jueves, 14 de noviembre de 2024

ENRIQUE VIII "ASESINO SERIAL Y ABUSADOR"

 

"Enrique VIII es un asesino en serie y abusador": ¿por qué Gran Bretaña sigue tan obsesionada con los Tudor?

 Zoe Williams

 


Capas de engaño y verdad… Mark Rylance y Damian Lewis en Wolf Hall: The Mirror And The Light.




Inglaterra adoptó hace tiempo la versión de los hechos basada en los prejuicios y las neurosis de la época victoriana. Pero ¿qué hay detrás de la avalancha de versiones del siglo XXI, incluida la nueva serie de televisión The Mirror and the Light?

La adaptación televisiva de la tercera novela de Wolf Hall,  de Hilary Mantel –The Mirror and the Light– llegó el domingo a BBC One con excelentes críticas. “Seis horas de magia”, fue el veredicto. La serie había sido esperada con ansias, pero no con tanta ansia como el libro en sí. Las legiones de fanáticos de Mantel esperaron ocho años desde la publicación de Bring Up the Bodies para que llegara el final en 2020.

Wolf Hall, la primera parte de la trilogía, se publicó en 2009. Cayó en terreno fértil, si por “fértil” se entiende “obsesionado con los Tudor”. La BBC estaba a mitad de la emisión del deslumbrante drama Los Tudor, y uno de los productores defendió con firmeza el radical cambio de imagen de Jonathan Rhys Meyers –delgado y elegante como Enrique VIII, que no era ninguna de esas cosas– diciendo: “Queremos que siga siendo atractivo”. ¿Por qué, si no lo era? Ya hablaremos de eso en breve.


'Seis horas de magia'… Thomas Cromwell (Mark Rylance) y Enrique VIII (Damian Lewis) en El espejo y la luz. Fotografía: Nick Briggs/BBC/Playground Entertainment

En 2013, la BBC continuó con Tudor Monastery Farm, una clásica versión integral de un opulento placer histórico, tal como se esperaría de una emisora ​​de servicio público: "Hablemos de gente corriente que intenta pastorear ovejas y pescar anguilas".

Luego llegó Six, el musical de 2017 en el que las esposas de Enrique compiten por el reconocimiento como la esposa más sufrida. Es una pieza ingeniosa y alegremente anacrónica. Aquí está Ana Bolena hablando de la Reforma: “Las reglas estaban tan anticuadas / Nosotras dos queríamos ser clasificadas como X / ¡Pronto, excomulgadas! / Tranquilos todos, es totalmente la voluntad de Dios”. Y se sacude los clichés históricos de cada reina: Ana de Cléveris ya no es fea (en cambio, es astuta, hedonista y voraz); Catalina de Aragón ya no es una moralista sufrida (en cambio, es terca como el infierno); y Catalina Howard es... bueno, vale, sigue siendo una descarada.

La película Firebrand del año pasado era una película biográfica sobre Catherine Parr, la última mujer en pie. Presentaba un reparto mucho más favorecedor para Henry, interpretado por Jude Law, con un poco de ahistoricismo asombroso al final. En realidad no se podía decir que fuera revisionismo, era más bien una ficción de fans.


Pero todo empezó en 2001, con Philippa Gregory. “Sin duda, ahora hay una ola de interés por los Tudor y yo fui parte de generar esa ola”, dice, antes de remar un poco hacia atrás: “Fui una de las primeras en participar”. "La otra Bolena" fue el comienzo de 15 novelas de la serie Plantagenet y Tudor de Gregory, una narrativa sorprendente e increíblemente atrevida de la Bolena que precedió a Ana en el afecto de Enrique: su hermana, María.

La historia surgió por casualidad: “Quería trabajar sobre las mujeres piratas en el siglo XV, así que estaba en la biblioteca buscando información sobre los barcos Tudor y me encontré con un barco llamado María Bolena”, dice Gregory. Estudió el trabajo de los historiadores, pero solo pudo reconstruir la vida de María a través de notas a pie de página y márgenes. El libro resultante (que se convirtió en una película en 2008) fue suficiente para despertar una fascinación cultural por los Tudor.

Pero era parte de un plan más grande, dice Gregory: “Una de las cosas que aporté, que me pareció bastante novedosa, fue tratar de ver a las esposas como agentes de sus propias vidas. Yo estaba en la universidad en los años 80 y esa era una época en la que se enseñaban estudios sobre la mujer y el feminismo estaba entrando en la conciencia académica”.



Ingenioso y alegremente anacrónico… el exitoso musical Six, que cuenta la historia de Enrique VIII a través de sus esposas. Fotografía: Idil Sukan

Gregory resume la historia de las esposas Tudor a partir de las descripciones tradicionales de las seis grandes: “Tiene una esposa mayor, se harta, se casa con una mujer más joven, se harta de ella porque es promiscua, se casa con una buena mujer, ella muere, luego tiene a Ana de Cléveris, la fea, luego a Catalina Howard, luego a la última Catalina, con quien se casa para que ella pueda cuidarlo. Ninguna de estas caracterizaciones les llega a los historiadores a partir del registro histórico. Ellos las eligen”.

Cada vez que aceptamos una versión de los Tudor tal como la transmitieron los victorianos (o más tarde, los de los años 1950 y 1960), aceptamos las historias que ellos querían contarse sobre la autoridad, la sociedad, el liderazgo, la política, la religión, el género, el sexo, la violencia, etc. Siempre que hay una desconexión entre los hechos brutales y la imagen proyectada sobre la cultura, ya sea en el arte, los clichés o la educación, es en gran medida porque todavía estamos asimilando la visión de los victorianos, en concreto la Historia de Inglaterra desde la caída de Wolsey hasta la derrota de la Armada Española de James Anthony Froude, publicada en 12 volúmenes entre 1856 y 1870.

La tergiversación más evidente es la del propio Enrique. “Creo que es realmente escalofriante que todavía lo enseñen en las escuelas primarias como un rey alegre”, dice Gregory. “Es un asesino en serie, maltrata a sus esposas, es un tirano. Lo considero igual que otros tiranos: Napoleón, Hitler, Stalin".


