martes, 31 de julio de 2018

CUMBRES BORRASCOSAS




El extraño culto a Emily Brontë y Cumbres Borrascosas

Kathryn Hughes






Heroína chic ... Shannon Beer como Catherine Earnshaw en la adaptación televisiva de 2011 de Wuthering Heights. 
Fotografía: Allstar / Artificial Eye








Este verano alto éxtasis, los visitantes del museo Parsonage Haworth verán una película  del halcón mascota de Emily Brontë, Nero, que se abate sobre los páramos, a Top Withens, la casa en ruinas que es el modelo putativo de Cumbres Borrascosas, y podrás escuchar a las Unthanks, las hermanas de la música folk de Northumbria que han compuesto música para celebrar el 200 aniversario de Emily. Si eso no es suficiente, puedes ver una instalación de video de Lily Cole, la modelo convertida en actriz que analiza los orígenes de Heathcliff como fundador de Liverpool. Finalmente, Kate Bush, de Kent, ha estado ocupada en los páramos revelando una piedra. En resumen, venga de donde venga y sea quien sea, encontrará una Emily Brontë que es tan suficientemente amorfa como infinitamente adaptable a lo  que necesite que sea: una roca, una canción, un pájaro en vuelo...


El Brontë Parsonage en Haworth en West Yorkshire.


Eso supone, por supuesto, que eres mujer. Casi todas las actividades mencionadas en relación con el próximo aniversario de su nacimiento, el 30 de julio, involucran a mujeres como fabricantes, manifestantes, celebradoras y educadoras. Del mismo modo, casi todos los biógrafos y eruditos de Emily Brontë durante el siglo pasado han sido mujeres. Si ves a un hombre en la mezcla, lo más probable es que haya sido arrastrado a un lado, al igual que Branwell Brontë, aunque con suerte sin la necesidad de emborracharse como el.






Emily Brontë por Patrick Branwell Brontë 













El único otro autor que se ha convertido en el objeto femenino tan intenso en los últimos 200 años es Sylvia Plath, que está enterrada a menos de 10 millas de Haworth, en Heptonstall. Los paralelos son asombrosos. Separadas por un siglo, tanto Brontë como Plath fueron poetas que siguen siendo más famosas por escribir una sola e intensa novela autobiográfica. Incluso hay un poco de intertextualidad agradable en la forma en que en 1956 Sylvia Plath logró casarse con Heathcliff en la forma de su propio hombre-de-los-páramos, Ted Hughes. Tanto Plath como Brontë murieron a la edad de 30 años y luego gradualmente comenzaron a atraer la devoción de culto a las fanáticas femeninas, quienes respondieron con entusiasmo ante el estado de sus heroínas como exiliadas de los reinos gemelos de la felicidad hetero- normativa y la fama literaria.

Este último punto puede parecer extraño en el caso de Brontë que, cuando comenzó el siglo XX, comenzaba a superar a su hermana mayor Charlotte como la más popular de las "tres hermanas raras". Pero si bien es cierto que Brontë era cada vez más importante para un creciente número de lectoras que la reclamaban como una Nueva Mujer proto-feminista, estaba muy lejos de ser admitida en el canon literario. En 1948, FR Leavis la excluyó explícitamente de The Great Tradition -su libro que celebra a los novelistas ingleses que realmente importan- argumentando que Wuthering Heights no era más que "una especie de entretenimiento", que es una manera extraña de describir una novela en la que nadie sonríe.  George Eliot, que fue una de las pocas mujeres que reconoció Leavis, puede ser admirada, pero apenas es adorada de la misma manera que Brontë. El próximo año es el bicentenario de Eliot, sin embargo, es difícil imaginar que los Unthanks le ofrezcan una melodía.

