TULIPANES Y LOBOS EN WALL STREET

 El asunto GameStop es como la tulipánmanía con esteroides

Dan Davies

 

 

 

 

Es inquietantemente similar a la burbuja holandesa del siglo XVII, pero con el potencial de autoorganización de Internet agregado a la mezcla.

A finales de 1636, hubo un brote de peste bubónica en los Países Bajos. El concepto de bloqueo no estaba realmente establecido en ese momento, pero el comercio se redujo a un goteo. Los jóvenes ociosos de la ciudad de Haarlem se reunían en tabernas y buscaban divertirse en uno de los pocos productos que aún se comercializan: los contratos para la entrega de bulbos de flores la primavera siguiente. Lo que siguió se considera a menudo como la primera burbuja financiera de la historia registrada: la " tulipomanía ".

Casi 400 años después, ha sucedido algo similar en la bolsa de valores estadounidense. Esta semana, el precio de las acciones de una compañía llamada GameStop, un minorista excepcional que parece haberse sorprendido y confundido por todo el episodio, se convirtió en el campo de batalla entre algunos de los nombres más importantes del mundo financiero y unos cientos de hermanos aburridos (en su mayoría) que intercambian mensajes. en el foro WallStreetBets , que forma parte del extenso sitio de discusión Reddit.

Los escombros aún rebotan en este episodio en particular, pero la forma general de lo que sucedió no es desconocida. Con el razonamiento de que un modelo de negocio basado en la venta de DVD de videojuegos a través de centros comerciales podría no tener perspectivas muy brillantes, varios de los mejores fondos de cobertura de Nueva York apostaron contra el precio de las acciones de GameStop. La multitud de Reddit parece haber decidido que esto era injusto y que deberían luchar en nombre de los jugadores. Tomaron el lado opuesto del comercio y aumentaron el precio, utilizando derivados y crédito de corretaje de formas sorprendentemente sofisticadas para maximizar su potencia de fuego.

Para sorpresa de todos, la multitud ganó. Los procesos de gestión de riesgos de los fondos de cobertura se activaron y se vieron obligados a recomprar sus posiciones negativas, lo que elevó el precio aún más. Pero las bolsas de valores siempre han desaprobado este tipo de acción concertada y el uso del apalancamiento para manipular el mercado. El gran volumen de pedidos también había crecido mucho más allá de la capacidad de las pequeñas empresas de corretaje gratuitas favorecidas por la multitud de WallStreetBets. Se retiraron las líneas de crédito, se congelaron las cuentas y la multitud minorista se vio obligada a vender; ayer el precio devolvió gran parte de sus ganancias .

Para las personas que saben mucho sobre la regulación de la bolsa de valores y la liquidación de valores, este resultado fue bastante inevitable: es parte de la razón por la que este tipo de cosas no suceden todos los días. Sin embargo, para muchos Redditors estadounidenses fue una introducción sorprendente a la complejidad de los mercados financieros, que tuvo lugar en circunstancias casi perfectamente diseñadas para convencerlos de que el sistema está manipulado en beneficio de grandes cantidades de dinero.

Esquinas, incursiones de osos y apretones, en la jerga de la industria, han existido durante tanto tiempo como los mercados de valores; de hecho, como señala la leyenda británica de los fondos de cobertura Paul Marshall en su libro Diez lecciones y medio de la experiencia, algo muy similar sucedió el año pasado al comienzo del bloqueo del coronavirus, centrado en un corredor de apuestas deportivas repentinamente desempleado llamado Dave Portnoy. Pero el asunto GameStop exhibe algunas características nuevas sorprendentes.

Más importante aún, fue un fenómeno en gran parte autoorganizado. Durante la mayor parte de la historia del mercado de valores, orquestar un grupo de personas para manipular los mercados ha sido algo que solo los más hábiles podían lograr. Algunos de los mejores edificios de Nueva York se erigieron con las ganancias de este raro talento, antes de que se hiciera ilegal. La idea de que tal grupo pueda fusionarse tan rápidamente y sin ningún signo obvio de una sola mente controladora es completamente nueva y debería preocuparnos un poco.

Y aunque algunas de las afirmaciones hechas por los contribuyentes a WallStreetBets de que representan a las masas no son muy convincentes, aunque son pequeñas para los estándares de los fondos de cobertura, muchos de ellos parecen tener sumas de cinco cifras para invertir, es poco familiar, por decir lo mínimo, para ver. una piscina motivada por la rabia u otras emociones en contraposición al simple deseo de ganar dinero. Así como la regulación del tráfico aéreo se basa en la suposición de que los aviones están tratando de no chocar entre sí, la regulación financiera se basa en la suposición de que las personas están tratando de ganar dinero para sí mismas, no de destruirlo para otras personas.

Cuando pienso en la regulación del mercado, siempre recuerdo un dicho de Édouard Herriot, ex alcalde de Lyon. Dijo que el gobierno local era como una salchicha andouillette; tenía que apestar un poco a mierda, pero no demasiado. Los mercados financieros no son videojuegos, no son democráticos y los pequeños inversores no son la columna vertebral del capitalismo. Son lugares desagradables con reglas extremadamente complicadas, que solo funcionan en la medida en que las personas involucradas en ellos confían entre sí. La especulación es realmente necesaria en un mercado de valores; sin ella, podría estar esperando días para que alguien acepte su oferta cuando desee comprar o vender acciones. Pero es un mal necesario y debe ser limitado. Es una pena que los Redditors lo hayan descubierto por las malas.