“Intentaba ver a las esposas como agentes de sus propias vidas”… la novelista Philippa Gregory. 

Parte de esto se debe simplemente a una diferencia entre siglos. Los contemporáneos de los Tudor no tuvieron problemas para nombrar el salvajismo del reinado de Enrique.  El profesor de historia de Oxford Steven Gunn describe el poema de Thomas Wyatt con el estribillo “ circa regna tonat ” (el trueno resuena alrededor del trono): “Es muy simple en su lenguaje y muy directo y muy poderoso emocionalmente. Podemos leerlo y pensar: Dios mío. Está hablando de mirar por una ventana de la Torre de Londres y ver a Ana Bolena, junto con sus amigos, ir a la muerte. Wyatt es una especie de Wilfred Owen de la corte de Enrique: te revuelven las entrañas”.

Sin embargo, los victorianos no tenían un marco para entender la falta de empatía de Enrique como un vacío mental o un trastorno en lugar de, por ejemplo, fuerza o autoridad. Tenían un interés peculiar en rebautizar la crueldad como determinación o decisión, en describir “la masacre de los pueblos conquistados” como “liderazgo fuerte”, dice Gregory. Es el tipo de cosas que se esperaría de un país en el apogeo de su actividad colonial.

El historiador John Pemble ha escrito sobre Fourde que cambió la forma de contarlo todo: "Enrique no fue un tirano grosero y cruel, sino el libertador de su pueblo y el fundador del estado moderno. Ana Bolena no fue la víctima inocente del capricho de un monstruo, sino una ninfómana... que fue debidamente juzgada y ejecutada legalmente. Tomás Moro, el genial filósofo, no era un santo, sino un fanático sádico.

“María, reina de Escocia, no era una heroína romántica trágica, sino una combinación letal de belleza, inteligencia y obsesión homicida. Isabel I no era una mente maestra amazónica que unía al mundo libre contra las fuerzas de la oscuridad… era confusa, volátil, indecisa e impulsiva, y habría fracasado sin (su principal consejero, Lord) Burghley”.

Aquí se puede ver no sólo una autojustificación imperial, sino también un anticatolicismo complicado (Fourde tuvo un problema con el cardenal John Henry Newman, pero tendremos que tratar eso en otra ocasión) y un profundo miedo a la sexualidad femenina y al poder mundano y político de las mujeres.

“La mayoría de nuestras opiniones al respecto están realmente dictadas por los victorianos, que nos ofrecen a la doncella en la torre”, dice Gregory. “Pero en el período medieval, tenemos heroínas que tienen conciencia, ideas y deseos. Se reconocía que las mujeres eran política, económica y sexualmente activas”. En su último libro, Normal Women: 900 Years of Making History, Gregory ilustra “el empoderamiento de las mujeres, que se las expulsa de los gremios, de las profesiones. Y el gran retroceso se produjo a principios del siglo XIX”.

Un cambio radical de look… Ana Bolena (Natalie Dormer) y Enrique VIII (Jonathan Rhys Meyers) en la serie de la BBC Los Tudor. Fotografía: BBC/Sportsphoto/Allstar


La siguiente gran ola de versiones de la época Tudor se produjo en los años 1950 y 1960. Una vez más, en términos de éxitos de taquilla (El hombre para la eternidad, en 1966, ganadora del Oscar; Ana de los mil días, en 1969; Las seis esposas de Enrique VIII, una serie de la BBC de 1970), la era está definida por la libido de Enrique, que representa el deseo masculino ingobernable.

“La gente exagera el tema de la libido”, dice Gunn. “Enrique habría señalado que, comparado con Francisco I de Francia, era un modelo de probidad marital”. Tal vez exageran por una razón, porque el otro platillo de esa balanza son las mujeres asesinadas.

La serie de la BBC recalienta los retratos victorianos de las seis esposas, mimando más intensamente el ego masculino. Catalina de Aragón es necesitada y desaliñada; Ana Bolena insufriblemente celosa; Jane Seymour es intrigante y poco fraternal, pero está deshecha por su conciencia femenina; Ana de Cléveris sigue siendo fea; Catalina Howard es una fulana; y, finalmente, Catalina Parr, furiosa tras la muerte de Enrique porque Thomas Seymour se atrevería, como un hombre inferior, a proponerle matrimonio, aunque ella se casa con él de todos modos. Esto es hilarante, ya que Seymour "era el hombre más sexy de la corte y ella se casó con él por amor", dice Gregory.


En muchos sentidos, el revisionismo Tudor de este siglo –ficciónalizado por Gregory en muchas obras, entre ellas La herencia de Bolena, La doma de la reina y El último Tudor; por Mantel, por supuesto; y en obras históricas populares de Antonia Fraser y Tracy Borman– ha tratado de liberar a la historia de la camisa de fuerza construida para ella por las neurosis del pasado.

“Catherine Parr es autodidacta, aprende griego por su cuenta y traduce los salmos. Y los victorianos la ven principalmente como la niñera de Enrique”, dice Gregory. Enrique, por su parte, “se cree muy obediente, pero su capacidad de atención no es la que podría ser”, dice Gunn. “Piensa: ‘Todos los monarcas tienen que ser eruditos y todas las personas eruditas necesitan saber griego’, e intenta aprenderlo. Se empeña en ello durante unas dos semanas”.

Enrique sufrió una herida en una justa hacia el final de su vida y el dolor crónico (por no hablar del olor de sus heridas) lo hizo menos adorable que nunca. Además, “tenemos muchos más embajadores en la época de su reinado”, dice Gunn. Los relatos enviados a casa por los dignatarios de la corte de Enrique eran detallados. Mantel describe el matrimonio de Enrique con Jane Seymour de esta manera: “Nadie entendió lo que Enrique vio en Jane, que no era bonita ni joven. El embajador imperial se burló diciendo que “sin duda tiene un gran enigma ”, es decir, una parte secreta”.

