VEUVE CLICQUOT

 

Veuve Clicquot: redescubramos la historia

Barbe Nicole Clicquot Ponsardin, hija de un fabricante textil de Reims, nació en 1777. Viuda a los 27 años, tomó las riendas de su destino y se convirtió en una de las primeras empresarias modernas. 

En una época en la que las mujeres estaban excluidas de los negocios, Barbe-Nicole Ponsardin, se atrevió a asumir la dirección de la empresa fundada por su suegro en 1772, un papel que desempeñó con pasión y determinación.

Antes que ella, la única mujer que influyó en el mundo del vino fue María Antonieta debido a la leyenda según la cual las copas de champán se modelaban según la forma de sus pechos.  

Barbe Ponsardin esperó jamás una parábola similar cuando, en 1798, con 21 años, acabó casada con el señor François Clicquot, propietario de unas tierras en la región francesa de Champaña donde producía, además de lana, champán. 

Fue la vista de los viñedos al atardecer lo que la convenció de que François era la persona adecuada para ella, el que cambiaría su vida para siempre. Cinco años después de su matrimonio, François muere -dicen de tifus, pero hay rumores de suicidio- y Barbe Nicole, con sólo 27 años y una hija, Clementine, se convierte de hecho en la Veuve (viuda)  Clicquot.

Una historia de emancipación: "nunca dependas de nadie"

No se vuelve a casar y ni siquiera quiere que la cortejen. La frase que hace suya es “nunca dependas de nadie” y la repite continuamente. Bromea y juega con el hecho de ser viuda, es el nombre con el que se llama y que utiliza a su favor porque ha descubierto un fallo en el código napoleónico que le permite heredar y gestionar la empresa de su marido. Estamos en 1798, la Revolución Francesa acaba de terminar y Napoleón, en algún lugar de Europa, en el campo de batalla, masacra botellas de champán gritando: "¡ Champán!  En la victoria es un mérito, en la derrota una necesidad"...

Las mujeres no pueden firmar documentos oficiales, pero las viudas sí, por lo que Madame Clicquot se convierte efectivamente en administradora del negocio familiar, cuyo nombre cambia en 1810, añadiendo el adjetivo "viuda" a sus dos apellidos: Veuve Clicquot Ponsardin, convirtiéndose también en la primera mujer en dirigir una casa de champán.  A pesar de las guerras napoleónicas, la viuda Clicquot envió a sus corresponsales por toda Europa. Viajaron bajo bandera estadounidense, con el fin de evitar el bloqueo inglés.

Antes de Madame Clicquot, el champán era conocido en Francia y en el extranjero como un vino más dulce,  terriblemente turbio. "Nuestro champagne debe ser tan atractivo al paladar como a la vista".

Al comprender cuán efectivo era el impacto visual del líquido cuyos sedimentos se podían ver moviéndose alrededor de la botella, Clicquot inventó una técnica llamada table de remuage que consiste en colocar las botellas sobre mesas inclinadas para que los sedimentos de vino se depositen en el cuello de la botella y se vuelven fáciles de quitar para que el vino permanezca claro. 

Unos años más tarde inventó el primer champán rosado obtenido añadiendo bayas de saúco, y si llevamos a las fiestas botellas de champán añejo, se lo debemos a ella, que tuvo la intuición de utilizar racimos y vinos de una sola añada.

Le vin de la Comète y el sueño ruso

Corría el año 1810 cuando inventó la añada y también el año en el que decidió ponerle nombre a la empresa añadiendo delante aquella "viuda". El año siguiente, 1811, sin embargo, estuvo marcado por el paso de un cometa sobre los cielos de Champaña. Incluso en Rusia, una región clave en la historia de Clicquot, ven el cometa, que se cierne sobre las cabezas de los rusos durante 260 días. 

En Guerra y paz, Tolstoi escribe: "Casi en medio de ese cielo, sobre la avenida Prechistensky, rodeada y envuelta por todos lados por estrellas, pero distinguiéndose de todas ellas por su proximidad a la tierra, su luz blanca y su largo horizonte elevado."

