miércoles, 31 de agosto de 2022

LA PRINCESA

 

El extraordinario nuevo documental sobre la muerte de la princesa Diana

Danny Leigh








En el melodrama rodante de la monarquía británica, el jubileo de platino siempre estuvo programado para este año. Pero ahora el estado de ánimo se oscurecerá. Así es como 70 años de la Reina dan paso directamente a 25 desde la muerte de Diana, Princesa de Gales.

Una película marcará la ocasión: The Princess, un nuevo documental muy comentado. Esa fue la última película dirigida por el difunto y muy respetado Roger Michell. Pero La Princesa también llega como un proyecto de prestigio.  El director es Ed Perkins, el vertiginoso responsable de la nominada al Oscar Black Sheep.

Si hicieras documentales para ganarte la vida, probablemente harías uno real.  Nacer británico es ser criado como un observador real, ya sea por elección o como un niño aburrido frente a ellos, hace del país una audiencia pre-vendida. Con Diana, además, la marca sigue siendo global. Si hicieras documentales, probablemente harías La Princesa. El drama operístico es un hecho. Abundante material de origen para lo que ahora es el estilo del documental moderno: cabezas parlantes dejadas de lado por un collage no narrado.

Perkins tenía 11 años cuando murió Diana. El recuerdo se quedó con él, dice, sobre todo porque sus padres llegaron solemnemente juntos a su habitación para decírselo, cada uno más angustiado de lo que tenía sentido racional. Es un arma secreta de la realeza: los anillos de los árboles de tu vida se vinculan con su historia. “Todavía recuerdo vívidamente esa noche”. “Era lo mismo viendo la televisión en los días posteriores. Tantos adultos acudiendo en masa al Palacio de Buckingham, llorando públicamente como si hubieran perdido a un miembro de la familia. A los 11, estaba muy, muy confundido”.

Entonces, un documentalista también podría dirigir La Princesa desde un deseo sincero de resolver un misterio de la infancia. Y esa audiencia preparada es parte de ella. Las gárgolas de los tabloides fueron culpadas con razón de arruinar la vida triste y dorada antes de la muerte temprana, pero las miradas hacia adentro son más raras. “Quería usar el archivo porque ese es el registro de cómo la consumimos a través de los medios. Y esa era mi pregunta central. ¿Qué dice esta historia sobre nosotros ? ¿Sobre lo que todavía consumimos y la demanda que creamos?"

El productor, Simon Chinn, estaba mucho menos interesado que Perkins en hacer La Princesa hasta la persecución a Meghan Markle. Luego, dice, vio que la historia se repetía. No era sólo el despecho de los periódicos. Algo más había resurgido: una vertiginosa inversión pública en misoginia y fisgoneo. “Pensé que Diana era demasiado familiar. Un poco de un callejón sin salida. Entonces me di cuenta de que era una historia de origen. No solo sobre Meghan, sino también sobre gran parte de la Gran Bretaña moderna”.

Perkins captura la última noche de Diana el 31 de agosto de 1997, no a través de lectores de noticias atónitos, sino de turistas australianos, que se topan con las luces de la policía fuera del túnel de Pont de l'Alma mientras filman París con una videocámara. Era finales de los 90, después de todo. Las nuevas cámaras digitales estaban inundando el mercado. Una revolución tecnológica apenas comenzaba. Ahora se extiende a documentales de alto nivel hechos de pepitas de televisión antigua y el dispositivo en el que puede estar leyendo este artículo. Chinn recuerda ese período de limbo a fines del verano como un joven productor de 28 años, comenzando una carrera televisiva, atónito con las noticias en los días posteriores a la muerte. “Sinceramente, sentí que la nación había perdido la cabeza”. “Había este consenso de que todos estábamos devastados, para mí y para mis amigos, simplemente no era cierto. Así que incluso entonces piensas: ' Ah !'. Dos británicos diferentes, ¿verdad?

Los agitadores de banderas afuera del Palacio de Buckingham alimentaban el amotinamiento que se tambaleaba hacia el estado de ánimo nacional. Para los republicanos, consagró la ironía de Diana: la futura reina que casi mete una bala en la monarquía. La rareza no terminó ahí. En 1997 vivía a la vuelta de la esquina del primer cibercafé de Londres y trabajaba cerca de Victoria. Mi camino a casa ese verano solía llevarme más allá del palacio. De cerca, se hizo más claro cada día que las multitudes enloquecidas no estaban simplemente arremolinándose y lamentándose. Vinieron con cámaras. Se filmaron y se fotografiaron a sí mismos y entre ellos. Fue un derroche de lo performativo, en un exceso de emoción. ¿Te recuerda algo? “Hay un argumento definitivo de que su vida y especialmente su muerte fueron presagios de las redes sociales”, dice Perkins.

