PATRIMONIO UCRANIANO

 

'El patrimonio de Ucrania  bajo ataque': Rusia está saqueando los museos del país

Charlote Mulins

Botín de guerra... Un peto de oro del siglo IV a. C. saqueado por agentes rusos. Fotografía: Efrem Lukatsky/AP

2000 obras de arte robadas atestiguan el deseo de Putin de borrar la historia de una nación, como tantos déspotas antes que él.

Cuando comenzó la invasión rusa de Ucrania, la directora del Museo de Historia Local en Melitopol, en el sureste del país, Leila Ibrahimova, dispuso que se ocultara un tesoro de artefactos de oro de la antigua Escitia. Solo unas semanas después, fue secuestrada e interrogada por tropas rusas. Exigieron saber dónde estaba el oro escita; ella se negó a cooperar. Posteriormente, la curadora del museo, Galina Andriivna Kucher, fue llevada a punta de pistola al museo y se le pidió que mostrara a un "experto" ruso ya agentes dónde estaba el oro. También se negó a localizar la colección. Posteriormente, Kucher fue secuestrada en su casa el 30 de abril y se desconoce su paradero.

Según un informe sobre el robo en el New York Times, las tropas rusas finalmente encontraron el tesoro de oro, que data del siglo IV a. C., en una caja en el sótano del museo. Los artículos fueron llevados a Donetsk, en la región de Donbas controlada por Rusia, por "seguridad", y el director de títeres recién instalado en el museo, Evgeny Gorlachev, afirmó que los artefactos de oro no eran solo para los ucranianos sino "de gran valor cultural para todo el mundo". antigua Unión Soviética". Sus palabras cuidadosamente elegidas fueron diseñadas para borrar la herencia ucraniana de la colección y reemplazarla con una soviética, una que sugería que Ucrania estaba nuevamente dentro de la esfera de influencia y control de Rusia.

 

Una sala en el museo de Arkhip Kuindzhi, un artista ruso, destruida después de los bombardeos de los separatistas respaldados por Rusia en Mariupol. Fotografía: AP

Hasta la fecha, las fuerzas rusas han causado la destrucción o daño severo de 250 museos e instituciones en Ucrania. Veinticinco pinturas de la artista popular ucraniana Maria Prymachenko fueron incineradas después de que el Museo de Historia Local en Ivankiv fuera alcanzado por un misil. El museo Arkhip Kuindzhi en la ciudad sitiada de Mariupol resultó gravemente dañado por un ataque aéreo que dejó pinturas expuestas a la intemperie, colgadas en las paredes en medio de montones de escombros. El Laboratorio de Monitoreo del Patrimonio Cultural, dirigido por el Museo de Historia Natural de Virginia en asociación con el Smithsonian, ya ha registrado más de 110 monumentos conmemorativos destruidos por armas rusas. Pero además de destruir museos y galerías, las tropas rusas están acusadas de haber robado unas 2.000 obras de arte. Además del robo del oro escita en Melitopol, en Mariupol se han sustraído un rollo de la Torá escrito a mano y un valioso evangelio impreso en Venecia en 1811.

Los líderes autocráticos que se apoderan del arte como un medio para reescribir la historia cultural de una nación y promover sus intereses no es nada nuevo: en 1937, Hitler confiscó 17.000 obras de arte de más de 100 museos alemanes en menos de un mes. Algunos se mostraron en su exposición Arte degenerado, pero muchos fueron destruidos o "perdidos". Napoleón hizo enviar carretadas de obras maestras a París desde toda Europa: las esculturas clásicas Apolo Belvedere y Laocoonte de Italia; El Descendimiento de la Cruz de Rubens de Bélgica. Pero estos últimos robos están en consonancia con los intentos de Putin de borrar la historia independiente de Ucrania y promover su propio modelo expansionista de un nuevo imperio ruso.

Está claro que Putin ve el oro escita como particularmente central para la identidad cultural y la independencia de Ucrania. No es la primera vez que intenta reclamarlo para Rusia. En 2014, se prestaron ejemplos de oro escita al museo Allard Pierson de Ámsterdam. Cuatro de los museos ucranianos que habían otorgado los préstamos estaban en Crimea. Cuando Putin invadió y anexó Crimea, presionó a los Países Bajos para que le devolvieran el oro. Se produjo una batalla legal prolongada y solo en octubre de 2021 un juez finalmente dictaminó que las obras pertenecían categóricamente al Fondo de Museos Estatales de Ucrania y no a los museos de Crimea controlados por Rusia (las obras permanecen en las tiendas del museo holandés).

