Más allá del grito: por qué Edvard Munch no fue una maravilla de un solo éxito
La primera exhibición fuera de Escandinavia de una colección de las obras menos conocidas del maestro noruego presenta a un artista que busca presentar el espectro completo de las emociones humanas más profundas.
Algunos artistas están tan fuertemente asociados con una sola pintura como lo está Edvard Munch con El Grito. Incluso antes de que su interminable memeabilidad se hiciera evidente, era tanto un elemento fijo de la cultura popular como de la historia del arte. Pero siempre ha habido más en Munch que su obra más famosa, y una nueva muestra en la Courtauld Gallery de Londres brinda una rara oportunidad de rastrear su carrera más amplia.
La exposición proviene de la colección del industrial noruego Rasmus Meyer, quien descubrió el trabajo de Munch en los primeros años del siglo XX y pronto se convirtió en un ávido partidario y coleccionista, comprando pinturas directamente del estudio de Munch, la pintura casi todavía húmeda, como dice el dicho. Esta es la primera vez que su colección, que se encuentra en el museo de arte Kode en Bergen, se muestra junta fuera de Escandinavia. Toma el trabajo desde la década de 1880, cuando Munch era la estrella en ascenso del arte noruego, hasta su "década dorada" de la década de 1890, cuando desarrolló su estilo característico y produjo lo que se conoció como su serie The Frieze of Life, que incluye varias iteraciones de El Grito – y en el siglo X
“Noruega había comenzado realmente a cristalizar como una nación independiente a fines del siglo XIX”, explica el curador de Courtauld, Barnaby Wright, “y Meyer quería reunir una colección de arte noruego que dijera algo poderoso sobre su cultura e identidad.” No es que el trabajo de Munch fuera universalmente apreciado en la Noruega del siglo XIX. Mientras obtenía reconocimiento internacional, las disputas entre la opinión conservadora y la vanguardista se desarrollaron de manera similar a como lo hicieron con el impresionismo francés en la década de 1870.
Munch había estado fascinado por la exploración de los efectos de la luz por parte de los impresionistas y las nuevas técnicas para capturarlos, pero las lecciones que aprendió luego las utilizó para sus propios fines. En lugar de seguir a Monet y llevar su lienzo al aire libre a la naturaleza, Munch estaba más interesado en pintar de memoria y fuera de su imaginación, usando la luz de una manera mucho más expresiva y simbólica.
En la década de 1890, había desarrollado este estilo de pintura, empleando colores más ricos y melancólicos para conjurar una atmósfera de ansiedad en la que las figuras y los paisajes se reflejaban cada vez más entre sí. Llamó a estas exploraciones The Frieze of Life, y “su ambición era cubrir un espectro de las emociones y experiencias humanas más profundas”, explica Wright. “A menudo basándose en sus propios recuerdos de la infancia; la pérdida de seres queridos; relaciones tortuosas con las mujeres. Lo que hace que estas imágenes perduren es la complejidad y multiplicidad de sentimientos y emociones que evoca. Por grandioso que sea El grito, es solo un ejemplo de la extraordinaria producción de Munch. Esta colección muestra por qué tantas de sus imágenes aún nos hablan con tanta fuerza”.
'Morbilidad, muerte y angustia precaria': cuatro obras clave de la exposición
Atardecer en Karl Johan Street (1892, arriba imagen principal)
La luz juega un papel fundamental en todo el trabajo de Munch, y aquí captura las posibilidades creativas de una extraña luz de luna mezclada con luz de gas. La tarde en Karl Johan Street es una imagen clave de Frieze of Life y la primera vez que Munch usó esas caras esqueléticas que asoman del lienzo, que repitió en sus pinturas Scream. Esta es la imagen de origen de ese ahora famoso dispositivo visual.
Autorretrato en la clínica, 1909,
de Edvard Munch. Fotografía: Dag Fosse/KODE Museo de Arte de
Bergen/Colección Rasmus MeyerAutorretrato en la clínica (1909)
Cuando Munch tuvo una crisis nerviosa, buscó tratamiento en una clínica en Copenhague. Su vida había sido vivida en un tono intenso. Cuando Munch era niño, su padre era celosamente religioso y un aire de morbosidad y muerte se cernía sobre la familia. Se aferró a Munch por el resto de su vida y fue esta sensación de ansiedad precaria lo que alimentó su arte. Este trabajo en particular tiene un paralelo interesante con los autorretratos de Van Gogh después de sus severos episodios mentales al representar a un hombre y un artista que intentan reconstruirse a sí mismos.
Niños jugando en la calle en
Åsgårdstrand, 1901-1903, de Edvard Munch. Fotografía: Dag Fosse/KODE Museo
de Arte de Bergen/Colección Rasmus MeyerNiños jugando en la calle en Åsgårdstrand (1901–03)
Munch pasó muchos de sus veranos en el pequeño pueblo pesquero costero de Åsgårdstrand. Aquí, toma una actividad cotidiana aparentemente mundana y la convierte en algo más profundo. ¿Los chicos se burlan de la joven, la miran como un objeto de deseo o simplemente juegan? Igualmente enigmática, ¿está ella, al borde de la adolescencia, suplicando ayuda o enfrentándose a ellos?
Melancolía, 1894-18996, de Edvard
Munch. Fotografía: Dag Fosse/KODE Museo de Arte de Bergen/Colección Rasmus
MeyerMelancolía (1894-1896)
La idea de que las emociones son más extremas cuando las personas están en el límite entre áreas, como la orilla y el agua, fue fértil para Munch. Aquí refleja el estado de ánimo de la figura central, perdido en sus propios pensamientos trágicos y también aislado de las dos figuras de fondo en el embarcadero. Esta fue la primera vez que Munch adoptó esta nueva forma profundamente malhumorada y simbólica.
Edvard Munch: Masterpieces from Bergen se exhibe en la Courtauld Gallery de Londres del viernes al 4 de septiembre.
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