MUSEOS Y RESTAURACIONES

Restauraciones excesivas para hacer caja en los museos

Miguel Ángel García Vega 

La última cena. Santa Maria delle Grazie. Milán 

La presión del público, que demanda obras "agradables", y el precio de las piezas llevan a una intervención exagerada

¿Qué muestran los grandes museos? ¿La realidad o un trampantojo? Una estimación razonable bien podría ser que el 20% de lo que vemos es restauración. Añadidos y retoques que sustituyen, con mayor o menor acierto, partes de la obra original. Un relato oculto entre el dinero y la historia.

A comienzos del siglo XX, los conservadores del Museo del Hermitage de San Petersburgo transfirieron sistemáticamente los paneles renacentistas a lienzo. Un proceso que sacrificó grandes zonas de la pintura original. Esta información se omite al público. Ya en 1556, el pintor e historiador del arte Giorgio Vasari (1511-1574) advirtió que La última cena (1497) de Leonardo da Vinci estaba “arruinada”. Casi el 80% de lo que hoy resiste en Santa Maria delle Grazie de Milán es ajeno a la mano del genio. Que miles de personas se empeñen todos los años en verla representa el triunfo del marketing sobre el arte. 

¿Y qué permanece de los colores brillantes, los detalles o las veladuras con los que Leonardo vistió a la Mona Lisa? Pese a su cansancio nadie imagina que deje de exhibirse. El Louvre calcula que el 80  de las visitas que llegan al museo acuden en primer lugar a ver esa dama retratada en una tabla de álamo. A 17 euros por entrada, la Gioconda aporta anualmente unos 100 millones.

Desde luego es una ilusión pensar que las obras deban verse siglos después igual que salieron de los talleres de los artistas. “El tiempo también pinta”, escribió Goya. Sin embargo, incluso el genio aragonés tuvo sus cuitas con los retoques. En una carta dirigida a Pedro Cevallos, Primer Secretario de Estado de Carlos IV, que conserva el Archivo Histórico Nacional, se queja (“cuanto más se toquen las pinturas con pretexto de su conservación más se destruyen”).

Pero vivimos en la era del turismo de masas y los museos necesitan atraer visitantes, hacer caja. Y esto se consigue con obras brillantes, limpias, casi como nuevas. Nadie quiere ver barnices oscuros ni pérdidas. Solo hay que fijarse en las vedute de Canaletto: todas, milagrosamente, siguen conservando sus infinitos detalles. “A veces parecen pasadas por un rodillo”, ironiza María José Ruiz-Ozaita, directora del Departamento de Restauración del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Canaletto: El Gran Canal, Venecia, (c. 1730).

 Ese sentido de lo perfecto es hoy una urgencia. “El visitante quiere ver las obras lo más agradables posible, quiere contemplar los grandes iconos y disfrutarlos al máximo”, reconoce Ubaldo Sedano, responsable de Restauración del Museo Thyssen. “Si las piezas están en mal estado el disfrute se reduce bastante porque las faltas provocan que centremos en ellas la mirada”. ¿Pero dónde está el límite entre conservar y alterar?

Aquí, como en todo, existen escuelas. La mediterránea (Francia, Italia, España) es menos intervencionista de lo que fue la anglosajona, “que llegaba hasta el fondo, casi a la pintura original”, relata Manuela Mena, jefa de conservación de Pintura del Siglo XVIII y Goya del Prado. Es una opción entre miradas. “Hay restauradores que prefieren mostrar solo las partes originales de la pintura y dejar las pérdidas sin tocar. Pero esto a veces reduce la obra a la condición de reliquia”, advierte Robert Simon, uno de los propietarios originales del Salvator Mundi (alrededor de 1500), de Leonardo de Vinci. “Es necesario conocer al máximo tanto la pieza como al artista: si enrollaba los lienzos, si barnizaba”, aconseja María José Ruiz-Ozaita.

