Vanessa Bell: la figura de Bloomsbury
Vanessa Bell (1879–1961)
Habitualmente relegada a los roles de anfitriona, amante o musa, el
espíritu independiente de la pintora brilla a través del poder de los patrones
y colores en esta, la exposición individual más grande jamás dedicada a su
obra.
Vanessa Bell me ha seducido. No me ha ofrecido nada más elegante que unas botellas y un cuenco, junto a una ventana que da a tejados de terracota y colinas boscosas. El marco de la ventana se extiende justo por dentro del marco del cuadro, apretando la mesa y su contenido en una estrecha franja. El sólido frasco azul es claro como un cielo de Cornualles en mayo, la delicada botella con tapón tiene el color de un mar en pleno verano. Más allá de la claustrofobia de la habitación se encuentran edificios bañados por todos los intensos tonos rojos y rosados de un jardín de rosa
Aunque Vanessa provenía de una familia prominente en ese momento, quizás su pariente más conocido hoy en día sea su hermana menor Virginia Woolf (de soltera Stephen). Virginia Woolf fue una novelista inglesa que ahora se considera una de las figuras más influyentes del modernismo del siglo XX . Vanessa fue una defensora del trabajo de su hermana menor. Incluso diseñó todas las cubiertas de los libros de Virginia. Aunque a algunas personas no les gustaron las cubiertas de los libros de Vanessa, incluido el esposo de Virginia, Leonard Woolf, las hermanas continuaron trabajando juntas una y otra vez. Colaborar de esta manera fue una muestra constante de su apoyo fraternal mutuo y de su dedicación artística a lo largo de toda la vida. Estas cubiertas de libros también son un reflejo de cuán prominentemente trabajaron ambas hermanas con el grupo Bloomsbury .
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Los amigos de Vanessa y los miembros de su familia se convertirían en lo que se conoce como el grupo de Bloomsbury. El grupo de Bloomsbury era una colección de artistas, escritores e intelectuales de la Inglaterra de principios del siglo XX que tuvo un gran efecto en las teorías del posimpresionismo, la forma significativa y el modernismo . Vanessa sería una figura clave a la hora de fomentar las conexiones y proporcionar un entorno seguro dentro del grupo.
En 1907, Vanessa se casó con Clive Bell (1881-1964), un crítico de arte inglés, que regresó a Londres después de estudiar historia del arte en París. Como la mayoría de los hombres de Bloomsbury, Clive se educó en el Trinity College de Cambridge y se movía en los mismos círculos sociales que la mayoría del Friday Club de Vanessa. Terminaron teniendo dos hijos juntos, Julian y Quentin, ambos escritores.
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Su nombre, Bell, es muy acertado. En sus mejores momentos, sus colores resuenan con claridad, contrastando entre sí y sin dejar de ser distintos. Ella se deleita en ello, pero los espacios que evoca están vividos. No se trata de una simple naturaleza muerta, sino de un espacio para cuerpos, un hogar. A pesar de toda su riqueza tonal, las limitaciones del espacio interior también delinean la posición de Bell: una madre joven que mira a través de la ventana hacia un mundo en el que no puede moverse con libertad.
¿Es Vanessa Bell la artista más famosa cuya obra apenas conoces? De entrada, sólo puedo imaginarme unas pocas pinturas: un melancólico autorretrato tardío bajo un amplio sombrero de paja, un tierno boceto temprano de su hermana Virginia Woolf, un retrato salvaje y carnoso de David “Bunny” Garnett, con el rostro sonrosado y el pelo resplandeciente por el trabajo en la granja. Gracias a sus asociaciones (con el Grupo Bloomsbury, los Talleres Omega, Charleston House ), Bell es sin duda un “nombre”, pero una persona cuya vida siempre amenaza con eclipsar su arte.