La ficción también ha tratado de contar esta extraña y contradictoria historia. Pero los guiones que intentan meterse en la psique de la princesa no sirven de nada. Ni el modo predeterminado de drama, haciendo que los eventos sean más grandes que la realidad. Tan grande como el catastrófico musical de Netflix del año pasado Diana, o Spencer,  con Kristen Stewart perdida en el delirio de Kubrick. Y luego está The Crown, cuyas próximas temporadas verán al personaje interpretado por Elizabeth Debicki , otra estrella del cine de LA, una Diana más para el salón de los espejos.

Con una historia tan cercana ya, tienes que volver a algo así como los hechos. Y el documental en sí tiene un papel en la historia. Los noticieros creados para las audiencias cinematográficas de principios del siglo XX fueron adoptados por la realeza de antes de la guerra: un medio para que sus sujetos los vieran en masa. Diana no fue la primera realeza británica que trabajó con la cámara. Ella era simplemente la más dotada .

Pero ¿y ahora qué? Porque, si bien The Princess obviamente cierra con un funeral, la sensación de un final está aquí en 2022. Después de la alegría rictus del jubileo, seguramente se avecina un cambio de manos. Al igual que los observadores reales presionados contra las barreras de seguridad, la recompensa por el documental oportuno es un lugar adyacente a la historia.

The Crown tiene planeadas dos temporadas más para aprovechar al máximo a Diana, junto a una Reina ahora interpretada por Imelda Staunton. Más temprano que tarde, la realeza real carecerá de ambos. A partir de aquí vendrán a la mente diferentes recuerdos, otros se superponen con los anillos de los árboles de nuestra vida. ¿Dónde estabas cuando te enteraste de que el príncipe Andrés le había pagado 12 millones de libras esterlinas a Virginia Giuffre después de que ella dijera que él la agredió sexualmente cuando era adolescente?

Ese documental tendrá que esperar. En cambio, después del funeral de la reina simplemente habrá una coronación, fanfarria como si todavía fueran los días de los noticieros. Pero la audiencia será más pequeña, en su mayoría confinada a una Gran Bretaña ahora fracturada y encogida como los propios Windsor. Como modelos de La Princesa, Senna y Amy también cuentan una verdad implícita sobre íconos del pop menos trágicos y estrellas del deporte. La mayoría no muere joven. Simplemente se reducen a un nicho. La familia real restante también pronto descubrirá que solo hay lugares más pequeños, donde las cámaras ya no se molestan en seguir.


The Princess. Trailer


Sin embargo, los giros siguen llegando. El rompecabezas que molestó a Ed Perkins cuando tenía 11 años está al menos resuelto a medias en su película. “Si quieres una familia real, la pregunta esencial es: ¿realmente quieres que sean personas? ¿O realmente todavía quieres cuentos de hadas? Porque ambos a la vez es imposible”.

 


























































martes, 30 de agosto de 2022

KEITH HARING: THE RADIANT BABY

 

 Keith Haring: The Radiant Baby se vende en subasta





Estuvo escondido en esta casa todos estos años, completamente desconocido': Radiant Baby de Keith Haring. Fotografía: Rago/Wright








En 2004, en un paseo en bicicleta por Kutztown, Pensilvania, Scott y Angela Garner se encontraron con la casa de sus sueños: una casa victoriana construida con ladrillos, con persianas en las ventanas y un amplio porche en la parte delantera.

Dentro había algo completamente inesperado. En la pared de una pequeña habitación de la planta baja había un dibujo de cinco pulgadas justo encima del interruptor de la luz. Era Radiant Baby, una de las imágenes más reconocibles del exitoso artista pop y activista de la década de 1980, Keith Haring, dibujada en dorado sobre un fondo azul vibrante en su dormitorio de la infancia

La mujer que le había comprado la casa a la familia Haring, y que más tarde se la vendió a los Garner, casi había pintado encima de la imagen. Pero en el último minuto, al cambiar la decoración de la habitación de azul a amarillo pálido, se quedó con Radiant Baby.

