BAILARINA, CANTANTE, ESPÍA: HOMENAJE JOSEPHINE BAKER

 

Bailarina, cantante ... espía: el Panteón de Francia rinde homenaje a Josephine Baker

 

 

 

Josephine Baker en uniforme.

 

La intérprete será la primera mujer negra en ingresar al mausoleo, en reconocimiento a su trabajo en tiempos de guerra.

En noviembre de 1940, dos pasajeros abordaron un tren en Toulouse que se dirigía a Madrid y luego a Lisboa. Una era una mujer negra llamativa con pieles caras; el otro supuestamente su secretario, un francés rubio con bigote y gafas gruesas.

Josephine Baker, brindis de París, la primera superestrella negra del mundo, una de sus mujeres más fotografiadas y la artista mejor pagada de Europa, viajaba, abiertamente y con su estilo habitual, como ella misma, pero estaba desempeñando un nuevo papel.

Su supuesto asistente era Jacques Abtey, un oficial de inteligencia francés que desarrollaba una red clandestina de contrainteligencia para recopilar información estratégica y canalizarla al cuartel general de Charles de Gaulle en Londres, donde la pareja esperaba viajar después de Portugal.

Aparentemente, se dirigían a explorar lugares para la gira planificada de Baker por la península Ibérica. En realidad, llevaban detalles secretos de las tropas alemanas en el oeste de Francia, incluidas fotos de las lanchas de desembarco que los nazis estaban haciendo fila para invadir Gran Bretaña.

La información fue escrita principalmente en las partituras musicales de la cantante con tinta invisible, para ser revelada con jugo de limón. también las fotografías que había escondido en su ropa interior. El paquete completo fue entregado a agentes británicos en la embajada de Lisboa, quienes informaron a Abtey y Baker que serían activos mucho más valiosos en Francia que en Londres.

Así que, de regreso a la Francia ocupada, Baker se ocupó debidamente. "Fue inmensamente valiente y completamente comprometida", dijo Hanna Diamond, profesora universitaria de Cardiff, sobre Baker, quien el martes se convertirá en la primera mujer negra en ingresar al Panteón de París, el mausoleo de los "grandes hombres" de Francia.

"Hay muchas cosas que no sabemos, y es posible que nunca sepamos, sobre qué trabajo de espionaje hizo exactamente, los secretos que realmente transmitió", dijo Diamond, un experto en Francia de la Segunda Guerra Mundial que está investigando un libro sobre las hazañas de Baker durante la guerra.

“Sabemos mucho sobre fragmentos de su vida: los humildes comienzos en Missouri, la sensación internacional del París de los años 20 y 30, la activista de los derechos civiles de EE. UU., la madre de una familia adoptada y multirracial… Ese no es el caso de la heroína de la resistencia . "

El presidente Emmanuel Macron decidió este verano que 46 años después de su muerte, Baker se convertiría en la sexta mujer en ser conmemorada en el Panteón en una ceremonia el 30 de noviembre, el aniversario del matrimonio con Jean Lion que le permitió adquirir la nacionalidad francesa.

Nacida como Freda Josephine McDonald en St. Louis en 1906, Baker dejó la escuela a los 12 años y consiguió un lugar en uno de los primeros musicales negros en Broadway en 1921. Como muchos artistas afroamericanos en ese momento, se mudó a Francia para escapar de la discriminación.

'La Venus Negra': Josephine Baker, 1935.

Emergiendo de la línea del coro de La Revue Nègre, se convirtió en una gran estrella, aprovechando las fantasías colonialistas, racistas y sexistas masculinas en actuaciones que sorprendieron y deleitaron al público y ganaron admiradores desde Ernest Hemingway hasta Pablo Picasso.

Apodada "la Venus Negra", bailó el charleston con nada más que un collar de perlas y una falda hecha de 16 plátanos de goma,  con una serpiente envuelta sugestivamente alrededor de su cuello, paseó por los Campos Elíseos con su guepardo mascota, y se convirtió en una superestrella internacional.