En la cola, arriba, estaba el enorme y brillante cometa de 1812, ese mismo cometa que anunció, como decían, toda suerte de desgracias y el fin del mundo. Para Veuve Clicquot el paso de ese cometa no trae desgracias, sino más bien un buen augurio, un futuro color de rosa. Veuve Clicquot sólo tiene un sueño: "Quiero que mi marca sea la número uno, desde Nueva York hasta San Petersburgo" y empieza a exportar vino a Bélgica y Luxemburgo, llegar a Rusia parece, sin embargo, un sueño menos alcanzable dado el bloqueo continental pretendido por Napoleón durante las campañas de conquista.

Pero Clicquot está decidida y, en algunos barcos que navegan por el Mar Báltico, en 1814 (el año anterior a la derrota de Napoleón en Rusia) logra enviar 10.000 botellas de champán a San Petersburgo. El champán es adorado, especialmente un tipo llamado "le vin de la Comète", una añada producida precisamente con la cosecha de 1811, cuando pasó el cometa, el primer champán que fue en todos los aspectos "añada".

Uno de estos barcos se hundió en 1840 al sur del archipiélago de las islas Åland, entre Suecia y Finlandia, y algunas cajas de botellas de champán no fueron encontradas hasta 2010, perfectamente conservadas dentro de un pecio en el fondo del mar Báltico. Gracias al bajo nivel de salinidad del Báltico y al hecho de que se almacenaron en la oscuridad y en las profundidades, el sabor del champán se ha mantenido prácticamente inalterado después de más de 150 años. Entre los afortunados que han probado vino de botellas del siglo XIX, dicen que el sabor era muy similar al que tiene hoy, sólo que menos alcohólico y más dulce.

El legado de Veuve Clicquot

Si Veuve Clicquot se hubiera casado de nuevamente, su empresa pasaría a manos de su nuevo marido y ella seguiría contemplando los viñedos al atardecer sin poder de maniobra. Viuda durante más de 50 años, sin embargo, mantuvo su fuerza, su creatividad y su visión moldeando la empresa según sus deseos, también dictados por el caos y la confusión que reinaban en Europa en aquellos años y que no hicieron más que aumentar el poder napoleónico para expandir y exportar a tantas longitudes como sea posible.

A su muerte decidió dejar la bodega Veuve Clicquot Ponsardin no a su hija, sino a su amante 23 años menor, quien nos entregó intacto, el legado de la bella historia de una mujer emprendedora que no se desanimó nunca ante las desgracias.

"Una Sola Calidad,  La Primera".

El champán es un vino legendario. Toda la historia de la Maison Veuve Clicquot está jalonada por los grandes vinos elaborados con el mismo rigor de calidad que Madame Clicquot. Fiel a esta herencia, el lema de la Maison es: "Sólo una calidad, la mejor". Sólo 11 Maestros Bodegueros se han sucedido desde la fundación de la Maison, y son los garantes del perdurable estilo Veuve Clicquot, que combina fuerza y complejidad.

En 1972, la casa de champán Veuve Clicquot Ponsardin creó un premio anual en su honor, el premio Veuve Clicquot que recompensa a mujeres directoras o gerentas de empresas. Este premio existe ahora en dieciocho países.

ALGO MÁS DE POMPEYA

 

Arqueólogos descubren el "ejemplo más impactante de esclavitud romana" en Pompeya

Una imagen de la panadería-prisión hallada en Pompeya, el 8 de diciembre.

Se cree que una estrecha panadería con ventanas enrejadas era el lugar donde los esclavos eran obligados a trabajar.

En las ruinas de Pompeya se ha descubierto una panadería donde se encarcelaba y explotaba a personas esclavizadas para producir pan, en lo que se ha descrito como el ejemplo más impactante de esclavitud en la antigua ciudad romana.

La estrecha panadería con pequeñas ventanas con rejas de hierro era parte de una casa que surgió durante las excavaciones en el área de la Regio IX del parque arqueológico de Pompeya en el sur de Italia.

El descubrimiento proporciona más evidencia sobre la vida cotidiana de los esclavos de Pompeya, a menudo olvidados por las fuentes históricas pero que constituían la mayor parte de la población y cuyo arduo trabajo apuntalaba la economía de la ciudad, así como la cultura y el tejido de la civilización romana.

Se cree que la casa estaba en obras cuando fue destruida por la erupción del Monte Vesubio en el año 79 d.C. Pero en los últimos meses se encontraron los restos de tres víctimas en una de las habitaciones de la panadería, lo que indica que la casa todavía tenía ocupantes.