“Estuvo escondido en esta casa todos estos años, completamente desconocido”, dijo Christine Oaklander, historiadora del arte.

 

Keith Haring en la ciudad de Nueva York en septiembre de 1986. Fotografía: Joe McNally/Getty Images

El próximo mes se subastará la imagen, ahora recortada de la pared en un panel que incluye el interruptor de la luz. Los subastadores de Nueva Jersey Rago/Wright no han publicado un precio estimado de preventa, pero el récord alcanzado por una obra de arte de Haring, para la pintura de 1982 Sin título, es de $ 6,5 millones.

“Radiant Baby es la etiqueta de Haring, su firma”, dijo Oaklander. “Lo que hace que esto sea tan maravilloso es que no hay duda de su autenticidad. Es inusual porque está dibujado en dorado, y Haring dibujó principalmente en blanco sobre negro, o negro sobre el sustrato que fuera. No quiero decir que sea único, pero es raro”.

Se cree que la imagen data de principios de la década de 1980, dibujada en una visita a su familia después de que el artista se mudara a Nueva York, donde rápidamente encontró seguidores y éxito financiero.

En Nueva York, Haring se involucró en una comunidad de arte alternativo que se basaba en las calles y el metro de la ciudad en lugar de galerías y museos. Se hizo amigo de Jean-Michel Basquiat y Kenny Scharf y comenzó a dibujar en paneles publicitarios en desuso en las estaciones de metro de la ciudad, a veces creando 40 imágenes por día. El metro se convirtió en un “laboratorio” para la experimentación, dijo.


La casa de la infancia de Keith Haring. Fotografía: Charles Daniels


Haring ganó reconocimiento internacional y su trabajo se presentó en más de 100 exposiciones. Produjo más de 50 obras de arte públicas en todo el mundo, muchas de ellas con mensajes sociales, pero también realizó trabajos comercialmente lucrativos, desarrollando diseños de relojes para Swatch y una campaña publicitaria para Absolut Vodka.  En 1986, abrió Pop Shop en Soho, vendiendo mercancía con sus imágenes. Dijo que la intención era permitir que la gente tuviera acceso a su trabajo a bajo costo, pero muchos en el mundo del arte criticaron la empresa.

Dos años más tarde, a Haring se le diagnosticó sida y creó la Fundación Keith Haring para proporcionar fondos a organizaciones contra el sida y otras causas sociales. Murió en 1990 a la edad de 31 años.

“Era un hombre valiente y notable”, dijo Oaklander. “Estaba abierto sobre tener sida en un momento de estigma. Recaudó dinero para su fundación para apoyar las causas en las que creía. Quería ayudar a la humanidad”.


La imagen, cortada de la pared en un panel que incluye el interruptor de la luz, se subastará el próximo mes en Nueva Jersey. Fotografía: Cortesía Rago/Wright

Cuando los Garner llamaron a la puerta de la antigua casa de la familia Haring en 2004 para expresar su interés en comprarla, el entonces propietario mencionó de pasada que había un dibujo en una habitación que se creía que había hecho Keith Haring.

“Nuestros corazones comenzaron a latir muy rápido”, dijo Angela Garner, una trabajadora social. “Nos sorprendió que un artista de fama mundial viviera en la casa”.

La pareja invitó a Allen Haring, el padre de Keith, que todavía vivía en Kutztown, a la casa. Confirmó que su hijo dibujó la imagen y firmó una carta de autenticidad. Los Garner protegieron el dibujo con un panel de vidrio y lo atesoraron durante 18 años. “Ha sido parte de nuestra familia durante mucho tiempo, pero siempre pensamos que podríamos deshacernos de ella”, dijo Scott Garner, chofer de una limusina. “No hay mucho tráfico peatonal que pase por nuestra casa”.   Angela Garner dijo: “Creemos que pertenece a un museo. Cuenta una historia, es parte de la infancia de Keith Haring”. El producto de la venta ayudará a pagar los costos universitarios de su hijo.

La pareja dijo que fue un momento triste cuando quitaron la sección de la pared y la llevaron a la casa de subastas. “Pero es alentador pensar que algún día podremos verlo en Nueva York, París o Japón”.