 

El Museo de Costumbres Locales de Mariupol, que se incendió después de un bombardeo de separatistas respaldados por Rusia. Fotografía: AP

Cuando también se consideran las pinturas que fueron sacadas a la fuerza de Mariupol, surge un patrón claro. Estas obras han sido elegidas para socavar la identidad nacional de Ucrania. Las pinturas de artistas de Europa occidental no han sido objetivo, por ejemplo. En cambio, lo que ha sido robado es el trabajo de artistas ucraniano-rusos. Tomemos como ejemplo al pintor marítimo del siglo XIX Ivan Aivazovsky. Nacido en Feodosia, un puerto de Crimea, fue un destacado artista romántico que pintó mares embravecidos, puestas de sol doradas y barcos sacudidos por tormentas. Arkhip Kuindzhi, un poco más joven, otro cuyas obras fueron tomadas, nació en Mariupol. Sus pinturas son la calma antes de la tormenta de Aivazovsky: paisajes de armoniosa tranquilidad. Ambos pintores trabajaron en regiones que ahora se encuentran en la actual Ucrania y Rusia, y ambos países reclaman a los artistas como propios. Otras obras robadas son de Tetyana Yablonska (1917-2005), una pintora ucraniana políticamente activa que nació en Smolensk, Rusia, y Mykola Hlushchenko (1901-1977), que vivió en Donetsk desde una edad temprana pero también nació en Rusia. La línea de pensamiento de Rusia parece ser que si se incauta de tales pinturas de artistas ucraniano-rusos, entonces seguirá el territorio en disputa que una vez llamaron hogar.

Sin embargo, hay esperanza. La resiliencia que está mostrando Ucrania en la guerra se refleja en la respuesta del país a este ataque paralelo a su cultura. En la Bienal de Venecia, la exposición Esto es Ucrania estuvo repleta de artistas, con el eslogan escrito a mano del presidente Zelenskiy "Estamos defendiendo nuestra libertad" adornando el costado del edificio. Uno de los artistas involucrados, Nikita Kadan, creó una obra a partir de fragmentos de metal dañados por la guerra recolectados en Donbas durante la guerra de 2014 y el ataque actual. usa su cuenta de Instagram para registrar los daños a los museos ucranianos, pero también para mostrar cómo el país está protegiendo sus bienes culturales, publicando fotografías de monumentos en todo el país, envueltos en mantas y cinta adhesiva o rodeados por cientos de sacos de arena. Todos los ucranianos son conscientes de que su patrimonio está bajo ataque directo.

La pieza estrella de la colección de oro escita de Melitopol es un pectoral o coraza. Es una media luna ornamentada de oro retorcido con tres frisos intrincados. El ganado y los caballos, fundamentales en la vida de los escitas, son atendidos por hombres en el primer nivel, mientras que un panel decorativo de flores y zarcillos ocupa el medio. El panel inferior, sin embargo, es brutal. Seis grifos alados atacan a tres caballos, una personificación de los malos espíritus que golpean sin piedad. A pesar de ser superados en número, los caballos luchan, tratando de mantenerse en pie. Hoy, el mensaje del peto parece misteriosamente resonante cuando Ucrania es testigo del robo de sus obras maestras por parte de un vecino que ya tiene las manos manchadas de sangre.

 

POEMA

Ascendiendo hacia el olvido

Orietta Lozano

Redimí mi carne, la inmolé en el sagrado

bebedizo de la poesía

y me lavé en sus aguas de yerbas perfumadas.

Me liberté en el mítico olor del lenguaje

que me poseyó en los sueños.

Todo será conmigo en la hora inviolable,

todo se irá conmigo, el polvo de la luna,

tus uñas desgarrando mi fastidio,

el olor inviolable del deseo.

Los perros hambrientos del lenguaje

han dejado su presa abandonada en el silencio.

-Me duele el lenguaje que agoniza tercamente

entre mis carnes-

Olvídame

con tu recuerdo me desciendes,

me detienes.

-Lo perdido nunca más será hallado-

Déjame en la edad del olvido.

