El arte desconcertante de Helene Schjerfbeck
Una de las artistas más famosas de su país, Schjerfbeck
es poco conocida en el Reino Unido y en el mundo, pero ahora sus pinturas singulares se verán
en una gran exposición.
En la ciudad
costera de Ekenäs, al suroeste de Helsinki, aparece un nombre donde quiera que
vaya: Helene Schjerfbeck. En el Ateneum de Helsinki, la galería nacional
de Finlandia, Schjerfbeck (1862-1946) ha sido, durante la última parte de su
vida y desde su muerte, uno de los artistas más queridos de
Finlandia. Pero sigue siendo poco conocida. Este mes, en la Royal
Academy, una exposición individual de 65 pinturas (ella hizo más de 1.000 en su
vida) está a punto de corregir esto. Schjerfbeck comenzó al estilo de los
naturalistas franceses, como Jules Bastien-Lepage, antes de convertirse en uno
de los primeros modernistas. A veces se la describe como el "Munch de Finlandia", aunque al
mismo tiempo es "individual, claramente ella misma".
Autorretrato
Schjerfbeck era una persona decidida, ambiciosa, atenta a los pobres y desarraigados y, sin embargo, una elegante con gran interés por la moda. Sus autorretratos son su logro más extraordinario y los pintó a lo largo de su vida. Ella minimizaría su relevancia, observando alegremente que fueron producidos por conveniencia (después de todo, estaba siempre disponible como modelo). Sus autorretratos son una indagación sobre la mortalidad. La pusieron en compañía de Goya, Rembrandt, Francis Bacon y Lucian Freud.
Autorretrato
Los autorretratos pintados hacia el final de su vida, cuando estaba muriendo de cáncer, demuestran que una persona está formada por todo lo que siempre ha sido: detecta la juventud dentro de su edad. Cuando pinta el Autorretrato verde: Luces y sombras (1945), se puede ver la muerte: el cráneo debajo de la piel es visible, la sombra de la muerte. A través de la disolución de rasgos precisos, ella pinta un fantasma de su antiguo yo.
A Boy Feeding his Younger Sister. Helene Schjerfbeck ( 1881)
Portrait of a Girl Helene Schjerfbeck (1887)
Helene Schjerfbeck, Shadow on the Wall (Paisaje bretón), 1883. Fotografía: Colección Niemistö;
Su carrera reflejó
—y presagió— la llegada del modernismo, que comenzó con los paisajes realistas
procedentes de Francia y Cornualles en la década de los ochenta del siglo XIX y
llegó a su punto culminante con los autorretratos caricaturescos e inquietantes
propios de la Segunda Guerra Mundial.
El prestigio
internacional de Schjerfbeck no ha dejado de crecer desde la celebración de una
exposición clave en Nueva York hace dos décadas. Sus obras han alcanzado
precios de venta sin precedentes entre los artistas finlandeses, como los casi
cuatro millones de euros a los que llegó su cuadro Zapatos de baile en
la casa de subastas londinense Sotheby.
Helene Schjerfbeck: Zapatos de baile (1939 o 1940), colección privada
Helene Schjerfbeck
nació el 10 de julio de 1862 en Helsinki. Se dice que su vida artística
comenzó cuando, a los cuatro años, se cayó de los escalones de la casa de su familia y se rompió la cadera. Fue un mal momento y la dejó
con una cojera de por vida. Pero fue mientras ella estaba convaleciendo
que su padre le dio lápices y ella comenzó a dibujar. Más tarde dijo:
"Cuando le das a un niño un lápiz, le das todo un mundo". En su caso,
era cierto y su talento pronto sería imposible de ignorar.
Incluso en una visita de primavera a
Helsinki, el invierno nunca
está lejos: los rompehielos son avistados en alta mar y los hermosos
apartamentos de piedra parecen construidos para soportar el frío (el estudio de
Schjerfbeck estaba en lo alto de uno de estos edificios). A principios del
siglo XIX, el incendio destruyó la ciudad medieval de Helsinki: la mayoría de
los edificios de la ciudad son posteriores a 1819. Y es en el clásico
Ateneum, construido en 1887, que un archivista muestra los cuadernos de
dibujo de la infancia de Schjerfbeck con sus humildes portadas marrones, llenas
de dibujos asombrosamente precoces: delicados paisajes a lápiz, manos suaves y
caballos cuidadosamente reproducidos. En sus páginas finales, como muchos
niños en edad escolar con grandes ideas, ensaya su firma. Hs y Ss florecen
su camino hacia el futuro. La sensación es que, incluso en esta etapa,
sabía a dónde iba.