El sitio visto desde arriba. Fotografía: parque arqueológico de Pompeya

En el suelo de la panadería se encontraron marcas utilizadas para coordinar el movimiento de trabajadores esclavizados y animales con los ojos vendados. La casa estaba dividida en una parte residencial adornada con espléndidos frescos y la panadería, donde los esclavos eran obligados a moler el grano necesario para producir pan. La panadería estaba aislada del mundo exterior, y la única salida conducía al salón principal de la casa.

"Es, en otras palabras, un espacio en el que tenemos que imaginar la presencia de personas de estatus servil cuya libertad de movimiento el propietario sintió la necesidad de restringir", dijo Gabriel Zuchtriegel, director del parque arqueológico de Pompeya. “Es el lado más impactante de la antigua esclavitud, el que carecía tanto de relaciones de confianza como de promesas de manumisión, donde éramos reducidos a la violencia bruta, impresión que se confirma enteramente con el aseguramiento de las pocas ventanas con rejas de hierro”.

En 2021, se encontró una habitación en la que habían vivido esclavos que contenía tres camas de madera, un orinal y un cofre de madera en lo que había sido una villa en expansión en Civita Giuliana, un suburbio de la antigua Pompeya. Los restos de dos víctimas, que se cree que eran un amo y una persona a la que esclavizó, fueron encontrados en la misma villa un año antes.

Los restos parcialmente momificados, incluidos cabello y huesos, de un ex esclavo que había ascendido de rango se encontraron en una tumba en la necrópolis de Porta Sarno, una de las puertas principales a Pompeya, en 2021. Se cree que la tumba data de de la década anterior a la destrucción de la ciudad.

El 15 de diciembre comenzó en el parque arqueológico una exposición dedicada a los esclavos de Pompeya.

EL TAROT Y LA MAGIA

 

Cómo el tarot se convirtió en una obsesión ocultista

Jonathan Jones

Justo a tiempo para Navidad... cartas del tarot de Pamela Colman Smith.

Era un juego agradable e inocente practicado por los cortesanos del Renacimiento, en el que a menudo participaban mujeres fuertes. ¿Por qué estas cartas artísticamente deslumbrantes recibieron un cambio de imagen de magia negra que perdura hasta el día de hoy?

Mientras el tren avanza a toda velocidad, el crítico de arte olfatea con desprecio la idea de que las cartas del tarot puedan predecir tu futuro. Pero de todos modos deja que el Dr. Terror exponga su mochila, al igual que todos los demás en el compartimento. Y, uno por uno, todos reciben la misma carta final. Es la Muerte.

Esta escalofriante escena, de la película de 1965 La casa de los horrores del Dr. Terror, es un tema de tarot bastante estándar. Mucha gente usa las cartas para predecir el futuro o para meditar y encontrar la atención plena. En cualquier tienda de ocultismo encontrarás una gran selección de barajas. Justo a tiempo para Navidad, tradicionalmente una gran época para los juegos de cartas, Taschen está reeditando una famosa baraja, creada en 1910 por Arthur Waite y Pamela Colman Smith, completa con el folleto de Waite que explica las supuestas raíces místicas del tarot y sus símbolos. todos significan: “Muerte: Fin, mortalidad, destrucción, corrupción. Invertida: inercia, sueño, letargo”.

El suyo, dice el texto en el frente de la caja, es “el tarot más popular del mundo”. El artista Colman Smith tradujo las ideas ocultas de Waite en imágenes lúcidas. Su baraja, el primer juego de cartas del tarot diseñado explícitamente para uso esotérico, tuvo una enorme influencia en las concepciones ocultistas actuales.

Sin embargo, esta creencia en el tarot como revelador de verdades ocultas no es la supervivencia de alguna tradición antigua. Es una idea moderna injertada en algo que originalmente fue pensado como un poco de diversión. El tarot era un juego de cartas que se jugaba de una manera bastante reconocible, en la que los jugadores colocaban una carta para competir por el valor más alto en una serie de trucos, pero con unas 20 cartas con imágenes ornamentadas, según el conjunto, para complicar la puntuación. Estaban tan bellamente elaborados, tan visualmente espléndidos, que sus diseños ahora obsesionan y confunden a la gente siglos después de que los cortesanos del Renacimiento los jugaran por primera vez. Pero el tarot no tiene orígenes más misteriosos que Happy Families. Sin embargo, hay una diferencia crucial: es el juego de cartas artísticamente más ambicioso jamás creado, y eso le ha dado esta extraña y esotérica otra vida.