Dan Davies es un ex economista regulador del Banco de Inglaterra y autor de Lying For Money: How Legendary Frauds Reveal the Workings of Our World.

 

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La verdadera lección de la historia de GameStop es el poder del enjambre

Brett Scott

               

Una protesta contra Robinhood en Nueva York el 28 de enero. 'Robinhood jugó en una versión emo de la narrativa: deja de trabajar para el hombre y conviértete en el hombre'

Cuando trabajé en las altas finanzas, era una broma que los comerciantes diarios (pequeños comerciantes minoristas) fueran como escarabajos escudriñando el estiércol de los grandes fondos que realmente impulsaban los mercados. Se encuentran en una posición débil, dada su falta de capital y coordinación, pero toda una industria de corretaje minorista - hoy en día ejemplificada por empresas como Robinhood - está diseñada para cultivar un mito de su estatus heroico.

Por eso se destaca la historia de GameStop. En su libro Liar's Poker, el ex comerciante de Wall Street Michael Lewis describió a los comerciantes poderosos que trabajan para los grandes bancos de inversión como " grandes imbéciles ", pero el atractivo popular de la saga GameStop se debe al hecho de que un enjambre de "pequeños imbéciles" aparentemente unidos desafian la gravedad para empujar el precio de una acción mucho más allá de su valor subyacente real.

Los comerciantes de acciones se dividen en dos campos. Los primeros son los detectives que estudian la empresa real a la que pertenece una acción, un proceso llamado "análisis fundamental". El segundo hace “análisis técnico”, que implica estudiar las acciones de quienes realizan análisis fundamental. Los day traders son notoriamente propensos al análisis técnico porque carecen de acceso interno a empresas o equipos de analistas, por lo que se ven obligados a reunirse en foros para discutir gráficos que representan las acciones de otros traders.

Aquí es donde surge gran parte del surrealismo del mercado, porque resulta que todos esos gráficos que ven los operadores técnicos también reflejan las acciones de otros operadores técnicos. Si los operadores están observando a los operadores que están observando a los operadores, en lugar de observar a la empresa, el mercado cae en una zona de penumbra.

Esto ha sucedido en el caso de GameStop. El precio de las acciones se ha separado casi por completo de la empresa, pero, en un giro extraño, todos se han vuelto conscientes de ese hecho y, en lugar de retroceder, lo han abrazado con exuberancia nihilista. El aumento del precio de las acciones fue un símbolo de pura "irracionalidad", todo lo que los libros de texto de economía dicen que no debería suceder. Por eso parece tan simbólico. Pero, ¿ qué simboliza?

Una interpretación corriente popular es que se trata de una lucha de David y Goliat contra los fondos de cobertura que han estado apostando por una caída en el precio de las acciones a través de "cortos". Piense en los shorters como personas que toman prestadas entradas para un concierto, luego las venden en la puerta a las personas que intentan entrar, antes de decirles a todos que el teatro está en llamas, y luego esperan afuera para volver a comprarlas a un precio de remate de los apostadores que huyen, antes de devolverlos a los propietarios originales y marcharse con una ganancia.

En este caso, los shorters están "esperando en la puerta del cine" para comprar acciones de GameStop que vendieron en corto. Citron, el fondo de cobertura que se ha visto atrapado en la historia, hace un análisis fundamental antes de vender en corto y transmitir en voz alta la noticia a los operadores técnicos, con la esperanza de que se apresuren a salir. Sin embargo, en lugar de hacer eso, la manada se dio cuenta de que Citron y muchos otros vendedores en corto estaban esperando para volver a comprar acciones, y en lugar de apresurarse a la salida para permitirles cobrar, retrocedieron y se atrincheraron en el teatro, sabiendo que los vendedores en corto eventualmente tendrían que apresurarse "al teatro" para volver a comprar, lo que provocaría lo que se llama un pequeño apretón.

La versión GameStop de esto es interesante porque ha sido impulsada por memes. Los comerciantes del día se han basado en las estructuras tribales de Reddit y la comunidad de jugadores para transformarse en ese poder, que se opone a las meros grandes de los fondos de cobertura.

Las metáforas de Dick son adecuadas porque el day-trading siempre ha sido un reino de hermanos, y aquí radica otra posible interpretación de los eventos. En los viejos tiempos, la industria del corretaje minorista se basaba casi exclusivamente en imágenes machistas para enviar a los comerciantes masculinos a luchar contra los mercados, pero algunas plataformas en el centro de la historia de GameStop son un poco diferentes. Robinhood fue una de las primeras aplicaciones comerciales  orientadas a los millennials. Jugó con una versión emo de la narrativa de los "trabajos de mierda": tu trabajo no tiene sentido. Deje de trabajar para el hombre y conviértase en el hombre comprando sin problemas pequeñas porciones de empresas.

Los últimos años han producido una avalancha de artículos sobre el populismo impulsado por hombres enojados a quienes se les prometieron cosas. Esas narrativas son normalmente metafóricas, no hay promesas reales, pero cuando se trata de transacciones diarias, son bastante literales: la industria de corretaje minorista literalmente promete escapar de la rutina diciéndoles a los hombres que están destinados a la grandeza del mercado.

