HACER Y REPARAR

 

Cómo hacer y reparar se convirtió en una declaración de moda

  Karen Kay

 

 

En lugar de remiendos visibles, las técnicas creativas pueden convertir una prenda en una característica de reparación.

A medida que crece el interés con los programas de televisión, los libros y ahora una nueva exposición importante en Londres, la idea de reparar artículos queridos es más que dinero en efectivo

A principios de 2020, Claire Catterall, curadora sénior de la Somerset House de Londres, comenzó a explorar el potencial de una exposición sobre la reparación.  Observó una nueva generación de amantes de la moda ahorrativos que querían preservar la ropa utilizando métodos tradicionales y creatividad contemporánea.

“Había un interés creciente en el oficio de reparar”, recuerda Catterall.  "Las ideas de reparación y sanación se unieron, enfocándose en el deber de cuidar a nuestra comunidad, a nosotros mismos, al planeta y a nuestras posesiones. Eso alimentó la idea de la reparación visible: un enfoque de reparación donde el trauma o el daño se vuelven parte de la historia, en personas, objetos o ropa”.

Un jersey muy remendado de Celia Pym expuesto en Somerset House

 “Se relaciona con la idea de cuidado”, dice ella. “Me encanta la palabra 'reparar': habla de sanación y la atención terapéutica de arreglar algo”. "La reparación se trata del viaje recorrido, no de restablecer la perfección imposible de lo nuevo".

Toast comenzó a ofrecer sesiones en 2018, enseñando a los clientes técnicas de costura japonesas como boro, kantha y sashiko para reparar prendas tejidas, y luego expandiéndose al zurcido de prendas de punto. Las sesiones continuaron en línea en el encierro de la pandemia. Hasta la fecha han participado más de 7.000 personas, y la marca ofrece ahora un servicio de reparación gratuito, para sus prendas de marca propia.

“Ahora tenemos siete centros de renovación en las tiendas en Inglaterra y Escocia”, dice Madeleine Michell, responsable de conciencia social de Toast. “Desde abril de 2021, nuestros especialistas han reparado más de 1800 prendas, a menudo utilizando materiales excedentes de nuestro proceso de producción. En febrero pasado, todos nuestros escaparates exhibieron prendas reparadas, lo que inspiró a los clientes a traer piezas preciadas para un poco de cariño”

Un bolso Chanel bien usado recibe el tratamiento de restauración

Donde las generaciones anteriores reparaban de la manera más discreta posible, tal vez avergonzados por el ahorro forzado, los reparadores de la nueva ola utilizan un estilo más decorativo de "reparación visible". 

Flora Collingwood Norris, una diseñadora de géneros de punto que vive en la frontera escocesa, informa de la creciente demanda de su colorido servicio de remiendos visibles. Es una idea que comenzó cuando era adolescente, comprando suéteres de cachemir en tiendas de caridad y luego adornando cualquier daño con su aguja e hilo.

“Veo un agujero como una oportunidad”, dice ella. “Me obliga a ser creativa y pensar en el tamaño, la posición y el contexto de la prenda, luego juego con texturas de hilo, colores y una combinación de técnicas de zurcido tradicionales, parches y bordados para elevarlo a un nuevo elemento de diseño. Todo el mundo puede hacer esto: es asequible y accesible. Dar a las prendas una calidad única y un nuevo capítulo trae una inmensa satisfacción”.

Aunque Collingwood Norris reparará artículos por una tarifa, también ha publicado un libro, ofrece talleres de Zoom y tutoriales en video descargables, y vende materiales para quienes desean reparar por sí mismos, y esta es el área que recientemente vio en auge.

Las librerías están repletas de títulos como  The Art of Repair y Modern Mending, mientras que YouTube ofrece una gran cantidad de tutoriales para aquellos que deseen aprender a zurcir, parchar y arreglar por sí mismos.

Dados los problemas generalizados de la cadena de suministro y la crisis del costo de vida, muchos se ven obligados a "hacer y reparar" de una manera que no se veía desde la década de 1940. Tal vez haya una desconexión entre la reparación como una necesidad y la reparación como una insignia de honor a la moda, entre alguien que lucha por evitar que un jersey escolar se desmorone y la fashionista que usa puntadas llamativas para cubrir un agujero de polilla en un artículo de diseño, pero puede que sea así. comenzar a reducir el estigma. También podría hacer que la gente piense en la posibilidad de desechar la moda rápida y las 300.000 toneladas de ropa que se desechan anualmente en el Reino Unido.

