Raquel Cooke
Forjada en la reclusión y la pobreza de la Italia de posguerra, la
exquisita obra abstracta de este artista poco conocido lanza un hechizo propio
¿Quién fue Bice Lazzari? En la Estorick Collection en el norte de Londres, el comisario Renato Miracco expone el caso de esta modernista italiana demasiado poco conocida con la mayor franqueza. En exhibición hay 40 obras, ofrecidas sin casi nada a modo de comentario; si desea saber algo de los antecedentes familiares de Lazzari, por ejemplo, solo tendrá que hacer su propia investigación. Pero si este enfoque parece, a veces, arriesgado (en la galería, es difícil orientarse al principio), la confianza de Miracco en que el arte de Lazzari finalmente hablará por sí mismo seguramente no está fuera de lugar.
¡Qué exposición! A lo largo de los años, me doy cuenta de que me he cansado bastante de cierto tipo de abstracción; sea lo que sea que haya significado al principio, me parece cada vez más desgastado. Sin embargo, aquí está Lazzari, defendiéndolo todo de nuevo. De la discordia, ya sea interna o externa, crea una armonía tan exquisita que su obra parece por momentos casi vibrar. Por ferozmente sugerente que sea de las "fuerzas oscuras" que la impulsaron como artista, instintos primarios que no cedieron ni siquiera hacia el final de su vida, cuando perdió la vista, también es profunda y duraderamente tranquila. Bajo su hechizo, llegué a pensar en sus pinturas como respuestas a preguntas que ni siquiera sabía que me habían hecho.
'La mirada de duende de una estrella de Fellini': Bice Lazzari Ferretti
En las fotografías, Lazzari (1900-1981) tiene algo del aspecto duende de Giulietta Masina, la estrella de la obra maestra de Fellini de 1954, La Strada, o eso pensé, luchando por ponerla en contexto. Muy pocos artistas capturaron la reclusión y la pobreza poco comunes de la Italia de la posguerra tan bien como lo hizo Fellini, y este fue el mundo que también forjó a Lazzari. Solo después de la guerra encontró su camino hacia la abstracción, llegando allí sin la ayuda de maestros o incluso de modelos a seguir de artistas (los fascistas de Mussolini habían desaprobado la abstracción como una enfermedad extranjera decadente). “No sabía nada sobre pintura en el extranjero debido al clima provincial de aislamiento cultural que dominaba en ese momento”, admitió más tarde. En las galerías del Estorick, su trabajo recuerda, es casi demasiado obvio, el de sus contemporáneos más cercanos. Agnes Martin y (con menos frecuencia) Richard Diebenkorn, ambos asociados con el expresionismo abstracto estadounidense. Pero su minimalismo y su sentido del color realmente fueron, al parecer, el resultado de una exploración solitaria. Viajaba sola, al principio.
Misure nº 31. 1966.Bice Lazzari. 1966
Bice Lazzari: 'Como un trozo de hielo en el que arde una llama'
Bice Lazzari, Signature Lin
Lazzari nació en Venecia, donde sus padres eran comerciantes; estudió para ser artista allí y en Florencia, ciudad a la que se mudó su familia entre fines de 1917 y principios de 1918. Como mujer, al graduarse se animó a no pintar, sino a trabajar en diseño. Pero esto parece no haberla desanimado. Todo lo contrario, de hecho. Como ella misma lo expresó: “Cuando murió mi padre en 1928, tuve que enfrentarme a la vida a nivel práctico y así, en lugar de andar con un cuadro bajo el brazo, tomé un telar y comencé a hacer arte aplicado para poder seguir viviendo. en el clima que tanto adoraba, es decir, la libertad.” En el Estorick se exhiben un bolso y un cinturón a rayas tejidos a mano de 1929 que todavía se ven tan bien, tan audazmente modernos, que bien podrían estar a la venta en Liberty o Selfridges del siglo XXI.
Bolso tejido a mano de 1929 que todavía se ve tan audazmente modernos
Algunas pinturas son para la mente. Pero las de Lazzari son para el cuerpo: absorbes su estado de ánimo
En la década de 1930, Lazzari se mudó a Roma, apoyándose colaborando con diseñadores, y allí permanecería el resto de su vida, salvo un breve período durante la guerra cuando ella y su esposo, Diego Rosa, trabajaron con el arquitecto Gio Ponti en Milán. Pero aunque sus diversos proyectos se exhibieron con frecuencia (en el Estorick, uno de sus cojines cosidos a mano se colocó en un marco, donde se ve casi tan seductor como su trabajo sobre lienzo), no fue hasta después de 1945 que pudo dedicarse a la pintura.
Antes de 1964, trabajaba principalmente en el petróleo; después de eso, habiendo desarrollado una reacción alérgica a él, cambió al acrílico, “un material ingrato pero fuerte, resistente y resistente” que eventualmente se convirtió en su firme “amigo”. La ayudó, quizás, a expresar más claramente su visión. Como sugiere Miracco en un ensayo del catálogo, las últimas “apariciones” de color de Lazzari, aunque fantasmales, también tienen la cualidad de un relámpago: una sugerencia de infinito. Su austeridad al estilo de Agnes Martin se combina con una bravura que es totalmente suya.
Algunas pinturas son para la mente. Pero los de Lazzari son para el cuerpo: absorbes su estado de ánimo como lo harías con el de una persona por la que te sientes atraído, la emoción se transforma gradualmente en un sentimiento de absoluta rectitud. El trabajo temprano es enérgicamente geométrico: en Abstraction of a Line No 2 (1925), las reglas de colores se dispersan como palos de recogida; el patrón repetido de Continuous Rhythm (tempera on card, 1939) podría funcionar como papel tapiz. Pero luego las cosas se abren. White and Black (óleo sobre lienzo, 1954) se llama deliberadamente mal; su fondo rojo anaranjado es la cosa, llamándote como el sol. Sabes incluso antes de leer su título que Marine Tale (óleo sobre lienzo, 1956) está inspirado en los barcos en un puerto, rectángulos de todos los tonos de azul y gris evocando velas que se mecen.
'Te llamo como el sol': Blanco y negro (óleo sobre lienzo), 1954 de Bice Lazzari. Fotografía: Colección particular, Roma
¿Qué extraña y escurridiza fórmula es la que hace que Sin título (témpera y lápiz sobre lienzo, 1966) y Acrílico n.° 5 (acrílico sobre lienzo, 1975) sean tan atractivos? ¿Por qué me resultó tan inesperadamente difícil darle la espalda a estas líneas y círculos apenas visibles? Me temo que esto no puede explicarse fácilmente con palabras. Todo lo que puedo decirte es que dejar esta exposición indujo en mí un sentimiento desproporcionado, cercano al dolor, y que estarías completamente loco si te lo perdieras.
En Estorick Collection, Londres N1 hasta el 24 de abril.
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