Esa industria, sin embargo, se llama "minorista" por una razón: los mega jugadores mayoristas no quieren tratar con el hombrecito. Dependen de las empresas minoristas, como las empresas de apuestas de diferenciales, para encerrar a los comerciantes diarios en ecosistemas cerrados donde pueden luchar entre sí, mientras que las empresas minoristas los recolectan a cambio de tarifas e intereses antes de transferir el riesgo residual a los mercados reales.

En todo caso, GameStop podría ser una reacción contra la futilidad de suma cero del trading intradía. Lejos de salvarlo de trabajos de mierda, el comercio es un trabajo de mierda, y la única forma de ganar temporalmente es no lanzarse a la batalla contra "el mercado". Es colaborar en enjambres.

Brett Scott es un ex corredor y autor de The Heretic's Guide to Global Finance

 

IRVING PENN : FOTÓGRAFO

 

Celebrando el trabajo de Irving Penn

 Nadja Sayej

 

 

 

 

Mouth (para L'Oréal), Nueva York, 1986. Fotografía: Irving Penn / The Irving Penn Foundation

 

 

 

En una nueva exposición, la carrera del estimado fotógrafo Irving Penn está siendo recordada desde objetos cotidianos hasta portadas de Vogue.

Ya sea que sea un retrato granulado de Pablo Picasso o una imagen cruda de hojas de ginkgo, reconoces una foto de Irving Penn cuando la ves. Rezuman elegancia y minimalismo, obra de un maestro indiscutible de la fotografía del siglo XX.

Irving Penn: Autorretrato

 

Una nueva retrospectiva en honor al fotógrafo está ahora a la vista en Nueva York. Una selección de fotografías de las décadas de 1930 a 2000 se puede ver en la Pace Gallery hasta el 13 de febrero, en una exposición titulada Fotografía.

Pero, ¿es el "fotografismo" siquiera una palabra? No completamente. Sin embargo, es un término que fue acuñado por el fotógrafo. No es una teoría, sino una idea sustentada en bocetos, notas, fotografías y carteles. Cuando Penn tenía su estudio en el distrito Flatiron de Manhattan, tenía un sobre manila etiquetado con la palabra.  “Formaba parte de los archivos de trabajo del estudio”, dijo Vasilios Zatse, subdirector de la Fundación Irving Penn , quien anteriormente trabajó en el estudio de Penn.  “Era una carpeta con algunos bocetos, luego se convirtió en más de una caja que tenía etiquetas que contenían carteles que estaban destinados a 'Fotografía'”, agregó. "Penn nos dejó no tanto una hoja de ruta, sino suficiente material como un punto de partida para considerar una exposición".

Zatse trabajó junto con la curadora, Michaela Mohrmann, y el jefe del departamento de fotografía de la galería, Kim Jones, sobre qué incluir. “Volvimos a este material de origen, esta carpeta de archivos, para comisariar la exposición”, dice Zatse. 

 

Girl Behind Bottle, Nueva York, 1949. Fotografía: The Irving Penn Foundation

                                                                  Truman Capote, retratado por Irving Penn

Picasso por Irving Penn

Irving Penn y la reinvención de la fotografía de moda:

Penn era un meticuloso tomador de notas y siempre se mantenía ocupado con muchos proyectos. Zatse,  comenzó a trabajar para Penn en 1996. "Tenía una caja que contenía notas y trozos de papel, y de vez en cuando había algún pensamiento o idea que se anotaba en una hoja de papel y se agregaba  a esta carpeta o caja de 'Fotografía'. No era tan prioritario como algunos de sus otros proyectos, pero estaba en su conciencia ".¿Pero definir realmente el término? Fue más una conversación. “Hablábamos de ello esporádicamente a lo largo de los años”. “Recordé la idea del elemento gráfico de la fotografía siempre relacionado con este concepto de 'Fotografía'… Fueron los visuales con elementos gráficos de un diseño de cartel y tipografía”. “Si alguna vez hubiera una exposición de fotografía, deberíamos considerar estos carteles”, recuerda Zatse.

“Nunca se definió claramente lo que él quería decir con el 'fotografismo' ”, agrega. “Me gusta pensar en ello como la firma visual de Penn, el sabor de su trabajo, su estética. No era de los que hablaban extensamente sobre su trabajo, en términos de tratar de describirlo. Dejó que el trabajo hablara por sí mismo ".

 

                   Número de belleza: Summer Elements, portada de Vogue, mayo de 1946. Fotografía: Conde Nast

Entre las obras de la exposición, se encuentran las primeras portadas de Vogue que Penn tomó, como una portada de 1946, que es una cuadrícula de 16 imágenes, enmarcadas como veríamos hoy en un perfil de Instagram, que muestra una mezcla de imágenes, desde frutas hasta joyas. , zapatos, muñecos y botas. Esta revista se publicó después de que terminó la Segunda Guerra Mundial y simbolizó el regreso al comercio minorista después de una era de racionamiento. Las mujeres volvieron a pensar en la moda.

También hay retratos misteriosos, incluyendo Girl Behind Bottle, un retrato de una modelo sentada fumando detrás de una botella de vidrio, que Penn tomó en Nueva York en 1949. Hay fotos de objetos cotidianos, como hojas de ginkgo, lámparas y flores. También hay un retrato de la modelo Jean Patchett en blanco y negro, de una portada de Vogue que Penn tomó en 1950, que se ha convertido en un ícono de la alta costura.