Las barajas de tarot más antiguas que se conservan en el mundo proceden de la Italia del siglo XV. Fueron encargados por gobernantes ricos que estipulaban lo que querían, a menudo añadiendo diferentes tarjetas con imágenes, a las que llamaban “triunfos”. Hoy en día, los ocultistas los conocen como los Arcanos Mayores. Un conjunto perdido, conocido sólo por un folleto descriptivo, presentaba a los dioses paganos. La baraja más antigua que todavía existe (parcialmente), la baraja Cary-Yale, creada para Filippo Maria Visconti, duque de Milán, mezcla imágenes que todavía están en el tarot actual, como la Muerte y Los Amantes, con cartas únicas que representan la Fe, la Esperanza y Caridad.

No hay duda del atractivo de estas suntuosas obras de arte pintadas a mano. Italo Calvino utilizó uno de los decorados milaneses en su novela El castillo de los destinos cruzados: un grupo de extraños se encuentra en un castillo donde les roban la capacidad de hablar. Para contar sus historias, deberán utilizar las cartas del Renacimiento. Es un tributo a estas obras de arte de casi 600 años de antigüedad que Calvino pueda utilizarlas para resumir la esencia de la literatura mundial. Un joven, por ejemplo, descubre al elegir las cartas que es Hamlet (es una novela complicada).

Símbolo poderoso... Muerte en la manada Visconti.

Otro aspecto sorprendente de la manada Cary-Yale Visconti es la poderosa representación de las mujeres. Sus personajes pintados incluyen a una Caballero de Espadas, montada a caballo con un vestido con motas doradas, sosteniendo su arma en alto, acompañada por su paje femenino. De hecho, los cuatro palos representan mujeres fuertes. Esto es típico de la cultura caballeresca de las cortes del Renacimiento italiano que también inspiró al poeta de la corte Ariosto a incluir a una caballero, Bradamante, en su poema épico Orlando Furioso, siglos antes de Juego de Tronos.

Esta imaginería caballeresca nos lleva a las raíces del tarot, como un juego jugado por cortesanos entre justas y espectáculos. En la corte, hombres y mujeres interactuaban en todo tipo de entretenimientos. Las mujeres que jugaban con estas cartas probablemente hubieran querido verse representadas. En otra tarjeta con imagen del mismo paquete, que representa la Fuerza, una mujer somete sin esfuerzo a un león, manteniendo sus fauces abiertas con sus propias manos.

El simbolismo era valorado en la corte de Milán por sí mismo, como una especie de juego, y esto puede verse en los símbolos heráldicos y misteriosos emblemas con los que Leonardo da Vinci llenaba sus cuadernos cuando trabajaba allí. El tarot también era un juego, no una práctica mística. La magia era muy popular en el Renacimiento, pero utilizaba talismanes, cábala y nigromancia, no cartas. Curiosamente, todas las cartas del Diablo, suponiendo que existieran, de las primeras barajas de tarot parecen haber sido robadas y destruidas.

Los juegos de cartas, que probablemente se originaron en China, llegaron por primera vez a Europa en el siglo XIII. El tarot fue uno de los primeros ejemplos europeos, un juego de bazas con un gran número de triunfos. Las barajas de tarot del Renacimiento son experimentos de juego y de gasto, ya que apuntan a la elaboración más lujosa y las imágenes más tentadoras. Sin embargo, debajo de su mística, hay cuatro juegos de cartas numeradas: copas, monedas, bastones y espadas. Los palos con los que estamos más familiarizados (diamantes, tréboles, picas y corazones) se inventaron en la Francia del Renacimiento y despegaron en toda Europa porque eran más fáciles de reproducir. Llegaron a Italia en la década de 1590, a juzgar por el cuadro de Caravaggio Los tahúres, en el que un tramposo parece tener el cuatro de tréboles y el siete de corazones escondidos a sus espaldas.