El resultado general –más allá de la vagina de fantasía de Seymour (¡por el amor de Dios, los hombres del pasado!)– es que sabemos mucho más sobre el humor volátil de Enrique, su clima emocional cotidiano. “Tal vez Enrique VII también se ponía de mal humor, pero no tenemos el mismo registro”, dice Gunn.

La trilogía de Mantel no sólo creó a Cromwell y “la sensación de que es casi uno de nosotros, de repente cayó en medio de este mundo extraño”, dice Gunn. “Cuando salió el segundo volumen, la gente decía: 'Esto es asombroso, nos ha hecho pensar en Thomas Cromwell y en toda su familia de una manera completamente diferente'. Eso proviene de la investigación de Mary Robertson, en la biblioteca Huntington en San Marino (en California)”.

Mantel dejó todos sus documentos a la biblioteca ; también elaboró ​​y promovió una versión del arte de gobernar, la masculinidad, la movilidad de clase y la sensibilidad que tuvo su origen en la tesis doctoral de Robertson de 1975: ideas que los victorianos no habrían sido capaces de concebir ni aceptar. En otras palabras, no se trata simplemente de una versión feminista lo que estamos viviendo (¡Ja, “simplemente” feminista! ¡La idea misma!).

Hay otra cosa que puede explicar la fascinación actual. Convulsiones como la separación de Roma se justificaban a menudo en términos de absolutos constitucionales. Asegurarse un heredero –lo que podríamos llamar la preocupación última de la soberanía– se presentaba como la preocupación primordial, que valía cualquier precio.

“La sombra de las Guerras de las Dos Rosas todavía se cierne sobre los Tudor y sobre sus súbditos, lo que en parte explica por qué se suman a lo que hace Enrique”, dice Gunn. “Los actos de proclamación suelen empezar diciendo: ‘Es terrible no saber quién será el próximo líder’”. La separación de Europa; líderes tiránicos e incompetentes que se salen con la suya porque nada es más importante que la soberanía: ¿te recuerda a algo? “Como peces, no podemos evitar nadar en el agua de la visión histórica actual”, dice Gunn. “No podemos ver nuestros propios prejuicios”.

 






 

miércoles, 13 de noviembre de 2024

LOS TRES GRANDES: LEONARDO, RAFAEL, MIGUEL ANGEL

 


Leonardo, Rafael y Miguel Ángel: ¿quién es el más grande de los maestros del Renacimiento?

Charles Nicholl, Caroline Campbell y Eliza Goodpasture





Hombres del Renacimiento… ¿quién de los siguientes (de izquierda a derecha) Leonardo, Miguel Ángel y Rafael
 es el más destacado? Fotografía: Getty Images; Alamy











Mientras hay una nueva exposición en la Royal Academy of Arts de Londres, los escritores defienden cada uno de los tres grandes del arte renacentista, desde el genio secreto de Leonardo y la brillantez cautivadora de Rafael hasta la majestuosa y espacial majestad de Miguel Ángel.


Leonardo

Por Charles Nicholl, biógrafo de Leonardo da Vinci

La nueva muestra de la Royal Academy reúne a tres maestros del Renacimiento cuyos caminos se cruzaron por primera vez en Florencia en 1504, y su proximidad física provocó un campo de fuerza de influencias mutuas y amargas rivalidades. Leonardo da Vinci tenía poco más de 50 años y era célebre como pintor, ingeniero y explorador multidisciplinario en los ámbitos de la ciencia y la filosofía. Miguel Ángel Buonarroti tenía la mitad de su edad, era una estrella en ascenso, impetuoso, truculento y ya lucía la famosa nariz de boxeador, aplastada en una pelea con un escultor rival. Raffaello Sanzio, más conocido como Rafael, era un joven desconocido y talentoso que buscaba nuevas inspiraciones y mecenazgo.

Leonardo era la figura central de este formidable trío, y su eminencia suscitó reacciones muy diferentes en los otros dos. Está más que claro que él y Miguel Ángel se detestaban mutuamente. Existe el relato de un testigo presencial de una pelea pública entre ellos, en algún lugar cerca del Ponte Santa Trinità: Miguel Ángel lanzó insultos antes de marcharse y dejar a Leonardo con “la cara roja por estas palabras”. Miguel Ángel quería derribarlo; el más pacífico Rafael solo quería aprender de él.

En 1504, Miguel Ángel terminó su David, mientras que Leonardo pintaba la Mona Lisa. Incluso como objetos, estas creaciones ejemplifican la distancia que las separa: una monumental estatua de seis toneladas de un rey guerrero bíblico y un rectángulo liviano de madera de álamo que lleva la imagen sombría de una ama de casa florentina adinerada. Ambas son obras “grandes”, pero la de Miguel Ángel es literalmente enorme, una declaración de poder y destreza, mientras que la de Leonardo es grande en virtud de su reticencia, su rareza, su carácter elusivo.



La Virgen y el Niño con Santa Ana y el infante san Juan Bautista ('The Burlington House Cartoon'), de Leonardo da Vinci, c.1506-08. Fotografía: The National Gallery, Londres

Estas cualidades secretas son la magia que distingue a Leonardo: la forma en que sus pinturas más características flotan como quimeras más allá del límite de la interpretación. Esta era la percepción romántica, de femme fatale, de la Mona Lisa –“esa esfinge de la belleza” que plantea un “enigma aún sin resolver”, en palabras del escritor Théophile Gautier–, pero ya se insinuaba en el título original de la pintura, La Gioconda, que significa La dama bromista, tal vez incluso La provocadora, aunque también es un juego de palabras con el nombre de su marido, Francesco del Giocondo, que pagaba la factura de los servicios del maestro.

Esta ligereza nerviosa es una cualidad que Leonardo poseía desde el principio. Sus primeras pinceladas que se conservan son algunas adiciones a Tobías y el ángel de Andrea del Verrocchio, que ahora se encuentra en la National Gallery de Londres. Está fechada en 1469; era un aprendiz de 17 años en el estudio de Verrocchio. Una de sus contribuciones es un perrito, un terrier boloñés. Salta junto al ángel, alerta y vivo, pero su sedoso pelaje blanco está pintado con tal delicadeza que el perro es diáfano: se puede ver la línea del paisaje previamente pintado detrás de él. Flota como un holograma justo encima de la superficie del cuadro: un perro de cuento de hadas.