“Fue muy cuidadoso y eficiente con sus palabras”, dijo Zatse. “Nunca sentí que tuviera la necesidad de hablar de su trabajo para defenderlo o que se adoptara la idea”.

Penn tenía el ojo de un artista. Era pintor antes de tomar una cámara. No significa necesariamente que haya creado fotografías pictóricas, pero compuso sus fotos con un ojo multifacético que tomó en consideración el diseño gráfico, la pintura, la escultura y el collage.

La exhibición incluye fotos que han sido ensambladas con otros elementos, incluida una de 1963, llamada Faucet Dripping Diamonds, donde recortes de diamantes caen del grifo del fregadero, o un retrato de Picasso, que está centrado en una página donde está su nombre está escrito a su alrededor.

 

Ginkgo Leaves, Nueva York, 1990. Fotografía: The Irving Penn Foundation 

También estaba interesado en fotografiar lo invisible. “Muy a menudo, lo que hay detrás de la fachada es raro y más maravilloso de lo que el sujeto sabe o se atreve a creer”, dijo Penn en 1975 .

Penn, que nació en una pequeña ciudad de Nueva Jersey en 1917, estudió pintura y diseño gráfico en Filadelfia en la década de 1930 y compró su primera cámara en 1938 . Trabajó durante la Segunda Guerra Mundial con el Servicio de Campo Americano en 1944 como conductor de ambulancia (no pudo servir como soldado debido a una enfermedad cardíaca) y viajó por Italia, Austria e India.

Mientras trabajaba como conductor, informó sobre la guerra con su cámara, fotografiando paisajes, retratos y arquitectura, en lo que un editor de Vogue en ese momento llamó “fotografías de inacción en acción”. Le disparó a la ciudad italiana de Anzio después de que fuera destruida por la guerra, escribiendo : “El campo estaba muerto y desierto. Nadie se atrevió a cultivar la tierra ni siquiera a caminar sobre ella. Los tanques oxidados habían comenzado a asentarse en la tierra. Había trozos de hueso humano blanco al costado del camino, trozos demasiado pequeños para recolectarlos y enterrarlos ".

Un retrato de Irving Penn por Bert Stern. Fotografía: Bert Stern

Cuando regresó a Nueva York en la década de 1940, fue contratado en Vogue, trabajando en el departamento de arte, y luego terminó filmando portadas para la revista. A lo largo de sus siete décadas de carrera, realizó más de 160 portadas para Vogue, desde 1943 hasta 2009, más que cualquier otro fotógrafo.

"Tuve que trabajar en mi propia relación con Irving, y tomó bastante tiempo", dijo la editora de Vogue, Anna Wintour, en 2010. “Teníamos una relación diferente. Fue más como una cita. Era un tipo seductor y ciertamente estaba enamorada intelectualmente de él ".

Penn es ampliamente conocido por sus fotos de íconos culturales, desde Truman Capote hasta Saul Steinberg (con una bolsa de papel sobre la cabeza) y Claude Lévi-Strauss. Una cualidad marcó todas sus fotos: la expresión emocional. En la década de 1950, fotografió a las celebridades de cerca, dejando que las señales faciales se convirtieran en el centro de atención.

Durante las décadas de 1960 y 1970, se interesó por la fotografía de naturaleza muerta, desde flores hasta tazas de café, colillas de cigarrillos y hojas de otoño que encontró en las aceras de Nueva York. Viajó por todo el mundo filmando a lugareños en áreas remotas de México, Benin, Camerún, Marruecos y Nepal, así como Nueva Guinea y Perú.

 

Vista de la instalación de Irving Penn: fotografía. Fotografía: Fotografía cortesía de Pace Gallery 

“Era un hombre muy reservado, prefería evitar distracciones de su trabajo. Eligió evitar el centro de atención ”.

Penn murió en 2009 a los 92 años, recordado como uno de los primeros fotógrafos en difuminar la línea entre la fotografía comercial y el arte de alta calidad. Llevó el ojo de un artista al medio, lo que le permitió convertirse en un recipiente para la creatividad pura. Dicho esto, no es fácil precisar cómo exactamente Penn revolucionó la forma en que vemos la fotografía hoy.

“Esa es una pregunta muy difícil de responder”, dice Zatse después de un largo silencio. “Creo que Penn tiene sus raíces en la tradición. Tenía un gran respeto y admiración por las artes. Reconoció y se inspiró en pintores y escultores, cineastas. Usó esas inspiraciones para destilar su propia estética ".

Pero del mismo modo, Penn también fue singular en su visión artística. “Era bueno al no dejarse influenciar por fuerzas externas; era un artista muy centrado y disciplinado ”, dijo. “Era un modernista en todos los sentidos de la palabra. Sus imágenes son atemporales, no hay duda al respecto”.

 

MARTY BARON : PERIODISTA

 

Marty Baron, editor ejecutivo del Washington Post, se jubila a finales de febrero

The Washington Post dijo ayer martes, que su editor ejecutivo, Marty Baron, se jubilará a fines de febrero, luego de ocho años en el periódico.

