alegre del cristianismo desafió a una iglesia que se había convertido en un sistema de poder y riqueza.
No hace falta creer para creer en San Francisco. Francisco era real, tan inocente y poético como sus retratos, a juzgar por una carta que le escribió a su amigo el hermano Leo que se exhibe en la extasiada exposición de la Galería Nacional sobre esta figura inspiradora. Y su visión es tan urgente como lo fue hace 800 años, vista en hallazgos sorprendentes que incluyen un fresco feminista medieval de Clarisas, como se llamaba a la orden franciscana femenina, y un cuerno plateado que el sultán al-Israel le dio a Francisco como símbolo de paz.
San Francisco de Asís está co-curado por el director de la Galería Nacional, Gabriele Finaldi. Teniendo en cuenta su trabajo, está refrescantemente libre de esnobismo artístico. El espectáculo celebra el sentimentalismo y la belleza artística que inspira San Francisco: como si hubiera entrado en una iglesia barroca de Nápoles, donde el gran arte flota entre velas, incienso y espeluznantes efigies. Incluye un cómic de Marvel titulado Francis Brother of the Universe entre pinturas de El Greco y Fra Angelico.
La exposición incluye reliquias reales. El hábito de arpillera marrón y el cinturón de cáñamo que se dice que usó Francisco están aquí, prestados por la Basílica de Santa Croce en Florencia. Este tejido mate se yuxtapone con una obra de arte abstracta de 1953 Sacco, o Saco, de Alberto Burri, cuyas capas de saco gastado están perforadas por un círculo rojo que podrían ser estigmas sangrientos.
Allanando el camino hacia el Arte Povera… Sacco de Alberto Burri, 1953. Fotografía: Alessandro Sarteanesi/© Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello
Burri tuvo una vez una exposición en Asís y sus humildes ensamblajes ayudaron a allanar el camino para el Arte Povera, el movimiento artístico italiano de la década de 1960 que rechazó la modernidad plástica-fantástica y en su lugar trajo materiales naturales e incluso vivos a la galería. Justo en el corazón de esta muestra se encuentra la obra Door Tree del escultor de Arte Povera Giuseppe Penone de 2012, un grueso tronco de cedro con una sección cortada para revelar lo que parece un retoño joven, aún fresco y vital en lo profundo de la vieja corteza agotada.
Esta obra de arte ecológica que nos llama a empatizar con la naturaleza en peligro en sintonía con San Francisco. No había fábricas ni autostradas que destrozaran la naturaleza en la Umbría del siglo XIII, pero la simpatía por sus semejantes desafió una jerarquía cristiana que decía que los animales fueron creados para el beneficio de los seres humanos. En una iluminación manuscrita realizada solo dos décadas después de su muerte, el artista y cronista inglés Matthew Paris retrata a Francisco inclinado para hablar a una atenta reunión de pájaros. En una pintura de la Siena del siglo XV de Sassetta, vemos cómo negoció una tregua entre la gente de Gubbio y un lobo que los había aterrorizado. Sacude suavemente la pata del lobo.
Podrías contar la historia de San Francisco y el arte de una manera más convencional. Es discutible que su enfoque directo y elocuente de la vida y su sentido de la naturaleza iniciaron el Renacimiento italiano. Giotto pintó frescos de su historia que trajeron una nueva humanidad al arte. Pero en lugar de un relato detallado de cómo este predicador cambió la historia del arte, este programa explora cómo nos instó a cambiar nuestras vidas. Beggars, la serie de xilografías gigantes de Andrea Büttner de 2016, lo desafía con imágenes duras de seres humanos necesitados. En otros contextos, su trabajo me ha parecido irritantemente piadoso, pero una exposición de arte religioso le sienta perfectamente.
La iglesia, por supuesto, traicionó y contuvo a Francisco casi desde el momento de su muerte. Se convirtió en un ícono y los frailes franciscanos que se suponía que continuarían su trabajo pronto se volvieron tan corruptos como otras órdenes. En la Contrarreforma de los siglos XVI y XVII, cuando la iglesia católica se reinventaba como fe popular para combatir a los protestantes, revivió a San Francisco como figura de misticismo derretido. Eso produjo la mejor pintura.
Caravaggio tenía 20 años y vivía en la casa de un cardenal en Roma cuando pintó a San Francisco de Asís en éxtasis. Un ángel bien parecido acuna al santo desmayado en sus brazos en lo que puede ser la pintura más explícitamente gay de Caravaggio, y la más tierna. San Francisco está realmente desarmado mientras se hunde, cayendo en el abrazo angelical. El divino joven lo mira con tierno amor. El rostro barbudo del santo, liberado de su caperuza de fraile, es seguramente el de Caravaggio.
Francisco, o el artista, parece tener estigmas, el extraño fenómeno en el que un místico aparentemente recibe las heridas de Cristo: el ángel toca una herida sangrienta en el costado del santo, resonando donde Cristo fue atravesado en la cruz. Francisco/Caravaggio se identifica tanto con Cristo que está experimentando la agonía de la Pasión. Sin embargo, está en paz. Esta muerte es una liberación, esta intimidad una ruina. Caravaggio pinta un amor sin límites, el anhelo de contacto humano de un hombre que se vio impulsado a luchar, amenazar y matar en las violentas calles de Roma.
Esta obra maestra, tomada del Wadsworth Athenaeum en Connecticut, eleva una exposición fascinante a los reinos de la trascendencia. Un jefe anterior de la Galería Nacional, Neil MacGregor, montó un gran espectáculo que defendía el poder y la gloria del arte cristiano.
San Francisco de Asís está en la National Gallery de Londres del 6 de mayo al 30 de julio.
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