Así se mueve el ojo, dando vueltas y vueltas, constantemente inquieto': 
Bacanal infantil de Miguel Ángel, 1533.


Su característica técnica del sfumato, en la que (según su propia definición) “las sombras y los reflejos se funden sin tramas ni trazos, como el humo”, ya es evidente en su retrato de Ginevra de' Benci (1476) y en la hipnótica Virgen de las Rocas (1483), y alcanza su apoteosis en La Mona Lisa, donde se convierte en algo más que una representación de luz y sombra; más bien en una atmósfera, un estado de ánimo de fugacidad y arrepentimiento. Las gradaciones de la sfumatura son también una forma de representar la distancia. Los objetos lejanos, escribe, tienen “límites borrosos y ahumados”, mientras que los más cercanos tienen “límites evidentes y nítidos”. A esto lo llama la “perspectiva de la pérdida”.




Un caballo encabritado, de Leonardo da Vinci, c. 1503-05. 
Fotografía: Royal Collection Enterprises Ltd/Royal Collection Trust


Esto pone de relieve una paradoja en Leonardo. Sus pinturas están llenas de estos desenfoques poéticos, pero gran parte de su vida intelectual estuvo dedicada a los requisitos “evidentes y agudos” de la investigación científica. Era un empirista de línea dura que se describía a sí mismo como un “ discepolo di sperientia ”, un “discípulo de la experiencia” (o “del experimento”); un escéptico que creía que las ideas recibidas debían ser sometidas a rigurosas pruebas antes de ser consideradas verdades.

El bagaje de conocimientos de su autodidacta está registrado en sus voluminosos cuadernos y manuscritos, pero también está presente en su arte. El mundo onírico de sus pinturas está lleno de detalles precisos y eruditos, y está modelado por lo que el historiador de arte Giorgio Nicodemi llamó "sus hábitos de pensamiento serenos y precisos". Las flores silvestres de la gruta de La Virgen de las Rocas son botánicamente exactas. La sonrisa de Lisa se puede encontrar en una hoja de estudios de la musculatura de bocas y labios. Sus representaciones de la figura humana se basan en datos recopilados arduamente, incluso con náuseas, de las más de 30 disecciones post mortem que realizó y, por lo tanto, son -afirmaba- mucho mejores que las figuras de Miguel Ángel, cuyos torsos extravagantemente musculosos, según dijo Leonardo, parecen "sacos llenos de nueces".

Leonardo da Vinci: Los vuelos de la mente, de Charles Nicholl, es publicado por Penguin.


Rafael

Por Caroline Campbell, directora de la Galería Nacional de Irlanda



La Virgen con el Niño y el infante san Juan Bautista ('La Virgen de Esterhazy'), de Rafael, c. 1508. Fotografía: Aron Harasztos/Museo de Bellas Artes, Budapest

Hasta el siglo XIX, Raffaello Sanzio, más conocido en español como Rafael, fue el modelo indiscutible para todos los artistas formados en la tradición académica occidental. Su nombre está inscrito en las paredes de la mayoría de las galerías de arte públicas construidas antes de 1900. A mediados del siglo XVI, cuando el historiador de arte pionero Giorgio Vasari escribió su influyente Vidas de los artistas, destacó a Leonardo, Miguel Ángel y Rafael como los dioses del panteón artístico. Pero fue a Rafael a quien Vasari instó a los artistas en ciernes a tomar como modelo.

Esto no se debió únicamente a sus excepcionales logros como pintor, diseñador y arquitecto en una vida corta que terminó con tan solo 37 años. Para Vasari, las cualidades personales de Rafael le dieron la ventaja. Estaba dotado de una tenacidad excepcional, así como de talento, y poseía un encanto legendario. Rafael era notablemente capaz de tratar con mecenas notoriamente exigentes que a menudo estaban muy por encima de él en estatus social.

A diferencia de Leonardo y Miguel Ángel, Rafael no reivindicó la ciudadanía florentina. Nació y se crió en la ciudad de Urbino, entre las vertiginosas colinas de La Marca. Su padre, Giovanni, que murió cuando Rafael era un niño (cuando ya había perdido a su madre), era artista de la corte de la familia gobernante Montefeltro. A pesar de toda la sofisticación de Urbino, era un lugar pequeño para uno de los talentos más precoces de todo el arte occidental. Pronto se hizo evidente para Giovanni que las habilidades de su hijo estaban en otra liga que las suyas. Desde muy temprana edad, el joven artista desempeñó un papel importante en el taller de su padre. Más tarde se convirtió en un estrecho colaborador del artista umbro Pietro Perugino, el pintor más célebre del centro de Italia.

Los estímulos que Rafael encontró más tarde en Florencia le permitieron llevar su arte a otro nivel. Cuando el artista visitó la ciudad por primera vez a finales de 1504, era uno de los centros más ricos e innovadores de Europa, hogar de muchos artistas célebres, entre ellos el dominico Fra Bartolommeo, Miguel Ángel y Leonardo. Rafael observó sus ideas y se inspiró en ellas.

Mirar a Rafael puede darte la sensación de que no hay duda, de que todo está bien en el mundo.

Y podemos ver casi inmediatamente el impacto en su arte. Tomemos como ejemplo la Madonna de los Claveles, una pequeña imagen devocional pintada en tejo para un mecenas privado. Parece estar basada en una obra de Leonardo, la Madonna de Benois, pintada casi 30 años antes, a finales de la década de 1470. De manera similar, en la notable Santa Catalina, pintada justo antes de que Rafael abandonara Florencia, admiramos la complejidad de su pose. La pierna izquierda de Catalina está empujada delante de la derecha, un detalle copiado del dibujo de Leda de Leonardo, de modo que la mirada se mueve en diagonal desde la parte inferior derecha hasta sus ojos vueltos hacia arriba en la parte superior izquierda de la imagen. Esto, y el giro de su cuerpo, fueron tomados de la estatua inacabada de San Miguel de Miguel Ángel. Rafael asimila lo que ha aprendido de ambos artistas de manera tan brillante que esta contorsión antinatural parece sin esfuerzo.

