Celebrando el trabajo de Irving Penn
En una nueva exposición, la carrera del estimado fotógrafo Irving Penn está siendo recordada desde objetos cotidianos hasta portadas de Vogue.
Ya sea que sea un retrato granulado de Pablo Picasso o una imagen cruda de hojas de ginkgo, reconoces una foto de Irving Penn cuando la ves. Rezuman elegancia y minimalismo, obra de un maestro indiscutible de la fotografía del siglo XX.
Irving Penn: AutorretratoUna nueva retrospectiva en honor al fotógrafo está ahora a la vista en Nueva York. Una selección de fotografías de las décadas de 1930 a 2000 se puede ver en la Pace Gallery hasta el 13 de febrero, en una exposición titulada Fotografía.
Pero, ¿es el "fotografismo" siquiera una palabra? No completamente. Sin embargo, es un término que fue acuñado por el fotógrafo. No es una teoría, sino una idea sustentada en bocetos, notas, fotografías y carteles. Cuando Penn tenía su estudio en el distrito Flatiron de Manhattan, tenía un sobre manila etiquetado con la palabra. “Formaba parte de los archivos de trabajo del estudio”, dijo Vasilios Zatse, subdirector de la Fundación Irving Penn , quien anteriormente trabajó en el estudio de Penn. “Era una carpeta con algunos bocetos, luego se convirtió en más de una caja que tenía etiquetas que contenían carteles que estaban destinados a 'Fotografía'”, agregó. "Penn nos dejó no tanto una hoja de ruta, sino suficiente material como un punto de partida para considerar una exposición".
Zatse trabajó junto con la curadora, Michaela Mohrmann, y el jefe del departamento de fotografía de la galería, Kim Jones, sobre qué incluir. “Volvimos a este material de origen, esta carpeta de archivos, para comisariar la exposición”, dice Zatse.
Girl Behind Bottle, Nueva York, 1949. Fotografía: The Irving Penn Foundation
Penn era un meticuloso tomador de notas y siempre se mantenía ocupado con muchos proyectos. Zatse, comenzó a trabajar para Penn en 1996. "Tenía una caja que contenía notas y trozos de papel, y de vez en cuando había algún pensamiento o idea que se anotaba en una hoja de papel y se agregaba a esta carpeta o caja de 'Fotografía'. No era tan prioritario como algunos de sus otros proyectos, pero estaba en su conciencia ".¿Pero definir realmente el término? Fue más una conversación. “Hablábamos de ello esporádicamente a lo largo de los años”. “Recordé la idea del elemento gráfico de la fotografía siempre relacionado con este concepto de 'Fotografía'… Fueron los visuales con elementos gráficos de un diseño de cartel y tipografía”. “Si alguna vez hubiera una exposición de fotografía, deberíamos considerar estos carteles”, recuerda Zatse.
“Nunca se definió claramente lo que él quería decir con el 'fotografismo' ”, agrega. “Me gusta pensar en ello como la firma visual de Penn, el sabor de su trabajo, su estética. No era de los que hablaban extensamente sobre su trabajo, en términos de tratar de describirlo. Dejó que el trabajo hablara por sí mismo ".
Número de belleza: Summer Elements, portada de Vogue, mayo de 1946. Fotografía: Conde Nast
Entre las obras de la exposición, se encuentran las primeras portadas de Vogue que Penn tomó, como una portada de 1946, que es una cuadrícula de 16 imágenes, enmarcadas como veríamos hoy en un perfil de Instagram, que muestra una mezcla de imágenes, desde frutas hasta joyas. , zapatos, muñecos y botas. Esta revista se publicó después de que terminó la Segunda Guerra Mundial y simbolizó el regreso al comercio minorista después de una era de racionamiento. Las mujeres volvieron a pensar en la moda.
También hay retratos misteriosos, incluyendo Girl Behind Bottle, un retrato de una modelo sentada fumando detrás de una botella de vidrio, que Penn tomó en Nueva York en 1949. Hay fotos de objetos cotidianos, como hojas de ginkgo, lámparas y flores. También hay un retrato de la modelo Jean Patchett en blanco y negro, de una portada de Vogue que Penn tomó en 1950, que se ha convertido en un ícono de la alta costura.
“Fue muy cuidadoso y eficiente con sus palabras”, dijo Zatse. “Nunca sentí que tuviera la necesidad de hablar de su trabajo para defenderlo o que se adoptara la idea”.