Un día me uní a esta violenta caravana

y la destrocé como a una jaula de gorilas,

destrocé la nave en que se detuvo el desespero,

la incineré como carne sagrada y su polvo

me dio la dimensión del tiempo y de la muerte.

Déjame en la edad de la nada.

Déjame ascender hacia el olvido.

ELON MUSK CONTROVERSIAL

 

Elon Musk da la bienvenida a la recesión mundial: "ha estado lloviendo dinero sobre los tontos durante demasiado tiempo"

 Andrés Lorenzo

 

 

 

Elon Musk: 'Esto es realmente algo bueno'. Fotografía: Jim Watson/AFP/Getty Images

 

 

El multimillonario ha recibido préstamos y exenciones fiscales para ayudar a mantener a flote a Tesla, ahora dice que otras empresas deberían quebrar por el bien de la economía.

Con la invasión de Ucrania y los bloqueos en China que ejercen una presión adicional sobre una cadena de suministro que aún no se ha recuperado de la pandemia en curso, muchos predicen una recesión mundial. Elon Musk dice que adelante.  “Esto es realmente algo bueno”, dijo Musk en respuesta a una pregunta de un usuario de Twitter. “Ha estado lloviendo dinero sobre los tontos durante demasiado tiempo. Algunas quiebras tienen que suceder."

“Además”, continuó, “ con eso de quedarse en casa por Covid han engañado a las personas para que piensen que en realidad no es necesario trabajar duro. Urge despertar!

Es un discurso duro de un hombre que se dice que vale más de 218.000 millones de dólares, más que nadie en el mundo. Y pasa por alto convenientemente las considerables donaciones que el propio Musk recibió en el proceso de aumentar su patrimonio neto después de desembolsar 6,5 millones de dólares por una participación mayoritaria en Tesla en 2004. ¿Cómo capeó Musk las tormentas económicas y los duros despertares posteriores?

En 2008, la compañía lanzó su único producto: una imitación de Lotus Elise llamada Roadster. Con un precio inicial de alrededor de $80.000, el cupé no tenía exactamente el precio para moverse; 2450 ventas globales hicieron que la visión de Musk de producir autos eléctricos en masa pareciera un sueño imposible. Pero un año después, Tesla recibió un préstamo de 465 millones de dólares como parte de un paquete de estímulo federal, dinero que básicamente pagó el desarrollo y la fabricación del innovador Model S.

Musk, quien se apresura a señalar que Tesla pagó ese préstamo antes de tiempo, mueve esos autos con la ayuda de considerables exenciones de impuestos para vehículos eléctricos. Y aprovecha aún más la ausencia de emisiones del tubo de escape de sus autos al revender su caché de créditos de carbono a rivales con altas emisiones de carbono bajo presión para limpiar, al menos $517 millones desde 2015. Hay una razón por la cual Bill Ackerman y otros vendedores en corto apostaron fuerte a que Tesla fracase. La compañía probablemente estaría tan muerta como el mismo Nikola Tesla si no hubiera sido por el gobierno que “llueve dinero sobre los tontos”.

Musk también afirmó en Twitter que una recesión sería buena porque "las empresas que tienen un flujo de caja inherentemente negativo (es decir, destructoras de valor) deben morir, para que dejen de consumir recursos". De 2010 a 2018, Tesla recaudó $ 20 mil millones en capital y produjo un flujo de caja negativo de $ 9 mil millones; 2021 fue el primer año completo de rentabilidad de la empresa.

No es sólo Washington el que ha sido generoso. Tesla también se beneficia de exenciones de impuestos estatales sobre la renta para vehículos ecológicos y se ayuda habitualmente con los subsidios corporativos. Desde agosto pasado, la compañía ha recibido aproximadamente 64 millones de dólares en incentivos para mudarse a Austin, Texas, y construir Giga Texas, la nueva fábrica que se espera produzca otra idea gonzo de Musk, el Tesla Cybertruck.

Las otras empresas de Musk también se han beneficiado de los planes de bienestar empresarial. En 2015, el LA Times calculó que las empresas de Musk se habían beneficiado de casi 5.000 millones de dólares en apoyo gubernamental. Eso incluye a SpaceX, que acaba de obtener un contrato de $2890 millones con la NASA y un contrato de la fuerza aérea de $653 millones, ambos en 2021; y SolarCity, que capitalizó $ 1.5 mil millones en ayuda del gobierno y también perdió efectivo antes de que la compañía de energía solar fuera absorbida por Tesla, que a su vez aceptó los beneficios de nómina del paquete de estímulo pandémico de $ 600 mil millones de Donald Trump.