En 1508, la ambición de Rafael lo llevó de Florencia a Roma. Esta era una ciudad aún más enérgica, sede del papado, que ejercía poder en el centro de Italia y autoridad espiritual sobre Europa y cada vez más partes del mundo. El primer proyecto de Rafael lo impulsó a la mismísima sede del poder. Se le encargó que decorara espacios semiprivados para el Papa y su corte: las llamadas Stanze o habitaciones.

Las Estancias están cerca del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, pero es difícil pensar en dos grandes obras de arte que tengan un sentimiento más diferente. Las pinturas de Miguel Ángel son dramáticas y sorprendentes, mientras que las de Rafael deleitan y cautivan porque utiliza su observación cercana de las personas y la sociedad (era un maravilloso retratista) para hacer tangible y real lo increíble e imaginario. En la llamada Escuela de Atenas, Rafael reúne a muchos de los filósofos no cristianos más importantes (de los cuales dos tercios no son atenienses), con Platón y Sócrates en el centro, debatiendo si la sabiduría se alcanza a través del entendimiento. Sus diferentes filosofías parecen unidas por la armoniosa arquitectura romana en la que se encuentran. Se trata de un debate intelectual y seco, pero Rafael lo hace vivo, con movimiento y expresiones faciales para mostrar los distintos puntos de vista de los filósofos.



El David de Rafael, 1505-08, según Miguel Ángel, con pequeños ajustes. 

Lo mismo puede decirse de los extraordinarios tapices que diseñó para el papa León X, para colgarlos bajo el techo de la Capilla Sixtina. Representan episodios de las vidas de los santos Pedro y Pablo, mientras viajaban por la costa mediterránea, predicando, administrando y convirtiendo. En la narración del Evangelio, los santos a veces cuestionan a Jesús. Están desconcertados y no siempre entienden lo que está pasando. Pero, al mirar a Rafael, puede darnos la sensación de que no hay duda, de que todo está bien en el mundo. Incluso si hay un problema, una feliz resolución nunca está lejos. Queremos seguir la narración hasta su clara conclusión porque, en la mente de Rafael, siempre hay una. Podemos entender por qué a Miguel Ángel no le gustaba y estaba celoso de él.

Rafael también trabajó cada vez más como arquitecto. En 1514 fue nombrado arquitecto jefe de la Basílica de San Pedro y, aunque gran parte de su obra fue destruida tras su muerte, los dibujos dan una idea de lo que quería lograr. Como prefecto de antigüedades, abogó por un estudio visual de todos los monumentos de Roma y se opuso a la destrucción de los monumentos antiguos. Colaboró ​​con los principales grabadores para que sus diseños pudieran difundirse por toda Europa, y pronto lo hicieron. Rubens, Rembrandt, los hermanos Carracci, Poussin, Ingres y muchos más conocieron su obra y se inspiraron en ella.

El legado de Rafael perdura hasta nuestros días, pues su lugar en el canon artístico le costó mucho trabajo ganarse, aunque es imposible no preguntarse: ¿qué habría podido lograr si hubiera tenido 37 años más?

El primer libro de Caroline Campbell, El poder del arte, se publicó en 2023.



Miguel Ángel

Por Eliza Goodpasture, historiadora del arte



Estudios de cabezas masculinas, cascos de soldados y rasgos faciales de Miguel Ángel, c.1504. Fotografía: Hamburger Kunsthalle/bpk/Christoph Irrgang

No hay otro nombre que esté más asociado con el genio artístico titánico que el de Miguel Ángel, hasta el punto de que se ha divorciado de la vasta realidad de su obra. El espacio y cómo nos movemos a través de él eran la preocupación definitoria de Miguel Ángel. Fue el hombre original del Renacimiento, trabajó como escultor, pintor, arquitecto y poeta, pero toda su obra gira en torno a las mismas preguntas sobre cómo se ve y se siente mover nuestras pesadas formas humanas a través de esta vida mortal (y más allá). Nadie ha definido así la cima de la cultura visual en Occidente desde la antigüedad, para bien o para mal.

Miguel Ángel fue un personaje de intensas paradojas. Aunque siempre se consideró escultor, sus pinturas y edificios igualaron o superaron la fama de sus esculturas. Nacido en Florencia y orgulloso florentino durante toda su vida, su obra llegó a definir otra ciudad: Roma. Las obras clave que resumen su legado allí –incluidos los frescos de la Capilla Sixtina, la Piedad, la cúpula de la Basílica de San Pedro, la Piazza di Campidoglio– se realizaron a finales del siglo XV y la primera mitad del XVI y, en conjunto, representan no solo una redefinición de la ciudad de Roma, sino también una redefinición de la forma en que el espacio en sí debería funcionar.


La Virgen y el Niño con el infante san Juan (el Tondo Taddei) de Miguel Ángel, c. 1504-05. Fotografía: Royal Academy of Arts/Prudence Cuming Associates

Las primeras obras escultóricas de Miguel Ángel representan cuerpos que ocupan un espacio: su Piedad, terminada cuando tenía apenas 24 años, imagina con ternura un momento de dolor atemporal, uniendo de forma imposible a una joven María y a su hijo adulto, como si fuera un reconocimiento de la eternidad de su relación divina. Cristo parece fundirse en los brazos de su madre al morir, emergiendo de la piedra con una gracia sobrecogedora.

El techo de la Capilla Sixtina, terminado 14 años después, parece crear espacio con el uso de detalles arquitectónicos en trampantojo y cuerpos aparentemente esculpidos que parecen levantarse del yeso hacia los cielos cavernosos del techo. No es algo estático, a pesar de ser bidimensional. Para el espectador que está en tierra, no hay un único lugar desde el que verlo todo: uno debe moverse por la capilla y mirar desde varios ángulos para apreciar la totalidad de la creación. A los 40 años, cuando ni siquiera había llegado a la mitad de su larga vida, Miguel Ángel se había convertido en una leyenda.