Pero, ¿era realmente Emily Brontë un instrumento tan afinado, tan exquisitamente alerta a las vibraciones psíquicas que la rodeaban? Durante cuatro breves meses en 1842 fue empleada para dar clases de piano a tres hermanas con el apellido  Wheelwright. El escenario no era Yorkshire, sino Bruselas, donde  las mujeres jóvenes asistían a Pensionnat Heger, una de las mejores escuelas de la ciudad. Técnicamente Brontë, de 24 años, era una estudiante maestra, pagando la matrícula al proporcionar clases de música a las niñas más pequeñas. Pero cuando se trataba de decidir el momento de las lecciones, la señorita Brontë tuvo cuidado de arreglar las cosas a su gusto. Al negarse a  usar su precioso tiempo de estudio, insistió en recibir a sus alumnos una vez que terminara el día escolar. El resultado, informó la hermana mayor Laetitia, fue la visión de tres chicas de seis a 10 años que salían de la sala de música en lágrimas por haber perdido tanto tiempo de juego. Cincuenta años después, Laetitia Wheelwright seguía recordando a Emily: "Simplemente no le gustó desde el principio". No "odiaba", ni siquiera "gruñía",  o "hacía espuma en la boca", que es como los personajes en Cumbres borrascosas te dejan saber que  están enojados. No, lo que Laetitia experimentó fue una "aversión" fría y duradera hacia una mujer adulta que ponía sus propias necesidades por encima de las de los niños a quienes se le pagaba por enseñar.

Esta Emily Brontë, interesada en sí misma, pragmática y rígidamente indiferente a sus responsabilidades morales, no es a la que la industria del patrimonio literario celebra este mes. Nunca he entendido el culto a "Santa Emily de Haworth. "
De hecho, he pasado una vida de lectura luchando por llegar al final de Cumbres Borrascosas, el melodrama chirriante sobre dos familias que viven en los Yorkshire Moors,  que se casan, se pelean, mueren, compran tierras, pierden tierras, se golpean y tienen niños a quienes dan nombres desconcertantemente idénticos. En este desconcierto, estoy en buena compañía. Virginia Woolf que, junto con Sylvia Plath, pensó que era un sacrilegio garabatear en sus libros, rompió su regla con Cumbres Borrascosas, dibujando un árbol genealógico en una página en blanco, en un intento desesperado de resolver cómo encajan todos esos múltiples Catherines, Heathcliffs y Lintons. Parte del problema, por supuesto, es que todos suenan igual, hablando en un tono histérico, como si estuvieran esforzándose por hacerse oír durante un vendaval permanente.

Esta sensación de que Cumbres Borrascosas hace demasiado ruido y no tiene suficiente sentido fue entrevista en mi primer encuentro con el libro. Mucho antes de que tuviera la edad suficiente para leerlo, vi la parodia de Monty Python en el que Catherine y Heathcliff intercambiaban apasionadas declaraciones de amor adúltero a través de las cimas de los páramos usando semáforos. Sin entender muy bien, me inculcaron la idea de que se trataba de un texto donde los personajes hablaban con una exuberancia salvaje y repetitiva: "¡Oh, Catherine!" "¡Oh Heathcliff!"

Las críticas cuando aparecieron después de la publicación en diciembre de 1847, incluyeron un coro de desaprobación. Mientras que varios críticos reconocieron que el libro tenía un extraño tipo de "poder", todos ellos procedieron a destrozarlo. "Los incidentes son demasiado burdos y desagradables para ser atractivos", dijo el hombre del Spectator. "Es salvaje, confuso, inconexo e improbable", dijo alguien más. "En Cumbres borrascosas el lector está conmocionado, disgustado", se quejó el periódico semanal de Douglas Jerrold. "Cómo un ser humano podría haber intentado un libro como el presente sin suicidarse antes de haber terminado una docena de capítulos, es un misterio", estremeció la Revista de Graham's Lady de Estados Unidos.  No sabemos qué hizo Brontë con las críticas, aunque algunas de ellas fueron encontradas escondidas en su escritorio cuando murió un año después. 
Lo que sí sabemos es que Charlotte Brontë, que a fines de 1849 era la única superviviente de sus hermanos y autora del éxito comercial Jane Eyre , estaba terriblemente preocupada por el daño reputacional que Wuthering Heights podía causarle a la emergente marca Brontë. 

