lunes, 31 de enero de 2022

POEMA

 


La sortija 

Emily Dickinson

















En mi dedo tenía una sortija.

La brisa entre los árboles erraba.

El día estaba azul, cálido y bello.

Y me dormí sobre la yerba fina.

Al despertar miré sobresaltada

mi mano pura entre la tarde clara.

La sortija entre mi dedo ya no estaba.

Cuanto poseo ahora en este mundo

es un recuerdo de color dorado.






The Ring


On my finger I had a ring.

The breeze between the trees was erratic.

The day was blue, warm and beautiful.

And I slept on the fine grass.

When I woke up I looked startled

My pure hand in the clear afternoon.

The ring between my finger was gone.

How much I have now in this world

It is a golden color souvenir.



















jueves, 27 de enero de 2022

INGRESO AL SIGLO XXI


El rey holandés retirará el carruaje dorado con imágenes de esclavitud

 






Lacayos caminan junto al carruaje dorado, conocido como 'De Gouden Koets' en 2013. La última vez que se usó el carruaje fue en 2015



El rey holandés, Willem-Alexander, ha anunciado que suspenderá, al menos por ahora, el carruaje dorado real que se ha visto envuelto en una controversia sobre el racismo. El “coche de oro”, construido para la reina Guillermina de Holanda en 1896, está emergiendo como un nuevo foco de debate sobre la esclavitud, la opresión colonialista y la historia.

El opulento carruaje tirado por caballos, llamado De Gouden Koets, ha transportado tradicionalmente al monarca holandés a la apertura del parlamento y otras ocasiones estatales, pero no se ha utilizado desde 2015. En el centro de la controversia sobre la esclavitud hay una imagen en el panel del lado izquierdo del carruaje dorado.

Llamada "Tributo de las colonias", la imagen muestra a personas negras arrodilladas entregando productos como cacao y caña de azúcar a sus amos blancos, incluida una joven blanca en un trono que representa a los Países Bajos .

Junto a ella, se ve a un joven blanco que le da un libro a un joven negro mientras se lo presenta su padre servil, una imagen que el pintor Nicolaas van der Waay dijo en 1896 que estaba destinada a retratar la "civilización".“No podemos reescribir el pasado”, dijo el rey holandés en un video oficial.Pero “podemos intentar aceptarlo juntos. Esto también se aplica al pasado colonial”, agregó.“Los Gouden Koets solo se pueden usar cuando los Países Bajos estén listos para ello. Y ese no es el caso en este momento”, continuó.

Tras una completa renovación que duró cinco años, la carroza real se convirtió en la pieza central de una exposición en Ámsterdam sobre el pasado colonial de los Países Bajos. “Mientras haya personas viviendo en los Países Bajos que sientan el dolor de la discriminación a diario, el pasado aún proyectará su sombra sobre nuestro tiempo”, agregó el rey.

En los Países Bajos, como en otras naciones europeas, el debate sobre el pasado colonial y la esclavitud ha resurgido desde el surgimiento del movimiento Black Lives Matter en los Estados Unidos.

 

 

 


EL MEJOR EDIFICIO DEL MUNDO

 


Hospital  rural de Bangladesh gana el premio al mejor edificio del mundo

Oliver Wainwright






Los espacios que habitas durante el tratamiento, una vista del agua y los árboles, el sonido de los pájaros, la sensación de una brisa, contribuyen en gran medida a la curación'... Hospital de la Amistad de Kashef Chowdhury. Fotografía: Asif Salman/Urbana




El premio internacional de RIBA 2021 lo ganó el hospital Friendship de Kashef Chowdhury de $ 2 millones en una parte inundada de Bengala, superando la competencia de David Chipperfield y Wilkinson Eyre.

Un pequeño hospital de ladrillos en la zona rural de Bangladesh con su propio canal en zigzag ha sido nombrado el mejor edificio nuevo del mundo y ganó el premio internacional RIBA 2021. Un modelo de diseño consciente del clima construido con el mínimo de recursos, el hospital de la Amistad venció a la competencia de una galería en Berlín por David Chipperfield , y un ciclo y puente peatonal en Dinamarca por Wilkinson Eyre.