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A girl reading, 1932 |
Bell parecía condenada a desempeñar un papel secundario en la historia de su propia vida: como anfitriona, inspiración, amante, madre. Su arte es más conocido en forma de fragmentos que ilustran las historias de otras personas: la de Woolf, la pareja de Bell, la de Duncan Grant y la de Roger Fry, el amigo (y amante ocasional) con quien ella y Grant dirigieron los Talleres Omega. En orden cronológico aproximado, Un mundo de forma y color es la exposición más grande que se centra únicamente en Bell. Más de 60 años después de su muerte, finalmente ha adquirido la energía de un personaje principal.
Vanessa Bell, autorretrato, c1958. Fotografía: Charleston Trust/© Estate of Vanessa Bell.
En medio del tumulto de principios del siglo XX, Bell se abre al cambio y a la experimentación. Sus impecables primeros retratos tienen la claridad fresca de su tutor, John Singer Sargent. Fuera del lienzo, Bell ya era un espíritu independiente y organizaba un progresista Club de los viernes para artistas y escritores.
En 1910, Roger Fry organizó la primera de dos exposiciones en Londres de pintores postimpresionistas, entre ellos Cézanne, Gauguin, Matisse y Van Gogh. El nuevo arte provocó tanto burla como indignación. Bell, ya radicalizada, se entusiasmó con las posibilidades pictóricas.
Su obra más dinámica y llena de energía llegó en la década siguiente. Jugó con deleite con el puntillismo en un retrato de Fry (en sus palabras, pintado al “estilo leopardo”), y experimentó con el collage en la sorprendente Naturaleza muerta (Triple alianza) de 1914. Grandes extensiones de color intenso entraron en sus pinturas, a medida que el espacio dentro de ellas se hacía más superficial. El rectángulo de un lienzo o tablero era una zona de libertad que contrastaba con las restricciones que había más allá, incluso para una mujer rica como Bell. En Nursery Tea (1912), retrata la estructura doméstica que le permite pintar: dos niñeras con delantales impecables atendiendo a los niños de Bell en sus sillas altas.
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En 1913, Bell obtuvo una mayor libertad pictórica gracias a los talleres Omega, para los que diseñó alfombras y textiles. Incursionar en artes decorativas “menores” fue una transgresión, pero abrió a Bell a los patrones y la abstracción, al poder de la línea y el color. Esa libertad infecta sus pinturas: en A Conversation (1913-16), tres mujeres se elevan como una cadena montañosa de abrigos oscuros, con sus rostros angulosos inclinados intensamente uno hacia el otro.
En 1916, Bell alquiló una casa de campo en Charleston, Sussex, con sus dos hijos (en 1918 nació una niña), Grant y su amante Garnett, ambos objetores de conciencia, que pasaron los años de la guerra realizando trabajos manuales. Bell y Grant conjuraron la belleza con un presupuesto muy reducido: colores y patrones sobre cada superficie, figuras extravagantes pintadas sobre paneles y arcones. Aquí se incluyen puertas y biombos de Charleston, así como un trío de retratos en los que la casa actúa tanto como personaje como la retratada.
Históricamente, las artistas mujeres han sido condenadas como copistas en lugar de impulsoras de la innovación, y la apertura de Bell a la inspiración se ha tomado como evidencia para condenarla. La amplia extensión de su obra aquí ofrece, en cambio, formas más útiles en las que podemos valorar y celebrar a Bell.
Su modernismo no fue sólo pictórico. Hay tres fabulosos desnudos masculinos (un tema radical para una pintora) en los que los modelos eran los amantes de Grant. Sus últimas obras se sitúan en un mundo pintado de su propia creación: Naturaleza muerta con un cuenco de nísperos (1953) muestra frutas que ha cultivado sobre una mesa estampada que ha pintado. A los artistas de hoy les gusta hablar de “construcción de mundos” conceptuales. Bell lo vivió.
A World of Form and Colour se exhibirá en la MK Gallery de Milton Keynes del 19 de octubre al 23 de febrero
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