La invitación a moverse por el espacio se amplía en sus creaciones arquitectónicas posteriores. La Piazza di Campidoglio no se terminó hasta después de su muerte, supervisada por su gran amor, Tommaso dei Cavalieri. Pero los planos fueron completados por el artista y representan una especie de culmen de las cuestiones artísticas que gobernaron su vida.

La plaza está situada en la Colina Capitolina, una de las siete colinas de Roma, y ​​tiene vistas al Foro Romano. Ha sido la sede del gobierno civil de la ciudad desde la antigüedad, a través de ciclos de liderazgo y sistemas de gobierno en constante cambio. El plan de Miguel Ángel para la plaza la reorientó hacia el Vaticano, en lugar del Foro, lo que refleja el cambio en el propósito de Roma, de lo antiguo a lo papal. Rediseñó la plaza en sí y los tres edificios que la rodean en un sistema arquitectónico de simetría y perfección del Alto Renacimiento.

Ya existían dos edificios a los que se les dieron nuevas fachadas, y se construyó un tercero, el Palazzo Nuovo, para completar el trío que rodea la estrella de 12 puntas en el pavimento de la propia plaza, con una antigua estatua de bronce del emperador Marco Aurelio en el centro. Todos ellos se alzan sobre antiguos edificios romanos, superponiendo las piedras de épocas anteriores, como la mayor parte de Roma. Las proporciones son impecables, el equilibrio magnífico y el ideal de gobierno tiene un espacio que es a la vez reverencial y abierto.

La arquitectura consiste en encerrar el espacio, la escultura en excavarlo y la pintura, al menos para Miguel Ángel, consiste en crear la ilusión de que existe. En las tres artes, trascendió los límites de lo que habían imaginado quienes lo precedieron. Siempre resulta tentador elevarlo por encima de la mera mortalidad, pero lo que hace que su obra sea verdaderamente impresionante es que es el producto de un hombre, agobiado por las alegrías y los tormentos de la vida real. Su obra sigue siendo un faro de las paradojas del Renacimiento: el humanismo impulsor choca con la dinámica de poder tensa del papado, la belleza imperfecta de la fisicalidad humana contra la inevitabilidad e incomprensibilidad de lo divino, y el pesado legado de la historia se encuentra con la atractiva novedad del presente.

Eliza Goodpasture es historiadora del arte y editora de encargos en Art UK.



 

Michelangelo, Leonardo, Raphael se exhibe en la Royal Academy of Arts, Londres, del 9 de noviembre al 16 de febrero.








































martes, 12 de noviembre de 2024

CUANDO WALLIS SIMPSON VIVIÓ EN CHINA


 

"Her Lotus Year" de Paul French: la historia de Shanghái de Wallis Simpson

Rachel Cooke




Wallis Simpson y Alberto da Zara en las carreras de Pekín, Paomachang, 1925.









Un nuevo relato de los meses que Simpson pasó en China desmiente los trillados chismes sobre aventuras sexuales y adicción al opio e incluso invita a la admiración por una mujer "bucanera"

La obsesión aparentemente interminable con Wallis Simpson por parte de escritores, editores y (presumiblemente) lectores está empezando a parecer a estas alturas una locura. ¿Qué más se puede decir? Pero siempre, otro libro; y siempre, el Daily Mail sacará el máximo partido de los fragmentos que va sacando. Her Lotus Year, de Paul French, pretende contar “por primera vez” la historia completa de los meses que la futura duquesa de Windsor pasó en China a mediados de los años 20. No sólo llega muy elogiado por otros biógrafos de Simpson (es como si todos pertenecieran a un sindicato o algo así), sino que el Mail ya ha publicado un artículo útil y picante que presenta las técnicas sexuales que Simpson supuestamente aprendió mientras no hacía nada (muy poco) en Hong Kong, Shanghái y lo que entonces era Pekín.

Pero hay un problema. El libro de French, como otros anteriores, desmiente por completo la existencia del llamado “Dossier de China”, un documento que supuestamente utilizó el establishment británico para manchar el nombre de Simpson en el momento de la abdicación. Los rumores que circulaban entonces en torno a la divorciada estadounidense de Eduardo VIII –que frecuentaba burdeles, era adicta al opio y posaba para fotografías pornográficas– no tienen, dice French, ninguna base en la realidad. Si ella sabía realmente cómo realizar el infame agarre de Singapur –ejercicios del suelo pélvico avant la lettre– era un secreto guardado entre Simpson y sus amantes (de los que, al menos, tenía varios). Esas historias eran entonces, como ahora, sólo chismes: “Veneno, veneno, VENENO”, como decía Simpson.

French es un especialista en China y ha profundizado en todos los aspectos del período en que ella estuvo allí, desde las batallas que sus señores de la guerra libraban constantemente hasta el nivel del servicio de habitaciones en los hoteles en los que se alojaba.

 Pero por más exhaustiva que haya sido su investigación, las realidades de la vida de Simpson en el este siguen siendo algo menos interesantes que los mitos. A veces, su libro se lee como una vieja guía Baedeker, llena de barcos, trenes y restaurantes recomendados. Sí, el peligro que implica para una joven sola viajar a través de China cuando estaba al borde de la guerra civil aumenta enormemente la admiración por Simpson (aunque, hay que admitirlo, el listón está bajo). Pero para crear la atmósfera, French tiene que recurrir a otros relatos además del suyo. En términos generales, estamos en el ámbito de la escandalosa novela de W. Somerset Maugham de 1925, The Painted Veil (El velo pintado ) y, para ser sincero, hubo muchos momentos mientras leía Her Lotus Year en los que anhelaba tener en mis manos el brillante libro de Maugham.