Fuera del escenario, mientras las canciones de éxito y los papeles protagónicos se sucedían, Baker cultivó una vida privada escandalosa, teniendo aventuras con hombres y mujeres, incluidos la novelista Colette, el arquitecto Le Corbusier y el príncipe heredero de Suecia.

Después de la guerra, luchó por la igualdad de derechos con tanta energía en público como en casa, hablando ante Martin Luther King en la Marcha de 1963 en Washington y adoptando a 12 niños de todo el mundo para que vivieran con ella en su castillo en Dordoña.

Josephine Baker y su esposo, Jo Bouillon, pasean por las Tullerías en París con siete de los niños que adoptaron. Fotografía: Bettmann / Getty Images

Sin embargo, sus actividades de espionaje durante la guerra están, por razones obvias, documentadas de manera bastante menos confiable. Gran parte de lo que se conoce, dijo Diamond, quien recientemente publicó un ensayo extenso inicial de fuente primaria sobre la guerra de Baker, proviene de un libro que Abtey publicó en 1948.

“Era una figura inconformista”, dijo. “Claramente estaba contando su propia historia, defendiendo su propio caso, al menos tanto como contaba la de ella. No estaba, digamos, desinteresada, y está resultando difícil rastrear el material fuente original para verificar su cuenta ".

Lo que es seguro, sin embargo, es que Abtey reclutó a Baker después de conocerla, a regañadientes, a fines de 1939, presentada por un promotor patriótico. Decidida a mostrar su gratitud al país que la había creado y contribuir al esfuerzo bélico, la estrella ya actuaba para las tropas aliadas y trabajaba con refugiados para la Cruz Roja. (Más adelante en la guerra, ella se negaría a actuar para los alemanes).

“Tenía un amor incondicional por Francia. Quería aportar su granito de arena a la patria ” , dijo Diamond. “También comprendió intuitivamente los peligros del nazismo. Ella ayudó a Lion y su familia judía a escapar de los alemanes. Tenía poca educación formal, pero asociaba el nazismo con el racismo que había conocido . "

Abtey desconfiaba de lo que Baker podía ofrecer y era escéptico de lo que podía hacer una superestrella de manera realista. Pero ella lo convenció para que le hiciera una prueba, enviándola a la embajada de Italia, donde extrajo información confidencial de un agregado y la trajo con éxito.

Abtey, quien se supone que fue el amante intermitente de la cantante, se convirtió en su manejador. La entrenó en técnicas básicas de espionaje: tinta invisible, escribir en el brazo, leer al revés, pero pronto vio que su verdadera utilidad radicaba en su encanto magnético y su habilidad sin esfuerzo para cambiar de rol. Ella era una intérprete y el espionaje sería su parte más importante.

Josephine Baker, derecha, como voluntaria en el Auxiliar Aéreo de Mujeres Francesas Libres. Fotografía: Hulton Archive / Getty Images

"Ella subvierte nuestra noción de lo que es el espionaje", dijo Diamond. “Es un subterfugio, pasar desapercibido. Pero aquí está esta enorme estrella, escondida a plena vista. Nadie sospecha de ella. Y lo más importante, puede viajar a cualquier lugar y llevar un séquito con ella. Para Abtey, eso no tiene precio. Por mucho que sea una espía, es una facilitadora de espionaje ". Desde principios de 1941 en adelante, eso es lo que hizo Baker. Con instrucciones de Londres para establecerse en el norte de África, ella y Abtey fueron a Marruecos. La cantante viajó desde Casablanca a Lisboa, Sevilla, Madrid, Barcelona, ​​dando conciertos, asistiendo a recepciones en su honor, halagando a agregados, políticos y enviados, y pasando notas manuscritas, generalmente prendidas a su sostén, a los agentes británicos.

Durante algunos meses estuvo gravemente enferma de envenenamiento de la sangre, posiblemente después de un aborto espontáneo. Pero incluso mientras estaba convaleciendo, su habitación del hospital se convirtió en un lugar para reuniones secretas, con diplomáticos, personalidades y funcionarios convocados junto a la cama de Baker, donde se intercambiaban chismes y se sacaban secretos de contrabando.