En un memorando al personal, Baron, de 66 años, escribió: "He tratado de hacer una contribución duradera mientras retribuyo a una profesión que ha significado tanto para mí y que sirve para salvaguardar la democracia".Añadió: “Ha sido un honor para mí trabajar junto a cientos de periodistas que hacen del Post una institución indispensable”.

The Post ganó 10 premios Pulitzer durante el tiempo de Baron al timón.

En 2020, la cobertura del periódico sobre la crisis climática ganó el premio a la presentación de informes explicativos. En 2018, el Post compartió el premio a la información nacional con el New York Times, por su cobertura de la interferencia rusa en las elecciones de 2016 y los vínculos entre Donald Trump y Moscú. Ganó ese premio en 2017, por la exposición de David Fahrenthold sobre la fundación benéfica de Trump.

En 2014, The Post compartió el premio Pulitzer más alto, el premio al servicio público, con The Guardian, por el informe de los dos periódicos sobre la vigilancia de la Agencia de Seguridad Nacional, basado en filtraciones del denunciante Edward Snowden.

En un comunicado, Jeff Bezos, el propietario de Amazon y el hombre más rico del mundo que compró el Post en 2013 , dijo que el reciente éxito del periódico "simplemente no habría ocurrido y no podría haber ocurrido" sin Baron.  “Lideraste con integridad, siempre”, dijo Bezos, “incluso cuando era agotador, que era a menudo. Ambos son valientes y cuidadosos. Eres disciplinado y empático ".

Citando a Baron, agregó: “Es realmente importante escuchar las voces de las personas que han sido marginadas y cuyas voces no se han escuchado. Puede que tengan algo muy poderoso que decir ". Bezos dijo: “Sí. Te extrañaremos mucho. No solo su intelecto, sino también, y lo más difícil de reemplazar, su corazón. ¡Felicitaciones por su merecida jubilación! "

Baron llegó al Post después de ocupar puestos importantes en Los Angeles Times y New York Times y editar el Miami Herald y el Boston Globe. En 2015 fue retratado en la pantalla por el actor Liev Schrieber, en Spotlight, una película ganadora del Oscar basada en los informes del Globe sobre un escándalo de abuso infantil en la iglesia católica. The Globe ganó seis Pulitzers bajo la dirección de Baron, incluido el premio de servicio público 2003 por el reportaje Spotlight.

El tiempo de Baron en el Post no ha estado exento de controversias. En enero de 2020, por ejemplo, el Post suspendió a una reportera, Felicia Sonmez, por un tuit sobre la estrella de la NBA Kobe Bryant, luego de que muriera en un accidente de helicóptero. En medio del alboroto, Sonmez fue reintegrada.

A finales de junio, llamando al Post bajo Baron “una institución de arriba hacia abajo cuya visión de lo que el periodismo es hoy en día ha frustrado a algunas de las estrellas jóvenes creativos de la industria limitado”, el columnista de medios New York Times Ben Smith informó que “las preocupaciones de los empleados actuales y anteriores de color ”sobre la falta de diversidad en el personal.  En julio, Baron anunció el nombramiento de Krissah Thompson como editora gerente de diversidad e inclusión.

Smith también describió un incidente a fines de 2018 en el que Baron y otros editores senior supuestamente "sacaron" una historia que habría revelado que el entonces nominado a la corte suprema Brett Kavanaugh mintió sobre ser una fuente anónima para el reportero estrella Bob Woodward."El artículo estaba casi listo", escribió Smith, "cuando intervino el editor ejecutivo. Baron instó a Woodward a no violar su acuerdo con Kavanaugh y a proteger el anonimato de su antigua fuente".  Kavanaugh, una de las tres selecciones de Trump que han inclinado decisivamente a la corte suprema hacia la derecha, fue confirmada por una votación del Senado al filo de cuchillo.

 

Marty Baron con Liev Schreiber en el set de Spotlight. Fotografía: suministrada por LMK

Baron ha hablado de su orgullo por la postura antagónica del Post al poder. El Post se enfrentó regularmente con Trump y su administración, por los informes del periódico y su propiedad por parte de Bezos. En 2016, Baron le dijo a The Guardian que el Post se había tomado a Trump "en serio desde el principio" de su ascenso al poder. En 2017, el periódico adoptó un nuevo lema bajo su encabezado: "La democracia muere en la oscuridad ".

Woodward, el reportero de Watergate que ayudó a derribar a Richard Nixon y cuyo uso de la frase motivó el nuevo lema, dijo entonces : “Se remonta a mucho tiempo atrás. Definitivamente no está dirigido a Trump. Se trata de los peligros del secreto en el gobierno, que es lo que más me preocupa. El juez que lo dijo lo hizo bien ".

Baron también condujo al Post a través de un período traumático después de que, en 2018, el columnista Jamal Khashoggi fuera asesinado y desmembrado dentro del consulado saudí en Estambul. La inteligencia estadounidense dijo que el asesinato fue ordenado por el príncipe heredero Mohammed bin Salman, un aliado clave de Estados Unidos cercano a Jared Kushner, yerno y asesor principal de Trump.  Entre los tributos del personal del Post el martes, el reportero senior Philip Rucker calificó la jubilación de Baron como una "noticia aplastante" y dijo : "Marty nos convirtió a todos en periodistas más inteligentes y nos empujó colectivamente a nuevas alturas emocionantes".

