EL GRAN WOODY, SIEMPRE

 

Woody Allen rodará su película número 50 en París, pero puede que sea la última

Catalina Espada

 

 

En una entrevista de Instagram Live con Alec Baldwin, Allen dijo que la filmación comenzará en la capital francesa este otoño, pero que gran parte de la emoción de hacer películas se ha ido.

El director Woody Allen ha confirmado que rodará una nueva película en París este otoño. Hablando con el actor Alec Baldwin a través de Instagram Live, Allen, de 86 años, sugirió que su película número 50, que anteriormente se decía que era un drama similar a Match Point de 2005, probablemente sería la última.

“Gran parte de la emoción se ha ido”, dijo Allen. “Ahora haces una película y pasas un par de semanas en una sala de cine, y luego pasa a transmisión o pago por evento. No es lo mismo. No es tan agradable para mí”.

Las dos películas más recientes de Allen, A Rainy Day in New York en 2019 y Rifkin's Festival , se estrenaron durante la pandemia. Este último no funcionó bien, pero A Rainy Day in New York, una comedia romántica protagonizada por Timothée Chalamet y Elle Fanning, encabezó las listas de éxitos de taquilla .

Un día lluvioso en Nueva York también fue la primera película estrenada después de que el contrato de cuatro películas de Allen con Amazon se derrumbara como consecuencia de la renovada atención en torno a la acusación de 1992 de la hija adoptiva del director, Dylan, de que él había abusado sexualmente de ella.

La misma acusación se volvió a examinar en la miniserie de HBO de Allen v Farrow, Kirby Dick y Amy Ziering del año pasado, que se hizo con la participación de Dylan, su hermano Ronan y su madre, Mia. Allen siempre ha negado la acusación; se cerraron dos largas investigaciones sin que se presentaran cargos contra él.

Hablando con Baldwin, Allen dijo que hasta ahora había logrado evitar contraer covid-19 gracias a una mezcla de suerte y precaución. “Cuando llegó la pandemia”, dijo, “estaba en mi casa, petrificado como todos los demás, escondido debajo de la cama”.

Después de un período de arrepentimiento por no poder hacer la película que había estado planeando, Allen dijo que comenzó a reevaluar la situación. “Pensé: 'Caramba, me gusta debajo de la cama. No tengo que salir y no tengo que hacer una película y tener frío en invierno y calor en verano y tomar decisiones todo el día'”.

La entrevista coincide con la publicación del nuevo libro de historietas cortas de Allen, Zero Gravity; en un futuro próximo también se representará una obra de teatro. Ambos fueron escritos en gran parte durante el encierro. Allen también apuntó al estado actual de Broadway y dijo: "Todos los espectáculos son renacimientos musicales y tienes que conseguir una estrella y cuestan millones de dólares".

Baldwin es actualmente objeto de múltiples demandas después del tiroteo fatal en octubre de 2021 de la directora de fotografía Halyna Hutchins en el set de Rust, un nuevo western en el que es actor principal y productor.  Hablando el martes, Baldwin y Allen se mantuvieron completamente alejados de las controversias que involucran a ambos. Al anunciar la entrevista el lunes , Baldwin había sugerido que este sería el caso.

“Permítanme presentar esto diciendo que tengo CERO INTERÉS en los juicios y publicaciones mojigatas de cualquiera aquí”, escribió en una leyenda de Instagram.

“OBVIAMENTE soy alguien que tiene mi propio conjunto de creencias y NO ME PODRÍAN IMPORTAR MENOS las especulaciones de los demás. Si cree que se debe realizar un juicio a través de un documental de HBO, ese es su problema”.

 

DORA MAAR, SOBREVIVIENDO A PICASSO

 

Sobre Pablo Picasso y el talento artístico de su amante y musa, Dora Maar

 

 

 

 

Dora Maar: autorretrato

 

 

Dora Maar fue una artista pionera por derecho propio que documentó el auge del surrealismo en París.

Para muchos, ella es La Femme qui Pleure, la mujer que llora cuya angustia fue retratada en una serie de pinturas de Pablo Picasso, para quien fue a la vez amante y musa.