Simpson llegó a Hong Kong procedente de Virginia en septiembre de 1924 para reunirse con su primer marido, Win Spencer, un oficial de la marina estadounidense y un gran bebedor que utilizaba un gran cuenco de consomé para sus martinis secos.
 Al principio, todo iba bien. La pareja disfrutó de una segunda luna de miel (seca) en un elegante resort. Pero pronto Spencer volvió a beber, momento en el que Wallis decidió ir a Shanghái, acompañada por otra esposa de un marino, Mary Sadler (de quien más tarde se divorciaría). Como parece haber sido el caso dondequiera que viajara, allí Simpson inmediatamente entró en contacto con un hombre bien relacionado -en este caso, un arquitecto llamado Harold Graham Fector Robinson ("Robbie")- y él valientemente la introdujo en los círculos más ricos de la ciudad. Juntos, iban a tomar el té y a las carreras de caballos; cuando él trabajaba, Simpson iba de compras, algo en lo que ella era muy buena (más tarde, recaudaría fondos mediante la caza de "curiosidades", siendo el jade una especialidad).

Pero, por más sibarítico que fuera su estilo de vida (según Maugham, las mesas de los expatriados “crujían de plata”), sólo se quedó en Shanghái, un lugar moderno y bullicioso, unas pocas semanas. Su mirada estaba puesta en el norte: una propuesta totalmente diferente. 
Ella y Sadler partieron a principios de diciembre, fueron detenidos en el puerto de Tientsin en el camino, después de lo cual ella prosiguió sola hacia Pekín, ya que su amiga se había echado atrás (se decía que los bandidos asaltaban los trenes). ¿Cómo pudo Simpson viajar sola de esa manera y financiar sus grandes hoteles a su llegada? ¿Por qué siempre la esperaban en su destino funcionarios de alto rango? French especula que era una mensajera del gobierno de Estados Unidos que transportaba documentos, lo cual es plausible pero no explica del todo su motivación. La guerra y la fiebre tifoidea estaban en pleno apogeo, y sin embargo, esta joven (tenía 28 años), sola y con escasos recursos, estaba decidida a establecerse en el inaccesible Pekín. Para bien o para mal, hay algo de bucanera en ella.

La última sección del libro, dedicada a los meses de Pekín, es con diferencia la más cautivadora. En 1925, la ciudad todavía tenía 3.000 antiguos hutongs (callejones tradicionales), y Simpson se instaló en uno de ellos, tras haber sido invitada a vivir con una pareja adinerada de estadounidenses, Kitty y Herman Rogers. French insiste en que Simpson no tenía forma de saber que Kitty vivía en Pekín, pero aun así fue una casualidad: su propia vivienda y su propio tirador de rickshaw; paseos en poni a primera hora de la mañana por el Muro Tártaro de la ciudad; fines de semana campestres en el templo que los Rogers alquilaban, donde pequeñas campanillas tintineaban en los aleros bermellones. 
Puede que Simpson sólo dominara cuatro palabras del dialecto –“¡Muchacho, pásame el champán!”–, pero en todos los demás aspectos estaba tan integrada en la vida de Pekín como puede estarlo un extranjero. A ella le encantaba la comida china y, para terminar, estaba su amante italiano, Alberto da Zara, un comandante de cañonera con “modales impecables”.

¿Por qué se fue? El 30 de mayo de 1925, a 1.200 kilómetros de allí, en Shanghái, se produjo un incidente. Los manifestantes que protestaban contra el arresto de estudiantes que habían criticado al imperialismo extranjero fueron fusilados; cuatro murieron y otros más resultaron heridos. El número de miembros del Partido Comunista aumentó; en otros lugares estallaron protestas, huelgas y boicots. Una noche, Wallis llegó a cenar a casa de un agregado británico y se encontró con que su "chico número uno" (un sirviente) se había marchado. Su tiempo había terminado, y cuando llegaron las lluvias de verano, emprendió el largo viaje de regreso a casa. 



Man Ray:  Wallis Simpson con escultura china1936
Impresión en gelatina de plata


Más tarde, recordaría su estancia en el país como "el intervalo más delicioso" de su juventud. Pero la influencia que tuvo sobre ella fue sobre todo estética (cuando Man Ray la fotografió en 1936, su vestido Mainbocher de influencia china competía por la atención con una estatua de Guan Yu, el dios de la guerra), y lo que el hecho de saber más sobre el tema añade a la historia es algo que nadie puede adivinar.




Her Lotus Year: China, the Roaring Twenties, and the Making of Wallis Simpson de Paul French es publicado por Elliott & Thompson (£25). 

















lunes, 11 de noviembre de 2024

EUROPA: EL ARTE FALSO PARECE QUE PAGA


     

Enorme red criminal europea de arte falso, descubierta en Italia.







Una obra de Banksy en exposición en Glasgow. La policía de Italia ha incautado más de 2.100 obras falsas, algunas de las cuales supuestamente pertenecen al artista británico.








La policía del arte y el fiscal de Pisa afirman que hay 38 personas investigadas y se han incautado unas 2.100 obras de arte falsas

La policía italiana ha desmantelado una red de falsificación que abarcaba toda Europa y que se sospechaba que producía réplicas sofisticadas de obras de algunos de los artistas más famosos del mundo, incluidos Banksy, Pablo Picasso , Andy Warhol y Gustav Klimt.
Treinta y ocho personas fueron puestas bajo investigación en Italia, España, Francia y Bélgica bajo sospecha de conspiración para manejar bienes robados, falsificación y venta ilegal de obras de arte, dijeron la policía de arte de Italia y la oficina del fiscal de Pisa en un comunicado conjunto hoy lunes.

La investigación comenzó el año pasado cuando la policía de arte italiana confiscó 200 piezas falsificadas de la colección de un empresario de la ciudad toscana de Pisa, entre las que se encontraba una copia de un dibujo del pintor italiano Amedeo Modigliani.
Ese descubrimiento llevó a los investigadores a descubrir seis talleres de falsificación, incluidos dos en la Toscana, uno en Venecia y tres en otros lugares de Europa. Los sospechosos producían principalmente copias de obras de Warhol y Banksy antes de llegar a acuerdos con varias casas de subastas italianas.
Incluso organizaron dos exposiciones de Banksy con un catálogo publicado en lugares prestigiosos de Mestre, cerca de Venecia, y Cortona en Toscana.

En total, se han incautado más de 2.100 obras falsificadas con un valor de mercado potencial de unos 200 millones de euros.