Para excusar la tosquedad de Wuthering Heights, con su locura y sexualidad perversa -elementos que también estaban preocupantemente presentes en Jane Eyre- Charlotte convirtió a Emily en una idiota sabia, que "no sabía lo que había hecho". Siendo "una nativa y cuidando de los páramos", Emily había hecho un libro que fue "labrado en un taller salvaje, con herramientas simples, con materiales caseros". El resultado fue " salvaje y nudoso", una exhalación involuntaria en lugar de un acto de creación consciente. Llevando la apología de su hermana a un clímax atronador, Charlotte llegó a la conclusión de que Emily era "más fuerte que un hombre, más simple que un niño, en su naturaleza estaba sola".

Solo cinco años después, Charlotte también estaba muerta, pero su caracterización de Emily como un fenómeno de la naturaleza permanecería durante décadas, reuniendo sonido y furia. Cuando la novelista Elizabeth Gaskell publicó su Vida de Charlotte Brontë en 1857, tomó la imagen de Charlotte,  de que su hermana tenía una "naturaleza" totalmente original y la amplió a proporciones fantásticas. Por esto Gaskell no se refería al hecho de que Emily era la persona más importante de la casa pastoral, con la excepción del Rev. Brontë. A lo que ella intentaba llegar era a la sensación de que Emily era a la vez mítica y cambiaba de forma sin las leyes físicas del universo. Es esto lo que ahora ves  en Haworth, donde el alma de Emily ha migrado temporalmente al cuerpo de su halcón mascota.
La insistencia en definir a Emily Brontë como un fenómeno natural más que cultural permaneció hasta los años noventa. En ese momento, una nueva ola de estudios revisionistas sugirió que, lejos de ser un escondite remoto y primitivo como sugería Gaskell, Haworth era un centro cultural  con una gran curiosidad y apego por lo que estaba sucediendo en el mundo. Hubo periódicos, conciertos y conferencias. Además, la pequeña familia de la casa pastoral estaba ligada a los últimos desarrollos literarios, gracias a los tres periódicos importantes: Blackwood's, Fraser's Magazine y Edinburgh Magazine, que leían todos los meses. Las estanterías contenían una amplia gama de clásicos literarios. Era exactamente el tipo de hábitat intelectual que podría esperarse del Rev.  Patrick Brontë.
Lejos de escribir "por el impulso de la naturaleza" y "los dictados de la intuición" como decía Charlotte, Emily Brontë era una artista literaria rica en recursos y muy consciente de sí misma. En particular, estaba inmersa en el romanticismo de la segunda ola que conocía por la excelente colección de obras de Shelley, Scott y Byron de su padre. Otro conjunto complementario de referencias surgió del misterio y el horror de la literatura romántica alemana, que ella leyó en el original. Mientras las pequeñas Wheelwrights lloraban a lágrima viva en Bruselas, Emily estaba ocupada analizando su gramática alemana y leyendo cuentos góticos espeluznantes de gente como ETA Hoffmann.

Si Cumbres Borrascosas llamó la atención de críticos contemporáneos fue solo porque entonces, como ahora, la gente tiene muy poca memoria literaria. En una época en que Gaskell se preparaba para escribir sus novelas, con su atención a la injusticia económica y social en el norte industrial, el apego de Brontë a los modelos góticos más antiguos ( Frankenstein de Mary Shelley es obvio apareciendo junto a Hoffmann).  No era que Wuthering Heights fuera sorprendentemente vanguardista sino deliberadamente retro, al igual que la ropa profundamente pasada de moda que Emily insistía en usar en Bélgica, a pesar de las burlas de sus compañeros de clase más sofisticados.