La femme qui pleure ( Dora Maar ) de Pablo Picasso

En verdad, Dora Maar, la modelo de las pinturas, era una artista por derecho propio antes de conocer al amante que proyectaría una larga sombra sobre su vida y obra.

Ahora, una colección de fotografías en su mayoría desconocidas e inéditas de Maar que capturan un momento histórico en el arte y la historia europeos, incluidas fotografías de Picasso, y que luego inspirarían sus propias pinturas surrealistas, saldrá a la venta en París el lunes.

Se subastarán unas 750 imágenes, muchas de ellas personales y tomadas durante sus años con los surrealistas en París desde la década de 1920 hasta finales de la década de 1940, entre ellas varias de Picasso, incluido un reportaje de su obra sobre su obra maestra contra la guerra. Guernica , así como imágenes de él en casa, en su estudio y relajándose con amigos en la Riviera francesa. En uno, el artista está sentado en un sillón tallado en el tronco de un olivo. Otro muestra a un Picasso con el torso desnudo bajo una sombrilla en Antibes a mediados de la década de 1930. El destino deprimentemente familiar de Maar como artista femenina era ser recordada principalmente como una de las amantes despreciadas del mujeriego Picasso.

Nacida en 1907 como Henriette Théordora Markovitch, de madre francesa propietaria de una boutique de moda y padre arquitecto croata, Maar era una fotógrafa y pintora talentosa. Comenzó su carrera fotografiando modelos de moda y luego pasó a la publicidad. Sus fotografías de los niños de la calle de París se hacen eco de las que Robert Doisneau y Marilyn Stafford hicieron famosas más tarde .

Las Ramblas Barcelona en 1933. Fotografía: Dora Maar/Cortesía de Artcurial

En 1936 Maar, que por entonces tenía su propio estudio fotográfico, conoció a Picasso en París -él era casi tres décadas mayor que ella- y se convirtió en su amante y musa. En ese momento, el artista nacido en España tenía una relación duradera con Marie-Thérèse Walter, la madre de su hija Maya, y se dice que disfrutó enfrentando a las dos mujeres, permaneciendo con Walter durante toda su aventura. con Maar.

Durante los siguientes nueve años, Maar creó sus propias imágenes, pero también hizo una crónica de la vida y obra de su amante, capturando su progreso en Guernica en 1937 e incluso pintando una pequeña sección del lienzo. La subasta también incluye fotografías de las esculturas de Picasso, incluidas La Femme au Vase y Tête de Femme, que se presentaron en la Exposición Universal de 1937 en París.

Las fotos de Maar del grupo surrealista centrado en el París de antes de la guerra, que incluía a los fotógrafos Man Ray y Jean Cocteau para quienes también posó, André Breton, Jacqueline Lamba, Alberto Giacometti, Méret Oppenheim, Paul Éluard y Lee Miller, han aparecido en libros y exhibiciones Algunas de las imágenes que se venden parecerán familiares, ya que provienen de las mismas sesiones de fotos que las fotos publicadas, pero la casa de subastas Artcurial dice que las fotografías que se venden en 400 lotes, con el negativo original, la hoja de contactos y una copia moderna, son en su mayoría nunca antes vistas e inéditas. La colección también incluye autorretratos, desnudos, incluidos los de Lamba, que estaba casada con Bréton, y otras imágenes que Maar usó más tarde en sus pinturas.

Además de capturar un capítulo de la historia del arte del siglo XX, las fotografías descarnadas de personas discapacitadas, ciegas, heridas, pobres y desposeídas en las zonas urbanas de España y el Reino Unido también documentan la crisis económica que asoló la Europa anterior a la guerra en la década de 1930.

 

Trafalgar Square en 1934. Fotografía: Dora Maar/Cortesía de Artcurial

Después de la guerra, Maar, que se separó de Picasso en 1945 cuando él la dejó por la artista Françoise Gilot, sufrió un breve colapso y, según los informes, se sometió a una terapia electroconvulsiva. Aunque siguió pintando hasta su muerte en 1997 a los 89 años, su vida quedó tan ensombrecida por la de él que el periódico francés Le Monde tardó 10 días en señalar su fallecimiento.