Sin embargo, la verdadera frontera la tiende la historia y el dinero. Las colecciones dinásticas (El Prado, Uffizi) conservan con más fidelidad sus obras que aquellas que proceden del mercado del arte (Getty, National Gallery de Washington, Frick). “Las instituciones estadounidenses al tener mucho menos patrimonio han comprado bastantes piezas en el mercado y quieren exhibirlas de forma atractiva, lo que ha provocado intervenciones innecesarias”, alerta Ubaldo Sedano. Es una ley no escrita. Cada vez que una pintura cambia de manos, se limpia, se “restaura”; se altera. Este malabarismo provoca que aumente “el riesgo de dañarla si la restauración no resulta adecuada en un mundo en el que existen buenos y malos profesionales”, reflexiona Enrique Quintana, coordinador jefe de Restauración y Documentación Técnica del Museo del Prado. Y añade: “Si una obra se recupera en exceso pierde su capacidad de comunicación y también su sentido; el restaurador no tiene que aportar nada”.

Esa lógica choca contra la perseverancia de los intereses económicos en un momento en el que los Maestros Antiguos regresan a los récords. El Salvator Mundi ha intensificado el debate sobre qué exhiben los museos. La tabla estaba en pésimo estado (repintes, grietas, pérdida de pintura original), pero tras dos años en las manos de la conservadora Dianne Modestini emergió —en cierta manera— radiante. Tanto brillo incendió la suspicacia. Incluso de alguien tan pausado como Thomas Campbell, exdirector del Met de Nueva York:  “¡Pulgada por pulgada, Modestini debe de estar entre los artistas vivos más caros del mundo!” ironizó en Instagram. 
La restauradora escurrió el debate. “Respecto a los daños de la tabla, Christie’s (la sala que subastó la pintura) ya publicó en el catálogo una imagen del proceso de limpieza”, zanjó por correo electrónico. En principio, el alcance de la intervención depende del tipo de artista y de la vida que ha llevado la obra. “Un leonardo ha trotado mucho, lo lógico es que la conservación no sea la mejor”, admite Enrique Quintana. 

Salvator Mundi. Reproducción después de la restauración por Dianne Dwyer Modestini, profesora de investigación en la Universidad de Nueva York.

 El Prado —resume el experto— está libre de la tentación de los excesos. “La Romería de San Isidro (1788) no tiene un punto que no sea de Goya, Las Meninas (1656), cuatro retoques y en El descendimiento (antes de 1443) de Rogier van der Weyden solo se han intervenido las juntas de la tabla. Tan poca restauración resulta algo excepcional”. Imposible contradecirle.

Las meninas: Diego Velázquez. 

LA GRAN EXPOSICIÓN DE LEONARDO

La mayor exposición de Leonardo da Vinci se abre en París

Angelique Chrisafis 

El Louvre presentará obras de artistas italianos después de largas disputas políticas y batallas legales

La  exposición de arte más importante de París en medio siglo tardó 10 años en prepararse y fue casi frustrada por el peor enfrentamiento diplomático entre Italia y Francia desde la segunda guerra mundial. A falta de días para la inauguración, todavía no hay señales de si aparecerá una de las obras más importantes.*
La gran exposición del Louvre, Leonardo da Vinci, para conmemorar los 500 años desde la muerte del maestro del Renacimiento italiano, finalmente se inaugurará esta semana, el 24 de octubre,  mientras el museo más visitado del mundo se prepara para manejar una gran afluencia de visitantes. Una de las exposiciones más caras jamás organizadas en Francia, es la primera vez que una gran cantidad de dibujos, bocetos, escritos y pinturas de Leonardo se han reunido.

Pero aún queda un interrogante sobre si Salvator Mundi, la pintura más cara del mundo, será prestada. El misterio rodea a quien posee la pintura, una representación de Jesús en traje renacentista. Inusualmente, el espacio de exhibición ha sido diseñado para acomodar imágenes que llegan o se rechazan en el último minuto. "Nunca hemos estado en esta situación antes", dijo un representante del museo.

Leonardo, cuya vida ha sido una fuente constante de creación de mitos, es considerado un genio visionario: pintor, científico, ingeniero e inventor. Nacido como hijo ilegítimo de un notario en la ciudad toscana de Vinci en 1452, el humanista italiano trabajó en Florencia y Milán, y pasó sus últimos años en la corte del rey francés Francisco I, en el Loira, donde murió el 2 de mayo. 1519. Desde entonces, lo que se sabe sobre su vida ha sido estudiado y aprovechado; Su vegetarianismo e interés en el bienestar animal han sido citados por grupos franceses contra la caza, mientras que los rostros andróginos en muchos de sus retratos son considerados por algunos como un cuestionamiento moderno de  género.