Josephine Baker actúa en el escenario para una audiencia que incluye a varios militares uniformados, Casablanca, Marruecos, 1943. Fotografía: PhotoQuest / Getty Images

Con el norte de África, luego de la invasión aliada de 1942, ahora el trampolín operativo y administrativo de De Gaulle, Baker reanudó sus viajes por la región después de su recuperación, dando conciertos para las tropas, recaudando fondos para la resistencia y reuniendo inteligencia sobre la marcha. En 1944, se alistó como auxiliar de la fuerza aérea femenina.

Heroína de la resistencia': Josephine Baker entretiene a las tropas en una fiesta de la victoria en Londres en 1945.

"Ella se veía a sí misma absolutamente como un soldado", dijo Diamond. “Ella vio lo que hizo como la mejor manera, la manera más efectiva, de pelear su guerra. Y aunque existe esta nube de incertidumbre sobre qué es exactamente lo que transmitió, ciertamente transmitió mucho ".

En última instancia, dijo Diamond, Baker “se dio cuenta muy pronto de que podía usar su celebridad para una causa. Y ella lo hizo. Ella tomó grandes riesgos. Se merecía su Légion d'honneur y su Croix de Guerre ".

 

GRACIAS POR TANTO ALMUDENA !

 

La emoción de realismo

Jordi Gracia

Luis García Montero y Almudena Grandes en la FIL de Guadalajara en 2017.

La irreprimible torrencialidad de Almudena Grandes conectó de forma muy directa con una nueva sociedad lectora que se sentía explicada

No había costumbre por entonces, pero Almudena Grandes (que ha muerto este sábado a los 61 años), la joven Almudena de veintitantos años, tiró de arrojo y desenvoltura para escribir una historia de aprendizaje vestida de novela erótica, Las edades de Lulú. El éxito fue fulgurante, el mayor de la colección La Sonrisa Vertical en la que apareció. Su portada fue icónica, pero lo que había dentro lo fue más: llevaba una libertad de tratamiento y una melancolía escondida emparentada de algún extraño modo con otro libérrimo escritor y gran amigo después de Almudena, Eduardo Mendicutti.

En realidad, por entonces no había costumbre de casi nada entre los veinteañeros con ganas de escribir porque estaba naciendo la literatura genuinamente democrática, sin apenas memoria biográfica del franquismo, adolescentes y jóvenes de la Transición, nuevos nombres y nuevos talentos casi siempre con poca irradiación pública y apenas una o dos reseñas por libro. Ahí estaba gestándose una novela con nombres nuevos desde finales de los ochenta y principios de los noventa, como el de Ignacio Martínez de Pisón, los primeros relatos de Javier Cercas o las pesquisas de pobres de Francisco Casavella; ahí se fraguaban los mimbres primeros de Marta Sanz, de los entonces poetas Felipe Benítez Reyes o Manuel Vilas, como ahí asomaba la hipersensibilidad de Belén Gopegui.

El don de la narración trabada, realista y de amplio alcance estuvo desde el principio, tras aquel afortunado experimento, y cristalizó en una novela rara también, pero por otras causas. Malena es un nombre de tango traslucía en 1994 la voluntad de una exploración obstinada de la intimidad y el mundo moral de su protagonista. Su irreprimible torrencialidad conectó de forma muy directa con una nueva sociedad lectora que se sentía explicada y desnudada de forma vicaria con exploraciones minuciosas de los recovecos sentimentales, las emociones a flor de piel, los aprendizajes vitales macerados para una mujer nueva: la sublevación contra el patrón prefijado, la rebeldía contra los vetos morales, la insumisión al dictado ajeno transmitía la autonomía de una emancipación distinta. Nadie contaba entonces los efectos turbadores de la costura de unos jeans en el traqueteo de un autobús, ni tampoco era común una dedicatoria tan íntima como la que incluyó en 1998 en su Atlas de geografía humana, ya con Luis García Montero metido en el corazón caliente: “A Luis, que entró en mi vida y cambió el argumento de esta novela. Y el argumento de mi vida”.