Jay Rosen, profesor de periodismo en la Universidad de Nueva York, escribió : “Durante la era Trump, (Baron) convirtió el Post en una lectura más esencial que el New York Times, mucho más grande.""Otra cosa que se destaca de Baron: establece tu propio estándar y no reaccionas a las personas que te quieren muerto y también te encuentran 'parcial' ".

En su propio memorando al personal del Post, el editor Fred Ryan saludó "un resurgimiento dramático" en un periódico que dijo que "se ha disparado a nuevas alturas periodísticas" bajo Baron.

Ryan también señaló el efecto del respaldo financiero de Bezos, cuando dijo que Baron "expandió significativamente nuestras áreas de cobertura, inspiró excelentes informes, logró una transformación digital asombrosa y aumentó el número de lectores y suscriptores a niveles sin precedentes".

En un momento de reducción de personal en los medios impresos y en línea en todo el mundo, Ryan dijo que “la habilidad única de Baron para reconocer y reclutar a grandes periodistas (había ayudado a expandir) la sala de redacción del Post de 580 periodistas cuando llegó a más de 1.000 este año”.

ARTE Y FINANZAS EN PANDEMIA

 

San Francisco:  el destino de la histórica Universidad de Arte ligado a un mural de Diego Rivera

Peter-Astrid Kane

La realización de un fresco que muestra la construcción de una ciudad, en el Instituto de Arte de San Francisco. Fotografía: Cortesía del San Francisco Art Institute

Enfrentando un problema financiero, el Instituto de Arte de San Francisco ha considerado vender la obra de 1931, un testimonio del poder del trabajo

La realización de un fresco que muestra el edificio de una ciudad ha ocupado una pared entera en el Instituto de Arte de San Francisco desde que Diego Rivera la pintó allí en 1931. Una representación notable de la fuerza laboral en el apogeo industrial de San Francisco, está valorada en aproximadamente 50 millones de dólares. - una tentación inesperada para una escuela en grave peligro.

Los fideicomisarios de SFAI han planteado la idea de venderlo como un último esfuerzo para mantener abierta una de las universidades de arte más antiguas de Estados Unidos después de una crisis financiera de años. (Según los informes, George Lucas era un comprador interesado).

Frente a un cuerpo estudiantil muy disminuido, SFAI comienza el semestre con un enorme vacío en su presupuesto operativo. Para terminar, los fideicomisarios han reflexionado públicamente sobre una desinversión que alguna vez fue impensable del patrimonio cultural más importante de la escuela, el mural del modernista mexicano.

La medida resultó inmediatamente controvertida. La junta de supervisores de la ciudad convocó una audiencia, y un supervisor calificó la venta potencial como "herejía" y como un "delito contra el arte". Ahora, el mural recibe el estatus de hito, uniéndose al propio campus de SFAI. Eliminarlo necesitaría el consentimiento de la poderosa Comisión de Preservación Histórica de San Francisco.

“Como institución no recaudadora ... varios caminos potenciales hacia la estabilidad financiera podrían incluir la donación del mural en su lugar ... o donantes importantes que se unan a los contribuyentes actuales para crear una donación bien financiada”. "Con respecto a Rivera, nuestra primera opción sería dotar el mural en su lugar, atrayendo patrocinadores o una organización asociada que crearía un fondo sustancial que nos permitiría preservar, proteger y presentar el mural al público".

Con vistas al famoso Fisherman's Wharf de la ciudad, SFAI es único en los EE. UU.: Una institución privada de educación superior centrada en el arte puro a expensas de títulos más comerciales. No te matriculas en el San Francisco Art Institute para aprender animación con la esperanza de conseguir un trabajo en Pixar; vas allí para ser radical y hacer arte radical.

Los ex alumnos incluyen a los directores de cine Spike Jonze y Kathryn Bigelow; la artista de performance Karen Finley; y Kehinde Wiley, quien pintó los retratos oficiales de la Casa Blanca de los Obama. Pero si la historia de SFAI es ilustre, sus finanzas han sido un desastre durante mucho tiempo. En medio de un complejo de edificios, la Junta de Fideicomisarios abrió un campus satélite de 67.000 pies cuadrados en una antigua instalación militar cercana, Fort Mason, en 2013, asumiendo millones de deudas. Mientras tanto, la inscripción ha caído vertiginosamente, tanto debido a la utilidad quizás cuestionable de un título de arte de un cuarto de millón de dólares como a lo inhóspitas que se han vuelto las ciudades para los artistas jóvenes.

 

El Instituto de Arte de San Francisco en abril. Fotografía: Eric Risberg / AP

Antes de los problemas presupuestarios de los últimos años, SFAI era conocido por montar exhibiciones ambiciosas en sus espacios de galería brutalistas. En The Proposal, de Jill Magid , convirtió las cenizas del célebre arquitecto mexicano Luis Barragán en un diamante. Para la fotografía de naturaleza muerta bajo el agua en el programa de 2015 de Alejandro Almanza Pereda Everything But the Kitchen Sank , los curadores diseñaron soportes para un tanque de agua de 3.000 galones que pesaba 12 toneladas, de modo que no aplastara las aulas de abajo.