 

lunes, 29 de agosto de 2022

POEMA




Visión Nocturna

Lucille Clifton






Suchitra Bhosle Artist











la chica encaja su cuerpo en
el espacio entre la cama
y la pared. ella es un tallo,
exhausta, ella hará algo
con esto. ella
arropará estos huesos con carne,
ella cultivará visión nocturna.
ella entrenará su lengua
a yacer quieta en su boca y escuchar.
la chica se queda dormida,
su sueño es rojo y rabioso.
ella recordará
que debe construir con él algo humano.












Night Vision

the girl fits her body in
to the space between the bed
and the wall. she is a stalk,
exhausted. she will do some
thing with this. she will
surround these bones with flesh,
she will cultivate night vision.
she will train her tongue
to lie still in her mouth and listen.
the girl slips into sleep.
her dream is red and raging.
she will remember
to build something human with it.






































































viernes, 26 de agosto de 2022

REMBRANDT Y SU RECETA SECRETA

 


Night Watch de Rembrandt y sus secretos

Daniel Boffey





La ronda de la Noche, Rembrandt 1642.  Rijksmuseum Museum




El análisis de la obra maestra del siglo XVII realizado por científicos de Dulux reveló varias formas de crear el empaste perfecto

Los secretos de la técnica pictórica de Rembrandt en La ronda de noche permanecen perdidos en el tiempo por ahora. Pero los investigadores encargados de resolver el misterio creen que al menos pueden haber obtenido algunas pistas sobre la receta perfecta para el trabajo en paredes.

Los científicos de AkzoNobel, los propietarios holandeses de las pinturas Dulux, han estado trabajando desde 2019 con los conservadores del Rijksmuseum de Ámsterdam en la restauración de la obra maestra de Rembrandt, construyendo una mejor imagen de cómo trabajaba el pintor del siglo XVII.

Un objetivo clave para Gerard van Ewijk, director de investigación y diseño de AkzoNobel, ha sido descubrir la receta utilizada por Rembrandt en su técnica de empaste, en la que la pintura se aplica en capas lo suficientemente gruesas como para que sobresalgan del lienzo. La vestimenta bien definida del teniente Willem Van Ruytenburch en la pintura, cuyo título completo es La milicia de la Guardia Nocturna bajo el mando del capitán Frans Banninck Cocq, es un ejemplo de cómo Rembrandt logró un efecto 3D tan innovador.

Sin embargo, las conclusiones de las investigaciones de Van Ewijk sobre la pintura plantean quizás más preguntas que respuestas. Estudios previos de un "pequeño cuadrado de pintura, más pequeño que un trozo de pintura" habían descubierto yema de huevo en el empaste, dijo Katrien Keune, directora de ciencia del Rijksmuseum. Se creía que la yema se mezclaba con aceite de linaza hervido y óxido de plomo para crear lo que Van Ewijk describió como una "especie de mayonesa".

Después de un trabajo intensivo en los laboratorios del Rijksmuseum y las instalaciones de AkzoNobel en las afueras de la capital holandesa, Van Ewijk descubrió que no había sido necesaria la yema de huevo para crear el mismo efecto. Una proporción de 30:70 de aceite de linaza crudo y blanco de plomo crea la pintura de empaste perfecta, planteando una receta alternativa perfectamente plausible a la que se suponía que se había utilizado anteriormente.

 

Detalle de La ronda de noche que muestra al teniente Willem Van Ruytenburch cuya indumentaria está pintada con la técnica del empaste. Fotografía: Peter de Jong/AP

“Incluso cuestionamos si el análisis anterior había sido correcto, pero creemos que el huevo definitivamente estaba allí”, dijo. "Hay varias recetas que podría haber usado... Creo que uno de los resultados es que en realidad no necesitas el huevo, por lo que sigue siendo un misterio por qué está ahí".

Pero no todo está perdido. Los arduos esfuerzos de Van Ewijk y su equipo no solo han ofrecido una visión de la gama potencial de enfoques abiertos al artista, sino que también han permitido avances en la creación de Polycell, la marca de relleno de pared de Dulux que se vende en el Reino Unido.

“Observar cómo obtuvo una pintura tan estructurada nos ayuda a comprender el relleno de paredes de una manera ligeramente diferente”, dijo Van Ewijk, citando las nuevas técnicas utilizadas por su laboratorio para examinar sus esfuerzos por replicar el empaste.

Los Científicos de AkzoNobel se propusieron recrear la receta de pintura de Rembrandt. 