El Tarot de Marsella

El juego del tarot, con todos sus extraños triunfos, no desapareció. En cambio, se democratizó. El Tarot de Marsella, que se origina en el sur de Francia en el siglo XVII, reemplaza la exquisitez de las barajas del Renacimiento temprano con imágenes más toscas y audaces diseñadas para ser impresas. Sin embargo, estas tarjetas con imágenes austeras, con fuertes líneas negras a menudo rellenas con colores primarios, tienen su propio poder artístico: es la tarjeta de la Muerte de Marsella la que el Dr. Terror sigue volteando.

Sin embargo, a medida que este juego de cartas se volvió más anticuado y oscuro, comenzó a entenderse de una manera nueva. Con el auge de la novela gótica a finales del siglo XVIII y un nuevo gusto por lo sobrenatural, las antiguas y primitivas imágenes del Tarot de Marsella fueron dotadas de una fuerza sobrenatural. Desde entonces, los ocultistas han incursionado en el tarot y han perdido de vista su historia.

El atractivo del hocus pocus... tres cartas de Salvador Dalí. Compuesto: © Cartamundi, Turnhout Bélgica © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí

El controvertido mago Aleister Crowley creía que el tarot se originó en el antiguo Libro egipcio de Thoth. Waite, cocreador de esta baraja reeditada, era un ocultista de renombre en la liga Crowley, pero consideraba que el tarot era panmitológico, o al menos hasta donde yo sé. Estas cartas, en un estilo que recuerda a las ilustraciones de libros eduardianos, reinventan la baraja del tarot para enfatizar lo oculto e incluyen un nuevo palo de Oros, un símbolo común en la magia. También se ha añadido un pentáculo al diablo que hace muecas, justo entre sus cuernos curvos, mientras se cierne sobre dos satanistas desnudos. Aunque tienen colores dulces, las cartas de Waite-Colman Smith evocan un mundo ligeramente siniestro de magia de principios del siglo XX, todo velas y encantamientos en casas de campo.

La historia del tarot es una inversión de cómo imaginamos la historia. Asumimos que somos más racionales que nuestros ignorantes ancestros, pero en este caso un juego de cartas que antes se jugaba únicamente por diversión se ha reinventado en los tiempos modernos como una herramienta de adivinación y autodescubrimiento espiritual.

Y todo ese engaño ha inspirado a los artistas modernos. Salvador Dalí hizo tarot, naturalmente. Su entretenida mezcla de exuberancia art nouveau e ingenio pop art incluye un retrato de sí mismo como El Mago. El movimiento surrealista celebró lo inconsciente y lo irracional y, aunque Dalí fue visto como un traidor, su tarot es el más auténticamente surrealista de sus últimos trabajos. La artista francesa Niki de Saint Phalle se propuso hacerlo más grande y mejor: su Jardín del Tarot en Toscana presenta los tarots como esculturas multicolores gigantes, que te invitan a vagar por su laberinto de signos y leer tu fortuna sobre la marcha.

Puede que no haya ninguna conexión entre el misticismo moderno del tarot y sus orígenes como un juego artísticamente hermoso, excepto una. La muerte siempre ha estado ahí. En la manada más antigua de Visconti, está pintado como un cadáver esquelético y demacrado que triunfa sobre un montón de víctimas, incluidos obispos: una representación clásica de finales de la Edad Media de la victoria de la muerte sobre todas las clases sociales y variedades de personas. En el centro del tarot, bajo sus modernos añadidos de fantasía, hay una conexión real con la rareza de la vieja Europa cuando la muerte estaba en todas partes.

La carta de la Muerte hace que jugar al tarot sea una diversión navideña perfecta, con su escalofrío de historia de fantasmas en pleno invierno. Simplemente no juegues en un tren con un crupier llamado Dr. Terror, cuyo paquete completo parece estar compuesto por cartas de Muerte.

• El Tarot de AE ​​Waite y P Colman Smith será publicado por Taschen el 22 de diciembre.

• Dalí: Tarot también es una publicación de Taschen.

POEMA

O estrena patines contra el viento 

Anabel Torres

En algún lugar del mundo

a esta hora

se colocará un suéter.

Quizás piensa en sus padres que están por divorciarse

mientras ve caer otoño,

lluvia de hojas desde la ventana.