Almudena Grandes fue por libre desde el principio con una virtud adicional: la alegría de la escritura arrebatada conducía sus novelas por peripecias que destilaban un fondo de tragedia y de renuncia, de dolor y de derrota, que trascendía la aventura de su puñado de personajes para aspirar a contar la aventura integral de un país. Ese emplazamiento fue el que adoptó desde El corazón helado porque helaban el corazón las mentiras heredadas, las densas y compactas mentiras de familia arrastradas durante décadas tras la guerra hasta que encuentran la luz del azar o la voluntad.

Las venganzas y las traiciones no son cosa de las familias de los demás sino de la propia, como suelen descubrir sus personajes. Por eso sus novelas históricas pivotan en realidad sobre el presente e interpelan a la valentía social para restituir a las víctimas —en la represión del interior, en la guerrilla, en el exilio— la voz que merecen. La reaparición de un discurso permisivo con el franquismo, tan visible a principios de este siglo, en la segunda legislatura de José María Aznar, fue parte del combustible que la sumergió en una gigantesca bibliografía propia de expertos para recrear el amor confuso de dos miembros de familias enfrentadas por su pasado, falangista uno y republicana la otra. Ahí, en El corazón helado, empezó a tomar conciencia de un territorio que no era virgen en la literatura española, pero no había encontrado a la escritora dispuesta a desplegar todos sus recursos para hacerse entender, hacer entender a la sociedad del siglo XXI, qué fue la humillación de la victoria y el triunfo de la derrota. Lo he dicho bien, qué fueron las vidas sacudidas y proyectadas contra el muladar de la historia por la ferocidad del odio, los rencores enquistados, las miserias humanas. El espacio para la luz, preservar ese espacio, fue otro empeño más: la dignidad y el amor también poblaron aquella sociedad y por eso está entremetido en tramas intrigantes, muy bien anudadas y a la vez apacibles. El tempo de lectura de esas novelas es tenso, pero no apremiante porque el desarrollo íntimo de la vida tampoco lo es.

Como escribió en el epílogo, y contra lo que pudiera pensarse, El corazón helado era una novela en el sentido clásico, pero “los episodios más novelescos, más dramáticos e inverosímiles de cuantos he narrado aquí están inspirados en hechos reales”. Restituir a la actualidad verdades escondidas podría ser el eje que explicase la concepción del ciclo más ambicioso —emparentable solo con el de Ramiro Pinilla, Verdes valles, colinas rojas— de la escritora, sus Episodios de una Guerra Interminable, iniciados en 2009 con Inés y la alegría, y no habrá ya sexta entrega del ciclo que la escritora programó. No siempre se ha entendido bien la frecuente invocación de Pérez Galdós que hizo tantas veces la novelista con intención reivindicativa.

La contaminación rebajadora del adjetivo galdosiano ha quedado en las letras españolas desde hace décadas, pero es mezquina porque empobrece a conciencia una noble poética de la novela. Lo que Almudena Grandes aprendió en Galdós fue la empatía con las vidas turbulentas de sus criaturas y la ambición de convertir la ficción en una vía de acceso al pasado sin los peajes de la historia profesional. Cada vez tuvo más claro que la historia, la historia desgraciada de la guerra y la posguerra contenía un material novelesco inagotable, precisamente porque terminaba bien: cada posible peripecia —la de un médico, la de una madre turbada, la de un opulento triunfador— permitía canalizar la reivindicación de los derrotados incluso cuando no sabían que lo eran. Si muchas de sus heroínas luchan por cambiar su vida, ella luchó también por cambiar la nuestra con las armas de la novela para restituir el pasado. Fue suyo el don de convertir las vidas privadas en la cartografía moral de una historia colectiva.

De El País. España, noviembre 29

 

POEMA

 

Quemando el año viejo

 Naomi Shihab Nye

                                                                    

Imagen: Paolo Roversi

Las cartas se tragan así mismas en segundos.

Notas que amigos ataron a la aldaba de la puerta,

papel escarlata transparente,

chisporrotean como alas de polilla,

casándose con el aire.

Gran parte de cualquier año es inflamable,

listas de vegetales, poemas parciales.

Llama naranja, remolino de días,

tan pequeña, una piedra.

Donde había algo y de pronto nada,

una ausencia grita, celebra, deja un espacio.

