PAULA REGO: HOY SUBASTA

 

La 'obra maestra' de Paula Rego batirä récord hoy en  Sotheby's ?

 

 

 

 

Meadow, de Paula Rego, se subastará en Sotheby's  hoy martes. Fotografía: Michael Bowles/Sotheby's

 

 

Meadow tiene una estimación inicial máxima de alrededor de £ 3 millones, a medida que el trabajo de Rego sobre género y aborto encuentra nuevas audiencias

Una “obra maestra” de Paula Rego será subastada en Sotheby's y podría establecer un nuevo récord para la artista. El desafiante trabajo de Rego sobre el aborto, los roles de género y la violencia doméstica ha encontrado nuevas audiencias en una era en la que la identidad es reina. Desde su muerte en 2022, el precio récord de una de sus obras en una subasta ha aumentado significativamente, pasando de 1,1 millones de libras esterlinas en 2015 a un nuevo récord de poco más de 3 millones de libras esterlinas en Christie's en octubre del año pasado. 

Meadow, que está en el mercado por primera vez desde que fue comprada en 1997 después de su exposición en la galería Marlborough de Nueva York, podría mejorar  con una estimación inicial máxima de alrededor de £ 3 millones.

Emma Baker, directora de venta nocturna de arte contemporáneo de Sotheby's, calificó la obra como una "obra maestra" y típica del amor de Rego por jugar con los roles de género, al tiempo que hizo referencia a la historia del arte, específicamente a Escipión de Cézanne. Ella cree que el interés en Rego está alineado con un cambio social más general, en el que las cuestiones del empoderamiento femenino, el movimiento #MeToo y la anulación de Roe v Wade en los EE. UU. obligan a que sus temas se conviertan en algo común.

“Algunas de sus fotografías son duras, especialmente aquellas que confrontan imágenes del aborto”, dijo Baker. “Pero las actitudes hacia los temas más contundentes están cambiando. Durante la última década ha habido un cambio real y estas cuestiones están saliendo a la luz; estos están a la vanguardia de nuestro diálogo contemporáneo”.

La subasta es el último hito en el resurgimiento de la carrera de Rego, quien, desde su muerte, se ha convertido no sólo en una artista muy solicitada en el mercado, sino también en objeto de varias exposiciones importantes.

Poco antes de su muerte, Rego tuvo una retrospectiva de su carrera en la Tate Britain en 2021. A finales de este año habrá otra exposición importante en el Kunstmuseum Basel, la primera en suelo suizo. Al mismo tiempo, el Museo Holburne presenta una exposición que presenta el trabajo de Rego junto con el de Francisco de Goya, llamado Uncanny Visions.

Chris Stephens, director del Museo Holburne, dijo que había habido un gran cambio en el interés no sólo hacia el trabajo de Rego sino también hacia el de otras artistas femeninas que abordaron temas de identidad.

Stephens dijo que cuando trabajaba en la Tate en 2004 hubo una conversación sobre la posibilidad de presentar un importante espectáculo de Rego. Al final, se decidió poner algo más pequeño, con la opinión predominante de que su trabajo parecía demasiado específico.

"Ahora el mundo del arte tiene un conjunto de valores más ecléctico en términos de lo que creemos que es bueno", dijo Stephens. “Hace veinte años, cuando las YBA estaban en su apogeo, los artistas figurativos que trataban temas alegóricos parecían un poco anticuados”.

Nacida en 1935 en Portugal, Rego se mudó a Londres en la década de 1950 para asistir a la Slade School of Fine Art , donde pasó a formar parte del London Group junto a David Hockney y Frank Auerbach.

Sus primeros trabajos fueron a menudo abiertamente políticos y abordaron al dictador portugués Salazar y su régimen, mientras que sus trabajos posteriores profundizaron en los cuentos de hadas, el género y, el famoso aborto. La Serie sobre el aborto de 1988, que describía los peligros de penalizar el aborto, se realizó en respuesta a un referéndum legislativo fallido en Portugal y se considera un punto de inflexión clave en el cambio de opiniones sobre el tema en el pa

La compleja obra de Rego volvió a los temas del trauma y la opresión, pero también se inspiró en las películas de Walt Disney y fue una ávida seguidora del club de fútbol Benfica .