Un creciente ejército de empresas, incluidas Mulberry, Barbour y Uniqlo, tienen reparación interna y otras marcas se asocian con especialistas en reparación de terceros.

“Queremos que los clientes se enamoren nuevamente de sus cosas favoritas, ya sea que eso signifique restaurar el color de una bolsa descolorida o reparar rasgaduras, agujeros, rozaduras y otros daños”, dice  una neoyorquina que ahora vive en Londres, quien tuvo la idea después de recibir un servicio de mala calidad cuando llevó un par de zapatos favoritos a una cadena de arreglos en la calle. “Aftercare es el mercado más grande que nunca has visto. Tiene un valor de $ 100 mil millones, pero no se había digitalizado ni optimizado para satisfacer las necesidades modernas. Lanzamos en 2017 y, para el año pasado, habíamos hecho 60.000 reparaciones. La infraestructura tecnológica y logística ha avanzado y el crecimiento es rápido. Gran Bretaña y Europa continental son nuestros mercados más importantes, aunque en la actualidad todo se hace fuera del Reino Unido, y estamos hablando con los principales actores en los EE. UU. con miras a operar allí también”.

La reparación puede tener el potencial de ganar mucho dinero para algunos, pero también podría ayudar a sanar el planeta y su gente: “El reparador contemporáneo demuestra no solo un cuidado por el pasado sino también una actitud firmemente arraigada en el futuro”.

 

LA ERA DE LA EXTINCIÓN

 

Los melomyses de Bramble Cay

Hanna Seo

 

 

 

 

El declive del pequeño mamífero fue rápido y alarmante. Ilustración: Ricardo Maciá Lalinde

 

 El aumento del nivel del mar sofocó la flora en el hábitat isleño de los diminutos mamíferos, y en solo unos años desaparecieron

Nadie sabe cómo los melomyses de Bramble Cay, roedores con grandes ojos líquidos y pelaje marrón rojizo, lo suficientemente pequeños como para caber en las palmas de las manos, terminaron en Bramble Cay.

El cayo es una mota de tierra a unos 50 km (31 millas) de la costa de Papua Nueva Guinea, en el extremo norte de la Gran Barrera de Coral. ¿Fueron los melomyses arrastrados allí sobre madera flotante en una tormenta? ¿Llegaron hace miles de años por un puente terrestre que ya no existe?

Es posible que esas preguntas queden sin respuesta para siempre: en 2015, el melomys de Bramble Cay se convirtió en el primer mamífero en extinguirse directamente debido al colapso climático causado por el hombre. Su historia es parte de Extinction Obituaries, una serie que documenta la vida de las especies que han desaparecido en la memoria viva.

Bramble Cay es solo un poco más grande que un centro comercial promedio de EE. UU. El punto más alto está a unos 10 pies sobre el nivel del mar. Pero fue un bote salvavidas para los melomyses, que eran algunos de los mamíferos más aislados del mundo.

La vida en Bramble Cay para los melomyses parecía sencilla. Vivían al abrigo de los frondosos arbustos de los que comían, correteando en la arena de su hogar aislado; su rutina se interrumpía solo por la emoción de visitar humanos y pájaros, o tormentas ocasionales.

Su declive fue rápido y alarmante. En informes de 1978, los científicos documentaron varios cientos de melomyses individuales. Un informe de encuesta de 1998 realizado por el gobierno australiano contó poco menos de 100.

El pequeño cayo y sus habitantes esencialmente atrapados eran susceptibles incluso a pequeños cambios en el océano circundante. El cambio climático y el aumento del nivel del mar provocaron la intrusión de agua salada en toda la isla, ahogando gran parte de la flora: en la década entre 2004 y 2014, el volumen de plantas frondosas en Bramble Cay se redujo en un 97 %. Las marejadas ciclónicas también aventaron a la población, arrastrando animales al mar.

Cuando los biólogos regresaron en 2002 y 2004, solo se pudo encontrar alrededor de una docena de melomyses. Natalie Waller, bióloga conservacionista de Carpentaria Land Council Aboriginal Corporation, fue una de las científicas que viajó a Bramble Cay en 2011 y nuevamente en 2014 con el propósito expreso de atrapar, o al menos documentar, cualquier melomyses que quedara.