Personalmente, no veo cómo la narrativa "amamantado por lobos" o "historiador literario" ayuda a hacer que Brontë sea más aceptable. Si quieres encontrar una forma de redimirla, sugeriría que no se trata de explicar su furiosa indignación, sino de considerarla como una especie de performance artística situada en un contexto social y económico muy particular. Criada en un momento en que se esperaba que las hijas del clero pobre se metieran en pequeños espacios dictados por las necesidades de otras personas, como cuidadores de parientes mayores, como institutrices de los jóvenes, como esposas atribuladas de curatos empobrecidos, simplemente se negaba a cumplir el mandato. Mientras sus hermanas caminaban penosamente para trabajar como institutrices y odiaban casi cada minuto, Emily solo duró seis meses como maestra de escuela, agriando el ambiente irrevocablemente cuando les dijo a sus alumnos que era más cariñosa con el perro de la casa que con ellos. 

Habiendo hablado así  Brontë  se las arregló para regresar a donde siempre había querido: su casa en Haworth. A pesar de que había dos sirvientes para cuidar al pastor modesto, Emily defendió la necesidad de estar en el lugar como ama de llaves extra. Y para compensar su falta de ingresos, se convirtió en una inversionista financiera experta, estudiando periódicos para asegurarse de que los modestos ahorros de la familia se colocaran en las acciones ferroviarias de mejor rendimiento. Ella también estaba cautelosamente alerta a la forma en que funcionaba el mercado literario. Cuando el primer libro de Brontë, una colección conjunta de poesía, vendió solo un puñado de copias, se apresuró a recurrir al género de ficción mucho más rentable como un descanso del lento e ingrato asunto de tratar de vender sus versos.

Las mujeres victorianas que eligen esquivar las demandas de la vida doméstica para pasar el tiempo haciendo algo que disfrutan no es una idea nueva. Florence Nightingale y Elizabeth Barrett Browning son un ejemplo. La diferencia aquí es que Nightingale y Barrett eran ambas de familias adineradas que fácilmente podían permitirse el trabajo extra involucrado en apoyar a una mujer adulta en una reclusión costosa y no productiva. 
La familia de la casa pastoral no gozó de tal elasticidad financiera, lo que hace que la insistencia de Brontë en el derecho a abandonar sus obligaciones económicas sea aún más audaz. También hay cierta ironía en el hecho de que, a diferencia de Nightingale y Barrett, Brontë en realidad estaba bastante enferma. Sin embargo, ella se negó a usar su salud desordenada como una excusa, en lugar de arrojarse a un trabajo doméstico físico extenuante. Charlotte escribió tristemente a su vieja amiga Ellen Nussey que "ofrecer cualquier ayuda es molestar ... debes mirar y ver ... ella hace lo que no es apta para hacer, y no se atreve a decir una palabra". Si con la magia del viaje en el tiempo pudiéramos adelantar a Brontë a la edad de las sufragistas, la encontraríamos resoplando con burla.  Y ese, realmente, es el punto. En lugar de Emily Brontë, la doncella de los páramos, debemos poner a Emily Brontë como la artista despiadadamente autodefinida.

Odio ese arte, no importa cuántas encuestas de popularidad haya ganado, y no importa cuántos críticos literarios señalen cuán astutamente se haya diseñado, nada me convencerá de que Cumbres borrascosas es todo menos un desastre. Pero el hecho de que exista, escrito en circunstancias tan poco prometedoras por una mujer que estaba convencida de su derecho a producirlo, tiene una cierta magnificencia. Emily Brontë es la santa patrona de las mujeres difíciles. Solo por eso, ella debe ser admirada, aunque sea a regañadientes y desde una distancia segura.