Comienzo nuevamente con los números más pequeños.

Baile rápido, mezcla de pérdidas y hojas,

solo las cosas que no hice

crujen después de que muera el fuego.

Burning the old year

Letters swallow themselves in seconds.

Notes friends tied to the doorknob,

transparent scarlet paper,

sizzle like moth wings,

marry the air.

So much of any year is flammable,

lists of vegetables, partial poems.

Orange swirling flame of days,

so little is a stone.

Where there was something and suddenly isn’t,

an absence shouts, celebrates, leaves a space.

I begin again with the smallest numbers.

Quick dance, shuffle of losses and leaves,

only the things I didn’t do

crackle after the blazing dies.

LA FOTOGRAFÍA DE FABRICE MONTEIRO: LA REALIDAD Y EL ARTE

Fabrice Monteiro fotógrafo: un espíritu emerge de un basurero en Senegal

 

Entrevista de Edward Siddons

"Quería crear una serie de espíritus enviados por la Madre Tierra para advertir a la humanidad sobre su abandono y destrucción del medio ambiente". Fotografía: Fabrice Monteiro

La modelo sostiene la muñeca de un niño, mirando los restos. Representa a las generaciones futuras que estamos condenando a la catástrofe medioambiental’

 Fuera de Dakar, la capital de Senegal, hay un vertedero de basura con su propio nombre: Mbeubeuss. La tierra en la que se asienta fue una vez un pantano llano. Comenzó como un vertedero en 1968; hoy, es una montaña de basura. Ha acumulado tantos residuos plásticos de la ciudad que para llegar hay que conducir por un camino de basura compactada.

Esta no es la África en la que crecí. Cuando era niño aquí en los años setenta y ochenta, no era así. Pero cuando regresé en 2012, me sorprendió lo que encontré. Aquí en Senegal, había desechos plásticos en todas partes: en los bordes de las carreteras, en los árboles, donde miraras. La generación más joven no conoce nada diferente: ahora es solo parte de su entorno. Decidí que quería filmar una serie para crear conciencia sobre los problemas ambientales en Senegal, con la esperanza de que la gente se diera cuenta de que las cosas no tienen por qué ser así. Quería conectar los problemas ambientales con los intereses culturales de la población y comencé a investigar el animismo, la creencia de que los objetos y el mundo natural están imbuidos de espíritus.

El animismo está conectado con la naturaleza: se trata de alabar la naturaleza en todos sus diferentes elementos, trabajar con ella, no en contra de ella, y vivir en armonía con ella. Gran parte de eso se perdió con la globalización y la forma de vida moderna. Con esta serie, quería crear una serie de espíritus enviados por la Madre Tierra para advertir a la humanidad sobre su abandono y destrucción del medio ambiente.

Cada una de las tomas de la serie aborda una preocupación ambiental: la erosión costera, los derrames de petróleo, el saneamiento y la quema de tierras para la agricultura, por ejemplo. Pero esta imagen, la primera que tomé para la serie, trataba sobre el consumo de plástico.

Tuve la idea de hacer un vestido que fuera una continuación de la montaña de basura, por lo que parecía que este espíritu estaba emergiendo de los montones de basura. Colaboré con un estilista senegalés llamado Doulsy que había estado trabajando con materiales reciclados y puede coser prácticamente cualquier cosa: era la persona perfecta para crear este disfraz. Necesitaba tener sentido de la escala: la maqueta está sentada sobre un barril de petróleo para darle esa altura a la figura. Queríamos lograr un equilibrio entre trabajar con materiales abandonados y hacer algo que pareciera una editorial de moda.

Pero más que nada, esta imagen es un mensaje: la modelo sostiene la muñeca de un niño, mirando los escombros. Representa a las generaciones futuras que estamos condenando a una catástrofe ambiental a través de nuestro consumo excesivo.

Al principio, solo tenía la intención de hacer 10 imágenes. Todos iban a ser fusilados en Senegal y distribuidos a la gente de aquí. Pero me sentí incómodo cuando terminó el trabajo: sentí que estaba llamando la atención sobre África por razones equivocadas. Me preocupaba que hiciera que el continente se viera excepcionalmente contaminado, como si esto no fuera un problema en todo el mundo. La única razón por la que Europa no se ve así es porque nos envía sus desechos.