Ubicado en Satkhira, en el paisaje inundado de Bengala en el suroeste de Bangladesh, el ganador del premio del Instituto Real de Arquitectos Británicos utilizó el agua como su principal punto de partida. El canal zigzaguea a su paso por el sitio, recolectando valiosa agua de lluvia y ayudando a refrescar los patios circundantes durante los sofocantes meses de verano. También sirve como barrera entre los departamentos de hospitalización y ambulatorio, separando los dos lados del sitio a través de patios compartidos, sin necesidad de una pared divisoria.

“Aquí hay agua por todas partes”, dice el arquitecto Kashef Chowdhury, director de Urbana, la práctica con sede en Dhaka detrás del proyecto. “Pero no siempre es del tipo útil”. El aumento del nivel del mar causado por la crisis climática ha significado que el paisaje circundante de campos de cereales se haya transformado en pesquerías de camarones, mientras que el agua subterránea se ha vuelto demasiado salina para usarla para la mayoría de los propósitos.

 

La mayor parte del agua cercana 'no siempre es del tipo útil'... una vista aérea del hospital de la Amistad. Fotografía: Asif Salman/Urbana


En la temporada de lluvias, los lugareños hacen todo lo posible para recolectar y almacenar hasta la última gota de agua dulce. Por lo tanto, Chowdhury ha diseñado el edificio para que sea una máquina para recolectar agua de lluvia, con cada techo y superficie del patio drenando hacia el canal central, que desemboca en dos tanques de almacenamiento en cada extremo del sitio.

Es el primer “hospital terrestre” de la ONG Amistad, para la cual Chowdhury ha ayudado a convertir varios barcos en hospitales flotantes en el pasado, diseñados para servir a comunidades remotas en la región del delta. Construido con un presupuesto ajustado de poco menos de $ 2 millones, su primer edificio permanente proporciona un salvavidas médico para miles de personas en un área que se vio gravemente afectada por un gran ciclón en 2007.

 


Punto focal... la torre de agua de ladrillo se erige como una especie de campanario. Fotografía: Asif Salman /Urbana


Usando ladrillos hechos localmente, Chowdhury ha desarrollado un campus que tiene la sensación de un pueblo, con edificios colocados en ángulo alrededor de los patios, enmarcados con columnatas que ayudan a dar sombra a las salas del interior. Estos corredores exteriores profundos también brindan protección contra la lluvia torrencial y fomentan la ventilación cruzada a través de los edificios, al tiempo que devuelven la luz del día al interior, por lo que no se necesita luz artificial durante el día.

Los bloques están inclinados para aprovechar la dirección predominante del viento, lo que significa que la mayoría de las áreas tampoco necesitan aire acondicionado, excepto los quirófanos y las salas de parto. Una torre de agua de ladrillo se erige como una especie de campanario, proporcionando un punto focal cívico en el centro del complejo, mientras que cada sala da a un patio, y un largo corredor de servicio ha sido inteligentemente colocado a lo largo de un lado del sitio, liberando la ruta central. para los pacientes y el personal médico, y permite una visión clara desde las camas de los pacientes.

“Cuando alguien está enfermo o necesita atención”, dice Chowdhury, “una de las cosas más importantes es el aspecto mental, no solo la atención física. Creo que el tipo de espacios que habitas durante el tratamiento, con vistas al agua y los árboles, el sonido de los pájaros, la sensación de una brisa, contribuye en gran medida a la curación”.

Odile Decq, presidenta del jurado de RIBA, dijo que el proyecto “encarna una arquitectura de humanidad y protección”, y agregó que es “relevante para desafíos globales críticos, como el acceso desigual a la atención médica y el impacto aplastante del cambio climático en comunidades vulnerables. ”

El premio bienal, retrasado un año por la pandemia de Covid-19, celebra proyectos de todo el mundo que demuestran excelencia en el diseño e impacto social. Anteriormente se le otorgó a una escuela brasileña remota hecha de madera y un edificio universitario similar a un acantilado de hormigón en Lima, Perú.