Como dijo una galerista después de su muerte: " Ella siempre ha estado en esto y nosotros hemos estado detrás ". Pero estar a la vanguardia de la expresión artística no significaba que Rego fuera popular entre los coleccionistas.

Sus temas de trauma, aborto y violencia crearon un trabajo desafiante y explícito que algunos coleccionistas encontraron “ más adecuado para un museo que sobre la mesa del comedor ”, según un escritor.

Pero Baker cree que los gustos han cambiado y ahora los coleccionistas y las instituciones están más abiertos a su desafiante trabajo. “Ha llegado su hora”, dijo Baker.

“Es una artista que se está ganando la reputación de figura importante del siglo pasado. Su facilidad y talento como pintora de la figura es innegable y realmente no hay otros artistas de la época así”.

La venta nocturna moderna y contemporánea de Sotheby's será el 25 de junio; Uncanny Visions: Paula Rego y Francisco de Goya estarán en el Museo Holburne del 27 de septiembre de 2024 al 5 de enero de 2025

 

POEMA

Penélope

Dorothy Parker

B.J. Artist.

En el sendero del sol,

en las huellas de la brisa,

donde mundo y cielo son uno,

él cabalgará los mares plateados,

cortará la ola refulgente.

Yo me sentaré en casa, y me meceré;

me levantaré, para atender la llamada de un vecino;

me prepararé un té, y cortaré el hilo;

lavaré las sábanas de mi cama.

Y a él lo llamarán valiente.

Penelope

In the pathway of the sun,

In the footsteps of the breeze,

Where the world and sky are one,

He shall ride the silver seas,

He shall cut the glittering wave.

I shall sit at home, and rock;

Rise, to heed a neighbor’s knock;

Brew my tea, and snip my thread;

Bleach the linen for my bed.

They will call him brave

TIZIANO A SUBASTA

 

Pintura histórica de Tiziano encontrada en una parada de autobús de Londres, a subasta

 

 

Detalle de El descanso en la huida a Egipto de Tiziano (1508). Fotografía: Christie's

 

 

Se espera que la obra del maestro del siglo XVI alcance entre £15 y £25 millones cuando salga a la venta en Christie's.

Una pintura muy codiciada del maestro renacentista Tiziano que fue robada en 1809 y luego nuevamente en 1995, después de lo cual fue descubierta en una bolsa de plástico en una parada de autobús de Londres, se subastará en julio.

Se cree que el pintor veneciano creó Descanso en la huida a Egipto en 1508, cuando apenas tenía 20 años. Pintada sobre un panel de madera de 2 pies de ancho, la pintura representa a la Virgen María acunando a Jesús cuando era un niño con José mirando.

Fue documentado por primera vez en la colección de un comerciante de especias veneciano a principios del siglo XVII y durante los siglos siguientes ha sido propiedad de varios aristócratas, emperadores y archiduques de toda Europa.

Fue comprado por el cuarto marqués de Bath en una subasta de Christie's en 1878, y ahora lo vende la misma casa de subastas en Londres el 2 de julio en nombre del último marqués. Se espera que alcance entre 15 y 25 millones de libras esterlinas.

La pintura ha sido robada dos veces a lo largo de su historia: primero en 1809 del Palacio Belvedere en Viena por las tropas de Napoleón Bonaparte y luego a mediados de la década de 1990, cuando fue saqueada de Longleat House, la sede de los marqueses de Bath, en Wiltshire.

Un artículo en el sitio web de Christie's decía que la pintura era "apreciada por su escena de afecto familiar de colores vivos dentro del mundo natural" y que, "al igual que sus temas, El descanso en la huida a Egipto ha recorrido un viaje largo y lleno de acontecimientos. un viaje que está lejos de terminar”.