El objetivo principal de la extensa investigación sobre The Night Watch había sido preparar su primera restauración en más de 40 años, después de cuatro tumultuosos siglos durante los cuales incluso estuvo escondido en un búnker en las dunas costeras al comienzo de la Segunda Guerra Mundial. El primer paso, antes de una decisión a finales de este año sobre si eliminar varias capas de barniz aplicadas a la pintura a lo largo de los siglos, había sido corregir la deformación del lienzo que se ve en su esquina superior izquierda.  Se cree que el daño se produjo durante la estancia de la pintura en el ala Philips del Rijksmuseum durante la renovación del edificio principal entre 2003 y 2013.

La pintura de 3,63 metros por 4,37 metros ahora se ha retirado de un bastidor de madera al que estaba sujeto con tachuelas de metal desde 1975 y se colocó en uno nuevo hecho de un material no reactivo. Se espera una decisión sobre los próximos pasos en diciembre.  AkzoNobel también ha estado asesorando al Rijksmuseum sobre la futura iluminación de la pintura y la mejor forma de fotografiar sus múltiples tonos de negro.

Petria Noble, jefa de conservación de pinturas en el Rijksmuseum, dijo que los experimentos de AkzoNobel habían descartado "por tonterías" algunas teorías previas de que Rembrandt había usado cera o raspaduras de pintura para crear la pintura de empaste grueso.

“Esta es una especie de información faltante que ha desconcertado a los historiadores e investigadores durante mucho, mucho tiempo, por lo que debe tomarla (paso a paso), yendo en la dirección correcta para descubrir qué está pasando”.


























 

jueves, 25 de agosto de 2022

EL RETRATO DE CHURCHILL

 


EL famoso retrato de Churchill robado y reemplazado por uno falso






Sir Winson Churchill por Yousuf Karsh, 1941. Fotografía: Yousuf Karsh/Camera Press








Un empleado del Château Laurier en Ottawa notó que algo andaba mal con el retrato de 'Roaring Lion' del fotógrafo Yousuf Karsh

La policía de Canadá está investigando el atraco "descarado" de un famoso retrato de Sir Winston Churchill después de que la fotografía original fuera cambiada misteriosamente por una falsa.

La semana pasada, un empleado del hotel Château Laurier en Ottawa notó que algo andaba mal con un retrato conocido como el “León rugiente”, que fue tomado después de que el líder de la guerra se dirigiera al parlamento canadiense en 1941.  El marco de la fotografía no coincidía con los otros cinco retratos en la habitación, todos los cuales habían sido tomados por el aclamado retratista armenio-canadiense Yousuf Karsh, cuyos sujetos incluían a Martin Luther King Jr, Albert Einstein, Ernest Hemingway y la reina Isabel II.  El hotel contactó a Jerry Fielder, quien supervisa el patrimonio de Karsh, para evaluar la firma en la huella sospechosa.

“He visto esa firma durante 43 años. Así que me tomó solo un segundo saber que alguien había intentado copiarlo”“Era una falsificación”.

Una vez que se descubrió el robo, se notificó a la policía de Ottawa y comenzó a investigar.

“Estamos profundamente entristecidos por este acto descarado”, dijo el hotel Fairmont en un comunicado, y agregó que estaba orgulloso de su “impresionante” colección de grabados de Karsh.

No está claro cuándo desapareció la foto de Churchill, que ha estado colgada en el hotel durante 24 años.

El hotel recibió 15 obras originales de Karsh, seis de las cuales estaban en el salón. Los cinco restantes se han retirado recientemente hasta que puedan asegurarse adecuadamente, dijo el hotel.

Fielder, quien trabajó de cerca con Karsh, dice que el fotógrafo tenía una larga relación con el hotel. Albergó su primera exposición en 1936 y él y su esposa vivieron en el tercer piso durante casi dos décadas. También tuvo un estudio en el sexto piso hasta 1992.  Karsh, que huyó del genocidio armenio con su familia y pasó gran parte de su vida en Canadá, era conocido por su maestría en la creación de imágenes, tanto en el estudio como cuando trabajaba con sus modelos.

“Para el tipo de personas que fotografió, podían detectar a un adulador o un farsante a una milla de distancia. Y cuando estabas con Yousuf, sabías de inmediato que él era real. Y creo que les permite a las personas sentir que pueden ser ellas mismas”“Simplemente tenía una manera con la gente y hacer que se sintieran cómodos”.