El premio marca un momento importante para la arquitectura en Bangladesh, luego de la reciente concesión de la medalla Soane a Marina Tabassum , ex socia de Chowdhury, que ha estado desarrollando viviendas de bajo costo para comunidades sin tierra en las regiones costeras propensas a inundaciones del país. El trabajo de ambos arquitectos ofrece lecciones importantes para el norte global sobre cómo hacer más con menos.

Al recibir el premio, Chowdhury dijo: "Me alienta que esto pueda inspirarnos a más de nosotros a comprometernos con una arquitectura de cuidado tanto para la humanidad como para la naturaleza, para enfrentar colectivamente las urgencias que enfrentamos hoy a escala planetaria".





















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miércoles, 26 de enero de 2022

ROBBIE WILLAMS VENDE A BANKSY

 

Robbie Williams venderá tres obras de Banksy por hasta 10 millones de libras

Harriet Sherwood

 

 

 

Chica con globo de Banksy de la colección de Robbie Williams. Fotografía: Joshua White/PA

 

 




El cantante saca a subasta versiones de Kissing Coppers, Girl with Balloon y Vandalized Oils (Choppers)

Una de las estrellas pop británicas más exitosas de las últimas tres décadas está subastando obras de uno de los artistas contemporáneos más célebres del mundo.

Robbie Williams, que ha acumulado una gran fortuna con la venta de discos y conciertos, está vendiendo tres obras de Banksy, el artista callejero anónimo cuya pintura parcialmente triturada Love is in the Bin obtuvo un récord de 18,5 millones de libras esterlinas el año pasado.

 

Kissing Coppers. Fotografía: Joshua White/PA


Se espera que las piezas de la colección de arte de Williams, Kissing Coppers, Girl with Balloon y Vandalized Oils (Choppers), se vendan por un total de entre 7 y 10 millones de libras esterlinas.

“Estas obras unen los legados culturales de dos de las estrellas más grandes de Gran Bretaña: Robbie Williams y Banksy”, dijo Hugo Cobb de Sotheby's. “Como su creador y como su dueño, son mordaces, icónicos, irreverentes y únicos”.

Kissing Coppers, que representa a dos policías británicos varones en un abrazo apasionado, apareció por primera vez en la pared exterior del pub Prince Albert en Brighton en 2004. El mural original fue retirado en 2014 después de haber sido destrozado repetidamente.   Se ha interpretado que muestra el apoyo de Banksy a la aceptación pública de la homosexualidad, según Sotheby's.

La versión de Williams de la obra de arte es una pintura sobre lienzo de 2005, cuyo valor se estima entre 2,5 y 3,5 millones de libras esterlinas.

Girl with Balloon hizo su debut bajo el puente de Waterloo en Londres en 2002. En 2018, una versión en lienzo de la imagen pasó por una trituradora insertada en su marco momentos después de que se vendiera por poco más de £ 1 millón. La “autodestrucción” de la obra fue una sensación mundial. La versión de Williams de 2006 está representada en metal y es la primera de su tipo en aparecer en una subasta. Tiene un precio estimado de £ 2 millones a £ 3 millones.

 

Óleos Vandalizados (Choppers). Fotografía: Joshua White/PA

Vandalized Oils (Choppers), de 2005, presenta dos helicópteros militares que interrumpen un sereno paisaje pastoral. Es parte de una serie de Banksy que superpone graffiti en pinturas al óleo clásicas, y tiene una estimación de £ 2,5 millones a £ 3,5 millones.

Williams dijo que creía que sus tres Banksys eran "algunas de sus mejores pinturas y me encanta lo estrechamente vinculados que están con las piezas de la calle". Agregó: “Como coleccionista del trabajo de Banksy, te conviertes en parte de un movimiento cultural más amplio”.

Las tres obras se exhibirán en Sotheby's Nueva York el sábado durante seis días. Luego estarán disponibles para ver en Hong Kong y Londres antes de ser vendidos el 2 de marzo.