Musk puede regañar a los que trabajan desde casa todo lo que quiera. Pero a la hora de beneficiarse de limosnas y préstamos, pocos han recibido más que él.

 

MODERNISMO: ESPERANZA Y OPTIMISMO

 

Una exposición del modernismo apunta a la esperanza

Verónica Espósito

Yun Gee, Escena callejera, 1926. Fotografía: Robert Gerhardt y Denis Y Suspitsyn/

Cortesía del patrimonio de Yun Gee

En una nueva exposición en el Whitney de Nueva York, una mirada retrospectiva al arte modernista de principios del siglo XX ofrece optimismo y también una rara diversidad.

Aunque el comienzo del siglo XX fue una época de guerra, pandemia y agitación social, también trajo consigo una innegable sensación de esperanza y oportunidad que fue fundamental para el arte modernista que florecía en ese momento. Nuevas estéticas visionarias se estaban desatando en el mundo, y los artistas realmente creían en el potencial revolucionario de su trabajo. Es esta posibilidad inigualable, apertura y optimismo lo que la nueva exhibición de arte modernista del Museo Whitney, At the Dawn of a New Age, busca canalizar para los visitantes del museo.

“Hay una sensación de efervescencia que se registra en el trabajo”, dijo la académica y curadora del Whitney desde hace mucho tiempo Barbara Haskell, quien organizó esta muestra. “Parecía que sería apropiado exhibir este trabajo en un momento en que estamos lidiando con la distopía del presente. Espero presentarle al público la gama de calidades y estilos, las innumerables formas en que los estadounidenses tradujeron lo que estaba sucediendo en Europa a una lengua vernácula estadounidense”.

Fiel a los objetivos de Haskell, el espectáculo es un derroche de colores, estados de ánimo y estilos, que da una idea de la experimentación embriagadora en el trabajo de los artistas que labraron un modernismo distintivamente estadounidense. Desde la fantasía neoclásica hasta las abstracciones sensuales, los paisajes radiantes, las visiones trascendentales, las escenas callejeras cubistas e incluso un conjunto antiguo de la baraja de tarot predominante en el mundo, At the Dawn of a New Age presenta una vertiginosa variedad de arte. Esta profusión es algo domesticada al estar cuidadosamente dispuestas en tres galerías que ofrecen a los visitantes la oportunidad de controlar su ritmo y descubrir vínculos entre las piezas en una habitación determinada.

Georgia O'Keeffe, Music, Pink and Blue No. 2, 1918. Fotografía: Robert Gerhardt y Denis 

Y Suspitsyn/Whitney Museum of American Art

Haskell quería que su espectáculo hiciera un contrapunto provocativo a la Bienal de Whitney que se está llevando a cabo actualmente. Por lo tanto, revisó los archivos del museo no solo para celebrar a los abanderados modernistas como Georgia O'Keefe y Aaron Douglas, sino también para exhibir artistas, a menudo mujeres y/o personas de color, que en gran parte han sido borrados del movimiento modernista. Casi la mitad del trabajo en At the Dawn of a New Age ha estado almacenado en el Whitney durante 30 a 50 años, y muchas de las piezas en exhibición son nuevas adquisiciones destinadas a abordar las lagunas en las colecciones del Whitney que Haskell identificó mientras ensamblaba juntos su exposición. “La historia de este período tiende a contarse a través de un puñado de artistas, mientras que la realidad es que tantos artistas estaban trabajando a un nivel tan alto. Esto nos ha negado esa efervescencia, el sentido de las posibilidades en la obra. Traer de vuelta estas obras realmente transmite ese estado de ánimo de la época”.

Marguerite Zorach. Ciervo en el bosque, 1914

Entre los artistas menos célebres que se merecen en At the Dawn of a New Age se encuentran Marguerite Zorach, Blanche Lazzell, Yun Gee, Isami Doi y Henrietta Shore. Llegados de todas partes del mundo y de todos los Estados Unidos, se sintieron atraídos por los centros modernistas de Nueva York y París por el arte que les hablaba con un sentido de novedad y promesa. Canalizando sus impulsos creativos en este movimiento, han creado un trabajo que es a la vez reconociblemente modernista pero que se mantiene fiel a sus orígenes y a los espacios sociales marginados que habitaron.