Dora Maar : Double Portrait 1930

Gato en ventana (Estudio Kefer-Dora Maar, (1934-35)

Mano saliendo de una concha, 1934

“Aunque Dora Maar pasó nueve años de su vida junto a Picasso, también tuvo un éxito magnífico en la creación de su propio trabajo independiente y personal, utilizando un medio que Picasso nunca abrazó: la fotografía. Como tal, Dora Maar puede ser vista como una de las fotógrafas más originales de su época, una verdadera pionera de mediados del siglo XX”, dice Bruno Jaubert, director del departamento de arte impresionista y moderno de Artcurial .

“Dora Maar no tuvo hijos, por lo que estos negativos han estado en los archivos de su patrimonio desde que murió. Todas fueron tomadas con la Rolleiflex que usó y cubren 20 años de trabajo. Son de un carácter inusual y a través de ellos vemos un lado de Dora Maar, la artista y fotógrafa, que no conocemos”.

Aunque Picasso pintó a Maar muchas veces, ella no quedó impresionada con sus representaciones. “Todos (sus) retratos de mí son mentiras. Ninguna es Dora Maar”, dijo una vez.

 

MUJERES AFGANAS

 

Ser mujer: los talibanes temen nuestra belleza, fuerza y resistencia.

 Nazia

 

Una mujer paseando por Kabul en enero. Fotografía: Wakil Kohsar

Al crecer en Afganistán me enseñaron a esconder mi cuerpo. Ahora lo veo como un símbolo de rebelión contra aquellos que tratarían de controlarme.

Como niña, nunca monté en bicicleta ni practiqué deportes como gimnasia y karate porque “no era bueno para las niñas”. Luego entendí que era para evitar el riesgo de romperme el himen y “perder” la virginidad, pero recién entendí la magnitud de esa “pérdida” cuando se casaron mi prima y mi mejor amiga. Ella había sido abusada por un mulá, un clérigo religioso, cuando era bebé. Su madre estaba menos preocupada por el trauma causado a su hija por el abuso que por la ruptura del himen de su hija como resultado.

Estos temores no estaban fuera de lugar. Cuando mi prima no sangró en su noche de bodas, la enviaron de regreso a la casa de su madre a la mañana siguiente golpeada hasta los huesos. Nadie cuestionó ni culpó al marido.

A medida que fui creciendo, mi abuela siempre me decía que evitara usar ropa ajustada que mostrara mi cuerpo, y que no me maquillara ni dejara el cabello suelto (sin burka), porque me quitaría el carácter. No se me permitía depilarme las cejas antes de comprometerme. Crecí en una sociedad donde el valor de una mujer es su belleza y su cuerpo, y se mide en rebaños de animales, dados como dote cuando se casa.

Como mujeres afganas, nuestros cuerpos han sufrido bajo el fundamentalismo, la misoginia, la violencia, el patriarcado y la ocupación estadounidense. Hoy, bajo el gobierno de los talibanes, la opresión y la violencia contra las mujeres solo  empeoró. Las mujeres que usan esmalte de uñas, tacones altos o perfume, o que salen de sus casas sin un compañero masculino, o se ríen a carcajadas en público, son consideradas “inmorales”, al igual que las mujeres que se aventuran a salir de sus casas para trabajar o estudiar. Las mujeres están pagando el precio de tener sueños a causa de sus cuerpos; cuerpos que muchas personas creen que solo se crean para satisfacer la lujuria de los hombres y, por lo tanto, deben cubrirse y ocultarse, no decorarse ni revelarse.