“No encontramos ninguno”, recuerda con tristeza. El equipo recorrió la isla, colocó trampas para roedores alrededor del cayo arenoso e instaló cámaras de vigilancia. “Estábamos planeando establecer una población de seguros cautiva”, dice Waller, pero simplemente no había rastro de un solo melomys. Incluso las búsquedas de excrementos y zonas de anidación no arrojaron nada.

La Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza declaró que los melomys de Bramble Cay se extinguieron en 2015. En algún momento, los biólogos recolectaron muestras de tejido de los melomys para registrar su información genética, pero ahora también parecen haberse perdido.

Bramble Cay ha sido un lugar de reunión para generaciones de isleños del Estrecho de Torres, dice Jimmy John Thaiday, un artista indígena. “Nuestros ancestros irían allí, nuestros abuelos, los abuelos de nuestros padres”. Los isleños del Estrecho de Torres han designado guardabosques terrestres y marinos que visitan varios cayos en el área cada pocos meses para monitorear y manejar la vida silvestre. Cuidan las plantas, etiquetan tortugas y documentan poblaciones. Están tratando de mantener Bramble Cay tal como está, o al menos, frenar la progresión de su declive.

Para ayudar a recordar y llorar a los melomys, llamados maizub kaur mukeis en el idioma aborigen Meriam Mir, Thaiday y otros artistas esculpieron una familia de melomyses con redes fantasma, desechos abandonados en gran parte de la industria pesquera, como un comentario sobre la vulnerabilidad de la isla. ecosistemas El proyecto de arte es una elegía a los mukeis , una forma diferente de preservar la especie, aunque un pobre sustituto de una criatura viva.

 

LA SILLA DE VAN GOGH

 

Por qué las pinturas de la 'silla vacía' de Van Gogh nunca se mostraron juntas

 Donna Ferguson

 

 

Autorretrato con sombrero de fieltro gris de Vincent van Gogh, 1887. 

 

 

Su cuñada ocultó una dedicada a Gauguin  por los ataques del artista francés a su antiguo amigo'

Poco antes de que Vincent van Gogh se cortara la oreja izquierda y sufriera una crisis tras una pelea con su colega Paul Gauguin en la ciudad francesa de Arlés en 1888, creó un par de pinturas extraordinarias. Una, La silla de Gauguin, representa un par de libros y una vela encendida desechada en un sillón ornamentado. La otra, La silla de Van Gogh, muestra una pipa de tabaco y una bolsa en una silla de madera rústica y se reconoce instantáneamente como una de las pinturas más famosas del mundo.

Ahora, el misterio de cómo se dividió el díptico de pinturas, y por qué la imagen de la silla de Gauguin se mantuvo en la colección familiar mientras se vendió la silla de Van Gogh, finalmente se ha resuelto.

La respuesta está en la decisión de Johanna Bonger, quien heredó las pinturas como viuda del hermano de Van Gogh, Theo, de no exhibir las obras maestras juntas en las décadas posteriores a la muerte de Van Gogh en 1890 debido a su "desagrado por Gauguin".

La silla de Van Gogh, 1888.

La silla de Gauguin, 1888. 

Si bien estaba feliz de prestar la silla de Van Gogh para exposiciones, retuvo la silla de Gauguin, abandonando el trabajo en la oscuridad, según reveló una investigación de un académico holandés.

No fue hasta 1928, tres años después de su muerte, que el sillón de Gauguin fue seleccionado por primera vez para una exposición. En ese momento, La silla de Van Gogh ya era famosa y había sido vendida a la Tate.  

“Johanna nunca mostró la silla de Gauguin , mientras que la silla de Van Gogh fue promocionada como una obra de arte realmente importante”, dijo Louis van Tilborgh, investigador principal del museo Van Gogh y profesor de historia del arte en la Universidad de Amsterdam, quien publicó su investigación en la revista de arte holandesa Simiolus.

Él piensa que la razón por la que Bonger no quería exhibir la pintura era que no le gustaba Gauguin después de que el artista francés menospreciara públicamente a su antiguo amigo. “Gauguin, muy pronto, corrió la voz de que Van Gogh no solo estaba loco, sino que él, Gauguin, tenía que enseñarle a Van Gogh a pintar. Creo que Bonger lo sabía y mi conclusión es que, por esa razón, no quería juntar esas dos imágenes”.  Exhibir la pintura podría haber dado crédito a la sugerencia de que Van Gogh era un discípulo de Gauguin y, por lo tanto, un artista inferior. “Probablemente, al no mostrar las dos obras juntas, quería evitar la discusión al respecto”.

