UN VISTAZO AL GENIO DE FRIDA

 

Exposición Frida & Diego: Love & Revolution: un vistazo al verdadero genio de Kahlo

Jane Howard

 

 

 

Hay una intensidad particular en sus ojos que está ausente en las interminables reproducciones'... Frida & Diego: Love & Revolution, en la Galería de Arte de Australia Meridional. Fotografía: Saul Steed

 

Art Gallery of South Australia, Adelaide
Esta hermosa muestra está repleta de obras de Kahlo, Rivera y sus contemporáneos mexicanos, pero falta el lado más oscuro de la historia de su vida.

Lo primero que sorprende de Frida & Diego: Love & Revolution, la nueva exposición de la Art Gallery of South Australia, es el tiempo que se tarda en ver una obra de Frida Kahlo. Si bien Rivera fue la celebridad más grande durante su vida, ahora son las pinturas de Kahlo, y su rostro, lo que encontrará en bolsos de mano, imanes de nevera y velas.

La primera sala contiene hermosas imágenes históricas de la Ciudad de México, donde vivía la pareja, así como fotografías del padre de Kahlo, Guillermo Kahlo, y reproducciones impresas de los frescos de Diego Rivera. En el siguiente, hay dos cuadros que son inequívocamente de Rivera: Paisaje con cactus (1931) y Vendedor de calas (1943). Cerca hay obras de los contemporáneos de Kahlo y Rivera: Juan Soriano, Carlos Mérida, María Izquierdo. Es una lectura expansiva del modernismo mexicano, que pone en contexto las carreras de Kahlo y Rivera.

Paisaje de Rivera con cactus (izquierda) y Girasoles (derecha). Fotografía: Saul Steed

Solo una vez que caminas detrás de una columna te encuentras con la primera obra de Kahlo. El programa se anuncia como “Frida y Diego”, pero es la imagen de Kahlo la que domina el marketing. Es extraño lo escondida que se siente al principio, pero aún así, hay algo agradable en la forma amable en que finalmente nos encontramos con ella: no como la superestrella mundial en la que se ha convertido con su muerte, sino como una artista en activo entre sus compañeros.

Este primer trabajo no es uno de sus llamativos autorretratos, aunque sí aparece en él: El amor abraza el universo, la tierra (México) Diego, yo y el Señor Xolotl (1949), Kahlo abrazando a Rivera, ambos adultos y bebé a la vez. Ella, a su vez, es abrazada por la diosa azteca Cihuacóatl, y a su alrededor se extienden los brazos del universo.

 

El abrazo de amor del universo, la tierra, yo misma, Diego y el señor Xólotl, 1949. Óleo sobre tablero duro. Fotografía: Colección Jacques y Natasha Gelman de Arte Mexicano del Siglo XX y Fundación Vergel

La tradición occidental llamaría a esta imagen surrealismo, pero Kahlo rechazó el término y dijo que estaba “pintando su propia realidad”. Es una pintura deliciosamente compleja, con más detalles y profundidad cuanto más la miras. Si bien fue una de sus últimas pinturas, hay una dulzura, juventud e ingenuidad en el rostro de Kahlo que no se alinea con los retratos clásicos que conocemos.

La primera mirada a una de las imágenes reconocibles de Kahlo solo llega cuando te das la vuelta hacia la habitación contigua, donde Autorretrato con monos (1943) se encuentra al final de un largo pasillo azul. Hay mucho más arte para ver antes de llegar, pero su mirada atrae.

Autorretrato con monos

Es, por supuesto, su mirada (y su siempre presente uniceja) lo que ayudó a elevar a Kahlo a un ícono. Y es al encontrarse cara a cara con la primera de estas pinturas que comienzas a comprender completamente su genio. Hay una intensidad particular en sus ojos que está ausente en las interminables reproducciones; un destello de luz entre los múltiples tonos de marrón que nunca antes había notado. Hay una profundidad en la curva de su cuello y los contornos sutiles de su barbilla. Cada pincelada de cabello -cejas, un bigote ralo, los pelos de los monos que la abrazan suavemente- brillan con movimiento.