Así que continué la serie, filmando en todo el mundo, desde Australia y la destrucción de los arrecifes de coral hasta Estados Unidos y el daño causado por la minería del carbón. Mi trabajo trata de la unidad, de revelar las formas en las que todos estamos conectados, entre nosotros y con la naturaleza. Llevar esta serie a nivel mundial ayudó a lograrlo.

Mi trabajo siempre ha sido una mezcla de cosas diferentes, una especie de mezcla de diferentes disciplinas y culturas que se denota en la palabra francesa métissage. Soy europeo y soy africano. Crecí en una cultura fuertemente influenciada por el vudú, mientras también leía cómics occidentales. Soy fotógrafo de moda pero también ingeniero industrial. Mi trabajo representa todo eso.

En todo lo que hago, me interesa la identidad y cómo nos separamos de aquellos que consideramos el "otro". A lo largo de la historia, la humanidad ha creado una idea del otro para justificar su explotación. Es una idea que fue fundamental para la esclavitud y el colonialismo. Pero también está en el corazón de nuestro enfoque hacia el medio ambiente. Solo porque nos consideramos separados del mundo natural, o superiores a él, podemos seguir tratándolo de esta manera.

Hoy en día, la gente habla de la era del antropoceno: un término geológico para una época en la que la naturaleza está siendo cambiada fundamentalmente por la humanidad. Pero sugiere que la humanidad en su conjunto, no el sistema capitalista específico que hemos creado, es el problema. De hecho, es el sistema el problema y el sistema al que hay que oponerse.

 

CV de Fabrice Monteiro

Nacido: Namur, Bélgica, 1972.
Formación: Autodidacta.
Influencias: Alexander McQueen , Malcolm Ferdinand.
Punto culminante: "Darme cuenta de que puedo ganarme la vida con mi trabajo creativo".
Punto bajo: “Trabajar en temas ambientales y comprender cuán grave es la situación. Me asusta."
Consejo principal: "Intente siempre explorar fuera de los límites".

Fabrice Monteiro ha sido preseleccionado para el premio Prix Pictet , que se anunciará el 15 de diciembre. El trabajo de los 12 artistas preseleccionados estará en el V&A de Londres a partir del 16 de diciembre .

RETROSPECTIVA DE GEORGIA O'KEEFFE

Georgia O'Keeffe : una mirada retrospectiva a una obra de vanguardia

Una de las muchas combinaciones notables de huesos blanqueados y hermosas flores en flor, producida por el cerebro fértil de Georgia O'Keeffe. Fotografía Alfred Stieglitz

Figura del arte estadounidense del siglo XX, Georgia O'Keeffe se ha establecido como una artista por derecho propio que ha influido en su tiempo y en sus contemporáneos. Nacida el 15 de noviembre de 1887 en Sun Prairie, Wisconsin, esta hija de una irlandesa y un inmigrante húngaro fue una apasionada del dibujo y la pintura desde niña. Después de convertirse en profesora de pintura, la carrera de Georgia O'Keeffe despegó cuando conoció en 1916 al galerista y fotógrafo Alfred Stieglitz para quien posó.

Black Mesa Landscape, New Mexico

Si su universo muy orgánico es vasto, la artista es reconocida por su tratamiento de plantas coloridas, paisajes desérticos y por su pasión por Nuevo México. Hasta el 6 de diciembre de 2021, el Centre Pompidou le dedica su primera retrospectiva en Francia, la oportunidad de estudiar la relación intrínseca de Georgia O'Keeffe con la feminidad.

Pionera

Después de su mudanza con Alfred Stieglitz a principios de la década de 1920 al piso 28 del Shelton Hotel en Nueva York, Georgia O'Keeffe representa, en alrededor de una veintena de pinturas, la hipnotizante grandeza de los rascacielos de Manhattan, entre la verticalidad y la modernidad, esta “tierra masculina” como le gusta llamar a su entorno. En este mismo período y desde mediados de los locos años veinte, la artista pasa la otra parte de su tiempo en el lago George y escenifica la ruralidad de estas tierras desiertas, donde se encuentra sola para encontrar inspiración. 