Eso resultó ser una metáfora profética. Con apenas 70.000 dólares al año, la elevada matrícula de SFAI demuestra lo acogedora que siempre ha sido la creación de arte radical con privilegios económicos.  Como observó Elizabeth Travelslight, ex presidenta adjunta del sindicato, en referencia a la incapacidad casi total de los veinteañeros creativos para encontrar un espacio de estudio barato en San Francisco: "Tener la libertad de experimentar tiene un precio mucho más alto que antes".

SFAI es también la última escuela de arte estadounidense independiente de su tipo, y sus pares están afiliados a museos o incorporados a universidades más grandes. A la luz de su sombría perspectiva financiera, esta negativa a cambiar con los tiempos ofreciendo programas más comercializables como el diseño gráfico o la arquitectura parece menos romántica y más quijotesca, incluso francamente explotadora.

“Los desafíos que está experimentando SFAI son simplemente una especie de versión concentrada de los desafíos que enfrentan otras escuelas y que han obligado a otras escuelas a cerrar”, dice Hesse McGraw, ex vicepresidente de exposiciones y programas públicos de SFAI. “Estamos siendo testigos de una especie de creencia extraordinaria en el espíritu de esta escuela y lo que representa a lo largo del tiempo, que es un lugar donde ocurre la magia, donde los estudiantes van y descubren algo sobre sus compañeros y el mundo, lo que significa ser un artista, y tener un impacto en la sociedad ".

 

Un detalle del mural. Fotografía: Cortesía del San Francisco Art Institute

La pandemia ciertamente no ayudó. Después de un roce con la desacreditación académica, SFAI pidió a la Universidad de California que interviniera y, desde octubre, su liderazgo ha sido en efecto el propietario de la escuela. Pero el panorama financiero está lejos de estar resuelto, ya que se requiere que SFAI pague $ 19.7 millones en deuda con la UC para 2026 o desalojar el campus.

Muchos miembros de la facultad culpan a los fideicomisarios por este estado de cosas. Ellos “trataron de recaudar dinero para Fort Mason y no lo lograron; fracasaron espectacularmente”, dice Art Hazelwood, un ex miembro adjunto de la facultad que sigue siendo el presidente del sindicato. “Cuando llegó Covid, ya sabíamos que la escuela no iba a sobrevivir. Proyectaban eso en marzo o abril. Cerraron, volvieron a abrir y nos despidieron a todos ".

“Teníamos alrededor de 75 adjuntos en nuestra unidad que estaban enseñando, y ahora tenemos cuatro”, dice Hazelwood, quien estaba entre los despedidos. “Tienen un cuerpo docente a tiempo completo que todavía trabaja allí, alrededor de 15 personas, por lo que todavía se les paga a todos. Y cuatro adjuntos, para enseñar a 16 alumnos. Esa es una gran proporción para un anuncio ".

Hazelwood estima que la escuela necesita aproximadamente 400 estudiantes que paguen la matrícula para seguir siendo solvente, y que vender el mural de Rivera “solo habría pagado por dos años y medio de operación."

“¿Esta es una institución que respeta el arte y vende su legado cultural más preciado? No es una solucion. Es un agujero que no se puede llenar ”, dice.

Por ahora, la universidad sigue adelante con una nueva obra de arte público, una serie de proyecciones de video de tres noches contra la torre neo-italiana del campus a fines de enero.

Mientras tanto, las propiedades inmobiliarias de nivel superior de San Francisco están en caída libre. A la vuelta de la esquina del campus principal de la escuela, y a una cuadra cuesta abajo del tramo memorablemente curvo de Lombard Street, un complejo de seis habitaciones que una vez afirmó ser la vivienda más cara de San Francisco se vendió el año pasado por $ 27 millones, una reducción del 40% con respecto a su 2018 precio de lista de $ 45 millones. En las fotos de la casa, los posibles compradores podían ver claramente la torre de SFAI, un punto de venta visual para no una propiedad sobrevalorada, sino dos.

 

 

PARÍS ERA UNA FIESTA

 

Los artistas callejeros de París se enfrentan a una lucha solitaria

El artista Jerome Feugueur espera a los clientes en la Place du Tertre de Montmartre. Normalmente estaría lleno de turistas, incluso en enero. Fotografía: Kiran Ridley

Una bulliciosa plaza Belle Epoque se ha quedado en silencio, trayendo tiempos difíciles a los pintores de hoy

En tiempos normales, la famosa Place du Tertre de París, la "plaza de los artistas" en Montmartre, está llena de turistas y forasteros visitantes, incluso en una fría tarde de enero. Sin embargo, en la época del coronavirus, la plaza, hogar de pintores, retratistas, caricaturistas y artistas de silueta, está casi completamente desierta. Los cafés y brasseries están cerrados, sus sillas de terraza encadenadas, y solo un puñado de los artistas más optimistas han desafiado el frío durante unas horas antes de que comience el toque de queda a las 6 pm.

Bruno Zem, de 70 años, retratista, es uno de los pocos. Lleva 50 años trabajando en la Place du Tertre y nunca había conocido un momento como este.

“Es un momento difícil para todos, pero aquí es especialmente deprimente”,  “Por lo general, este lugar es mejor que un estudio porque estás en contacto con gente de todas partes y ese es el placer. Pero por el momento es un desierto; no hay turistas ni ambiente ".