Van Gogh pintó los cuadros después de invitar a Gauguin, a quien admiraba profundamente pero apenas conocía, a vivir con él en Arlés y trabajar juntos en grandes obras de arte. Compró 12 sillas de madera “extremadamente simples”, pero solo un lujoso sillón ornamentado, que colocó en la habitación de Gauguin.

“En la literatura histórica del arte, siempre se han descrito como sillas vacías. Y el vacío estaba relacionado con el hecho de que los historiadores del arte y los psicoanalistas creen que Van Gogh predijo que él y Gauguin se separarían”, dijo Van Tilborgh.

Van Gogh escribió una carta a su hermano sobre su trabajo en las pinturas, describiéndolas como "bastante graciosas". Debido a un error en la fecha de esa carta, durante casi un siglo se pensó que Van Gogh había pintado las sillas inmediatamente después de que Gauguin anunciara que sus temperamentos eran incompatibles y Gauguin estaba pensando en mudarse.

La fecha de esta carta se corrigió en 1984. Pero los historiadores del arte continúan sugiriendo que Van Gogh creó las pinturas en un estado de temor y ansiedad de que Gauguin lo abandonaría a él y a su colaboración en el estudio, y su asociación fracasaría.

De hecho, Van Tilborgh señala que Van Gogh completó el díptico mucho antes del anuncio de Gauguin, y las sillas no están vacías sino ocupadas por las pertenencias de sus dueños, indicando lo que hacen para relajarse.

“Se trata de interpretación. Por supuesto, puedes decir que las sillas están vacías, porque no hay nadie sentado en ellas. Pero, en principio, no están vacíos. Hay cosas en ellos que sugieren la presencia de su dueño. Él piensa que Van Gogh pintó las sillas en un estado de ánimo optimista. “Simbolizan un estudio y una sociedad, lo que le dio esperanza”.

 

Autorretrato dedicado a Carrière de Paul Gauguin, 1888.

Después de que Gauguin se fue y Van Gogh fue dado de alta del hospital, el artista lesionado agregó deliberadamente la pipa de tabaco y la bolsa a su propia silla, en ese momento completamente vacía, asegurándose de que su presencia en la habitación de la pintura fuera al menos tan obvia como la de Gauguin, cuya silla ya tenía los libros y la vela encima.

“Debe haber pensado: 'Mi propia silla está vacía. Pero yo soy el único que está aquí. Así que tuvo que agregar algo para dejar esto mucho más claro”.

Van Gogh luego firmó Van Gogh 's Chair pero no Gauguin's Chair, que, dado que Gauguin ya no estaba presente para sentarse en ella, describió luego en una carta a su hermano como "vacía". Van Tilborgh dijo: "Hace que la imagen de su propia silla sea más importante, porque se ha quedado".

Este estatus de la Silla de Gauguin como una pintura sin firmar podría haber sido un factor en la decisión de Bonger de no exhibirla, dijo la profesora honoraria de la Universidad de Edimburgo, Belinda Thomson, historiadora del arte que se especializa en el trabajo de impresionistas y postimpresionistas. “Es posible que se lo haya ocultado, pensando que era una de las pinturas que Vincent no consideraba importantes”.

Thomson cree que Van Tilborgh presenta un argumento "muy convincente" de que las sillas no están tan "vacías" como pensaban los expertos. “La datación de estas sillas, mucho antes de los indicios de que la relación iba mal, simplemente arroja una luz diferente sobre el asunto. Los hace parecer una declaración mucho más positiva y mucho más optimista de su relación”.

Dada la descripción de Van Gogh de ellos como " drôle" en francés, ella cree que casi podrían verse como un poco irónicos o divertidos, en lugar de pinturas que representan una sensación de anhelo, vacío o fracaso. “Es retrospectivo hacer esa lectura. En el momento en que fueron pintados, Van Gogh y Gauguin se llevaban bien”.

Más tarde, cuando Van Gogh agregó una pipa de tabaco y una bolsa a la silla de Vincent, ella sospecha que estaba tratando de hacer su propia silla, que era, después de todo, una de las 12, tan personal e individual como la silla de Gauguin . “Da una equivalencia entre ellos”.

