ARTE: MONET & ARCHITECTURE

La exposición Monet & Architecture: Monet bajo una nueva luz

Jonathan Jones

1899 Nenúfares. Fotografía: National Gallery, Londres

Es conocido como un alegre pintor de lirios y picnics. Pero este emocionante espectáculo retrata a Monet como un artista horrorizado mientras el mundo se precipita hacia la calamidad

En 1918, un artista que estaba en sus últimos años 70 dio al estado francés un regalo espectacular. Claude Monet, que resultó ser un viejo amigo del primer ministro, Georges Clemenceau, ofreció una serie de pinturas maravillosas de su estanque de nenúfares como símbolo nacional de paz, para marcar el final de una guerra mundial asesina. Hasta el día de hoy, cuelgan como él pretendía al envolver espacios elípticos, en el Musée de l'Orangerie, París 

Este gesto siempre me dejó perplejo, hasta que vi la exposición de la Galería Nacional (Monet & Architecture) de uno de los artistas más alegremente accesibles del mundo. Parecía tan extraño que Monet, el irreflexivo pintor de la luz fugaz, el grabador hedonista de los picnics burgueses, hiciera una declaración pública tan seria. ¿Cuántos visitantes de l'Orangerie incluso conectan sus lirios sensuales con la matanza de Verdún?.

Ese es el problema con Monet. Su arte es tan instantánea, extáticamente disfrutable que hace volar toda idea de significado o profundidad. Puede parecer el Andy Warhol del impresionismo, tan cómodo en la superficie de la vida que hace que cualquier pensamiento más profundo sea innecesario o imposible. Una y otra vez, los curadores lo colocan junto a los artistas más manifiestamente serios, como Turner o Twombly, y se burla de ellos, seduciendo a los ojos con pura maravilla cromática y haciéndolos parecer pretenciosos pintores de peluches.

A primera vista, Monet & Architecture puede parecer una excusa más para bañarse en esa luz inigualable (et pourquoi pas?). Porque, detrás de su título austero, esta es una fiesta placentera en los sentidos de Monet. No hay una acumulación lenta y aburrida mientras esperamos pacientemente a que crezca como artista.Él ya es muy bueno en su pintura de 1864, Capilla Notre-Dame-de-Grace, Honfleur, hecha cuando tenía 24 años.

Monet era un prodigio nacido para pintar. Cuando era un adolescente en Le Havre, se convirtió en una celebridad local por las caricaturas que mostraba en el escaparate de una tienda. Cuando pintó esa iglesia normanda ya tenía un ojo único sensible para la naturaleza.

Esa visión despega y vuela en los primeros lienzos de este magnífico espectáculo. La calle de Sainte-Adresse , pintada en 1867, tiene un celaje gris plateado moteado colgando sobre ella que la hace tan fresca, tan viva. 

Párese con Monet en una orilla rocosa y boscosa mirando el brillante color turquesa del agua en el horizonte dorado de Antibes en su pintura de 1888: Antibes, Morning.

Camina con él en la neblina de un día nevado deleitándote con el mundo blanco recién nacido en Snow Effect, Giverny , pintado en 1893.

Sigue y podrás disfrutar de este espectáculo de una manera sencilla. Una iglesia medieval se eleva sobre un promontorio junto al mar en el paisaje rapsódico de 1882 de Monet: La iglesia en Varengeville . 

El cielo es amarillo, la colina verde un borrón azotado por el viento, el mar una niebla luminosa de agua. Sin embargo, en el vértice de este etéreo poema de colores se encuentra la sólida y aguda oscuridad de una iglesia construida siglos antes. Monet lo pintó más de una vez, brilla con significado.

La arquitectura fue una fuerza moral en el siglo XIX. En un mundo en rápida industrialización, los edificios antiguos eran apreciados de una manera nueva. Las obras sobrevivientes medievales, como la iglesia del siglo XIII en Varengeville, fueron vistas como remanentes de un pasado comunal que el capitalismo estaba destruyendo. En Gran Bretaña, este movimiento medievalista recibió un giro anticapitalista explícito del crítico y activista social John Ruskin. En Francia, se expresó en la restauración apasionada e imaginativa de Notre Dame por el arquitecto Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc y la construcción neomedieval del Sacré-Cœur, comenzada en 1875.