Sin embargo, la marea está empezando a cambiar. Las mujeres afganas se han sentido miserables y desafortunadas durante mucho tiempo debido a sus cuerpos, así como culpables por lo que les dicen que esos cuerpos les hacen a los hombres. Ahora, muchos comienzan a darse cuenta de que el hecho de que los talibanes entierren las aspiraciones de las mujeres debajo de un burka es en realidad una señal de su debilidad. Tienen miedo de nuestra belleza, fuerza, resiliencia y resistencia. Las valientes y gloriosas protestas de las mujeres en Afganistán son prueba de que ya no seremos silenciadas. Seguiremos luchando, resistiendo y levantándonos contra el fundamentalismo, la desigualdad, la violencia y el patriarcado. Los talibanes no pueden repetir hoy lo que hicieron hace dos décadas.

No me avergüenzo de mi cuerpo. Mi cuerpo es un símbolo de resistencia contra las fuerzas que quieren usarlo para controlarme. Me aseguraré de que mi hija también vea su cuerpo de esta manera. Su himen y virginidad no la definirán. Me aseguraré de que ande en bicicleta, practique deportes y baile libremente. Será orgullosa y valiente. En una sociedad que es excepcionalmente cruel con las mujeres, nuestros cuerpos no nos pesarán.

Nazia (no es su nombre real) vive en Kabul

EL IRREVERENTE KLIMT

Gustav Klimt: El pintor que pintaba con oro 

El Beso (1908)

Gustav Klimt  fue uno de los máximos representantes del arte vienés de finales del siglo XIX,  y uno de los fundadores del movimiento artístico como la Secesión Vienesa. Irreverente y sorprendente, la obra de Klimt, maestro de los dorados, se convertiría, con el tiempo, en una de los más cotizadas de todo el mundo. 

Nacido en la ciudad austríaca de Baumgarten el 14 de julio de 1862, Gustav Klimt sigue siendo en la actualidad uno de los pintores más reconocidos y su obra ha sido definida por muchos críticos como una de las más originales de finales del siglo XIX. Para pintar sus cuadros, Klimt utilizó técnicas de lo más variadas: empleó con profusión el pan de oro, la pintura al temple y el óleo, y plasmó en sus lienzos unos personajes lánguidos que muchas veces muestran una apariencia "flotante". 

Tener un padre artesano contribuyó a que el joven Gustav mostrara inclinaciones artísticas desde muy joven. El talento  se vería recompensado en 1876 cuando ganó una beca para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Viena. Allí aprendería con Michael Rieser, Ludwing Minnigerode, Karl Hrachowina y el pintor de moda en Viena que Klimt admiraba, Hans Makar. 

Un año más tarde, en 1877, su hermano Ernst también fue admitido en la escuela y junto con otro compañero, Franz Matsch, fundaron un colectivo al que llamaron Compañía de Artistas. En 1880, los jóvenes ya trabajaron en sus primeros encargos, como la decoración del patio del Museo de Historia del Arte de Viena, los techos del Palacio Sturnany, también en la capital austríaca, y los del balneario Carlsbad, en Checoslovaquia. Incluso el rey de Rumania, Carlos I, les encargó la decoración de la escalera de su castillo en Peles.

En 1888, gracias a sus trabajos en el auditorio del Teatro Burg, en Viena, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del mismísimo emperador Francisco José I, y se convirtió en miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena. Estos galardones contribuyeron a mejorar notablemente la economía del artista, que pudo tener un tren de vida más holgado tras la muerte de su padre y de su hermano Ernst en 1892. La muerte de su hermano, unida a la separación de su compañero Franz Matsch, marcaría un cambio definitivo en el estilo de Klimt, que se sumergió a partir de entonces en el simbolismo y el impresionismo.

El año 1889 supondría un punto de inflexión en la obra de Klimt. Durante un viaje por Europa, el artista entró en contacto con el trabajo de incrustaciones de oro y, fascinado, no tardó en aplicar esta nueva técnica en sus obras. Poco después, a principios de los 90', Klimt conocería a la mujer con la que iba a pasar el resto de su vida: la diseñadora de moda Emile Louise Flöge. 

Aunque la  relación de la pareja fue tormentosa  (el artista le fue reiteradamente infiel a Emile),  parece estar bien documentado que ambos tuvieron catorce hijos.

Muchos creen que Emilie Flöge es la figura femenina de ‘El beso’.