Una obra de Banksy, cuyo nombre real nunca ha sido confirmado, que apareció en la pared de una tienda de electricidad en Lowestoft, Suffolk en agosto, ha sido vendida de forma privada, se informó esta semana. 













 

martes, 25 de enero de 2022

LAS BELLAS BALDOSAS DE BARCELONA.

 

La misión de preservar las baldosas decorativas de Barcelona

Stephen Burgen


Joan Moliner con alguna de las 1.600 baldosas que ha encontrado en los contenedores de obra. Fotografía: Stephen Burgen






A medida que los bloques de apartamentos del siglo XIX se convierten en pisos de lujo, Joan Moliner está salvando parte del patrimonio de la ciudad

Cada mañana, desde el momento en que Joan Moliner despliega su bicicleta para el viaje al trabajo hasta el centro de Barcelona, tiene una misión, un ojo en la carretera y el otro en los contenedores de los constructores. Su presa, si esa es la palabra, son las baldosas de cemento.

En toda la ciudad, los bloques de apartamentos del siglo XIX se están transformando en apartamentos de lujo. En el proceso, una parte vital del patrimonio de Barcelona, ​​sus suelos de baldosas decorativas, acaba en un basurero.

La conservación del patrimonio arquitectónico rara vez se extiende más allá del listado de la fachada, a pesar de la gran cantidad de detalles interiores en los edificios erigidos en una época en la que Barcelona era la meca de artistas y artesanos.

“Veo estos edificios antiguos como una conversación entre todas las diferentes partes: las paredes, los pisos, todos los detalles”, dice Moliner. “Preservar la fachada y nada más no tiene mucho sentido. Es parte de nuestra evolución como sociedad lo que estamos tirando ”.

 

Una pantalla de mosaico con la bicicleta Brompton de Moliner. Fotografía: Joan Moliner


Moliner, que cuando se baja de la bicicleta al final de su viaje trabaja como asesor laboral, recogió su primera baldosa hace siete años. Conmovido por el recuerdo de los suelos de baldosas de la casa de sus padres, empezó a recopilar catálogos de fabricantes e investigar la historia.

Cada baldosa cuenta una historia, dice, examinando las 1.600 amontonadas en su terraza.

Una de esas historias es Panot de Antoni Gaudí, un azulejo hexagonal con criaturas marinas fabricado por Escofet, la mayor empresa de azulejos de Barcelona. Originalmente estaba destinado a su Casa Batlló, pero finalmente se usó en el piso de la Casa Milà en el cercano Passeig de Gràcia. En 1997, como homenaje a su arquitecto más famoso, la ciudad recuperó el elegante pavimento del bulevar con una reproducción del Panot.


Panot de Gaudí

Las baldosas que recoge Moliner nacieron gracias a la creación de cemento portland barato y versátil a principios del siglo XIX por el inglés Joseph Aspdin y se utilizaron para pavimentar la mayoría de los edificios construidos en Barcelona entre 1870 y 1950. Más fácil de colocar, no necesitan ser cocidos y podrían ser producidos a mano por un equipo de cuatro artesanos que trabajan en una prensa hidráulica.

Además, podían imprimirse con cualquier patrón, liberando a los artistas de las ataduras rectilíneas del mosaico para producir las imágenes de flora y fauna que son una marca registrada del modernismo , la versión claramente catalana del art nouveau. “Escofet fue uno de los primeros fabricantes en emplear artistas para diseñar las baldosas”, dice Moliner.

 

Una publicación en el feed de Instagram de Rajoles de Barcelona. Fotografía: Rajoles de Barcelona


El advenimiento de la baldosa hidráulica coincidió con un auge masivo de la construcción en Barcelona, ​​cuando rompió los confines de la ciudad medieval para crear el Eixample (Extensión) en forma de cuadrícula, donde la burguesía catalana hacía alarde de la riqueza que a menudo  derivaba de la la parte posterior del trabajo esclavo en las industrias textil y azucarera.

Moliner cree que es importante conservar esta parte del patrimonio de la ciudad, incluso si las baldosas no pueden permanecer in situ. "Se ha hablado durante mucho tiempo de ponerlos en un museo, pero hasta ahora no ha salido nada".