O estrena patines contra el viento.

Va al cine.

Tal vez ríe. Quizás solloza.

En algún lugar del mundo, a esta hora

amigo,

amiga con la cual no he compartido un café,

ni aún el lazo fino de tu mirada

está tu hija

creciendo que será compañera de mi hijo.

Está tu hijo

creciendo

que será compañero de mi hija.

En algún lugar del mundo

a esta hora

dadle amor:

hazlo amoroso, amorosa.

FLORENCE GOUPIL RETRATA

 

'Las semillas de maíz son depositadas como recién nacidos sobre el mismo paño quechua'

Florencia Goupil*

Valentin, de un mes de edad, en Llupa, en las montañas de Huaraz, en el norte de Perú.

Fotografía: Florencia Goupil

En 2021, en la comunidad de Llupa, en lo alto de las montañas de Huaraz en el norte de Perú, conocí a Ana y a su hijo de un mes, Valentín. Yacía entre las semillas de maíz germinadas que luego servirían para preparar la bebida chicha.

Estas semillas, al secarse al sol, eran tratadas como recién nacidas y, al igual que Valentín, reposaban sobre el paño quechua tejido a mano conocido como lliclla . La escena me recordó mis orígenes: mi abuela, una mujer quechua, me envolvía en una lliclla de la misma manera. Al documentar el maíz nativo y sus rituales en Perú y México, puedo comprender mejor el mundo de los pueblos indígenas quechua, nahua, otomí y mixe, su conexión con la naturaleza y su identidad.

Cada especie, tamaño, color y forma de semilla tiene un significado y un uso individual específico. El maíz no es sólo nuestro alimento básico, sino una parte preciosa de los rituales precolombinos que continúan hoy en día. El maíz se ofrece para agradecer a la Tierra por la buena cosecha y pedir protección a las semillas, para que la próxima cosecha sea igual de buena. “Hablamos con ella, hacemos ofrendas a la Tierra para que ella nos responda. Y ella nos responde”, me dijo el campesino quechua Arturo Soncco.

Florence Goupil

Como fotógrafo creo que si tomamos conciencia de la sabiduría de los pueblos indígenas, de su conocimiento de la agroecología, entenderemos cómo los quechuas del Perú o los nahuas de México han conservado más de 50 variedades de maíz durante más de 7.000 años.  Este es un proyecto en curso: el siguiente paso es documentar las canciones indígenas quechua harawi, grabando sus voces polifónicas en los Andes peruanos. Son cantos del antiguo Perú que se entonan durante la siembra y cosecha del maíz nativo.

"Mi objetivo es desarrollar un archivo del conocimiento de los pueblos indígenas relacionado con la conservación de sus semillas para las generaciones futuras."

 *Florence Goupil es una fotógrafa documental peruana radicada en Cusco, que se enfoca en los derechos y la memoria viva de los pueblos indígenas. "Qutiy, Returning to the Land" es un proyecto multimedia financiado por la subvención Explorer de la National Geographic Society.

LA "BELLEZA" EN EL ARTE Y COMO EDITARLA

 

Eliminan el 'tratamiento de Kylie Jenner' de un retrato del siglo XVII

El retrato de Diana Cecil después de que los conservadores quitaran la pintura que ocultaba sus rasgos tal como fueron pintados originalmente. Fotografía: Christopher Ison/English Heritage

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Si crees que la inclinación de la influencer por los labios grandes refleja una moda de belleza moderna, piénsalo de nuevo.

Según English Heritage, se descubrió que una pintura dentro de la colección de la organización benéfica de una “belleza” jacobea recibió el llamado “tratamiento Kylie Jenner”, con retoques que implicaban rellenar los labios de la modelo y bajarle la línea del cabello.

Ahora, horas de minuciosa conservación han revelado el verdadero rostro de Diana Cecil, una mujer noble del siglo XVII, considerada una de las grandes bellezas de su tiempo, pero cuya apariencia había cambiado durante siglos.  Cecil, que vivió entre 1596 y 1654, era bisnieta de William Cecil, Lord Burghley, uno de los amigos y consejeros más cercanos de Isabel I. Su familia eran nobles muy poderosos en la corte jacobea.