La contribución de Zorach a la muestra, un paisaje pintado sobre seda titulado simplemente Paisaje con figuras, recuerda Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte de Seurat, por la sensación de reunión y disfrute que ambos transmiten. Pero Zorach se destaca por sí solo como un trabajo extraño y convincente: en las posturas de flexión y flexión de los bañistas hay un clásico, neogriego, y el árbol central de la pieza, compuesto por un tronco rojo radiante y hojas de color verde lima, contribuye a la sensación de otro mundo de la pintura. A medida que el trabajo empapa lentamente su conciencia, comienza a sentir que estas figuras misteriosas conocen secretos de placer y relajación que pocos penetrarán.

Marguerite Zorach: Paisaje con figuras

Henrietta Shore, Rastro de la vida, c. 1923.

Fotografía: Denis Y Suspitsyn/Whitney Museum of American Art

En contraste con el pesado paisaje de Zorach, Street Scene de Yun Gee está compuesta en un ángulo vertiginoso, dando a la pieza una sensación de desequilibrio. La obra, que consta de grandes trozos de amarillos, azules, rojos y marrones, tiene una deuda con el cubismo y transmite una sensación de rebeldía de la vida moderna que recuerda a John Dos Passos. La soledad e incluso la desesperación de cada una de las abundantes figuras humanas en Street Scene se siente intencionada, tal vez como resultado del racismo que experimentó Gee como inmigrante chino que vivía y creaba en San Francisco.

De bañistas y paisajes urbanos, se llega a la monumental flor de Henrietta Shore, titulada Trail of Life. Recordando el trabajo de Georgia O'Keefe, con quien expuso (siendo a veces la preferida de las dos), muestra una flor simplificada y abstracta que se dobla con formas sensuales. El trabajo se encuentra entre los favoritos de Haskell en el programa. “Es casi este comienzo en ciernes de una flor. Shore aplicó varias capas de pintura para que el color brille. Me encanta cómo los artistas de este período se ocupan de las ideas universales sobre la interconexión entre los humanos y la naturaleza, y Trail simplemente codifica esta idea de la naturaleza como una especie de contenedor, si no es algo espiritual, al menos comunica la interioridad”.

Oscar Bluemner, Old Canal Port, 1914. Fotografía: Robert Gerhardt y DenisY Suspitsyn/ Whitney Museum of American Art

Esa interioridad e interconexión es bastante clara en los dos inquietantes grabados en madera de Isami Doi, un hijo de inmigrantes japoneses que creció en Hawái antes de dedicarse al arte en París y Nueva York. Juntando cuidadosamente diversas texturas y formas, los grabados en madera encuentran un todo que es a la vez solemne y sereno, pero que también estalla con la energía del reino natural. Su Moonlight nos muestra las espaldas de dos figuras unidas por el brazo mientras dan un paseo nocturno a través del follaje y hacia las casas en la distancia. En la forma en que las figuras y su entorno se fusionan, la conexión entre lo humano y lo natural es potente. The Stream de Doi presenta a una mujer con los ojos bajos, de pie pensativa ante una cerca, detrás de la cual fluye un arroyo. Uno anhela saber qué comprende exactamente la corriente de pensamientos que fluyen a través de la mente de esta mujer.

En un momento en que el mundo a menudo puede sentirse tan pesado, y cuando muchos todavía están considerando si volver a comprometerse por completo con la vida, At the Dawn of a New Age ofrece un poderoso recordatorio de exactamente por qué acudimos en masa a los museos. Este desfile de éxitos del dinamismo y la diversidad estadounidenses es una invitación bienvenida a dejar atrás las pantallas y disfrutar de la presencia de algo transformador. “Mi objetivo muy inocente sería que espero que la gente venga al espectáculo y se enamore del trabajo. Es tan alegre y tan lleno de promesas. Al subir a las galerías tengo una sensación de euforia”.