Dice que no le interesa ganar dinero con su pasión. Sin embargo, espera colaborar con un centro para personas discapacitadas donde puedan restaurar, enmarcar y quizás vender las baldosas.

Mientras tanto, usa una aplicación para recrear patrones de pisos completos basados ​​en las baldosas que encuentra emparejadas con los catálogos y luego las coloca en Instagram en rajolesdebarcelona .

“Obtuve alrededor de 3000 me gusta casi de la noche a la mañana, así que obviamente no soy solo yo quien encuentra esto interesante." “Lo que me gusta es que todo está hecho a mano”, dice. “Los azulejos son hechos a mano, se colocan a mano y luego alguien los desentierra a mano y los tira y yo los limpio a mano. Siento esta conexión con más de un siglo de trabajo manual ".

 





































lunes, 24 de enero de 2022

POEMA

 

Paz

Alfonsina Storni





















Vamos hacia los árboles... el sueño
Se hará en nosotros por virtud celeste.
Vamos hacia los árboles; la noche
Nos será blanda, la tristeza leve.

Vamos hacia los árboles, el alma
Adormecida de perfume agreste.
Pero calla, no hables, sé piadoso;
No despiertes los pájaros que duermen.



































viernes, 21 de enero de 2022

ANÍMATE ! ¡ PORQUE SÍ !

 


Raro y maravilloso: cómo comprar objetos que alegran tu hogar

 Rowan Moore*

 


Los inadaptados ... solo algunos de los tesoros de Rowan Moore, recolectados de todo el mundo. Fotografía: Sophia Evans / The Observer


 

Se podría pensar que el crítico de arquitectura del Observer se rodearía de hermosos recuerdos de sus viajes, en cambio acumula objetos que desafían las reglas del buen gusto.

Un día en Évora, Portugal, mis compañeros de viaje y yo cruzamos una plaza martillada con un calor de 40 grados. Un poco delirantes, después de haber visitado una capilla decorada con huesos humanos y cabello de novias jóvenes, entramos en la aparente calma de una tienda de artículos para el hogar. Excepto que en nuestro día  lo macabro no había terminado. Uno de estos artículos era un perchero hecho con cuatro patas de oveja, con sus pezuñas todavía mugrientas barnizadas, dobladas en sus articulaciones en forma de L y fijadas sin demasiada elegancia a una pieza de madera moldeada.

Yo lo compré. Lo conservé incluso después de que se infestara, al estilo de un cuadro de Dalí, de hormigas. Lo traje de vuelta a casa en Gran Bretaña. Solo con gran desgana y bajo la coacción de miembros de mi familia que encontraron este objeto cada vez más ruinoso por alguna razón repugnante, lo tiré. Todavía lo lamento, como si fuera un miembro perdido. De hecho, tanto como podría sentir una oveja cuyas patas habían sido convertidas en un perchero.


Un cenicero y un mechero con la forma del Estadio Olímpico de Beijing 2008 "Nido de pájaro" seguramente será la última vez que se fabricaron artículos para fumadores con motivo de un festival deportivo. Fotografía: Sophia Evans / The Observer


Pero no importa. Puedo consolarme con un cuenco hecho con piñas de las montañas Taygetos en Grecia, una Virgen María que brilla en la oscuridad de una tienda religiosa en el mercado de Brixton en Londres y el Little Lovemaking Monk, un objeto de muy mal gusto de una tienda de bromas en Paragon Arcade en Hull. También modelos de comida del tipo que los restaurantes en Japón a veces exhiben en sus escaparates y un cenicero y un mechero en forma del estadio “Bird's Nest” construido para los Juegos Olímpicos de Beijing 2008. (Que, uno se imagina, fue la última vez que se consideró oportuno vender recuerdos para este festival deportivo que también eran un requisito para los fumadores).

Porque escribo sobre arquitectura, se podría pensar que solo me rodeo de los objetos más refinados. "No tenga nada en su casa que no sepa que sea útil", como dijo William Morris, "o que crea que es hermoso". 