Klimt fue uno de los fundadores y presidente de un grupo de artistas que recibió el nombre de Wiener Sezession (Secesión Vienesa), cuyos miembros publicaron la revista Ver Sacrum (Primavera Sagrada) con el objetivo de dar a conocer sus obras. Surgida como una alternativa independiente a los artistas apoyados por la Academia vienesa, los objetivos de la Sezession (que tomó como símbolo a la diosa griega Atenea) eran promocionar a los jóvenes artistas y exhibir algunas de las obras producidas en el extranjero.

Ver Sacrum (que significa "primavera sagrada" en latín) fue el diario oficial de la Secesión de Viena

A diferencia de otros grupos vanguardistas, la Sezession nunca redactó un manifiesto y tampoco tuvo una dirección artística concreta: entre sus miembros había pintores naturalistas, realistas y simbolistas. A pesar de que las obras de estos artistas transgresores no fueron muy bien aceptadas por el público (sino todo lo contrario), sí es cierto que tuvieron cierto apoyo oficial gracias al cual sus miembros pudieron construir una sala de exposiciones. A pesar de todo, Klimt acabaría abandonando este colectivo en el año 1908.

En 1894, la Universidad de Viena encargó a Klimt unas pinturas para decorar el techo del Aula Magna. Pero las obras que Klimt concibió para este proyecto, Filosofía, Medicina y Jurisprudencia, recibieron numerosas críticas e incluso muchos tacharon el enfoque del artista de pornográfico. Abrumada por la avalancha de protestas que provocaron las pinturas, la universidad se inclinó por no exponerlas y Klimt decidió a partir de entonces no volver a aceptar encargos (por desgracia, estas obras fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial). 

Siguiendo con su estilo provocador, Klimt pintó en 1899 la obra Nuda Veritas (Verdad desnuda), la cual iba dirigida como un dardo a sus críticos más conservadores. Respecto a este tema, el poeta alemán Schiller le diría lo siguiente: "Si no puedes agradar a todos con tus méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo".

En 1902, Klimt presentó uno de sus trabajos más famosos en la XIV exposición del Movimiento Secesionista vienés: El friso de Beethoven. El friso, con el cual Klimt quería rendir un sentido homenaje a la obra del compositor alemán, daba la bienvenida a todos los visitantes que cruzaban la entrada del pabellón. Con sus treinta y cuatro metros de ancho y dos de alto, el monumental friso no contó con el beneplácito del público, que consideró la obra "desagradable". De hecho, la exposición acabaría siendo un fracaso. El friso no volvió a ser expuesto al público hasta 1986 y hoy en día se puede visitar en el Pabellón de la Secesión en Viena.

Judith y la cabeza de holofernes. Gustav Klimt

La influencia de los mosaicos bizantinos que el artista había podido contemplar durante un viaje a la ciudad italiana de Rávena se reveló fundamental en la obra de Klimt, que haría de la figura femenina, la sensualidad y los dorados los elementos principales de su estilo. Sería a partir de una obra de inspiración bíblica, Judith y la cabeza de Holfernes, pintada en 1901, cuando el dorado empezaría a predominar en la mayor parte de sus pinturas. Con este cuadro, el artista inició su etapa artística más conocida, en la que decoraba todas sus obras con pan de oro, lo que lo acabaría convirtiendo en uno de los máximos exponentes del art nouveau.

Retrato de Adele Bloch-Bauer. 1907

A partir de entonces, los motivos más importantes para el artista fueron la sexualidad, la feminidad, el amor y la muerte. Aparte de ornamentar sus cuadros con pan de oro, Klimt también lo hizo con finas láminas de plata, algo que se puede apreciar en su obra Serpientes de agua, de 1904. Aquella época fue muy prolífica para el artista austríaco, y durante esos años realizó algunas de sus obras más famosas e icónicas, como son el retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y, sobre todo, El Beso (1908), la obra por la que es mundialmente conocido.