 

'Su mirada llama'... Autorretrato con monos de Kahlo (1943) al final del pasillo. Fotografía: Saul Steed

La mayoría de las personas que tienen una impresión de Kahlo, ya sea en la pared o en la carcasa de su teléfono, no habrían visto una de sus pinturas en persona. “ Fridamanía ” y la comercialización de su imagen ha adquirido una personalidad mucho más allá del pintor. Pero al ver sus retratos en persona, puedes apreciar verdaderamente su belleza, la sutileza de las pinceladas y el poder de su postura.

Esta es la misma colección de pinturas de Kahlo y Rivera que se mostró en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur en 2016, pero aquí la pareja se ve reforzada por las pinturas de sus contemporáneos. Están las imágenes abstractas de Gunther Gerzso, las pinturas de jóvenes indígenas de Juan Soriano, las ilustraciones de Miguel Covarrubias. Extraídos exclusivamente de la Colección Jacques y Natasha Gelman, estas pinturas ubican a la pareja de celebridades dentro del modernismo mexicano posrevolucionario , un período de la historia del arte poco explorado en las galerías de arte australianas.

 

Frida Kahlo y Diego Rivera con su mono Fulang Chang, 1937. Fotografía: Throckmorton Fine Art, Nueva York.

La exposición está respaldada por docenas de fotografías de Kahlo y Rivera, desde retratos escenificados de otros artistas hasta tomas cotidianas de amigos. En muchas de estas imágenes que salpican las paredes, Kahlo está sentada en un caballete; camina detrás de la pared y te encuentras con el cuadro que estaba pintando en ese momento.

Por supuesto, la estrella de la exposición es Kahlo: su mirada inquebrantable capta la atención. Pero hay una peculiaridad significativa en la colección en lo que le falta. Los autorretratos de Kahlo pueden ser por lo que es conocida en todas partes, pero también produjo un hilo de trabajo más oscuro que exploró su dolor crónico y su discapacidad. Pero los Gelman no estaban interesados ​​en coleccionar estas pinturas: querían las más hermosas.

 

Con AGSA trabajando dentro de la colección de Gelman, hay una gran sensación de que falta algo. Hay una profunda complejidad artística en el trabajo de Kahlo que se exhibe aquí, e incluso en las pinturas más simples hay una sensación tanto de belleza como de poder. Pero la historia de Kahlo está incompleta sin este dolor: solo se convirtió en artista mientras estaba confinada en su cama a los 18 años después de un catastrófico accidente de autobús. La colección de Gelman solo cuenta una parte de la historia, y siendo esta la primera vez que el trabajo de Kahlo se exhibe en Adelaide desde 1990, parece que el público local obtendrá una curaduría extrañamente reprimida de su historia.

La exposición sí reflexiona sobre el dolor de Kahlo. Hacia el final de la exposición hay una sala envuelta en negro. Una pequeña cama individual blanca se encuentra en el centro. Un autorretrato de 1941 contempla fríamente la habitación llena de fotografías: las imágenes de Juan Guzmán de Kahlo en el hospital en 1950; su cama, fotografiada en 2012; sus muletas y corsé en su baño, fotografiado en 2005.

Hay una obra que insinúa parte de la tragedia de la vida de Kahlo: su pequeña litografía de 1932, Frida y el aborto espontáneo. La mitad del cuerpo de Kahlo está negro y magullado. Las lágrimas caen de sus ojos y de su vagina. Un niño se sienta simultáneamente en su útero y fuera de él.

Esta no es una obra que aparece en los souvenirs de la tienda de regalos. Pero es esta pieza de esta exposición la que agrega contexto a los autorretratos clásicos. En la quietud de este dolor, finalmente ves a la mujer que te devuelve la mirada desde estas paredes una y otra vez: los hombros en alto, mirando directamente al espectador, estoica e inquebrantable. Una mujer que ha enfrentado su vida y ahora quiere enfrentarnos a nosotros.

Frida & Diego: Love and Revolution se exhibe en la Art Gallery of South Australia hasta el 17 de septiembre