Qué buen consejo. Excepto que no lo sigo: algunas de las cosas con las que vivo son definitivamente inútiles y algunas pueden ser consideradas por muchos como feas. A muchos de ellos se les podría llamar kitsch, pero esa es una palabra despectiva para los artefactos que, de una forma u otra y con la posible excepción de ese monje de Hull, merecen respeto. Lo que tienen en común es su libertad de jerarquías de gusto, su despreocupación por si constituyen Diseño con una “D” mayúscula.

La atracción es en parte sentimental. Estos objetos pueden recordar un momento y un lugar, tal o cual vacaciones o viaje de trabajo, las personas con las que estaba, el calor en el aire o el olor de los árboles, el peso de la comida o la neblina del alcohol, de manera más efectiva que una fotografía. 

Son antídotos para la globalización. En un momento en el que conjuntos de marcas similares habitan las principales calles de las ciudades en todas partes, es un placer encontrar un objeto que solo podría provenir de un lugar. Algunos tienen el poder de transmitir mundos desaparecidos, como los libros de postales de la era soviética de las cadenas montañosas, los palacios barrocos o las pinturas de Rubens compradas en Tallin, Estonia.

Me atraen las cosas que muestran un deseo, un sueño o una creencia, donde puedes tener una sensación de conexión con el creador. Y con The Maker: la mayoría de las religiones del mundo están representadas en mi colección.









Muchas de las piezas tratan sobre la muerte, el amor o la esperanza. Tengo cajas de jabón, fabricadas en Argentina y compradas en España, que tienen imágenes coloridas que sugieren que el uso del producto podría alentar a un santo a ayudar con los exámenes escolares y resolver los conflictos matrimoniales.

Me gusta lo absurdo, por ejemplo, una maqueta de cartón emergente del colosal palacio que el tiránico presidente Ceaușescu construyó en Bucarest, un objeto que está hecho con más delicadeza que el edificio en sí. También el absurdo, como con un cenicero de plástico que lleva una reproducción de La Maja desnuda de Goya. Admiro que alguien haya tomado tan audazmente la lógica de los souvenirs turísticos (aplicar una imagen icónica a un objeto cotidiano) hasta su conclusión lógica, aunque discordante.

 

Hay saltos de escala: un pequeño castillo, junto a un cenicero de plástico que lleva una reproducción de La Maja desnuda de Goya . Fotografía: Sophia Evans / The Observer


Juntos, estos objetos revelan hasta qué punto las cosas son parecidas y diferentes, la forma en que una fruta hecha de fieltro puede sonar con una tallada en madera, o un reloj turco de metal con la gruta de plástico que contiene esa Virgen luminosa, para ningún otro. razón por la que son del mismo color azul verdoso. Hay saltos de escala -un castillo diminuto, un reloj de gran tamaño- y tecnologías frustradas o descoloridas, como postales lenticulares o mecanismos de relojería o modelos de autos obsoletos.

Hay una preponderancia de skeuomorphs en mi colección, es decir, de cosas que se ven como algo diferente a lo que son. No es que realmente deba llamarse una colección, ya que eso podría implicar más dirección de la que realmente está presente. Una acumulación sería una palabra mejor.

Una sensación de conexión puede provenir de la forma en que se hace algo, así como de cualquier cosa que intente representar. Pequeños árboles y muebles de cocina para modelos arquitectónicos, comprados en los gigantes y fenomenales grandes almacenes Tokyu Hands en Tokio, te sorprenderán con su precisión. Las tazas pequeñas de café esmaltadas, de color rojo intenso de Barcelona y verde hoja de Salvador, pero por lo demás idénticas, tienen el atractivo de hacer bien algo simple. Ese cuenco de piña, comprado a una anciana en un puesto solitario en una carretera de montaña, aunque no se puede lavar en el lavavajillas, es exquisito.