Making Thunder Roar: La exposición Emily Brontë Bicentenary se encuentra en el Brontë Parsonage Museum hasta enero . bronte.org.uk .














lunes, 30 de julio de 2018

POEMA



Retrato en Sepia

Georgina Ramírez






Imagen: Aaron Nagel















Algún día escribiré un poema que no lleve tu nombre
despojado de vacío y ausencia

que no tenga tu aroma extraviando recuerdos
trascenderá tu cielo
superará tu altura
no tendrá el color de tu mirada
la línea perfecta de tus labios

escribiré un poema donde no hable de ti
donde no te describa sobre mi cuerpo en fuego
derritiéndome
donde no evidencie que sin ti,
la felicidad es una circunstancia

no estará lleno de memorias y destinos
será escrito desde esa parte de mí que ya no habitas

Cuando llegue la hora de olvidarte
































sábado, 28 de julio de 2018

FACEBOOK CENSURA A RUBENS ...ETC. ETC...



Los desnudos de Rubens caen mal  a los censores de Facebook

Daniel Boffey






Como no se ve en Facebook: Detalle de Leda y el Cisne, por Peter Paul Rubens. Fotografía: National Gallery, Londres








Los desnudos de Rubens han cautivado a quienes visitan las mejores galerías de arte del mundo durante unos 400 años. Los contemporáneos sobre los que se dice que el maestro flamenco tuvo un profundo impacto incluyen a Van Dyck y Rembrandt ... pero nada de esto ha pasado con los censores de Facebook.

En un movimiento que ha provocado una queja semi-juguetona para el director ejecutivo de la compañía, Mark Zuckerberg, ha anulado una serie de promociones en las redes sociales para la región belga de Flandes porque cuentan con obras del artista famoso por sus pinturas barrocas de voluptuosas mujeres y querubines.
Los anuncios que contengan contenido de orientación sexual, incluidos los desnudos artísticos o educativos, además de las estatuas, están prohibidos en el sitio.
En una carta abierta firmada por la mayoría de los museos de Flandes, el consejo de turismo flamenco, Toerisme Vlaanderen, ha escrito a Zuckerberg para pedirle que la reconsidere. "Los senos, las nalgas y los querubines de Peter Paul Rubens son considerados indecentes", dice la carta. "No por nosotros, sino por ti ... Aunque secretamente tenemos que reírnos de ello, tu censura cultural está dificultando la vida para nosotros".

Las publicaciones eliminadas incluyeron incluso un anuncio en el que aparece El descenso de la cruz, de Rubens, en el que Jesús está desnudo con su taparrabos.




La junta de turismo de Flandes ha puesto de manifiesto su punto al publicar un breve video en el que la "policía " arrastra a los visitantes de la Casa Rubens en Amberes para evitar que miren las pinturas implicadas.





La oficina de turismo está llevando a cabo un programa de dos años promocionando a los maestros flamencos Rubens, Pieter Bruegel y Jan van Eyck.
El director ejecutivo de la oficina, Peter De Wilde, dijo: "Desafortunadamente, promover nuestro patrimonio cultural único, en la red social más popular del mundo es imposible en este momento".
Facebook dijo que había aceptado una oferta de la oficina de turismo para hablar sobre el tema, e insistió en que las pinturas no estarían prohibidas en publicaciones normales, sino sólo en anuncios publicitarios.

El gobierno alemán condenó recientemente a Facebook después de que Zuckerberg anunciara que no eliminaría los mensajes que contenían la negación del Holocausto, sobre la base de que sus clientes tenían derecho a la libertad de expresión.

















AUTORRETRATO.





Rodrigo Abd

Fotógrafo-Fotoperiodista.



