El talento de Schjerfbeck fue
descubierto por una maestra cuando tenía 11 años y ganó una beca para unirse a
la escuela de dibujo de la Sociedad de Arte Finlandesa de
Helsinki. Dos años después, cuando ella tenía 13 años, su padre
murió de tuberculosis. Su muerte devastó a la
familia. Olga, la madre de Helene, tomó inquilinos, y cosió, para llegar a
fin de mes, pero nunca pensó que pintar era una carrera adecuada para su
hija. Era su padre quien siempre había sido el gran partidario de Helene.
Helene Schjerfbeck a principios de la década de 1890
Afortunadamente, había otros que
querían ayudar. Finlandia había sido parte de Suecia hasta que fue anexada
en 1809 por Rusia y no se independizó hasta 1917. Cuando Helene se convirtió
en una adolescente, el país estaba reclutando talento para establecer una
identidad nacional a través del arte. Se le otorgó una beca adicional para
estudiar pintura al óleo en la academia del pintor alemán Adolf von Becker de
1877 a 1880. A los 16 años, demasiado joven para mostrar su trabajo en París,
estudió realismo plein-air y pintura de historia y, en 1879, produce el cuadro
que lanzaría su carrera.
Guerrero herido en la nieve ( 1879)
A lo largo de su vida, París siguió siendo la ciudad de sus sueños. Allí vivió la vida de una artista: durmió en una buhardilla, trabajó duro e hizo amistades de por vida. Fue en St. Ives que Schjerfbeck produjo su obra más popular, The Convalescent (1888). Pero el fondo de esta pintura es una historia que nunca quiso contar.
The Convalescent (1888).
Para el ojo
moderno, la pintura parece tradicional pero, presentada por primera vez en
Finlandia, se consideró, "demasiado
moderna, no suficientemente pulida, demasiado francesa". Como era de
esperar, a los franceses les gustó: ganó una medalla de bronce en París y fue
comprado por el Ateneum y ha sido uno de los favoritos entre los visitantes de
la galería desde entonces. "Es el tema
que atrae a la gente porque se trata de la esperanza, una imagen inusualmente
positiva en el arte moderno".
Se lo contrasta
favorablemente con El niño enfermo de Munch (1907), una
pintura de su hermana que murió de tuberculosis. El paciente de
Schjerfbeck tiene ojos juguetones. ¿Podría la pintura ser autobiográfica
dos veces, refiriéndose no solo a la recuperación de un asunto doloroso sino a
la propia convalecencia de la infancia de Schjerfbeck?
Una
biógrafa moderna lucharía con Schjerfbeck: dejó mucho a la imaginación (no es
de extrañar que sea el tema de varias novelas finlandesas y, el próximo año,
tanto una película como una ópera). Todo lo que se sabe, es que,
entre 1883 y 1884, se le rompió el corazón. Su amante era un artista, a
quien se refiere condenadamente en Finlandia como "el inglés. Se reunieron
en Pont-Aven en Bretaña. Sea cual sea su nacionalidad, ahora nadie sabe su
nombre. Le escribió una carta a Helene cancelando su compromiso,
justificándose diciendo que no era, en su opinión, lo suficientemente fuerte
como para dar a luz a sus hijos. Destruyó la carta y le pidió a sus
amigos, que cumplieron con entusiasmo, que quemaran cualquier correspondencia en
la que se mencionara su nombre.