Calle de Nueva York con luna (1925)

Lago George. Granero. 1929. Georgia O' Keeffe

Como recordatorio de su infancia, trata el motivo del granero, normalmente reservado a los artistas masculinos, tanto por su geometría como por el símbolo de refugio de los valores estadounidenses que encarna (tema que también gustaba a Alfred Stieglitz ): “Nada podría ser más grandioso: su austera dignidad”, escribió el fotógrafo sobre estos inspiradores graneros. 

Consagración. 

Georgia O'Keeffe fue la primera mujer en tener derecho a su propia retrospectiva en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York en 1943.

Grey blue and black pink circle Georgia O' Keeffe.1929

Su relación con Alfred Stieglitz 

Es una de las correspondencias más prolíficas de la historia del arte moderno. De 1916 a 1946, Georgia O'Keeffe y Alfred Stieglitz se escribieron cerca de 25.000 cartas, algunas de las cuales abarcaron más de 40 páginas. 

Se conocieron en 1916. Él era un fotógrafo de renombre de 58 años al frente de la galería de arte de vanguardia 291 en Manhattan. Ella, 30 años menor, una apasionada del arte y profesora de dibujo. "Dices que las hizo una mujer, esta mujer no es ordinaria, tiene la mente muy amplia", confiesa Alfred Stieglitz cuando descubre los dibujos al carboncillo de la joven: "Es más alta que la mayoría de las mujeres, pero tiene una delicada sensibilidad". A partir de entonces, su relación se fusiona artística y amorosamente: la pareja se casa en 1924. Se inspiran mutuamente: Georgia O'Keeffe se convierte en la musa del fotógrafo que hará más de 350 retratos mientras Alfred Stieglitz, por su ojo y sus conexiones, nutre la comprensión del mundo de la artista y le dedica una exposición anual. 

Sus flores de firma

'Jimson Weed' vendido en 44,4 millones de dólares

Desde 1919, Georgia O'Keeffe ha hecho de las flores uno de sus motivos emblemáticos. Sin embargo, sintió la necesidad de ir más allá en 1923 tras observar las obras florales de Charles Demuth. Luego busca destacar: para ello, utiliza su ojo fotográfico e incluso cinematográfico.

 Utilizando la técnica fotográfica de "Blow up", es decir un primer plano de un elemento, Georgia O'Keeffe recurre luego a un nuevo encuadre: “Tuve la idea de agrandarlos como enormes edificios en construcción”, declara - ella se inspiró visiblemente en los gigantescos rascacielos de Nueva York. Con sus colores brillantes, sus rasgos francos y sus zooms a veces trampantojos, las flores de Georgia O'Keeffe combinar feminidad y sexualidad. "Primero admitiendo que su arte trata" esencialmente de sentimientos femeninos ", pronto niega enérgicamente la interpretación "obsesivamente" erótica "que los críticos ofrecen de sus flores". La exposición de George Pompidou 35 años después de su muerte, ella  sigue asociada a sus sugerentes flores y plantas.

Una maternidad insatisfecha 

“Cuando era pequeña, tomaba un caparazón y lo colocaba contra mi oreja. Me habían dicho que el sonido que escuché era el del mar; nunca había escuchado el mar en ese momento. ” Fascinada por conchas marinas desde su infancia, Georgia O'Keeffe ha hecho todo lo posible para darles el mismo‘ Blow Up’  para sus flores: a partir de ahí, surge una serie de pinturas de cáscaras vacías, redondos y huecos que hacen que reaccionan críticas que ve en él una oda a "la vida, la muerte, el crecimiento y el tiempo ". 

Ram’s Head, White Hollyhock-Hills (Ram’s Head and White Hollyhock, New Mexico)“, 1935.