"Siento que el fotoperiodismo en general está visto con demasiado glamour. En las películas, el fotoperiodista siempre aparece como un canchero que gana premios… Y en realidad es un trabajo bastante demandante, que requiere mucho sacrificio personal, mucho esfuerzo, dejar de lado un montón de cosas que el común de la gente quizá no sacrificaría. Trabajamos domingos, feriados, tenés que bancarte que un día te caguen a palos, tenés que bancarte trabajar en las peores condiciones. Y está lleno de frustraciones; me ha pasado de trabajar jornadas muy extensas para que luego no salga nada de lo que hice, porque una noticia tapó a la otra, o porque no era lo que se esperaba.
En fin, te tiene que gustar mucho hacer esto, tenés que estar dispuesto a invertir horas, días, semanas en un proyecto. Tenés que estar interesado en aprender, en conocer la vida de los demás, en explorar rincones de la sociedad, de la vida, a los que sería imposible acceder en otro tipo de trabajo. Para mí eso es lo mejor del fotoperiodismo: estar un día en el Golf de San Isidro y ver cómo hay gente que se puede gastar miles de dólares en ese evento, y a los pocos días estar en una villa miseria. Y entender cómo esos dos mundos conviven, tratar de comprender por qué conviven. Eso sólo te lo da el periodismo."*
















*http://fundaciontem.org/rodrigo-abd/






https://www.lanacion.com.ar/2059914-el-alma-de-los-nadies-claves-para-entender-la-obra-de-rodrigo-abd
https://www.lanacion.com.ar/2055890-la-camara-afgana-el-ojo-reflexivo-de-rodrigo-abd





































viernes, 27 de julio de 2018

STREET ART



La seducción del street art.










Street art .La Villette . Paris





















Muchas ciudades se han convertido en un atractivo turístico por su arte callejero y las autoridades locales han descubierto sus posibilidades




El arte urbano (street art) es una práctica que relata la identidad de un territorio y en los últimos años, se revela como una estrategia viable e innovadora para crear un producto que beneficie a la ciudad.
En sus comienzos, la autonomía y la vinculación directa de la performatividad con el espacio público era la esencia que prevalecía entre los graffiteros, manteniendo esta práctica en un círculo clandestino; pero hoy en día, mucho de esto se ha subvertido.


By My Dog Sighs in Eccleston, England.

Muchas ciudades se han convertido en un atractivo turístico por su arte callejero y las autoridades locales han descubierto el gran poder del arte urbano como transformador del espacio público. Sin embargo, la contrapartida es que no cualquier expresión plástica entra dentro de los estándares institucionales; mientras por un lado se potencian estas prácticas, por el otro se destruyen grafitis y se persiguen a artistas callejeros, considerados como vándalos.


Street art mexicano: Iztapalapa


Hoy en día, la mayoría de las ciudades han entendido que esta práctica puede convertirse en un bien mercantil mediante jornadas ‘participativas’, iniciativas artísticas y festivales urbanos –donde, lo que antes se consideraba vandalismo ahora se realza positivamente con valores de autenticidad, libre expresión y creatividad.


 Basquiat in 1981 (Photo: Rex Features)


Es el caso, por ejemplo, de los festivales al aire libre -generalmente equipados con foodtrucks y Dj's- donde una serie de artistas (principalmente muralistas) embellecen las paredes de un barrio. Este tipo de festivales aportan un cierto tono institucional, e (in)directamente forman parte de una estrategia gentrificadora de los espacios donde se emplazan. El documental Right to Wynwood perfectamente ejemplifica lo que pasó en un barrio de Miami, transformando un barrio considerado 'feo' en tendencia (turning ugly into trending).





En España, algunas instituciones han apostado por la instrumentalización del arte urbano como eje vertebrador de la ciudad. La iniciativa Murs lliures* (muros libres), promovida por el ayuntamiento de Barcelona permite a los artistas agilizar los permisos para poder pintar en ciertas zonas habilitadas.