Richard Thomson, también profesor de historia del arte en la Universidad de Edimburgo, dijo que pensaba que la investigación de Van Tilborgh podría llevar a los historiadores del arte a repensar no solo otras imágenes de Van Gogh, sino también su relación con Gauguin. "Es demasiado fácil decir que Van Gogh y Gauguin se pelearon, y todo fue muy difícil y tenso, pero aquí hay una interpretación más sutil, más complicada y creo que más profunda".

 

POEMA

En Babia

Meri Pas Blanquer

Esta mañana

me han despertando

con su canto retumbante

los gorriones.

Y el sol,

más brillante que nunca

ha irrumpido brutalmente

en mi habitación

y me ha despertado

a bofetadas.

Ni los gorriones ni el sol

se deben haber enterado

que te has ido para siempre.

LEONARDO OTRA VEZ

 

La obra inacabada de Leonardo da Vinci se dirige a su "casa"

Retrato de Leonardo da Vinci (1452-1519), pintado c1510. Fotografía: Getty

El Vaticano permite un raro préstamo de la pintura de San Jerónimo a la última residencia del artista en Clos Lucé

Cuando el erudito italiano y maestro renacentista Leonardo da Vinci juró lealtad al rey francés en 1516 y aceptó la invitación de Francisco I de vivir en Francia, trajo consigo tres de sus obras más famosas. San Juan Bautista, la Virgen y el Niño con Santa Ana y su cuadro más célebre, Mona Lisa, ahora están colgados en el Louvre de París.

Sin embargo, algunos expertos en Leonardo sugieren que pudo haber llegado a Francia con otra pintura, una que quedó sin terminar, una obra a la que volvió y mejoró, pero que nunca completó, a pesar de tenerla cerca de él durante más de 30 años.

El Vaticano permite un raro préstamo de la pintura de San Jerónimo a la última residencia del artista en Clos Lucé

El misterioso San Jerónimo en el desierto, que Leonardo comenzó en algún momento de la década de 1480, rara vez deja su hogar permanente en los Museos Vaticanos. Sin embargo, hoy, como resultado de un acuerdo de préstamo excepcional, se exhibe en la casa solariega de Clos Lucé, cerca del antiguo castillo real de Amboise, en el Loira, en el oeste de Francia, donde Leonardo vivió durante poco más de dos años hasta su muerte en 1519.

“Quinientos años después de la muerte de Leonardo da Vinci, tendremos la pintura aquí durante 100 días”, dijo al Observer François Saint Bris, cuya familia es propietaria del Clos Lucé.

“Es muy conmovedor para nosotros que nos presten esta obra. Este es un lienzo singular, un trabajo en progreso que cobra más vida cuanto más lo miramos. En él vemos el funcionamiento del cerebro de Da Vinci, sus técnicas, su inteligencia, su dibujo. Esperamos que los visitantes vengan aquí a contemplarlo”.

Se cree que menos de 20 pinturas de Leonardo han sobrevivido hasta ahora. San Jerónimo en el desierto no es el mejor ni, de hecho, el más brillante: la pintura sombría y en gran parte descolorida representa al santo del siglo IV demacrado y penitente, el considerado padre de la iglesia cristiana, golpeándose el pecho con una piedra. En la parte inferior del lienzo, el contorno del león de cuya pata Jerónimo ha extraído una espina, se encuentra esbozado e inusualmente feroz, un cambio de su representación dócil habitual.

San Jerónimo. Leonardo

San Jerónimo, un erudito al que se atribuye la traducción de la Biblia del griego y del hebreo al latín durante sus años en el desierto, fue un tema popular durante el período del Renacimiento, que simboliza tanto el humanismo como la religión. Leonardo lo despojó de su habitual atuendo de retrato de túnica cardenalicia escarlata, sombrero y barba y lo retrató con rasgos demacrados en harapos y sin Biblia.

La obra se encargó mientras Leonardo vivía en Florencia en 1481 y quedó inacabada cuando se mudó a Milán en 1482. Pero quién la encargó y por qué nunca se completó sigue siendo un misterio. La pintura desapareció y resurgió varias veces a lo largo de los siglos y finalmente apareció en una casa de empeño en 1856, donde fue adquirida por el Papa Pío IX.

Guido Cornini, un curador del Vaticano, dijo que el hecho de que no estuviera terminado lo hizo aún más interesante para los historiadores del arte y los expertos que lo han utilizado para desentrañar muchas de las técnicas y características de Leonardo como artista.