La imagen de Churchill con el ceño fruncido fue una “excepción”, dijo Fielder.

Después de ver a Churchill dar un discurso "electrizante" ante el parlamento canadiense en 1941, Karsh esperó en la sala de oradores la oportunidad de tomar un retrato de Churchill y el primer ministro canadiense, Mackenzie King. Pero cuando los dos entraron en la habitación con los brazos entrelazados, Churchill "gruñó", recordó más tarde Karsh.

Me acerqué tímidamente y dije: 'Señor, espero tener la suerte de hacer un retrato digno de esta ocasión histórica'. Me miró y me preguntó: '¿Por qué no me lo dijeron?'”.

Karsh recordó que Churchill encendió un cigarro nuevo, lo chupó "con un aire travieso" y luego cedió para permitir una sola fotografía.

“Regresé a mi cámara y me aseguré de que todo estuviera bien técnicamente. Esperé; siguió masticando vigorosamente su cigarro. Esperé. Entonces me acerqué a él y, sin premeditación, pero muy respetuosamente, le dije: 'Perdóneme, señor' y le quité el cigarro de la boca. Cuando volví a mi cámara, se veía tan beligerante que podría haberme devorado. Fue en ese instante que tomé la fotografía”.

El retrato, que “se volvió viral, pero de forma más lenta”, dijo Fiedler, se usó en el billete británico de cinco libras en 2016.

“Obviamente, este robo fue planeado con mucho cuidado. No sé si alguien, tal vez un súper fanático, quería que esto colgara en su sala de estar. Pero también es muy valioso. Asumí que fue robado por su valor”, dijo Fielder.  No se han permitido copias del trabajo de Karsh desde que sus negativos fueron entregados a Library and Archives Canada en la década de 1990.

“No permitimos reproducciones”, dijo Fielder. “No permitimos copias”.































miércoles, 24 de agosto de 2022

DAMIEN HIRST…FUEGO !

 


Damien Hirst está prendiendo fuego a su arte, y no es el único

Kyle Macneill



Iniciadores de fuego retorcidos... una efigie incendiada en el festival Burning Man. 






Desde incendios accidentales hasta incineraciones planificadas, nada enciende el calor del comercio mundial del arte como un incendio.

Es posible que Damien Hirst no esté molestando a los animales en estos días, pero su último truco, The Currency, ha causado un deleite y un desdén equivalentes. Después de haber creado minuciosamente 10.000 pinturas de puntos en 2016, Hirst ahora combina tres de las cosas más molestas del arte (autosabotaje, NFT y cantidades de dinero desorbitadas) al ofrecer a cada comprador un ultimátum: elija entre la versión digital o física y la otra se quemará hasta quedar crujiente. Debido a que la gente solo quiere ver arder el mundo, más compradores eligen mantener el NFT.

Para algunos, esta cremación ha sido fuente de inspiración; para otros, son miles de piezas de puntillismo que van sin sentido al incinerador. Independientemente, Hirst no es el primero en jugar con fuego; mientras ha habido arte, ha habido incendios provocados. Es probable que desde que el Homo erectus descubrió el elemento y los neandertales se volvieron artísticos, las llamas han reclamado cosas valiosas.

 

En el acto... Damien Hirst con parte de su arte intacto. Fotografía: Bolton & Quinn

Por supuesto, la mayoría de los incendios relacionados con el arte son accidentales. Debido a los materiales inflamables y los estudios peligrosos, el mundo del arte ha experimentado una gran cantidad de infiernos. La Escuela de Arte de Glasgow se ha incendiado dos veces en la última década, mientras que en 2004 el incendio del almacén Momart en Londres destruyó obras de arte británicas valoradas en unos 30 millones de libras esterlinas, incluyendo, irónicamente, obras de Hirst.

“Un evento como el incendio de Momart es bueno para revelar la forma en que el arte viaja metafóricamente sobre la alfombra”, dice el Dr. Jared Pappas-Kelley, autor de Solvent Form: Art and Destruction.  Argumenta que todos los objetos de arte tienen su propia destrucción latente dentro de ellos.

La reacción del público a ese incendio fue diferente de la simpatía mostrada tras los incendios de Glasgow. “Después del incendio de Momart hubo una respuesta casi alegre. Algunos lo vieron como un merecido cultural”. Hirst's fue uno de los primeros grandes nombres a los que se aferró el público. 