Otros símbolos fuertes en sus pinturas son los huesos de animales que encuentra alrededor de su casa en el desierto de Nuevo México. En 1943, se embarcó en una serie de pinturas de estanques de animales, en medio de la Segunda Guerra Mundial. Estos huesos están pintados con su técnica frontal y la de ángulo bajo, asociada a un cielo azul brillante. Aparte del movimiento surrealista con el que involuntariamente se asoció con su serie Pelvis, “otros querían ver en estas cuencas la expresión de su pesar por no haber tenido un hijo, una metáfora de la menopausia o incluso el agotamiento de su creatividad”, podemos leer en la obra de Didier Ottinger, Georgia O'Keeffe (2021) . Un motivo místico y ordenado para una mujer que ha sabido, toda su vida, sublimar con su ojo sensible el mundo que la rodea, entre sombras y luces.

La exposición Georgia O'Keeffe estará abierta hasta el 6 de diciembre de 2021 en el Centro Pompidou.

Ver:https://lamusaencantada.blogspot.com/2019/02/georgia-okeeffe.html

 

LA INFLUENCER KAHLO

Frida Kahlo: forjando su propia identidad

El autorretrato tardío de Frida Kahlo se vendió  en una casa de subastas de Nueva York por 34,9 millones de dólares. Eso la convierte en la artista latinoamericana más cara de todos los tiempos, eclipsando a su esposo, Diego Rivera, cuya reputación, así como sus precios, una vez eclipsaron la de ella. Kahlo, casi 70 años después de su muerte a los 47 años, se ha convertido en uno de los rostros auto-representados más famosos del arte. Su rostro, con su mirada confrontativa y su famosa monoceja, es tan reconocible como el de Rembrandt o Warhol.

Kahlo fue una gran artista. No es que los precios de subasta sean la medida de la calidad; más bien, en este nivel alucinante, reflejan la escasez y el atractivo de un artista para un pequeño tramo de los súper ricos del mundo. (La pintura, Diego y yo, fue comprada por el empresario y coleccionista argentino Eduardo Costantini). Pero el aumento de sus precios de las decenas de miles de dólares en la década de 1980 a las decenas de millones ahora también refleja la asimilación de Kahlo desde el estrecho canal de la historia del arte en el ancho río de la cultura popular.

Kahlo, cuya vida y arte fueron objeto de importantes exposiciones en Londres y Nueva York en 2018, se ha convertido en una inspiración perenne de la moda, tan influyente a su manera para los diseñadores como lo fue Grace Kelly. Su rostro adorna los artículos del hogar y la ropa; se ha convertido, efectivamente, en una marca.

Su rostro incluso apareció en un brazalete usado por Theresa May mientras pronunciaba su discurso más desastroso: el discurso de apertura de la conferencia conservadora de 2017 cuando la entonces primer ministro fue atacada por un ataque de tos. La señora May, para aquellos con una mentalidad fantasiosa, casi podría haber sido maldecida por la sombra de Kahlo, una comunista portadora de tarjetas y amante de Trotsky, quien seguramente se habría indignado ante la idea de que su fisonomía debería estar unida a la muñeca de un primer ministro conservador.

Kahlo atrae a una generación joven y global de feministas: su autoconfiguración desafiante parece resonar perfectamente con el momento actual. Su belleza distintiva era completamente suya, indomable por los ideales tradicionales de feminidad o las nociones convencionales de atractivo sexual. (Salma Hayek, quien la interpretó en una película biográfica de 2002, recordó recientemente que Harvey Weinstein, el productor de la película, la regañaba cuando la estaban maquillando para el papel, diciendo: "¡No te contraté para verte fea!")

Su sentido del estilo también fue completamente creado por ella misma, rechazando las modas de la época y afirmando su identidad cultural al vestirse con el colorido estilo tradicional de las mujeres tehuanas de México. Su creatividad fue duramente combatida a través del dolor físico de la polio y la discapacidad debido a un accidente de tráfico casi fatal; su fuerza, tan evidente en sus autorretratos, se forjó en la vulnerabilidad. Es una mezcla muy potente. Y, si bien es posible encontrar su ubicuidad cultural - y su enfoque popular en su vida personal - trivializando su condición de gran artista, hay muchas personas peores en el mundo a las que aspirar emular que esta creadora, como la escritora Jennifer Higgie lo ha dicho , "alegría feroz y turbulenta".