At the Dawn of a New Age: Early Twentieth-Century American Modernism
se exhibe en el Whitney Museum of Art de Nueva York hasta enero de 2023

 

 

 

LA ERA DE LA EXTINCIÓN: HUEMULES

 

El caso del ciervo desaparecido y cómo un nuevo corredor podría salvarlo

Mat Maynard

Huemul patagónico

 

 

Solo quedan 1.500 huemules en el mundo, pero se crea un corredor de parques para salvar al venado que figura en el escudo de Chile

Es el crepúsculo en el valle de Las Horquetas, en el norte de la región de Aysén, en la Patagonia. Varios autos se han detenido debajo de acantilados arenosos en un camino pavimentado ancho. A pocos metros de distancia, tres ciervos pastan imperturbables bajo el resplandor de las luces del automóvil.

El huemul patagónico ( Hippocamelus bisulcus), o venado surandino, es el animal ungulado más amenazado de América del Sur. Menos de 1.500 sobreviven en la actualidad: dos tercios se encuentran en Chile y el resto en Argentina, donde el hábitat principal del huemul es el bosque y el matorral de lenga. Existen en grupos severamente fragmentados de 101 subpoblaciones conocidas, con el 60% de estos compuestos por solo 10-20 individuos, haciéndolos susceptibles a fenómenos meteorológicos extraños. También sufren de poca diversidad genética.

 

El escudo de armas de Chile celebra el huemul junto con el cóndor. Fotografía: Alamy

El huemul llamó la atención del público en general en Chile por primera vez en 1834, cuando el pintor británico Charles C Wood Taylor convenció al gobierno de que una criatura del territorio patagónico, en gran parte inexplorado, debería acompañar al cóndor en su diseño para el escudo de armas del país. Se eligió el huemul, “un animal casi desconocido”. Tiene protección oficial desde 2006, cuando se le otorgó el estatus de monumento natural chileno, y en 2010 Chile y Argentina acordaron conservar conjuntamente al venado.

Hoy, los esfuerzos de conservación en Chile se están intensificando. Gustavo Saldivia, fundador de la Fundación Aumen, que ha estado protegiendo el huemul en un área de 8.500 hectáreas (32 millas cuadradas) de terreno público cerca de Tortel en Chile desde 2001, cree saber por qué. “Aletea sus pestañas. Es sexy”, dice.

La organización Rewilding Chile también está trabajando para proteger el huemul mediante la compra de áreas silvestres y pastizales privados en la Patagonia para proyectos de restauración y conservación. En 2018 entregó al país 400.000 hectáreas de tierras recuperadas, colaborando con el gobierno para crear una Ruta de los Parques, que hoy conecta un mosaico de 17 parques nacionales, extendiéndose 1.700 millas sobre el tercio sur de Chile.

 

Una cámara oculta capta a un huemul en las faldas del valle de Las Horquetas. Fotografía: Cortesía de Fundación Rewilding Chile

La Ruta de los Parques ha aumentado las conexiones entre subpoblaciones dispares de huemules, pero la ganadería, la caza y la construcción en terrenos privados entre estos parques aún representan una amenaza para los huemules. Para abordar esto, Rewilding Chile ha creado un corredor nacional de huemules.

“La Ruta de los Parques es la columna vertebral”, dice el director de vida silvestre de Rewilding Chile, Cristián Saucedo, “y ahora el corredor del huemul forma la caja torácica”. Restaurar la interconectividad de las poblaciones de huemules a lo largo de la Patagonia es el objetivo final, dice Saucedo, pero primero se debe aumentar su número y reducir las amenazas en las áreas que actualmente ocupan.

Desde 2020, Saucedo ha supervisado la compra de 670 hectáreas de terrenos privados y la posterior remoción de vallas ganaderas en el valle de Las Horquetas, conectándolo con el parque nacional Cerro Castillo de 180.000 hectáreas para crear una parte clave del corredor huemul.

“Estos pequeños aportes de tierra son muy importantes porque, aunque pequeños, son lugares clave para proteger y conectar estas 'islas' (huemules)”, dice Rody Álvarez, guardián de Rewilding Chile.

Kristine Tompkins

Kristine Tompkins, cofundadora de Tompkins Conservation, que lanzó Rewilding Chile en 2021, dice: “Respetar la vida silvestre significa deshacer el daño que hemos hecho. Una forma de hacerlo es restaurar corredores para especies cruciales, como el huemul, cuyo tiempo se está acabando”.

En un estudio realizado a principios de este año, el huemul fue nombrado como una de las 20 especies terrestres clave cuya reintroducción podría afectar positivamente la biodiversidad. La investigadora principal, Carly Vynne, dice: "Un esfuerzo centrado en recuperar esta especie no solo ayudaría a la especie en sí, sino que también podría ayudar a completar ensamblajes en vastas áreas (de la Patagonia)".