Gustav Klimt: Serpientes de agua II ( 1904-1907)

En 1911, Klimt fue galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma por su obra Vida y Muerte. Pero pronto la desgracia se cebaría en el artista. Tras el fallecimiento de su madre en 1915, y tras haber sufrido un infarto, una neumonía y una gripe, Klimt falleció el 6 de febrero de 1918. En su lecho de muerte, el pintor preguntó por Emile, la mujer con la que nunca quiso contraer matrimonio pero con la que compartió su vida. Klimt dejó en su taller un número considerable de obras inacabadas, muchas de las cuales fueron confiscadas años después por los nazis.

Años después de su muerte, algunas obras de Klimt batirían récords de venta en las casas de subastas más importantes del mundo. Por ejemplo, en noviembre de 2003, su obra Paisaje de Attersee (1901) fue vendida por 29 millones de dólares, una cifra que muy pronto quedaría eclipsada por la venta de otras de sus obras, como el primer retrato de Adele Bloch-Bauer, que en el año 2006 fue vendido a la Neue Galerie de Nueva York por 135 millones de dólares, superando así el récord establecido por el Chico con pipa (1905) de Picasso, que había sido vendido el 5 de mayo de 2004 por 104 millones de dólares.

Muerte y vida: La muerte observa sonriendo la caótica vida amontonada. Gustav Klimt. 1916

Sin lugar a dudas, Gustav Klimt está considerado una de las figuras más trascendentales del arte contemporáneo, un artista que a pesar de haber logrado el éxito y la fama en el mundo cultural de su ciudad prefirió dar una vuelta de tuerca a su estilo y dejarse guiar por los sentimientos a la hora de pintar. Al final de su vida la salud no le acompañaría, y el artista decidió dedicar las pocas fuerzas que le quedaban a pintar su última obra, Vida y Muerte. Sabía que aunque él desapareciera de este mundo, su obra perduraría para siempre.

POEMA

 

Plan maestro

 Pies descalzos*

Prima Leta:  Water Colors

-Esto no estaba en mis planes, ¿sabías?- Me dijo penetrante con sus ojos.

-En los míos si- Respondí yo, levantando mi mirada, decidida a fundirme en la sinergia

visual y cómplice que esperaba cálidamente mi presencia.

Y allí nos quedamos un rato, sentados “en chinito”, escudriñando nuestra alma, mientras

jugábamos con coquitos y palitos del suelo, compañeros de timideces sonrojantes.

Aún no descifro quien es quien…

*-Pies Descalzos-

https://www.instagram.com/serendipiadescalza/

YEATS Y SUS HERMANAS

 

Las 'hermanas extrañas' de Yeats que ayudaron a forjar la identidad irlandesa

 

 

 

 

Lily y Elizabeth Yeats en 1900. La Prensa Cuala de las hermanas reforzó una frágil confianza nacional en la Irlanda recién independizada. Fotografía: La Junta del Trinity College Dublin

 

 

 

Pasadas por alto excepto por una referencia desdeñosa en Ulysses, Elizabeth y Lily dirigieron una vibrante empresa de artes y oficios solo para mujeres.

En Irlanda, Elizabeth y Lily Yeats son recordadas, si acaso, como las "hermanas extrañas", una referencia fugaz y desdeñosa en el Ulises de James Joyce.

La novela no los nombró ni elaboró ​​​​sobre su supuesta rareza, al igual que una visión dominada por los hombres de la historia de Irlanda los pasó por alto, excepto como actores menores en un movimiento artístico. Dirigieron una empresa de artes y oficios, Cuala Press, de 1908 a 1940, pero Elizabeth y Lily eran principalmente conocidas como las hermanas de dos hermanos famosos: el poeta William Butler Yeats y el pintor Jack Yeats. Vivían a la sombra de sus hermanos varones, y la burla en Ulises, antes de desvanecerse en la oscuridad.

Las hermanas Yeats con el personal de Cuala Press. Fotografía: La Junta del Trinity College Dublín

Ahora, sin embargo, un proyecto académico ha arrojado luz sobre el papel no reconocido de las hermanas en la reforma de la identidad irlandesa en el siglo XX, una versión idealizada de Irlanda que cautivó a Hollywood y que perdura en algunas imágenes turísticas.