Las pinturas intensas, oníricas y reverentes de Monet de la iglesia en Varengeville son las primeras grandes pistas en esta exposición que comparte la visión moral de Ruskin: el sueña con una edad media cuasi socialista cuyo paraíso perdido todavía se puede vislumbrar en las piedras sombrías de viejas iglesias La segunda pista viene cuando, después de ver entre sus visiones suaves de ciudades antiguas, puentes e iglesias, de repente entramos en la París moderna.

La sabiduría recibida es que Monet y sus compañeros impresionistas, que tuvieron su primera exposición juntos en 1874, celebran la vida urbana moderna y de clase media. Sin embargo, esta exposición revela un Monet muy diferente, ansioso por el mundo industrial y horrorizado por sus injusticias. Lejos de ser una celebración simplista de las grandes luces de la ciudad, su pintura de 1873 Boulevard des Capucines, París es una pesadilla. 

Anticipa sutilmente a Edvard Munch. Las luces de las calles emiten un deslumbrante brillo inhumano sobre una multitud de personas vestidas de negro que se mueven como insectos bajo los ojos fríamente vigilantes de dos observadores con sombrero de copa en un balcón.

No es por un segundo el tipo de escena tranquilizadora que Monet a veces es acusado de producir. Es una vista desilusionada del vacío moderno, como la ilustración de una novela devastadora del contemporáneo Émile Zola. Ese mismo sombrío retrato de la realidad urbana se convierte en una angustiosa súplica para la humanidad en su pintura de 1875,The Coal Heavers. 

Con una extraña gracia de ballet que sólo enfatiza el trabajo pesado de su tarea, los trabajadores caminan sobre tablones angostos cargando pesadas cargas de carbón desde una barcaza en el Sena. Arriba, la gente camina tristemente sobre un puente de hierro. Este es un mundo desencantado.

Este encuentro sorprendentemente inesperado con Monet, la crítica del capitalismo, te prepara para algunas de sus mejores obras. Las pinturas de Monet sobre la fachada gótica de la Catedral de Rouen, pintadas a principios de la década de 1890, son maravillas que engrandecen la mente.

Desde lejos, a una distancia considerable, se ven inquietantemente como fotografías victorianas, como si estuviera inspirado en postales sepia de este venerable monumento. Acércate, tan cerca como lo permitan los guardias, y la ilusión se desmorona en una superficie enmarañada, áspera y abstracta de color salvaje.

Algo extraño está sucediendo en estas pinturas, cada una muestra exactamente la misma vista, pero a una hora del día diferente, en una luz totalmente contrastante. Los colores varían fantásticamente: una catedral rosa, una catedral amarilla, una catedral violeta, una catedral dorada. Sin embargo, todas representan la misma catedral. En cada una de ellas, Monet explora la obra crujiente, nudosa y sombreada de los albañiles medievales que crearon la Catedral de Rouen con una admiración aturdida.

Son pinturas que capturan el tiempo mismo. La luz puede cambiar de momento a momento, pero las piedras de Rouen han durado siglos. En un mundo que se precipita en el futuro mecánico moderno, Monet vuelve a estudiar a este antiguo sobreviviente. Él conserva fracciones de segundo. La catedral conserva siglos.

Esta exposición revela el alma interior de Monet. Muestra que su amor por la naturaleza no es un mero escapismo. Es un ansia de supervivencia humana en una era de creciente inhumanidad industrial. Su regalo a la nación francesa tiene sentido para mí ahora. Décadas antes de que comenzara la primera guerra mundial, Monet pintaba para restaurar el corazón de un mundo sin corazón.

• En la National Gallery, Londres, desde hoy 9 de abril al 29 de julio. 

Monet & Architecture permite a los visitantes ver el trabajo del impresionista francés Claude Monet de una manera completamente nueva.  A través de obras icónicas y menos conocidas, se centra en su fascinación por la arquitectura en la primera exposición que lo hizo. Al juntar 80 pinturas que representan varios países de Europa, el crítico Matthew Collings dijo en su reseña : "Me gustaría poder darle a esta exposición más de cinco estrellas".