Reconectar los bolsones patagónicos a los que se ha reducido el huemul podría ayudar a restaurar los agotados paisajes intermedios, según el estudio. El huemul es el único mamífero grande que falta en muchos ecosistemas patagónicos. Saucedo describe al huemul como una “especie centinela”, que proporciona información sobre cómo se está recuperando un ecosistema dañado.

 

Un huemul se alimenta al caer la noche en el valle de Las Horquetas. Fotografía: Matt Maynard

Pero el huemul sigue enfrentando amenazas, entre ellas la crisis climática y el cambio de uso de suelo. Ya se ha reducido a menos del 50 % de su hábitat original, según un artículo de investigación de 2018, y se espera una reducción adicional del 60 % para 2050, en gran parte debido al impacto de los inviernos más cálidos.

“En los últimos 15 años la región se ha ido fragmentando muy rápido”, dice Álvarez. “Los paisajes se están dividiendo en lotes”. Los dueños de estas propiedades  rompen el hábitat del huemul colocando cercas a menudo hechas de alambre de púas.

Los esfuerzos concertados para preservar el huemul significan que los números aumentan gradualmente en Las Horquetas, pero la especie aún está en declive, según la Lista Roja de la UICN. Se necesitan conversaciones de amplio alcance, dice Saucedo, entre los sectores público y privado, y con Argentina, donde las poblaciones de huemules se extienden a ambos lados de la frontera, si se quiere salvar al huemul.

“Para recobrar el huemul se requiere cooperación con una perspectiva de largo plazo y finalmente los beneficios son para toda la humanidad”, dice Saucedo.

 

PATRIA

 

Oda escrita en 1966

  Jorge Luis Borges

Nadie es la patria. Ni siquiera el jinete
que, alto en el alba de una plaza desierta,
rige un corcel de bronce por el tiempo,
ni los otros que miran desde el mármol,
ni los que prodigaron su bélica ceniza
por los campos de América
o dejaron un verso o una hazaña
o la memoria de una vida cabal
en el justo ejercicio de los días.
Nadie es la patria. Ni siquiera los símbolos.

Nadie es la patria. Ni siquiera el tiempo
cargado de batallas, de espadas y de éxodos
y de la lenta población de regiones
que lindan con la aurora y el ocaso,
y de rostros que van envejeciendo
en los espejos que se empañan
y de sufridas agonías anónimas
que duran hasta el alba
y de la telaraña de la lluvia
sobre negros jardines.

La patria, amigos, es un acto perpetuo
como el perpetuo mundo. (Si el Eterno
Espectador dejara de soñarnos
un solo instante, nos fulminaría,
blanco y brusco relámpago, Su olvido.)
Nadie es la patria, pero todos debemos
ser dignos del antiguo juramento
que prestaron aquellos caballeros
de ser lo que ignoraban, argentinos,
de ser lo que serían por el hecho
de haber jurado en esa vieja casa.
Somos el porvenir de esos varones,
la justificación de aquellos muertos;
nuestro deber es la gloriosa carga
que a nuestra sombra legan esas sombras
que debemos salvar.

Nadie es la patria, pero todos lo somos.
Arda en mi pecho y en el vuestro, incesante,
ese límpido fuego misterioso.

UNA MUJER ' DISCAPACITADA'

 

 Cómo una artista hizo añicos las ideas victorianas sobre la discapacidad

Autorretrato de Sarah Biffin de alrededor de 1825 frente a su pendiente de pintura.

Nació sin brazos ni piernas en el seno de una familia de granjeros en 1784 y, con solo 37 pulgadas (94 cm) de altura cuando era adulta, se exhibió en las atracciones de feria.  Cuando Biffin tenía doce años, su familia la entregó a un hombre llamado Emmanuel Dukes, que la exhibió en ferias y espectáculos de rarezas por toda Inglaterra.​ Según algunos relatos, fue Dukes quién la enseñó a pintar, sujetando el pincel con la boca, para aumentar su valor como atracción

 Anunciada como The Limbless Wonder, Sarah Biffin pintó, escribió y cosió con la boca y el hombro, junto con luchadores profesionales, animales salvajes y otras "curiosidades" de espectáculos secundarios que atrajeron a los espectadores que pagaban.