Penn tenía el ojo de un artista. Era pintor antes de tomar una cámara. No significa necesariamente que haya creado fotografías pictóricas, pero compuso sus fotos con un ojo multifacético que tomó en consideración el diseño gráfico, la pintura, la escultura y el collage.
La exhibición incluye fotos que han sido ensambladas con otros elementos, incluida una de 1963, llamada Faucet Dripping Diamonds, donde recortes de diamantes caen del grifo del fregadero, o un retrato de Picasso, que está centrado en una página donde está su nombre está escrito a su alrededor.
Ginkgo Leaves, Nueva York, 1990. Fotografía: The Irving Penn Foundation
También estaba interesado en fotografiar lo invisible. “Muy a menudo, lo que hay detrás de la fachada es raro y más maravilloso de lo que el sujeto sabe o se atreve a creer”, dijo Penn en 1975 .
Penn, que nació en una pequeña ciudad de Nueva Jersey en 1917, estudió pintura y diseño gráfico en Filadelfia en la década de 1930 y compró su primera cámara en 1938 . Trabajó durante la Segunda Guerra Mundial con el Servicio de Campo Americano en 1944 como conductor de ambulancia (no pudo servir como soldado debido a una enfermedad cardíaca) y viajó por Italia, Austria e India.
Mientras trabajaba como conductor, informó sobre la guerra con su cámara, fotografiando paisajes, retratos y arquitectura, en lo que un editor de Vogue en ese momento llamó “fotografías de inacción en acción”. Le disparó a la ciudad italiana de Anzio después de que fuera destruida por la guerra, escribiendo : “El campo estaba muerto y desierto. Nadie se atrevió a cultivar la tierra ni siquiera a caminar sobre ella. Los tanques oxidados habían comenzado a asentarse en la tierra. Había trozos de hueso humano blanco al costado del camino, trozos demasiado pequeños para recolectarlos y enterrarlos ".
Cuando regresó a Nueva York en la década de 1940, fue contratado en Vogue, trabajando en el departamento de arte, y luego terminó filmando portadas para la revista. A lo largo de sus siete décadas de carrera, realizó más de 160 portadas para Vogue, desde 1943 hasta 2009, más que cualquier otro fotógrafo.
"Tuve que trabajar en mi propia relación con Irving, y tomó bastante tiempo", dijo la editora de Vogue, Anna Wintour, en 2010. “Teníamos una relación diferente. Fue más como una cita. Era un tipo seductor y ciertamente estaba enamorada intelectualmente de él ".
Penn es ampliamente conocido por sus fotos de íconos culturales, desde Truman Capote hasta Saul Steinberg (con una bolsa de papel sobre la cabeza) y Claude Lévi-Strauss. Una cualidad marcó todas sus fotos: la expresión emocional. En la década de 1950, fotografió a las celebridades de cerca, dejando que las señales faciales se convirtieran en el centro de atención.
Durante las décadas de 1960 y 1970, se interesó por la fotografía de naturaleza muerta, desde flores hasta tazas de café, colillas de cigarrillos y hojas de otoño que encontró en las aceras de Nueva York. Viajó por todo el mundo filmando a lugareños en áreas remotas de México, Benin, Camerún, Marruecos y Nepal, así como Nueva Guinea y Perú.
Vista de la instalación de Irving Penn: fotografía. Fotografía: Fotografía cortesía de Pace Gallery
“Era un hombre muy reservado, prefería evitar distracciones de su trabajo. Eligió evitar el centro de atención ”.
Penn murió en 2009 a los 92 años, recordado como uno de los primeros fotógrafos en difuminar la línea entre la fotografía comercial y el arte de alta calidad. Llevó el ojo de un artista al medio, lo que le permitió convertirse en un recipiente para la creatividad pura. Dicho esto, no es fácil precisar cómo exactamente Penn revolucionó la forma en que vemos la fotografía hoy.
“Esa es una pregunta muy difícil de responder”, dice Zatse después de un largo silencio. “Creo que Penn tiene sus raíces en la tradición. Tenía un gran respeto y admiración por las artes. Reconoció y se inspiró en pintores y escultores, cineastas. Usó esas inspiraciones para destilar su propia estética ".
Pero del mismo modo, Penn también fue singular en su visión artística. “Era bueno al no dejarse influenciar por fuerzas externas; era un artista muy centrado y disciplinado ”, dijo. “Era un modernista en todos los sentidos de la palabra. Sus imágenes son atemporales, no hay duda al respecto”.
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