“Puedes ver los pasos de la pintura. No sabemos por qué se detuvo. Existe la teoría de que Da Vinci pudo haber guardado esta pintura con él durante toda su vida.  Podría haberlo guardado con él intencionalmente sin terminar, volviendo a él de vez en cuando, mejorándolo, cambiándolo”, dijo Cornini. Francesca Persegati, curadora de los Museos Vaticanos, dijo que había evidencia de que Leonardo había usado sus dedos para pintar una sección de la pintura. “De hecho, podemos ver dónde presionó la pintura espesa con la palma y el dedo. Podemos imaginar al artista tocando esta pintura y convirtiéndose en parte del trabajo”.

Barbara Jatta, directora de los Museos Vaticanos, dijo que la pintura rara vez había salido de la colección permanente y solo cuando se podía garantizar su integridad y seguridad. Pero se había expuesto en Roma, en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y en el Louvre en 2019 por el aniversario de la muerte del artista.
“Hay muchas razones para celebrar y compartir una obra de arte simbólica de la colección del Vaticano devolviéndola al lugar donde probablemente estuvo ubicada durante la estancia y muerte del gran Leonardo da Vinci en Francia. Las hipótesis y varios documentos conservados en Milán nos llevan, de hecho, a creer que la pintura estaba en Clos Lucé cuando murió el 2 de mayo de 1519”, dijo Jatta.

“Es una obra maestra indiscutible… es precisamente por su naturaleza 'inacabada' que se considera una de sus obras más interesantes y es una de las pocas pinturas del artista cuya autenticidad nunca ha sido cuestionada”. “Era importante traer la pintura aquí, donde vivió y murió Da Vinci. Queríamos hacer posible que la gente visitara el lugar histórico y compartiera no solo la historia y el arte técnico de Da Vinci, sino también la figura de San Jerónimo, una de las figuras fundamentales de la iglesia, y su vida”.

La exposición de la pintura en el Château de Clos Lucé, y de otras obras vinculadas a Leonardo y San Jerónimo, se extiende hasta el 20 de septiembre. Los visitantes pueden recorrer el castillo, incluidas las salas de visita utilizadas por Leonardo y las galerías que ilustran su trabajo como pintor, matemático, ingeniero, científico e inventor.

 

TODOS LOS RELOJES DEL PRESIDENTE

 

Todos los relojes del presidente Kennedy 

 

 

El presidente Kennedy al volante del yate de la Guardia Costera "Manitou" con el 

Omega Slimline. Narragansett Bay, 26 de agosto de 1962 

Omega predijo la victoria para él, el controvertido regalo Rolex de Marilyn, el querido Cartier Tank de Jackie. La fascinante historia de los relojes pasados ​​por el Despacho Oval en los años 60 que hoy nos gustaría tener en nuestra muñeca.

Quizás más que nadie, John Fitzgerald Kennedy nos ha enseñado que los relojes son cualquier cosa menos mecanismos encerrados en cajas inanimadas. Él, como gran amante y conocedor de los relojes, ha vinculado a cada uno con recuerdos de hechos extraordinarios. Su colección también incluía relojes de mesa y se puede decir que los relojes marcaron su destino por encima de todo, como el Omega que vaticinó su elección, el Cartier regalado por Jackie y el Rolex entregado por Marilyn Monroe, la noche de su cumpleaños. 

Modelos icónicos que hoy, setenta años después, son perfectos incluso para mujeres y que se enriquecen con sugerencias y significados precisamente porque han entrado en la historia del mundo occidental, atravesando salones ovalados, limusinas, cenas presidenciales y jets privados. Por eso queremos contar su historia y emocionarnos imaginando ese mundo que ya no existe pero que a través de un objeto tan noble revive en la memoria y en su valor inmaterial y en nuestra muñeca.

El primer Bulova propiedad de Kennedy, sus iniciales están impresas en el fondo de la caja: JFK

El primer reloj con el que el presidente John F. Kennedy fue fotografiado fue un Bulova de estilo Art Deco con una pulsera de eslabones dorados y una placa en la parte inferior grabada "JFK 1941". Con un dial rosa y números dorados, este era un reloj llamativo, y como Kennedy era muy activo  rompió el cristal varias veces accidentalmente. La historia cuenta que el reloj le fue entregado durante una función en Washington, DC por una admiradora. El número grabado en el reloj, 1941, es una referencia al año en que Kennedy se unió a la Reserva Naval de los Estados Unidos y al personal de la Oficina de Inteligencia Naval.