La parte más colorida de ese viaje hasta ahora fue quizás cuando la pintura fue sacada del salón del primer piso de la casa señorial Longleat en 1995. Después de una búsqueda de siete años, la pintura, valorada en más de £ 5 millones en ese momento, fue encontrado en una bolsa de plástico en una parada de autobús en Richmond por Charles Hill, exjefe de la unidad de arte y antigüedades de Scotland Yard.

Hill, que murió en 2021, dijo que lo había llevado al lugar un hombre al que describió como un cruce entre Arthur Daley y Lovejoy, los personajes rebeldes de dos series de televisión que se emitieron en las décadas de 1980 y 1990, a cambio de 100.000 libras esterlinas. premio. Hill también era conocido por ayudar a encontrar la versión de 1893 de El grito de Edvard Munch después de que fuera robada del Museo Nacional de Oslo en 1994.

 

MARY CASSATT Y LOS CLICHÉS

 Mary Cassatt at Work: un espectáculo impresionante que elimina los clichés.

 Eliza Goodpasture

Tocando... Caricia materna de Mary Cassatt, 1896. Fotografía: Timothy Tiebout/Museo de Arte de Filadelfia

Esta exposición excepcional rinde homenaje a una impresionista pionera (una del grupo original) que se tomó en serio el trabajo de las mujeres de su época.

Las pinturas de madres y bebés de Mary Cassatt fueron relegadas a la categoría intocable de “sentimiento” por los críticos e historiadores del arte del siglo XX. Ahora muchas personas las conocen más como tarjetas del Día de la Madre que como obras de arte. Pero los críticos del siglo XIX comentaron sobre la falta de sentimiento en el trabajo de Cassatt, destacando su intensidad y audaz descripción de la intimidad. Este cambio radical en el consenso crítico es característico de las narrativas sobre el trabajo de las mujeres. Refleja la forma en que nuestra comprensión actual de la historia del arte –particularmente desde el impresionismo en adelante– está determinada por las fuertes opiniones de unos pocos críticos vocales.

Este año es el 150 aniversario de la primera exposición impresionista en 1874 y, aunque Cassatt no se unió al grupo hasta 1877, el aniversario también es relevante para ella, ya que fue una de las expositoras habituales durante los ocho años de existencia organizada del grupo.  Ella era la única estadounidense en el grupo y Degas, quien siguió siendo su amigo de toda la vida, la invitó a unirse. Es una historia notable en muchos niveles: sorprendente que una mujer que busca el éxito profesional decidiera unirse a un grupo de vanguardia, y sorprendente que su trabajo fuera tan sorprendente como para merecerle una invitación. Pero su legado no ha sido plenamente adoptado ni por el impresionismo francés ni por el modernismo estadounidense.

Señora Cassat leyendo a sus nietos. M. Cassat

Cassatt at Work, una exposición en el Museo de Arte de Filadelfia, busca cambiar eso, trayendo a Cassatt a su hogar en Filadelfia para una intervención crítica atrasada. Una de las curadoras, Laurel Garber, me dijo que ella y su equipo no se propusieron montar una retrospectiva tradicional de Cassatt. En cambio, su muestra tiene un argumento que va más allá de la biografía: tomar en serio a Cassatt como un artista profesional cuya ética de trabajo fue excepcional. Es paralelo a nuevas intervenciones críticas en el arte histórico realizadas por mujeres que las sitúan como artistas profesionales, no como aficionadas, como Now You See Us: Women Artists in Britain, 1520-1920 , en la Tate Britain de Londres.

La exposición de Filadelfia se centra especialmente en las ambiciosas exploraciones de Cassatt en diferentes medios. Comienza con una pintura, un pastel y un grabado, pidiendo al espectador que observe de cerca los tres métodos artísticos principales de Cassatt. A partir de tres años de intenso trabajo de investigación y conservación de las 84 obras de Cassatt del museo, 36 de las cuales están expuestas, comienzan a emerger los procesos minuciosos e iterativos de la práctica de Cassatt.