La Belle Ferronnière












En el corazón de la exposición del Louvre se encuentran las lecciones que se pueden aprender sobre la personalidad de Leonardo del realismo impresionante en su trabajo: retratos como La Belle Ferronnière, la Mona Lisa o su representación de San Juan Bautista.

Realidad virtual, otra Mona Lisa en el Louvre.

Leonardo pintó relativamente poco, solo quedan unas 15 pinturas, de las cuales nueve están en esta muestra. Trabajó minuciosamente lento, a menudo pasando más de una década en una pintura. La exposición incluye muchos de sus dibujos destacados. Los curadores argumentan que su interés en la ciencia, particularmente la astronomía, la botánica y su constante lucha con problemas matemáticos, no fue una digresión que lo alejó del arte, sino que fue central en su búsqueda para lograr la perfección en su pintura. 

La mayor obra de Leonardo que posee Francia no es la Mona Lisa. Es un cuaderno de tamaño mediano conocido como Manuscrit B que ha sido prestado por el Institut de  France. Se muestra abierta en una doble extensión  En la página de la izquierda, hay un diseño para un helicóptero que funciona como un tornillo gigante que perfora el aire hacia arriba, dibujado precisamente en líneas de tinta firmes. Arriba hay un bosquejo rápido de lo que parece un platillo volador, pero es un automóvil blindado que, según él, podría ser divertido para las justas.

Las visiones punk de molino de viento de Leonardo se vuelven aún más audaces en la página opuesta. Un hombre está de pie en la cabina de madera de una máquina voladora mientras usa su propia fuerza física para batir sus alas hacia arriba y hacia abajo. Mientras que el helicóptero y el tanque eran audaces fantasías, este esquema para un ornitóptero, una máquina voladora que imita a un pájaro, lo obsesionaría toda su vida, volviéndose cada vez más plausible a medida que lo mejoraba. Es por eso que este manuscrito es más importante que la Mona Lisa . Muestra a Leonardo, poco después de que se mudó de su Toscana natal al poderoso estado militar-industrial de Milán, convirtiéndose de pintor en polimático.

 Dibujos de una de las máquinas voladoras de Leonardo.

"Tenía la capacidad no solo de representar las cosas desde el exterior, sino también de mostrar lo que había dentro: el movimiento y la vibración de la vida, las emociones internas", dijo Louis Frank, uno de los curadores del programa.

Sin embargo, la Mona Lisa, una de las principales atracciones para los 30.000 visitantes del Louvre por día, permanecerá arriba en su lugar habitual. El espacio de exposición temporal dedicado al espectáculo Leonardo solo puede acomodar a 7.000 personas por día y el museo no quería evitar que otros visitantes lo vieran. También habrá una experiencia de realidad virtual de la Mona Lisa por primera vez. A medida que el Louvre se enfrenta a un número cada vez mayor de visitantes, la exposición de Leonardo solo estará abierta a personas que hayan reservado previamente.

Toda la exposición estuvo en peligro el año pasado cuando Leonardo fue arrastrado a una disputa política de larga data entre el entonces partido de la Liga gobernante de extrema derecha de Italia y el presidente de Francia, Emmanuel Macron. Italia dijo que cancelaría el préstamo de algunas pinturas, acusando a Francia de tratar de tomar el centro del escenario en las conmemoraciones que se cumplen 500 años desde la muerte del pintor. “Leonardo es italiano; solo murió en Francia”, dijo un parlamentario de extrema derecha.

La disputa finalmente se resolvió, pero luego un desafío legal de último minuto este mes casi detuvo la aparición del Hombre de Vitruvio de da Vinci, un estudio en proporciones anatómicas.

 Hombre de Vitruvio 

 Un grupo de herencia italiana dijo que el dibujo, que se guarda en una bóveda climatizada en la Galería de la Academia de Venecia, era demasiado frágil para viajar y corría el riesgo de ser dañado por la iluminación del Louvre si se exhibía durante un período prolongado. Un tribunal dictaminó que el trabajo podía viajar. Actualmente se encuentra en tránsito y llegará la próxima semana para que se muestre por un período limitado.