El Omega que predijo la victoria de Kennedy y gustó tanto a Jackie

Es el verano de 1960, Grant Stockdale, es senador por Florida y gran amigo de otro senador que compite en la elección de la presidencia de los Estados Unidos, John F. Kennedy. Es precisamente este gran evento lo que empuja a Stockdale a hacer un regalo simbólico a su entrañable amigo. La elección recae en un reloj cuadrado, ultraplano, un Omega Slimline, con un grabado en el reverso que dice: "To the President of the United States John F. Kennedy, from his friend Grant". 

A Jackie le gustó el reloj e inmediatamente le escribió a su amigo para agradecerle y decirle que este reloj elegante y delgado había tomado el lugar del modelo antiguo y redondeado que usaba John. Eso sí, hay un pequeño detalle: en el verano de 1960 aún no habían tenido lugar las elecciones a la presidencia americana, y este reloj tiene un papel premonitorio en la historia, tanto que Kennedy quiere llevarlo puesto durante la ceremonia de investidura. La batalla de ese verano contra Richard Nixon es una de las más apasionantes de la historia estadounidense. La campaña de Kennedy está hábilmente orquestada por su hermano Robert y el 8 de noviembre de 1960 John se convierte en presidente con solo 43 años. Comenzó un punto de inflexión no solo para Estados Unidos sino para el mundo entero y un mito que aún hoy se resiste porque ese mundo joven, lleno de estilo y con ganas de futuro nos guía como modelo positivo.

 Omega adquirió el reloj en una subasta en 2005 por $ 420.000.

El reloj de Marilyn y la frase de Kennedy "vamos a deshacernos de él"

En torno a este reloj, la leyenda se funde con la realidad. De hecho, los expertos tienen algunas dudas sobre la autenticidad del reloj. Pero según las historias parece que la legendaria actuación de Marilyn Monroe en las notas de Happy Birthday Mr. President cantadas por la actriz el 29 de mayo de 1972 por el cumpleaños de John F. Kennedy, en el Madison Square Garden, no fue su único regalo. A través de un asistente, Marilyn envió al presidente una caja que contenía un Rolex Day-Date en oro amarillo y una hoja en la que había escrito un poema a modo de dedicatoria: “Que los amantes suspiren sin una palabra y que las rosas florezcan con la música alrededor. Deja que la pasión arda en los labios y en los ojos y que los placeres giren alegremente. Que el resplandor del oro inunde el cielo y déjame amar o morir". 

¿Verdad o fábula ingeniosamente empaquetada para elevar los precios del reloj que se vendió en una subasta en 2005 por $ 120.000? En la parte posterior, el reloj todavía tiene una dedicatoria: “Jack. Con cariño como siempre, de Marilyn". La reacción de Kennedy al ver ese regalo mágico que podría haber arruinado su reputación, matrimonio y carrera, fue tajante: le dijo a su asistente que se deshiciera de él lo antes posible. 

  

El Hamilton y el Nastrix que Jackie “recicla” para Onassis

En 1962, el ex gobernador de Pensilvania, David Lawrence, le regaló un Hamilton 505 con un retrato de sus hijos en la esfera. El último regalo que recibirá en 1963 será de su amigo David Bruce, el embajador estadounidense en el Reino Unido. Bruce regala a John F. Kennedy un Nastrix de oro de 14 quilates resistente al agua pero el epílogo del reloj sorprende. De hecho, será regalado por Jacqueline Kennedy a su nuevo esposo Aristóteles Onassis, con el grabado entre las asas “FALJ”: For Ari, Love Jackie.

El último reloj de Kennedy, en Dallas

El último reloj que usó John Kennedy, el día de su asesinato el 22 de noviembre de 1963, es un Cartier Tank Louis de oro de 18 quilates con una correa de lagarto negra, obsequiado por Jackie en 1957 para su cuarto aniversario de boda ( Jackie tenía un reloj igual a su vez). 

(El Cartier Thank fue vendido en una subasta en 2017 por 379.500 dólares y comprado, en secreto, se cree, por Kim Kardashian). Las iniciales, el escudo de la familia y la fecha de la boda de la pareja están grabados en el reloj. También en este caso no hay certezas pero parece que era el reloj que llevaba el presidente el día del magnicidio. Después de la muerte de John, Jackie se lo regaló a su secretaria.