La mayoría de las secciones están organizadas según el tema, pero una se centra exclusivamente en su grabado. Se presenta su famoso Juego de Diez, pero las verdaderas estrellas son una serie de 12 que funcionan como borradores para The Bath. Comenzando con una composición de líneas monótona e inacabada, cada iteración gana detalle, color y dimensión. Si bien era normal que los impresores entintaran y prensaran sus planchas mientras aún estaban trabajando en ellas para ver cómo quedaban, era mucho menos común conservar todos los borradores e incluso firmarlos. La elección de Cassatt de hacerlo habla de su orgullo por su propio trabajo artístico y de su fascinación por el proceso de grabado. Al verlos a todos juntos, casi podía imaginarme junto a ella en el estudio, pensando en la siguiente tarea.

Innovador... En el Loge, 1879, pastel con pintura metálica dorada sobre lienzo. 

Fotografía: Museo de Arte de Filadelfia

A lo largo de las secciones, los textos de la pared nos recuerdan que la mayoría de las figuras que estamos viendo eran modelos pagados. Es fácil suponer que Cassatt simplemente estaba rodeada de mujeres que hacían trabajos propios de mujeres: cuidar niños, coser, hospedar, embellecerse. Y si bien ese pudo haber sido el caso, los curadores se esfuerzan por comunicar que ella no se limitó a pintar su vida. Pagó a sus sujetos como el resto de los impresionistas y los eligió con determinación. La implicación de que, si no lo hubiera hecho, su trabajo habría sido menos moderno, más amateur, no se menciona.

Sin embargo, claramente respetaba lo que representaba: al igual que su actitud hacia su propio trabajo como artista, Cassatt se tomaba en serio el trabajo de las mujeres. La naturaleza iterativa de su propia práctica artística hace eco de las interminables y repetitivas tareas de crianza de los hijos y trabajo doméstico a las que regresaba una y otra vez. La cuestión de si este tipo de trabajo es “moderno” o “modernista” impregna la exposición, tal como ha impregnado los estudios sobre el arte de mujeres del siglo XIX y principios del XX desde su inicio.

Vanguardia doméstica... The Bath, 1890-1891.

 Fotografía: 1932 1287/Museo de Arte de Filadelfia

¿Puede el servicio doméstico ser moderno, o de hecho puede ser moderna una mujer, cuando no es ni trabajadora sexual ni camarera? El modernismo de Manet, Degas, Toulouse-Lautrec y otros artistas fácilmente comparados con Cassatt dirían que no. “La modernidad es lo transitorio, lo fugaz, lo contingente”, dijo Baudelaire, quien pensaba que la mejor forma de observarla era a través de un flâneur que vagaba en los espacios liminales de la sociedad entre la respetabilidad y la depravación.

En este contexto, es aún más radical seguir una carrera de vanguardia a través de temas domésticos y femeninos. Cassatt no es ni la primera ni la última artista que queda fuera de los límites del modernismo debido a su temática, a pesar de su estilo innovador. Su trabajo habla por sí solo: es excepcional. Su claro deleite por ello, tanto terminado como en proceso, impregna la exposición. En letras grandes en la pared de una galería, sus palabras están impresas: “¡Oh, qué ganas tengo de ponerme a trabajar, me pican bastante los dedos!”

La actitud de Cassatt trasciende la malicia de críticos e historiadores en el siglo transcurrido desde su muerte. Tenemos la suerte de contar con su visión decisiva de lo que significa ser artista.

 

CELEBRANDO LA FOTOGRAFÍA

'La pintura ha muerto': celebrando un nuevo aniversario de la fotografía

Emma Beddington

Captando el momento: ¡más de un siglo después de nuestras primeras instantáneas! 

Fotografía: Wiliam Wegman

Diversas, sensacionales y protagonizadas por fantasmas, las primeras imágenes no eran como podríamos imaginarlas

'Desde hoy la pintura está muerta!' Así saludó horrorizado el artista francés Paul Delaroche una de las primeras fotografías. No lo fue, pero celebrando el 150 aniversario de la fotografía en 1989, la revista Observer exploró cómo este "nuevo invento milagroso" cambió nuestra forma de ver.

• Los retratos de las cartes de visite se hacían en los talleres de los fotógrafos.
  