Glories Wall.  Barcelona


Mientras tanto, fuera de los perímetros establecidos, la brigada anti-pintadas elimina lo que es considerado ‘no arte’. En algunas comunidades también existen carnés para grafiteros para que los muros cedidos por el consistorio puedan ser intervenidos.
Pero, no solo se trata de ‘ceder’ espacios para la creación artística, ni desarrollar proyectos institucionales que se limiten a promover la “ciudad creativa” para un fin únicamente lucrativo porque, de hecho, ya existen iniciativas tanto en lo local como en lo global que catalogan y estudian el arte urbano.
Los Street art tours, por ejemplo, ya son una realidad en la que muchos individuos, de manera altruista, recorren y enseñan obras singulares en los rincones de las ciudades. También han aparecido plataformas en línea y aplicaciones móviles que localizan las piezas (Street art cities, Geo Street art, entre otros). Muchas de estas apps y plataformas no dependen de ninguna institución y utilizan el conocimiento colectivo para completar su archivo de obras.


Vienna's Street Art Tour


Y es que, el arte urbano –por el simple hecho de ejecutarse en el espacio público- no tiene que ser propiedad de la institución. Y parece que es aquí donde hay el problema. Se debe avanzar para entender que el arte urbano es parte de la cultura de la ciudad, articulando un discurso global desde lo local sin caer en el prejuicio legal o ilegal de estas prácticas.
El artista cede su obra a la ciudadanía, puesto que se ubica en un espacio de todos, y cabe la posibilidad de que la pieza pueda ser borrada, re-pintada o ‘robada’, como es el caso de los trabajos de Banksy. Pero, ¿cuáles son los parámetros impuestos para eliminar una obra y dejar expuesta otra?



Banksy


Imaginemos, por un instante, qué pasaría si el artista británico pintase únicamente su firma en una pared de la ciudad. Es aquí donde el mercado del arte urbano entra en otro contexto ya que la obra y el artista se entenderían de otra manera; ya no se trataría de vandalismo sino de arte en mayúscula






* http://www.streetartbcn.com/murslliures-legal-walls/

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Arte Urbano.

A menudo tendemos a confundir, a veces también fusionar, Street Art y Graffiti. Esto sucede porque ambos tienen lugar en las calles y ambos están motivados por la emoción de la anarquía . Sin embargo, se consideran firmemente dos formas de arte diferentes. No trataremos de encontrar la definición perfecta de uno u otro, sino que trataremos de entenderlos como formas de arte, para apreciarlos a ambos.
Los graffiti han existido desde la antigüedad, nuestros antepasados ​​los usaron como medio de comunicación antes de la aparición de la escritura. De todos modos, Graffiti como lo conocemos ahora es mucho más relevante: nació en los setenta en los trenes de Filadelfia , y luego se movió muy rápido a los guetos de Nueva York, gracias al hip - hop y la apariencia de las latas de aerosol. Este movimiento artístico se caracteriza por el estudio de la letra y el uso de una etiqueta , que es nada menos que el seudónimo del propio artista.
A principios de los años ochenta, gracias al documental de Graffiti " Style Wars ", el movimiento se extendió por todo el mundo.




Street Art difiere mucho de Graffiti, no tanto por cómo se hace, sino por su arte. Los artistas de la calle hacen que su arte sorprenda, excite y haga que aquellos que se encuentran con el reflejo . Detrás de una obra de arte urbano siempre hay un proyecto más grande y más completo, con el objetivo de dar un sentimiento específico en quién, incluso por casualidad, lo ve.
Un ejemplo sorprendente es el intento de muchos artistas de la calle de crear conciencia sobre temas como el calentamiento global , el consumismo , la degradación del medio ambiente y muchos otros.
A pesar de las muchas diferencias entre las dos formas de arte: "Si con Street Art nos referimos a cualquier cosa creativa que provenga de las calles, creo que es importante que finalmente comencemos a tomar nota del hecho de que el contexto urbano ha generado un nuevo capítulo de arte contemporáne "-Rae Martini, un escritor italiano considerado como una" leyenda viviente "del Graffiti europeo.




Rae Martini : L’uomo che firmava i treni