Durante más de 140 años desde la Belle Époque, la Place du Tertre ha sido un refugio para los pintores: Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Renoir, Degas, Cézanne y Picasso fueron algunos de los que vivieron y trabajaron en el ahora pintoresco pero antes pobre barrio. Hoy en día, la plaza es más conocida por sus artistas callejeros que se han convertido en un hito en la ruta turística tanto como la Torre Eiffel y la cercana basílica del Sacré-Coeur.

Pero ahora están luchando, y no solo por la falta de turistas.

La semana pasada realizaron una manifestación en los escalones del Sacré-Coeur con una pancarta que decía “Detengan a los invasores de las terrazas ahora” dirigida a los dueños de restaurantes que, según ellos, los están sacando de su hogar tradicional. Las sillas del restaurante se han dejado encadenadas en medio de la pequeña plaza, que según los artistas restringe el acceso del público

Jerome Feugueur, de 45 años, quien al igual que Zem y media docena más, está desafiando el frío de enero, ha tenido su lugar en Place du Tertre durante 10 años después de una temporada trabajando para Disney en Florida. “A pesar de que pagamos más por metro cuadrado que los restaurantes, ellos controlan el espacio”, dice Feugueur. “Está causando mucha tensión.

“Vine a trabajar aquí porque era el lugar histórico de la comuna y un sitio mítico para los artistas, especialmente los surrealistas como Picasso. Cuando comencé, el lugar tenía un encanto de pueblo, pero todo eso ha cambiado. Con los restaurantes se ha vuelto mucho más comercial y menos interesante ".

 

La estudiante Eloise Dutilleul se sienta para un retrato del artista callejero Gabor Gozon.

La plaza adoquinada, ubicada en una colina con vistas a París, fue el corazón histórico del pueblo de Montmartre hasta 1860, cuando se incorporó a la ciudad y pasó a formar parte del distrito 18 del norte. Fue aquí donde comenzó la insurrección de 1871 que condujo a la efímera Comuna de París.

Épocas normales en la Place de Tertre,

Hoy, los 250 artistas que trabajan en la Place du Tertre, muchos de ellos graduados de prestigiosas escuelas de Bellas Artes, solicitan cada año su terreno de 1 metro cuadrado, que se comparte con un segundo artista en días alternos. Para ser aceptados, deben enviar un portafolio al ayuntamiento local que demuestre su habilidad artística. Y deben estar preparados para ser pacientes: se informa que el tiempo de espera para un lanzamiento solicitado es de hasta una década.De los aproximadamente 90 millones de turistas que visitan París en un año normal, alrededor de un tercio sube los empinados escalones del Sacré-Coeur, a menudo pagando entre 30 y 40 € por un retrato, caricatura, caricatura o silueta.

Los artistas son un grupo mixto de hombres y mujeres, que abarcan un amplio rango de edad y alrededor de 30 nacionalidades. Aunque compiten por los clientes, parecen relacionarse mejor entre sí que con los propietarios de los restaurantes que flanquean la plaza. Cada artista paga 600 € al año por su propuesta, de la que Feugueur dice que se ganan la vida "modestamente", requiriendo a menudo un segundo o tercer trabajo.

Hoy, con el coronavirus alejando a los turistas, la mejor esperanza de una comisión es de los visitantes de fuera de la ciudad, pero incluso ellos son pocos y distantes entre sí.

Una litografía de Henri Toulouse-Lautrec, uno de los artistas célebres de la Place du Tertre. 

“Normalmente hacemos dos, tres, cuatro retratos al día, pero en estos días tenemos suerte si es uno a la semana”, dice Claudine Brivière, de 54 años, quien trabaja junto a su esposo Michel, de 75 años, en campos contiguos. En lo que es una tarde gris y sombría de enero, Eloise Dutilleul, de 19 años, estudiante de psicología de Niza, que está visitando a su hermano Maxence, de 21, aparece como un rayo de sol muy necesario.

Gabor Gozon, de 53 años, originario de Budapest, afila su lápiz de carboncillo y comienza a retratarla. En 20 minutos, Gozon, que llegó a París hace casi 30 años para trabajar en diseño de moda, ha terminado. Eloise entrega 40 € y está encantada. “Es maravilloso. Tuve una operación seria en mi mandíbula el año pasado y tenía curiosidad por saber cómo haría mi retrato, pero estoy muy feliz ”, dice.  A unos metros de distancia, los Brivières, con chaquetas impermeables a juego, pantalones de tartán y zapatos color canela, han decidido hacer las maletas e irse a casa.

“Lamentablemente, la belle époque de Montmartre ha terminado. Cuando los tiempos son duros, el arte se convierte en un lujo que la gente no puede permitirse, y los tiempos son duros ”, dice Michel encogiéndose de hombros. “Los dueños de los restaurantes quieren más plaza y nos exprimen como sardinas”.

Claudine rechaza el pesimismo de su marido. “Es complicado en este momento, pero incluso si no hay nadie, venir aquí es menos deprimente que estar sentado en casa”, dice.

Feugueur está de acuerdo. Turistas o no, seguirá instalando su caballete en la Place du Tertre. “Todavía habrá artistas aquí. Solo tenemos que seguir adelante, adaptarnos y esperar mejores días . Es difícil que no haya turistas en este momento, pero volverán. Y tenemos que estar aquí cuando lo hagan”.