Si bien la mayoría de estos incendios y las reacciones están fuera del control de los artistas, otros se convierten en pirómanos accidentales. Tom de Freston, dando los toques finales a una colección de trabajos con el escritor sirio Prof. Ali Souleman, vio cómo su propio soplete incineraba la totalidad de su estudio. “Por varias razones, decidí quemar una serie de pinturas de manera ritual… prendiéndoles luz para poder crear”, explica. El fuego “realmente, se intensificó rápidamente” y 12 años de trabajo fueron destruidos en otros tantos minutos.

Sin embargo, algo nuevo se forjó en las llamas. Hubo “un período de dolor y luto… pero al mismo tiempo al día siguiente mirando el espacio quemado y viendo posibilidades en todas partes”. Esto condujo a una especie de alquimia, con De Freston convirtiendo la ceniza en nuevas pinturas y apreciando las piezas quemadas sin posibilidad de reparación como "objetos escultóricos asombrosos" que guardaban una historia secreta debajo del carbón místico. Un incidente similar le sucedió al estudioso de arte Jes Fernie, quien había arreglado el traslado de la escultura Ultrasauros de Heather e Ivan Morison a Colchester, pero la noche anterior el viaje del dinosaurio, se quemó. “Me sentí bastante molesto y molesto y preocupado por qué diablos iba a hacer”, dice Fernie. Sin embargo, al igual que con De Freston, surgió un lado positivo. "Entonces pensé, en realidad, estoy mucho más interesado en esto ahora que se ha quemado, ¿de qué se trata?" Condujo a la fundación del Archivo de la Destrucción, una línea de tiempo del arte destruido construida sobre la base de que hay algo "interesante sobre algo que existió y luego ya no existe o se transforma de alguna manera".

Es este potencial de transformación lo que ha llevado a artistas como Hirst a quemar su trabajo a propósito. John Baldessari prendió fuego a su propio trabajo; 10 grandes cajas de cenizas se almacenaron en una estantería para el resto de su carrera. “Para ser creativo, también tienes que tener destrucción con bastante frecuencia”, dijo después. “Es como la idea de un ave fénix resurgiendo de las cenizas”.

 

Dinero para quemar... fragmentos de la supuesta hoguera de 1 millón de libras encendida por KLF. 

Otros han hecho de la inmolación parte del arte desde el principio. En su Homenaje a Nueva York, Jean Tinguely crea una especie de artilugio de Rube Goldberg sobre la velocidad, un ensamblaje de ruedas, tambores, juguetes y una bañera que se enciende en el jardín del MoMA. Alfredo Jaar creó un museo del papel en Skoghall, un pequeño pueblo sueco, antes de quemarlo después de 24 horas. Una vez más, surgió algo nuevo: la indignación de la comunidad llevó a Jaar a ser invitado nuevamente para diseñar un centro cultural permanente. El año pasado, Urs Fischer quemó gigantescas esculturas de velas para un espectáculo en cámara lenta que se derritieron durante meses en piscinas amorfas de cera.

Esto concuerda con lo que Hirst pretende lograr; Si bien puede parecer más valiente quemar tu propio trabajo, es menos valiente cuando eres consciente del valor que crea. “Él es increíblemente inteligente acerca de cómo jugar el juego”, dice Fernie. “Está tratando de crear moneda (como el título de la obra). Él sabe que su valor está en declive: está utilizando la maquinaria de marketing y relaciones públicas para aumentar la actualidad de su identidad”. Potencialmente $ 20 millones mejor después del truco, es probable que tenga dinero para gastar.

Más allá de la ganancia monetaria, todas estas quemas intencionadas se basan en una verdad simple y elemental: el fuego es atractivo. Para Pappas-Kelley, un incendio da un "poco de deslumbramiento razzle" e involucra a la audiencia: "En teoría, nadie es neutral en estos incendios específicos: o lo provocas, intentas apagarlo o estás viendo el espectáculo". “La gente todavía está realmente interesada en un tipo visceral de experiencia física de destrucción”, piensa Fernie. Es por eso que la gente todavía se envuelve en temperaturas bajo cero para ver el incendio de Guy Fawkes; por qué Burning Man lleva el nombre de su efigie de fin de festival; o por qué los vaporizadores no son tan sexys como los cigarrillos. Tan fuerte es la atracción emocional del fuego y su capacidad para destruir algo de valor que también es una fuente de tabú.  Ropa por valor de 28,6 millones de libras esterlinas. La incineración es un derroche, un pecado ambiental, reservado a los privilegiados. 