El trabajo de su retrato, que se exhibirá en Kenwood, una villa neoclásica en Londres, el 30 de noviembre, muestra que un artista posterior tenía otras ideas sobre el alcance de la belleza de Cecil e hizo modificaciones en su apariencia en algún momento entre los siglos XVII y XIX. 

Se eliminó el retrato anterior a la pintura superior, mostrando a la modelo con labios 

carnosos y la línea del cabello más baja. 

Al eliminar una capa amarillenta de barniz viejo, los conservadores descubrieron que los labios de Cecil en algún momento habían sido pintados en exceso para que parecieran más llenos, mientras que su cabello fue reelaborado para que su frente pareciera más pequeña.

Kylie Jenner es media hermana de la personalidad de los medios Kim Kardashian y la multimillonaria más joven del mundo gracias a su marca de cosméticos. Es conocida por sus procedimientos cosméticos, que según algunos han contribuido a ideales de belleza modernos poco realistas. English Heritage dijo que si bien la pintura se había enrollado a lo ancho, lo que causó un daño significativo y pudo haber resultado en la necesidad de un retoque, pintar sobre estas características fue una elección curiosa.

“ Como sociedad moderna con acceso a filtros de belleza digitales y tecnología de inteligencia artificial, podríamos pensar que conocemos mejor que la mayoría de las épocas la tentación de 'perfeccionar' nuestra apariencia, pero el trabajo de conservación de Diana Cecil ha demostrado que este no es un fenómeno nuevo”, dijo Louise Cooling, curadora de English Heritage en Kenwood.

La experta en pinturas de English Heritage, Alice Tate-Harte, observa el retrato restaurado. Fotografía: Christopher Ison/English Heritage

"Los estándares de belleza arbitrarios y en constante cambio parecen resonar a través de los tiempos, aunque en este caso Diana no tuvo voz en las 'mejoras' realizadas a su retrato siglos después de que fuera pintado".

Al quitar el barniz, también se hizo otro descubrimiento notable, escondido entre las cortinas del cuadro: se descubrió que la fecha del retrato era 1634, así como la firma original del artista, la de Cornelius Johnson.

Alice Tate-Harte, conservadora de colecciones (bellas artes) de English Heritage, dijo: “Como conservadora de pinturas, a menudo me sorprenden los colores vivos y ricos que se revelan cuando elimino el barniz viejo y amarillento de los retratos, pero descubro los rasgos de Diana. Había cambiado tanto, sin duda fue una sorpresa."

“Aunque la razón original para repintar podría haber sido cubrir los daños causados ​​por el retrato al ser enrollado, el restaurador ciertamente agregó sus propias preferencias para 'endulzar' su rostro. Espero haberle hecho justicia a Diana al eliminar estas adiciones y presentar su rostro natural al mundo”.

Kenwood alberga dos retratos de Cecil: uno pintado por el artista William Larkin cuando tenía unos 15 años, y esta obra de Johnson, pintada cuando Cecil tenía unos 31 años.

En este último, Cecil viste un moderno corpiño de satén azul y una falda amplia y larga. En contraste con el retrato anterior, la moda de élite se caracteriza por una elegancia discreta, en lugar de telas con estampados opulentos o capas complicadas, dijo English Heritage.  La seda lisa, el satén o el tafetán estaban a la última moda, con uno o dos puntos focales, como las cintas rojas entrelazadas en la parte delantera del corpiño de Cecil, que sujetaban el peto en su lugar, y una rosa roja a juego en su pecho y un abanico estampado, que sostiene entreabierto delante de ella.

Ambas pinturas de Cecil forman parte de la Colección Suffolk, que fue recopilada durante un período de 400 años por generaciones de los condes de Suffolk y Berkshire (la hermana de Diana, Elizabeth Cecil, se casó con Thomas Howard, primer conde de Berkshire. Era el segundo hijo del primer conde y condesa de Suffolk).

La propia Diana Cecil también se casó con hombres poderosos: primero con Henry de Vere, decimoctavo conde de Oxford, que murió un año después, y luego, en 1629, con Lord Thomas Bruce, más tarde primer conde de Elgin.

Los retratos de cuerpo entero eran una convención establecida a principios del siglo XVII y muchos miembros de la aristocracia eran representados a esta escala.