Mis objetos favoritos son aquellos en los que la imagen y el hacer se combinan. Estos incluyen los modelos de cartón de bienes valiosos que a veces se queman en los funerales chinos para que, aunque algunos de ellos estén un poco anticuados, se puedan disfrutar en la otra vida: Rolex, un Walkman, una cámara SLR. Tanto la idea como la ejecución son hermosas. También atesoro un cisne  que se ilumina desde adentro, hecho con una botella de leche de plástico por el artista Madelon Vriesendorp, quien por cierto es un acumulacionista mucho más consumado que yo.

Toda la vida humana, en resumen, está ahí. Hay ahorro, invención, fantasía y extravagancia, habilidad y error, ingenuidad e inteligencia. Los objetos son indicaciones, distracciones e inspiraciones en mi vida diaria. Manifiestan intención en el material, que es algo que siempre estoy buscando, ya sea en una catedral o en una taza de café.



*Rowan Moore es crítico de arquitectura del Observer y fue nombrado crítico del año en los premios de prensa del Reino Unido 2014 . Es el autor de Slow Burn City y Why We Build .























jueves, 20 de enero de 2022

LA ARMONÍA DE BICE LAZZARI

 


Bice Lazzari:  abstracción exquisita y tranquila que atrae

Raquel Cooke

 




 


Beatrice "Bice" Lazzari ( Autorretrato)



 

Forjada en la reclusión y la pobreza de la Italia de posguerra, la exquisita obra abstracta de este artista poco conocido lanza un hechizo propio

¿Quién fue Bice Lazzari? En la Estorick Collection en el norte de Londres, el comisario Renato Miracco expone el caso de esta modernista italiana demasiado poco conocida con la mayor franqueza. En exhibición hay 40 obras, ofrecidas sin casi nada a modo de comentario; si desea saber algo de los antecedentes familiares de Lazzari, por ejemplo, solo tendrá que hacer su propia investigación. Pero si este enfoque parece, a veces, arriesgado (en la galería, es difícil orientarse al principio), la confianza de Miracco en que el arte de Lazzari finalmente hablará por sí mismo seguramente no está fuera de lugar.

¡Qué exposición! A lo largo de los años, me doy cuenta de que me he cansado bastante de cierto tipo de abstracción; sea ​​lo que sea que haya significado al principio, me parece cada vez más desgastado. Sin embargo, aquí está Lazzari, defendiéndolo todo de nuevo. De la discordia, ya sea interna o externa, crea una armonía tan exquisita que su obra parece por momentos casi vibrar. Por ferozmente sugerente que sea de las "fuerzas oscuras" que la impulsaron como artista, instintos primarios que no cedieron ni siquiera hacia el final de su vida, cuando perdió la vista, también es profunda y duraderamente tranquila. Bajo su hechizo, llegué a pensar en sus pinturas como respuestas a preguntas que ni siquiera sabía que me habían hecho.

 


'La mirada de duende de una estrella de Fellini': Bice Lazzari  Ferretti


En las fotografías, Lazzari (1900-1981) tiene algo del aspecto duende de Giulietta Masina, la estrella de la obra maestra de Fellini de 1954, La Strada, o eso pensé, luchando por ponerla en contexto. Muy pocos artistas capturaron la reclusión y la pobreza poco comunes de la Italia de la posguerra tan bien como lo hizo Fellini, y este fue el mundo que también forjó a Lazzari. Solo después de la guerra encontró su camino hacia la abstracción, llegando allí sin la ayuda de maestros o incluso de modelos a seguir de artistas (los fascistas de Mussolini habían desaprobado la abstracción como una enfermedad extranjera decadente)“No sabía nada sobre pintura en el extranjero debido al clima provincial de aislamiento cultural que dominaba en ese momento”, admitió más tarde. En las galerías del Estorick, su trabajo recuerda, es casi demasiado obvio, el de sus contemporáneos más cercanos.  Agnes Martin y (con menos frecuencia) Richard Diebenkorn, ambos asociados con el expresionismo abstracto estadounidense. Pero su minimalismo y su sentido del color realmente fueron, al parecer, el resultado de una exploración solitaria. Viajaba sola, al principio.