En llamas... un Banksy quemado. 

Los críticos encuentran todo esto difícil de digerir. “Hay algo diferente entre quemar arte (el valor potencial) y quemar dinero… hay angustia cuando piensas en lo que podrías hacer con ese millón de libras”, dice Pappas-Kelley. “Está relacionado con el privilegio”, dice Fernies, recordando que sus propias creaciones de artesanía con billetes reales de 1 £ cuando era niña horrorizaban a su familia. Los propios KLF lamentan el acto; pero incluso en este caso se creó algo nuevo: El Ladrillo, una escultura creada a partir de las cenizas y expuesta en el Barbican.

Si bien la mayoría de nosotros no tenemos 1 millón de libras para quemar, ¿es una buena idea quemar tus propias cosas? Desafortunadamente, el fuego no es un plan para hacerse rico rápidamente. Como señala Fernie, un "chico de 15 años con un fósforo" que enciende algo es una "propuesta completamente diferente" de los artistas exitosos, mientras que "personas al azar quemando arte" desde su truco no lograron inspirar el mismo revuelo. “Cualquiera puede hacer fuego con papel”, señala.

Sin embargo, más allá del valor artístico o económico, hay algo emotivo en juego. Quemar algo tiene una cualidad catártica, realizada en el tropo televisivo de quemar malhumorado una foto de un ex. Si bien las NFT pueden ser parte del cambio del mundo del arte a lo digital, Fernie argumenta que la quema personal de posesiones todavía está viva y en buen estado: "Uno de mis hijos acaba de terminar sus A-levels y fue a la casa de alguien y tuvo una quema ceremonial de todos sus notas de revisión. Honestamente, fue brillante, todos lo estaban tirando al fuego”.

El 9 de septiembre, Hirst comenzará a quemar sus pinturas, lo que dará lugar a un incendio final para la feria de arte Frieze de Londres, que durará una semana y tendrá lugar en octubre. Se lo prometimos, él mismo asistirá al fuego de cierre, lo que le dará la oportunidad de ver al creador quemar $ 2.000 por arte pop. No aprobamos el robo, pero puede ser inteligente tomar algunas de las cenizas: podría embolsarse una fortuna.


































 

martes, 23 de agosto de 2022

SABINE WEISS: ESE OTRO PARÍS




La visión surrealista de París de Sabine Weiss







Vidriera de Printemps, París, Francia, 1953. Fotografía: Sabine Weiss




La imagen dramatiza los dos lados distintos del arte de Sabine Weiss. Weiss, nacida en Suiza en 1923, se había hecho un nombre como fotógrafa tomando fotografías de niños y personas sin hogar en las calles bombardeadas de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Por recomendación del célebre Robert Doisneau, que había visto su trabajo, fue contratada por Vogue Francia en 1953  para encargos de moda y retratos. A menudo, como aquí, encontró formas de hacer que esos dos mundos chocaran. Encargada de fotografiar la exhibición de la tienda de los grandes almacenes Printemps, su cámara fue atraída hacia el hombre dormido en la acera afuera. La fiesta en el jardín del escaparate, con este encuadre, se convirtió en una especie de pintura surrealista o un sueño de resaca febril, sombreros y sillas al azar que se vislumbraban.

Weiss murió a fines del año pasado, a los 97 años. Esta imagen aparece en un nuevo libro y retrospectiva de su obra pionera, llamada La poesía del instante. Vivió durante 70 años en un pequeño estudio detrás de algunas de las casas más grandes del distrito 16 de París. Por las noches, a menudo con su esposo, el pintor estadounidense Hugh Weiss, vagaba por el vecindario en busca de fotografías. A los 93 años, señaló que “nunca saldría de casa diciéndome: 'Hoy voy a fotografiar algunos vagabundos'. Todo lo que hice fue una reacción rápida y espontánea a lo que sucedía a mi alrededor”.


Su cámara le dio un pasaporte a lugares y vidas a veces de difícil acceso para una mujer en la década de 1950. Tenía un principio periodístico singular: “Cada vez que veía una puerta marcada con un cartel de prohibido el paso, siempre la abría”. El resultado, en miles de imágenes, fue una especie de singular visión entre bastidores de París mientras intentaba redescubrir su humanidad y su corazón después de la guerra.