Publicidad de un espectáculo de Sarah Biffin. Foto: Sworders Fine Art Auctioneers.

Pero superó las adversidades de la vida y encontró reconocimiento por su destacado talento como pintora en una época en la que generalmente se ignoraba el arte de las mujeres y las personas discapacitadas.

Ahora, una gran exposición la celebrará como una mujer inspiradora que no solo desafió las actitudes hacia la discapacidad, sino que también pintó miniaturas y acuarelas de una belleza tan exquisita que contó con la reina Victoria entre sus patrocinadores. La exposición, que contará con préstamos de instituciones públicas, se celebra a partir de noviembre en la galería londinense de Philip Mould, presentador de la serie de BBC One Fake or Fortune?. “Como artista discapacitada de clase trabajadora, sus obras de arte, muchas firmadas con orgullo 'sin manos', son un testimonio de su talento y determinación de toda la vida. Pero a pesar de su prolífica producción artística y su aparición en numerosas memorias, cartas y obras literarias publicadas por figuras destacadas de su época, los historiadores del arte han pasado por alto la notable vida de Biffin hasta ahora”.

Nacida con la condición congénita focomelia, Biffin fue descrita en su registro de bautismo como "nacida sin brazos ni piernas". Al crecer en la zona rural de Somerset, aprendió sola a escribir, pintar, coser y usar tijeras. Tal era su extraordinaria determinación que, cuando su familia asistía a la iglesia, se negaba a que la cargaran e insistía en rodar por el pasillo hasta su banco.

Su padre trabajaba como peón agrícola, zapatero y pañero. Biffin pudo complementar los ingresos familiares con sus ganancias anuales de £ 5 de sus apariciones en el recinto ferial itinerante de Emmanuel Dukes.

Un anuncio proclamaba su “gran genio” para dibujar y pintar con la boca, y agregaba: “Fácilmente el Lector puede pensar que es imposible que ella sea capaz de hacer lo que se inserta en este Proyecto de Ley, pero si no puede, y mucho más, la El conductor perderá mil guineas".

Sara Griffin: Retrato de una mujer joven. Miniatura

Algunos espectadores recibieron una muestra de su escritura incluida en el costo de algunas entradas. Otros pagaron tres guineas por sus retratos en miniatura.

Un periódico informó: “Tan exquisito es el toque de esa dama que fácilmente puede hacer un nudo en un solo cabello con la lengua”.

Estudio de plumas de Sarah Biffin, una acuarela que data de 1812. Ilustración: Philip Mould & Company

Su suerte cambió después de que el conde de Morton posara para su retrato en la Feria de San Bartolomé en Londres y quedó tan impresionado por su talento que pagó su formación formal con un destacado pintor, William Marshall Craig. A partir de 1816 se erigió como artista independiente y recibió encargos de la nobleza y la realeza.  Tal fue su fama que Charles Dickens se refirió a ella en varias novelas, entre ellas La vieja tienda de curiosidades , en la que escribió sobre “la damita sin piernas ni brazos”.

Pero, como si no hubiera sufrido lo suficiente, su corazón fue roto por un sinvergüenza, William Stephen Wright, quien se casó con ella, solo para desaparecer con su dinero, dejándola con una pequeña asignación anual. Murió en 1850, a los 66 años.

El resurgimiento del interés por Biffin en los últimos años se refleja en un aumento de los precios de sus obras de arte. En 2019, uno de sus autorretratos en miniatura se vendió por 137 500 libras esterlinas, una suma notable para una artista poco conocida. En la mayoría de sus autorretratos, representó un pincel cosido a la manga de su vestido que manipularía usando tanto su hombro como su boca.

Otras exhibiciones incluyen bodegones, como su Estudio de plumas, ejecutado con suma delicadeza y realismo, y cartas escritas a mano que revelan humor en lugar de amargura.  Mould describió su talento como notable y merecedor de un lugar en los libros de historia del arte.  Como Biffin fue prolífica, cree que aún quedan por descubrir más de sus obras. Es posible que se hayan atribuido erróneamente, ya que firmó algunos con el nombre de su esposo.

Alison Lapper, que nació 180 años después con la misma condición que Sarah Biffin, dice: “Estoy completamente fascinada con Sarah Biffin y nuestras similitudes”.