  

En los años 1860 se vendían millones de ellas. Las llamadas ‘cartes de visite’ – tarjetas de vista –  fueron la primera industria popular de comunicación de masas, barata y asequible, de la historia moderna.

Cartes de visite, una de las primeras imágenes masivas asequibles, desafía el cliché de la fotografía victoriana. En lugar de un paterfamilias bigotudo vestido con sus mejores galas dominicales, rígido y serio como lo exigen las exposiciones prolongadas, muestran una sorprendente diversidad y un gusto por las sensaciones. Alexandra, princesa de Gales, lleva a su hija a cuestas; un chico con el trasero desnudo recibe una bofetada; hay gigantes, cabezas cortadas, niños barbudos, deshollinadores y celebridades.

Alexandra, princesa de Gales, lleva a su hija a cuestas

Otro artículo exploró el engaño visual de la fotografía victoriana de "espíritus": fantasmas, demonios, espectros y presencias espectrales. Las apariciones se evocaban con técnicas sencillas que incluían exposición múltiple, montaje y doble impresión. Esta "parafernalia del engaño" pasó gradualmente de ser un truco de estafador a un inocente entretenimiento familiar antes de instalarse en la publicidad, el arte y la naciente industria cinematográfica.

Las más cautivadoras son las fotografías espontáneas de "gente corriente" tomadas por Paul Martin, un Martin Parr del siglo XIX que utilizaba equipos más ligeros y menos engorrosos para capturar a la gente en el trabajo y especialmente en el juego. Fotografías de hombres y mujeres durmiendo una siesta, bañándose y abrazándose en la playa de Yarmouth desafiaron la desaprobación de una revista fotográfica de 1898, que reprendía a los "demonios de las cámaras de mano que fotografían a mujeres cuando salen de su baño matutino".

“El pictorialismo nunca tuvo para mí el mismo interés que la instantánea real es decir, las personas y las cosas tal como las ve el hombre de la calle”. Pablo Martin

La edición especial se cerró con 'Room of My Own' de la legendaria fotógrafa del Observer Jane Bown. El editor Luke Dodd explica la posición única que Jane Bown creó para sí misma a lo largo de su carrera.  "Los fotógrafos no deben ser vistos ni oídos."

Picnic del Cartero. Jane Brown ( 1966)

DINOS EN VENTA

 Gran oportunidad en venta: huesos de dinosaurios 

David Hone

Esqueleto de estegosaurio en Colorado, EE. UU. Fotografía: Matthew Sherman/Sotheby's

Incluso si se piensa que así es como funcionan los mercados, es difícil digerir el comercio ilegal que fomenta y las consiguientes pérdidas para la ciencia.

El mes pasado se anunció que un esqueleto recién descubierto del icónico dinosaurio Stegosaurus se subastaría, con un precio de venta esperado de alrededor de 6 millones de dólares. En muchos países (o partes de ellos), es totalmente legal desenterrar y comprar o vender fósiles, incluida su exportación. Sin embargo, la mayoría de los paleontólogos consideran que se trata de objetos científicos y, como tales, dignos de protección, y, comprensiblemente, preferirían verlos no en manos de coleccionistas privados, sino en museos, donde estarían protegidos y disponibles para su estudio.

El fósil de Stegosaurus 'Apex' está valorado entre 4 y 6 millones de dólares. Fotografía: Matthew Sherman/Sotheby's

Aunque las colecciones públicas compran fósiles cuando pueden permitírselo (el espécimen de Dinosaurios en duelo fue recientemente al Museo de Ciencias Naturales de Carolina del Norte después de una campaña benéfica de recaudación de fondos), la mayoría de ellos son simplemente inasequibles. 

Los museos no pueden gastar millones en cada cráneo de dinosaurio que sale a subasta, lo que significa que fósiles científicamente importantes aparecen brevemente en el sitio web de la casa de subastas y en los medios de comunicación y luego desaparecen en la casa de un coleccionista y nunca más se vuelven a ver. Y hay muchos que ni siquiera llegan a la subasta pública.

Pero, ¿tiene la ciencia derecho a reclamar el monopolio de tales hallazgos? ¿Deberían los países o regiones cambiar sus leyes para reflejar esto? ¿Seguramente los propietarios privados tienen derechos sobre las cosas que se encuentran en su propiedad?