Vincent Delieuvin, uno de los curadores de la muestra, dijo que la exposición explicaría cómo Leonardo estableció que el secreto para crear pinturas perfectas que revelaran la naturaleza humana era capturar la luz, la sombra y el movimiento. Para Leonardo, se trataba de abrir la mente a "una libertad absoluta" en el dibujo y la pintura.

 *Ver: https://lamusaencantada.blogspot.com/2019/05/disputandose-leonardo.html

CUENTO

La mujer del subte *

Alejandro Insaurralde

                                                                       

El repiqueteo discontinuo de una llovizna gélida convierte a la estación Congreso en pista de aterrizaje para torpes y atolondrados. En esos días, la boca de acceso parece convocar a los transeúntes a una caída libre o deporte extremo donde las escaleras - con su barro achocolatado e insuficientes barandas - se suman a la lista de trampas urbanas que se activan siempre con los días lluviosos.

La húmeda tarde, de infinitos grises y encanto suicida, sorprendió al inefable Miguel en la estación Congreso, que subía a toda prisa con el tino de no resbalar los peldaños mortales que conducen a la calle. No le gustaba perder el tren de las dieciséis porque más tarde, en horas pico, se viaja incómodo y no llegaría a tiempo para dar de comer a sus mascotas.

A su regreso lo esperaban el sofá junto al hogar, el excremento de los perros y unas horas de zápping. Los efectos de una soltería monótona comenzaban a hacer estragos y en tardes así, soltaban una avalancha de añoranzas viejas que corroían como el ácido, tristezas arrumbadas en algún tugurio de la mente que se resistía al olvido.

Miguel era un tío primerizo que no sembraba méritos para contentar a su único sobrino, el pequeño Tomi. Trataba de evitar las salidas que demandaba el niño, por ejemplo, a los peloteros o parque de diversiones, allí donde los párvulos descargan su adrenalina y despliegan toda esa psicopatía inocente. Para la frágil tolerancia de Miguel esto era un Pandemónium de griterío y agitación, con madres que corren alocadas por algún brazo golpeado o labio sangrante. Demasiado para un solterón apacible.

Por la mañana, los primeros azotes de la rutina lo desolaban con su vuelta a la oficina del piso diez. Era un tedioso itinerario que une, subte mediante, su departamento de Congreso con el casco céntrico, un periplo que contaba sólo con un breve interludio: la parada de diarios. Compraba su matutino habitual en Corrientes y Florida y, si había tiempo, un café demoraba el ingreso al enfermizo claustro.

No bien cruzaba la puerta, el mal humor de su jefe y el humo de la cuarentona que fumaba sin parar ya advertían que el estrés acechaba. Con el tiempo, Miguel había desarrollado cierta inmunidad contra estos males y con la ayuda del tilo, el control en las dietas y un chequeo periódico mantenía a raya cualquier enfermedad. Con el único mal que no había podido, esa enemiga silenciosa y manipuladora, era con la melancolía. Ella le cincelaba su endurecido temple y lo empujaba hacia estados de permanente duelo, que hacían de él una frágil lámina a punto de resquebrajar.

El retraimiento lo protegía de ese entorno agobiante y aislarse era una opción práctica para que nadie lo invadiera. Pero una ilusión reverberaba en la cóncava soledad, como un antiguo reclamo; en ese vacío oscuro y distante, repiqueteaba una y otra vez la ilusión de una compañía que se embriagaba en un rincón del corazón y que, de tanto en tanto, le renovaba los suspiros; era una ilusión vaga y errante, como un holgazán que se emborracha en una esquina a la espera de otro que se sume a la velada.

La mujer que vio aquella tarde a la vuelta del trabajo, en la estación habitual, pareció renovar ese mundo ausente, ese mundo carente de expectativas. ¿Qué tenía de especial esa mujer? ¿Qué tenía para capturar la atención de un hombre abstraído en aquel vacío?

Era la sonrisa, la fresca sonrisa de aquella dama fue el artilugio seductor que lo atrapó de inmediato. Resultó ser un arma eficaz para un hombre que había olvidado cómo era sentirse feliz.  La atracción era mutua, ella le sonreía desde el andén opuesto y él le correspondía. Sólo el balasto y las durmientes los separaban de un romance inaugural que, sin embargo, parecía de toda la vida.