Misure nº 31. 1966.Bice Lazzari. 1966

 

The London List. Bice Lazzari


Bice Lazzari: 'Como un trozo de hielo en el que arde una llama'

Bice Lazzari, Senza titolo (Sin título) , 1967

Bice Lazzari, Signature Lin

Lazzari nació en Venecia, donde sus padres eran comerciantes; estudió para ser artista allí y en Florencia, ciudad a la que se mudó su familia entre fines de 1917 y principios de 1918. Como mujer, al graduarse se animó a no pintar, sino a trabajar en diseño. Pero esto parece no haberla desanimado. Todo lo contrario, de hecho. Como ella misma lo expresó: “Cuando murió mi padre en 1928, tuve que enfrentarme a la vida a nivel práctico y así, en lugar de andar con un cuadro bajo el brazo, tomé un telar y comencé a hacer arte aplicado para poder seguir viviendo. en el clima que tanto adoraba, es decir, la libertad.” En el Estorick se exhiben un bolso y un cinturón a rayas tejidos a mano de 1929 que todavía se ven tan bien, tan audazmente modernos, que bien podrían estar a la venta en Liberty o Selfridges del siglo XXI.


Bolso tejido a mano de 1929 que todavía se ve  tan audazmente modernos



Algunas pinturas son para la mente. Pero las de Lazzari son para el cuerpo: absorbes su estado de ánimo

En la década de 1930, Lazzari se mudó a Roma, apoyándose colaborando con diseñadores, y allí permanecería el resto de su vida, salvo un breve período durante la guerra cuando ella y su esposo, Diego Rosa, trabajaron con el arquitecto Gio Ponti en Milán. Pero aunque sus diversos proyectos se exhibieron con frecuencia (en el Estorick, uno de sus cojines cosidos a mano se colocó en un marco, donde se ve casi tan seductor como su trabajo sobre lienzo), no fue hasta después de 1945 que pudo dedicarse a la pintura.

Antes de 1964, trabajaba principalmente en el petróleo; después de eso, habiendo desarrollado una reacción alérgica a él, cambió al acrílico, “un material ingrato pero fuerte, resistente y resistente” que eventualmente se convirtió en su firme “amigo”. La ayudó, quizás, a expresar más claramente su visión. Como sugiere Miracco en un ensayo del catálogo, las últimas “apariciones” de color de Lazzari, aunque fantasmales, también tienen la cualidad de un relámpago: una sugerencia de infinito. Su austeridad al estilo de Agnes Martin se combina con una bravura que es totalmente suya.

Algunas pinturas son para la mente. Pero los de Lazzari son para el cuerpo: absorbes su estado de ánimo como lo harías con el de una persona por la que te sientes atraído, la emoción se transforma gradualmente en un sentimiento de absoluta rectitud. El trabajo temprano es enérgicamente geométrico: en Abstraction of a Line No 2 (1925), las reglas de colores se dispersan como palos de recogida; el patrón repetido de Continuous Rhythm (tempera on card, 1939) podría funcionar como papel tapiz. Pero luego las cosas se abren. White and Black (óleo sobre lienzo, 1954) se llama deliberadamente mal; su fondo rojo anaranjado es la cosa, llamándote como el sol. Sabes incluso antes de leer su título que Marine Tale (óleo sobre lienzo, 1956) está inspirado en los barcos en un puerto, rectángulos de todos los tonos de azul y gris evocando velas que se mecen.

 

'Te llamo como el sol': Blanco y negro (óleo sobre lienzo), 1954 de Bice Lazzari. Fotografía: Colección particular, Roma

¿Qué extraña y escurridiza fórmula es la que hace que Sin título (témpera y lápiz sobre lienzo, 1966) y Acrílico n.° 5 (acrílico sobre lienzo, 1975) sean tan atractivos? ¿Por qué me resultó tan inesperadamente difícil darle la espalda a estas líneas y círculos apenas visibles? Me temo que esto no puede explicarse fácilmente con palabras. Todo lo que puedo decirte es que dejar esta exposición indujo en mí un sentimiento desproporcionado, cercano al dolor, y que estarías completamente loco si te lo perdieras.




 En Estorick Collection, Londres N1 hasta el 24 de abril.