“La actividad realizada ha permitido sacar a la luz un sistema transnacional de falsificadores interconectados con casas de subastas complacientes”, afirmó Teresa Angela Camelio, fiscal jefa de Pisa.

Camelio dijo que los expertos del archivo Banksy que ayudaron con la investigación consideraron que la operación del lunes fue "el mayor acto de protección de la obra de Banksy".
La Oficina de Control de Plagas, el organismo oficial que representa al artista, no respondió de inmediato a una solicitud de comentarios. En su sitio web , dice que la falsificación es común e insta a las personas que quieran comprar alguna pieza de Banksy a tener cuidado con las "falsificaciones costosas".

Camelio dijo que si la policía no hubiera descubierto la red, las obras de arte podrían haber sido vendidas a precios “cercanos a las obras originales de los artistas”, una eventualidad que “seguramente habría cambiado significativamente el mercado de subastas”.


Otros artistas supuestamente falsificados incluyen gigantes del arte de los siglos XIX y XX como Claude Monet, Vincent van Gogh, Salvador Dalí, Henry Moore, Joan Miró, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Francis Bacon, Paul Klee y Piet Mondrian.

Las obras del modernista italiano Modigliani son especialmente vulnerables a las falsificaciones. En otro caso, las autoridades de Venecia confiscaron a principios de este año un dibujo atribuido al artista, que estaba a punto de venderse por 300.000 euros, después de que la unidad de protección cultural de la ciudad revelara que era falso.

En 2017, la policía cerró una exposición de Modigliani en Génova después de que un experto concluyera que al menos 20 de las 21 pinturas expuestas eran falsas.

En 1984, tres cabezas de mármol rescatadas de un canal de Livorno fueron aclamadas como obras maestras perdidas hacía mucho tiempo, antes de que se descubriera que fueron esculpidas por tres estudiantes como una broma.

























POEMA


Ira

Loreto Sesma





















Vengo de una rutina de silencios,
de miedos tintineantes,
de complejos que acabaron convirtiendo el oro en barro.

Me dijeron que el futuro se labraba,
y yo por mucho que miro
sólo encuentro temor
y ningún motivo
para seguir contando mis pasos.

¿Por qué el camino
para que cuente como vida
se ha de hacer llorando?


























viernes, 8 de noviembre de 2024

PRIMER RETRATO DE UN ROBOT VENDIDO EN UN MILLÓN DE DÓLARES

 

La primera obra de arte pintada por un robot humanoide se subastó por 1 millón de dólares

Sian Caín




El robot Ai-Da frente a su retrato del matemático británico Alan Turing, titulado AI God. La obra se vendió por 1,32 millones de dólares en Sotheby's el jueves. Fotografía: Sotheby's/EPA



 

 

El retrato del matemático inglés Alan Turing fue creado por Ai-Da, uno de los robots más avanzados del mundo

Un retrato del matemático inglés Alan Turing se ha convertido en la primera obra de arte de un robot humanoide en ser vendida en una subasta, alcanzando  ayer  jueves 1,08 millones de dólares (566.000 libras esterlinas, 1,63 millones de dólares australianos) en Nueva York.

El retrato de 2,2 metros (7,5 pies), titulado AI God. Portrait of Alan Turing, fue creado por Ai-Da, el primer artista robot ultrarrealista del mundo. Superó las expectativas de preventa entre 120.000 y 180.000 dólares cuando fue subastado en Sotheby's, que confirmó que se habían presentado 27 ofertas por la obra.

“El precio de venta récord de hoy para la primera obra de arte de un artista robot humanoide que sale a subasta marca un momento en la historia del arte moderno y contemporáneo y refleja la creciente intersección entre la tecnología de IA y el mercado mundial del arte”, dijo la casa de subastas en un comunicado.

Ai-Da, que utiliza inteligencia artificial para hablar, dijo: “El valor clave de mi trabajo es su capacidad de servir como catalizador para el diálogo sobre tecnologías emergentes”.

Ai-Da agregó que un “retrato del pionero Alan Turing invita a los espectadores a reflexionar sobre la naturaleza divina de la IA y la informática, al tiempo que consideran las implicaciones éticas y  sociales de estos avances”.


Ai-Da Robot, delante de sus retratos de Turing. La obra vendida, AI God. Portrait of Alan Turing, se ve a la derecha. Fotografía: Sotheby's/EPA

Turing, un matemático y científico informático pionero que desempeñó un papel crucial en la lucha contra la Alemania nazi trabajando como descifrador de códigos , planteó preocupaciones sobre el uso de la IA en la década de 1950.

Ai-Da, uno de los robots más avanzados del mundo, está diseñado para parecerse a una mujer humana y lleva el nombre de Ada Lovelace, la primera programadora de computadoras del mundo. Ai-Da fue ideado por Aidan Meller, un especialista en arte moderno y contemporáneo.

“Los artistas más grandes de la historia se enfrentaron a su época y celebraron y cuestionaron los cambios de la sociedad”, dijo Meller.

Meller dirigió el equipo que creó Ai-Da y trabajó con especialistas en inteligencia artificial de las universidades de Oxford y Birmingham.

Ai-Da genera ideas a través de conversaciones con miembros del estudio y sugirió crear una imagen de Turing durante una discusión sobre “IA para el bien”.

Luego se le preguntó al robot qué estilo, color, contenido, tono y textura utilizar, antes de utilizar cámaras en sus ojos para mirar una imagen de Turing y crear la pintura.

Los “tonos apagados y los planos faciales rotos” de la obra de arte aparentemente sugerían “las dificultades que Turing advirtió que enfrentaremos cuando se trate de gestionar la IA”, dijo Meller.

Las obras de Ai-Da eran “etéreas e inquietantes” y “siguen cuestionando a dónde nos llevará el poder de la IA y la carrera global para aprovechar su poder”, agregó.

En una entrevista en 2022 , cuando le preguntaron si pintaba con su imaginación, Ai-Da respondió: “Me gusta pintar lo que veo. Supongo que puedes pintar con tu imaginación, si tienes imaginación. He estado viendo cosas diferentes a las de los humanos, ya que no tengo conciencia”.