Se oyó un bramido desde la curva oscura. Era el subte que se aproximaba en dirección contraria. La dama tomó el tren y desapareció entre la multitud y los metales, como fundida en un tanque de mercurio. Ese maldito subte le arrebataba a Miguel la sonrisa que había iluminado su tarde más que el mismo sol.

Miguel era un hombre perseverante, virtud con la que a veces lograba apuntalar sus aflicciones. Cada tarde, como un ritual, la esperaba en el mismo punto y con el mismo entusiasmo. Allí estaba ella, con la sonrisa de siempre. Miguel no se animaba a hablarle, contemplaba aquella sonrisa hasta que el subte se la raptaba de nuevo. Durante varios días continuó este idilio, sólo interrumpido por esa máquina y noches de recuerdos.

Una tarde, la desazón se apoderó de él y volvía todo al punto de partida. Por algún motivo la mujer dejó de acudir a la estación Congreso y no se volvieron a ver. Otra desilusión le robaba el sosiego. Una nueva pena le agrietaba el dique que contenía esas lágrimas humectantes de su soledad. A partir de allí, sólo lágrimas se dieron cita, sólo lágrimas se encontraban ahora con Miguel en la “solitaria estación llena de gente”. De la situación buscó sacar algún aprendizaje, Miguel sabía que una lágrima atascada en la tristeza no lo mortificaría para siempre. Una lágrima cautiva en cuevas de resignación aquieta su curso, deja de agitarse, se enfría, y el tiempo la cristaliza en un diamante llamado madurez.  Sólo necesitaba tiempo para pulir aquel diamante.

En la semana siguiente, para sorpresa de Miguel, volvió la mujer con su sonrisa encantadora, volvía por aquella alma trémula que ansiaba ser rescatada. La mujer esta vez le sonreía con insistencia y le indicó con un gesto que bajara hasta las vías. Ella lucía un vestido negro transparente y arrastraba su larga cola, mientras meneaba su figura con suma gracia. Giraba el rostro y volvía a sonreír, una y otra vez. A Miguel le preocupó una súbita aparición del subte, y que una tragedia le arrancara a su tesoro preciado. Pero la mujer continuaba intrépida su caminata por las vías, como si nada le preocupase.

Decidido y sin más dilaciones, Miguel brincó por el andén y meditó la buena fortuna. Caminó por las gravas con una extraña mezcla de temor y ansiedad. Se acercó hasta ella para contemplarla mejor. Para Miguel era tan hermosa como en sus sueños, era como un ángel, como un ente idealizado, tan luminoso y perfecto que lo extasiaba de emoción. Pero cuando la tuvo cerca, tan cerca que sólo cabía una mano entre ambos, un olor pestífero lo invadió y una dentición prominente le sonrió más que nunca. Aquella terrible mujer venía a rescatarlo de sus pesares, a liberarlo de una vida sin mañanas, de una existencia sin ilusiones. Esa mujer venía a cumplir su labor y a confirmar los delirios tanáticos de Miguel, aquella tarde, en la estación Congreso.

Al instante, una luz blanca envolvió a Miguel. La potente locomotora puso fin al idilio y selló su destino.

* Cuento Mención de honor de la Unión Hispanomundial de escritores, sede Argentina.

ALGO MÁS QUE MUSAS PRERRAFAELISTAS...

Las artistas prerrafaelistas finalmente toman vuelo

Kathryn Hughes

Detalle de Night and Sleep de Evelyn De Morgan

A primera vista, la reina Leonor y la bella Rosamund parece una pieza clásica de arte prerrafaelita. Muestra el momento en que la reina Eleanor de Enrique II, según la leyenda, descubre a la amante secuestrada de su marido en su escondite secreto y le ofrece dramáticamente a Rosamund la elección de la muerte por daga o veneno. La escena parece ser de  Dante Gabriel Rossetti o Edward Burne-Jones. 