Después de que Irlanda obtuviera la independencia de Gran Bretaña en 1921, Cuala Press reforzó la frágil confianza nacional e impresionó a los extranjeros con imágenes vibrantes de un Dublín próspero y tradiciones rurales prósperas. Fue una refutación a los tropos racistas británicos de una tierra poblada por hooligans irresponsables y simiescos.

El Pueblo, una estampa coloreada a mano por Cuala Press. Fotografía: La Junta del Trinity College Dublín

 

“Su alcance fue bastante increíble”, dijo Angela Griffith, historiadora de arte en Trinity College Dublin. “El material que produjeron se vendía en Irlanda, Reino Unido, Estados Unidos. Era parte del espíritu de la época”.

 

Una impresión coloreada a mano de Cuala Press de la calle O'Connell de Dublín a principios del siglo XX. Fotografía: La Junta del Trinity College Dublin

The Cuala Press empleaba solo a mujeres y producía libros, tarjetas y grabados hechos a mano que ganaron críticas entusiastas en exposiciones en París, Londres, Chicago y otros lugares, sembrando una imagen romántica de lo irlandés que rayaba en la propaganda. Se repitió en películas como The Quiet Man, una comedia romántica de 1952 dirigida por John Ford y protagonizada por John Wayne y Maureen O'Hara, y folletos turísticos que mostraban a personas rubicundas en escenarios escénicos.

 

El Coche de Correos, una estampa coloreada a mano por Cuala Press. Fotografía: La Junta del Trinity College Dublin

Griffith y Billy Shortall, un colega del Centro de Investigación de Arte Irlandés en Trinity College, están liderando un esfuerzo para recopilar, conservar, digitalizar y publicar imágenes de Cuala Press.

Basándose en un archivo donado por la familia Yeats y 111 impresiones coloreadas a mano donadas por Vin Ryan, el fundador de la Fundación Schooner, en 2017, el proyecto puso las primeras imágenes en línea el mes pasado.

“Ahora pueden parecer pintorescos y con forma de caja de chocolate, pero eran bastante radicales. Estaban desafiando lo que había antes”, dijo Shortall, refiriéndose a las representaciones británicas negativas de lo irlandés. “Estaban promoviendo la idea de la autodeterminación irlandesa”.

El incipiente estado irlandés estableció un país estable y soberano contra todo pronóstico, pero las imágenes de Cuala Press eludieron males sociales como la pobreza y la emigración.

Las hermanas Yeats no defendieron abiertamente la igualdad sexual, pero dieron un poderoso ejemplo, dijo Griffith. “Emplearon y capacitaron a mujeres, dirigieron su propio negocio y demostraron activamente su propia agencia”.

 

Elizabeth Yeats, sentada, y dos empleados trabajan en Dun Emer Press, una predecesora de Cuala Press, en Dublín en 1904. Fotografía: The Board of Trinity College Dublin

La historia, sin embargo, pasó por alto su contribución. Una placa en la casa de la familia Yeats en Chiswick, Londres, menciona solo a miembros masculinos. Cuala Press encargó principalmente a artistas mujeres, pero los diccionarios y biografías tienden a registrar solo a los hombres, dijo Griffith. Ser tildado de "raro" en la obra maestra de Joyce los habría socavado, dijo.

Las hermanas cayeron aún más en la oscuridad después de la década de 1970, cuando las imágenes rústicas y religiosas, como la Virgen María planchando junto a un Cristo pelirrojo, se sintieron anacrónicas en un país deseoso de proyectar una imagen moderna y cosmopolita. “Las hermanas se convirtieron en notas al pie”.

Our Lady Ironing, un grabado coloreado a mano por la artista de Cuala Press Beatrice Glenavy. Fotografía: La Junta del Trinity College Dublin

Shortall y Griffith esperan que poner el archivo de imágenes del Trinity College en línea alerte a los museos, galerías y particulares de todo el mundo sobre la importancia de las copias de Cuala Press que puedan poseer. “Hay mucho más por ahí”.