Independientemente de sus opiniones sobre la propiedad privada frente a la pública, es imposible ignorar el efecto del comercio de fósiles, ya que inevitablemente fomenta la excavación y exportación ilegal desde países que han prohibido dichas ventas. La atención de los medios prestada a cada nuevo esqueleto caro que sale a la venta, y programas de televisión como Dino Hunters, que se centran en el valor en dólares de cada hueso encontrado, sólo han añadido más leña al fuego. Hay coleccionistas privados éticos que donan material a museos o los ofrecen a precios reducidos y trabajan con ellos, pero hay muchos otros que no lo hacen.

Ha habido muchos casos destacados de especímenes recolectados y transportados ilegalmente, y sólo unos pocos de ellos son encontrados o repatriados. Cuando un solo ejemplar puede costar millones, es inevitable que los delincuentes exploten las fronteras débiles. Por el momento, no esperamos que el inspector de aduanas promedio conozca las leyes estatales, nacionales o internacionales sobre rocas o fósiles, además de sus esfuerzos contra tipos de contrabando más comunes y apremiantes.

Imagen de estegosaurio generada por computadora : MR1805/Getty Images/ iStockphoto

Como paleontólogo, es deprimente estar en una excavación y encontrar constantemente huesos rotos donde los cazadores furtivos han destruido un cráneo para arrancar los valiosos dientes, o ir a una feria comercial y ver hileras de especímenes de países que tinen una estricta y absoluta prohibición de cualquier excavación o exportación. Incluso los especímenes que se han comercializado legalmente han sido objeto de escrutinio por contener muy pocos huesos originales (los esqueletos incompletos a menudo se complementan con huesos de reemplazo extraídos de otros especímenes), y he visto algunas afirmaciones extrañas y quizás exageradas sobre los fósiles que están a la venta. La ironía es que estas afirmaciones no están verificadas ni estudiadas por los científicos precisamente porque el material está en manos privadas y no está disponible para la investigación. Eso da a algunos una licencia creativa para exagerar el fósil y afirmar que resuelve alguna cuestión científica o es el primer registro de alguna característica o condición, pero se hace para aumentar el precio y, en una ironía adicional, hace que sea más improbable que sea así asequible para cualquier museo.

No todos los fósiles son científicamente valiosos. Muchas cosas, como pequeños amonites y dientes de tiburón, o pequeños fragmentos de huesos, son tan numerosos que los científicos pueden acceder a miles si lo necesitan. Pero miles de ellos tienen un valor increíble y muchos están desapareciendo en manos privadas. Incluso si uno apoya firmemente la idea de que todo esto está bien y que así es como funcionan los mercados, seguramente es difícil tolerar el comercio ilegal de propiedades de otros países que continúa.

Incluso cuando el material es confiscado y repatriado, su valor puede ser muy limitado. No hay información (o ninguna confiable) sobre exactamente de dónde vino y, por lo tanto, qué edad tiene, qué otros hallazgos provienen de allí o cómo fue tratado el espécimen antes de llegar a un museo. Así que incluso la recuperación de fósiles comercializados ilegalmente aporta poco a la ciencia.

Es difícil que esto se detenga pronto. Y también es difícil no estar triste al ver fósiles increíbles que podrían contribuir al conocimiento mundial sobre este planeta y su historia, siendo publicitados por su valor científico cuando lo más probable es que terminen en una oficina de Silicon Valley.

Los fósiles son un recurso finito de extensión desconocida. Es posible que nunca desenterremos otro estegosaurio, o que nunca encontremos uno tan grande o completo como este, y los museos generalmente no pueden encontrar millones de dólares en poco tiempo. Incluso si éste termina en una colección pública, será inusual en ese sentido. No es difícil sentir la frustración de un científico que observa cómo se pone a la venta un hallazgo paleontológico premiado.

El Dr. David Hone es profesor de zoología en la Universidad Queen Mary de Londres y se especializa en dinosaurios y pterosaurios.