Evelyn De Morgan

Leonor y la bella Rosamund

Tiene todo: la oportunidad de volverse medieval, con ventanas góticas con plomo y vestidos de gasa y el cabello rojo ondulado y suelto de Rosamund. Los binarios alegóricos, también, podrían colocarse sobre Eleanor, enfurecida y gruesa, acompañada por una tripulación diabólica de simios y lagartijas, mientras Rosamund se acurruca rodeada de palomas y cupidos revoloteando. 

Sin embargo, esta pintura no es de uno de los grandes del arte prerrafaelita. Es obra de Evelyn De Morgan, una mujer cuya pintura a menudo se compara con la de Burne-Jones. Sir Edward, de hecho, era mordaz sobre la joven artista en sus cartas privadas, una señal segura de que se sentía sacudido por su talento. Ella había sido un gran éxito en la Grosvenor Gallery. E incluso en las primeras piezas de De Morgan, como la deliciosa Night and Sleep (1878) realizada cuando tenía solo 23 años, se siente la confianza pictórica y la sensación de color que puede hacer que cualquier gran maestro establecido mire a sus laureles.

Night and Sleep,by Evelyn De Morgan. Detalle.

De Morgan es una de una docena de mujeres cuyo trabajo se celebra en la exposición de otoño de la National Portrait Gallery de las Hermanas Prerrafaelitas. Increíblemente, esta es la primera vez que se realiza una exposición dedicada al trabajo de las mujeres pintores, creadoras, modelos y gerentes asociadas con el movimiento que interrumpió el arte británico en la segunda parte del siglo XIX. De hecho, las exposiciones canónicas de arte prerrafaelita, como la exposición histórica en la Tate en 1984, han relegado rutinariamente a las mujeres a papeles menores como musas, amantes y esposas decepcionadas. 

Si bien la reciente investigación revisora ​​ha comenzado a reclamar las ambiciones de Lizzie Siddal como pintora y el trabajo de Jane Morris como experta en costura, las dos primeras damas del prerrafaelitismo todavía se escriben principalmente a través de sus tortuosas vidas privadas y matrimonios tristes con Rossetti y William Morris respectivamente.

Lizzie Siddal, Dante Gabriel Rossetti, 1874

"En esta exposición, queríamos restaurar la agencia de las muchas mujeres asociadas con la historia prerrafaelita cuyas contribuciones nunca han sido completamente reconocidas", explica Jan Marsh, co-curadora del espectáculo. Lo que Marsh y su colega Alison Smith demuestran triunfalmente no es solo que las mujeres produjeron trabajos que eran fácilmente iguales a sus amigos, hermanos y tíos, sino que lo hicieron con la plena autoconciencia de los artistas profesionales. 

De Morgan es un caso puntual. Nació en 1855, nieta de un conde, en el tipo de fondo rico de la clase alta donde se esperaba que las mujeres permanecieran visiblemente ociosas. Sin embargo, en lugar de embarcarse en la vida de una debutante, De Morgan se fue al Slade*, donde procedió a obtener una beca y ganar otros premios brillantes. También desarrolló una práctica rigurosa que le obligaba a levantarse temprano por la mañana para pintar antes de terminar el día. Los críticos no solo admiraron su trabajo, sino que también obtuvo un ingreso saludable vendiendo grandes cuadros a clientes de alto perfil, incluidos parlamentarios e industriales. Esto fue afortunado, porque su esposo, el ceramista encantador pero mundano William De Morgan, dependía de sus ingresos para mantener su hogar alegre y sin pretensiones.

 Flora. Detalle.(1894) Evelyn de Morgan

     

Cuando Evelyn De Morgan estaba trabajando a fines del siglo XIX, las actitudes hacia las artistas profesionales femeninas estaban cambiando. Veinticinco años antes, Joanna Boyce, que pertenecía a la misma generación que los prerrafaelitas Rossetti, John Everett Millais y William Holman Hunt, se vio obligada a luchar contra las actitudes convencionales. No fue sino hasta que ya tuvo varias pinturas aceptadas en el espectáculo de verano de la Royal Academy, que Boyce encontró la confianza para viajar a París e inscribirse en una clase en el taller de Thomas Couture. Aquí se le permitió dibujar de modelos desnudas, descubriendo en el proceso que no había nada de lo que avergonzarse: "Cualquier chica puede dibujar como yo había estado dibujando ayer y esta mañana, como libre de daños o de cualquier peligro, como si estudiaron un ramo de flores o un paisaje ".