A la edad de 30 años, Schjerfbeck aumentó sus ingresos copiando obras maestras para museos (encontrando inspiración en la obra de Holbein, el Greco, Diego Velázquez). Y, con el tiempo, el influyente galerista y comerciante de arte Gösta Stenman le dio un pequeño salario a cambio de acceso gratuito a su trabajo. Sus asuntos financieros estaban a cargo de su hermano Magnus (no siempre de su agrado), y ella enseñó durante dos años en la escuela de dibujo Art Society. Sus alumnos la apreciaban, pero a ella no le gustaba la enseñanza y en 1902 se sintió aliviada de mudarse a Hyvinkää, una ciudad a 30 millas al norte de Helsinki, para cuidar de su madre.
A la edad de 30 años, Schjerfbeck aumentó sus ingresos copiando obras maestras para museos (encontrando inspiración en la obra de Holbein, el Greco, Diego Velázquez). Y, con el tiempo, el influyente galerista y comerciante de arte Gösta Stenman le dio un pequeño salario a cambio de acceso gratuito a su trabajo. Sus asuntos financieros estaban a cargo de su hermano Magnus (no siempre de su agrado), y ella enseñó durante dos años en la escuela de dibujo Art Society. Sus alumnos la apreciaban, pero a ella no le gustaba la enseñanza y en 1902 se sintió aliviada de mudarse a Hyvinkää, una ciudad a 30 millas al norte de Helsinki, para cuidar de su madre.
Helene Schjerfbeck, mi madre, 1909. Fotografía: colección privada; foto: Galería Nacional de Finlandia
Después de la
muerte de su madre en 1923, Schjerfbeck se mudó a Ekenäs. Ella eligió a
Ekenäs (Tammisaari para los hablantes de finlandés) porque tenía tías allí y la
ciudad hablaba sueco. Ella no hablaba mucho finlandés (muchas personas en
la costa sudoeste de Finlandia tienen el sueco como lengua materna). Hay
una fotografía famosa de ella tomada en el parque Ekenäs, la única imagen en la
que sonríe. No es una sonrisa habitual, se puede ver que el
fotógrafo debe haberla convencido para que lo hiciera. La foto fue tomada
por Einar Reuter: escritor, guardabosques, pintor aficionado y gran admirador
de su trabajo. Incluso escribió una breve biografía de ella. Ella
tenía 52 años cuando se conocieron, el 18 años menos. Y fue
(aunque nadie sabe exactamente cómo evolucionó su relación) el segundo amor de
la vida de Helene Schjerfbeck.
Girl With Beret (1935)
The Gipsy Woman (1919)
Helene Schjerfbeck: Costume Picture, or The Baker's Daughter
Self-Portrait
With Black Mouth, Helene Schjerfbeck 1939
Cuanto más envejecía, más apreciaba la simplicidad. Como escribe el curador invitado Jeremy Lewison, ella comenzó a "favorecer la memoria sobre la observación directa y el general sobre lo particular".
Algunos de los extraordinarios bodegones tardíos que llegan a la Royal Academy están al borde de lo abstracto. En Bodegón con manzanas ennegrecidas (1944), la madurez no es todo: la fruta en el lado derecho ya es negra, la fruta solo se mantiene como fruta. Hay una belleza de vida y muerte, un brillo inesperado. Una manzana verde ácida se refleja sorprendentemente por la superficie sobre la que se encuentra. “Schjerfbeck dijo, más de una vez, que cuando se involucraba demasiado con un retrato, se separaría para hacer una vida inmóvil. Ella encontró una libertad en las naturalezas muertas que le permitió regresar a la gente ".
Helene Schjerfbeck: Manzanas rojas (1915)
Helene Schjerfbeck, Naturaleza muerta con manzanas ennegrecidas, 1944.
Esta simplicidad se
encuentra en su punto más extremo y conmovedor en su último autorretrato: un
bosquejo de carbón hecho en 1945. Es un memento mori, un dibujo que parece una
talla. Su cara se ha reducido a la versión más esencial de sí misma, hecha
como con los golpes de un cuchillo. La boca es una sola línea, los ojos
ilegibles, el retrato es un cierre, el bodegón definitivo. Helene Schjerfbeck
reconoce de inmediato la muerte y la desafía en el trabajo que ella debe haber
sabido que la sobreviviría.
La exposición de Helene Schjerfbeck se realizará en la Royal Academy of Arts de Londres, del 20 de julio al 27 de octubre.
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