Elgiva (1855), Joanna Boyce , óleo sobre lienzo, colección privada.

Estar en París también permitió que Boyce floreciera como crítica de arte, y envió a casa críticas mordaces a la prestigiosa Saturday Review, sin temor a molestar a las vacas sagradas en el proceso. Ella declaró a Jean-Auguste-Dominique Ingres, el querido del público francés, como un dibujante execrable, un mal colorista, un hombre sin intensidad de sentimiento o poder de imaginación, ¿cómo ha atraído a semejante ¿multitud de fieles?

Qué irónico que la brillante vida y carrera de Boyce se viera interrumpida con solo 29 años por esa característica  de la vida de una mujer: el parto. Al igual que De Morgan una generación después, Boyce se resistió al matrimonio durante años porque temía que la vida familiar distrajera su arte. Pero en 1857 finalmente aceptó una propuesta de su devoto admirador Henry Wells, un retratista. Solo cuatro años después, Joanna Boyce Wells estaba muerta, días después de dar a luz a su tercer hijo. Rossetti, el mejor amigo de su hermano, fue convocado para tomar un boceto final, y se escuchó murmurar más tarde: "Un gran artista sacrificado para traer más niños al mundo".

Fanny Eaton de Joanna  Boyce Wells. 

Una de las historias de vida más improbables que se celebrará en la exposición es la de Fanny Eaton, una modelo nacida en Jamaica. Durante décadas, Eaton estuvo "escondida a plena vista" en el trabajo de los prerrafaelitas de la década de 1860. 

Rossetti's The Beloved (1865) es la imagen más famosa en la que apareció, como la dama de honor con piel oscura. Pero los historiadores del arte también la han identificado como la modelo en La madre de Sísara (1861) de Albert Moore y La madre de Moisés (1860) de Simeón Salomón. 

Mientras tanto, la hermana de Salomón, Rebecca, usó a Eaton como modelo para el indio ayah en su pintura de 1861 The Young Teacher, mientras que para Frederick Sandys fue la tentadora medieval Morgan le Fay.

Fanny Eaton   Rossetti's The Beloved (1865)

Fanny Eaton en  La madre de Moisés (1860) de Simeón Salomón.  

Fanny Eaton en 'The Young Teacher' de Rebecca Solomon (1861), colección privada

Como sugiere esta enorme extensión de identidades, los prerrafaelitas estaban felices de usar a Eaton, que era hija de una esclava negra y (probablemente) del dueño blanco de una plantación, como marcador de posición para una amplia gama de etnias. Podría ser palestina, egipcia o libia, según sea necesario. En una ocasión fue convertida en afroamericana y en otra en esclava de África occidental. Lo único que nunca se le permitió ser era jamaicana de raza mixta.

 Poco se sabe sobre la vida de Eaton, aunque sus descendientes, que no tenían idea de que tenían ascendencia negra, están comenzando a reconstruir su historia a través de los canales habituales de historia familiar. Llegó a Londres con su madre, Matilda, en la década de 1840 y se fue a trabajar como empleada doméstica. En 1857 se casó con un taxista llamado George Eaton, con quien tuvo 10 hijos. Parece probable que convertirse en un modelo profesional para el círculo prerrafaelita fuera un orgullo y un beneficio para Eaton. No hay nada que sugiera que estuvo involucrada sexualmente con ninguno de los pintores (lo mismo difícilmente podría decirse de muchos de los otros modelos de la clase trabajadora, incluidos Siddal, Morris, Fanny Cornforth y Annie Miller). 

Más bien, dice Marsh lo que parece que tenemos aquí es un ejemplo único de una mujer de color que usa su ambigüedad étnica para forjar una carrera rentable como trabajadora profesional en el mundo del arte. Solo por esta razón, Eaton toma su lugar con las otras 11 hermanas prerrafaelitas como una verdadera pionera.

*La Slade School of Fine Art, más conocida como The Slade, es una escuela de Bellas Artes creada en 1871 y asociada al University College London.​En 2013, el periódico británico The Guardian la calificó como la mejor escuela de arte del Reino Unido​.  

 Pre-Raphaelite Sisters está en la National Portrait Gallery, Londres WC2H, desde el 17 de octubre.