"LOVE" SEGÚN ROBERT INDIANA

 

Robert Indiana: Esculturas 

Laura Cumming

'Forma corporal': Robert Indiana, Love (Red Blue Green), 1966–1998, izquierda, y Amor (Red Yellow), 1998-2006 en Yorkshire Sculpture Park. Compuesto: Jonty Wilde

Todo el mundo conoce la obra más famosa de Robert Indiana: Love. Solo esa palabra, deletreada en dos hileras de letras rojas, contra azul y verde, el trabajo es, sin embargo, más que solo eso. La hermosa O redonda, tocada por la L, sostenida por la vigorizante E, se desmaya y se inclina, como si la fuerza del amor la hubiera derribado. Toma forma corporal.

Indiana (1928-2018) creó este pictograma puro y concentrado al final de la treintena. Encargado originalmente como una tarjeta de Navidad para el MoMA, se convirtió en una pintura al óleo y luego en muchas más pinturas, en una escultura y luego en muchas más. Y así continúa la proliferación. Lo que primero fue un emblema para los hippies, Love se convirtió en un símbolo para los estadounidenses que protestaban contra los disturbios raciales, Vietnam y la injusticia civil. Se podría decir que el sustantivo se convirtió en un verbo. Pero en 1973, el ícono original, que hizo que Indiana ganara poco dinero porque nunca obtuvo los derechos de autor, se había vuelto tan popular que el correo de EE. UU. lo convirtió en un lindo sello pequeño. Y ahora se ha convertido nuevamente en una parodia de lo que alguna vez fue: una tarjeta de felicitación infinitamente reconocible.

'Como un Rorschach de sí mismo': Imperial Love, 1966-2006 en Yorkshire Sculpture Park. Fotografía: Jonty Wilde

En Yorkshire Sculpture Park , sin embargo, se ve el amor redimido, devuelto a la vida en obras de arte. Primero aparece como una escultura gigante de aluminio, casi paralelepípedo, en la cima de una colina, las letras rojas brillantes pintadas de verde y azul en el interior. Más tarde se duplica, como un Rorschach de sí mismo, las dos O ahora se inclinan hacia afuera como alas. Y en el Jardín Bothy, en acero Corten, crece hasta el tamaño de un enorme muro de filigrana, con cuatro O que ahora aparecen agrupadas en el centro como los pétalos de una flor.

Las variaciones son simples, concisas y epigramáticas; el amor toma vuelo, y así sucesivamente. Los colores son el trío original; y es conmovedor saber que el rojo y el verde eran de un letrero de gasolina que dominó la infancia de Indiana, tanto geográficamente durante los muchos viajes inquietos que hacía su familia, como porque su padre trabajaba para la empresa. El azul representa los cielos altos de Indiana.

Nacido como Robert Clark , el artista tomó el apellido Indiana en homenaje a su estado natal, interminablemente entrecruzado durante una infancia de pobreza y divorcio. Después del servicio nacional se mudó a Nueva York donde se enamoró del pintor Ellsworth Kelly. La admiración de Indiana por sus compañeros artistas estadounidenses es evidente en todas partes en esta exposición, que incluye pinturas y muchas otras esculturas.

American Dream #5 (The Golden Five), 1980 de Robert Indiana, inspirada en la obra de Charles Demuth. Fotografía: Jonty Wilde

Los ensamblajes de madera comenzaron pequeños, originalmente más cortos que Indiana. Los cortó con vigas de viejos almacenes holandeses en los muelles de Manhattan. Las plantillas de latón que encontró allí también se convirtieron en un componente fijo de su estilo. El nombre Ícaro está grabado en una de estas hermas, como él las llamaba, que portaba volantes oxidados e impotentes en lugar de alas y una cabeza de cadenas caídas. 

Indiana fue catalogado rutinariamente como un artista pop, sobre todo por la película de Andy Warhol de él comiendo un solo hongo con una lentitud cómica (proyectada en la galería final). Pero esta muestra, la primera dedicada a su arte en el Reino Unido, revela una mentalidad mucho más nostálgica e incluso afligida. Banderas confederadas, estrellas solitarias, los desechos oxidados de granjas desoladas en amplios paisajes agrarios: las esculturas están llenas de americana.

Y las obras más conmovedoras parecen conmemorar a sus padres perdidos hace mucho tiempo. Su madre siempre estaba tratando de arreglar el mundo a través de la cocina, y aparentemente su última palabra fue "Comer". A Eat and Hug, Indiana añade las palabras D ie and Err, en pinturas y letreros luminosos, un resumen brusco de la vida americana.

Mi madre, 1964/1998, primera fila, izquierda. © 2022 Morgan Art Foundation Ltd/Artists Rights Society (ARS), Nueva York/DACS, Londres. Fotografía de Jonty Wilde

Una columna particularmente conmovedora, de altura aproximadamente humana, tiene las palabras Mi madre grabadas en blanco alrededor y alrededor, en configuraciones tan sutiles que siempre estás tratando de distinguir ambas palabras, el ser completo, por así decirlo, para echar un vistazo. Sólo de vez en cuando todo se vuelve posible. 

La popularidad y la ubicuidad trajeron a Indiana cierto desdén crítico. Hay quienes encuentran sus declaraciones de una sola palabra simplistas. Pero ver su trabajo presentado así, desde su brillante alegría hasta su ambigüedad, conmemoración y lamento, es verlo como una mente mucho más complicada, en algún lugar entre poeta y artista concreto.

'Un desfile de números esculpidos': UNO a CERO (Los diez números), 1980-2001 por Robert Indiana en Yorkshire Sculpture Park. Fotografía: Jonty Wilde

Un desfile de números esculpidos (del 1 al 9, que terminan en cero) recorre una larga avenida eduardiana cubierta de setos en el Parque de Esculturas de Yorkshire. Cada uno está pintado en dos colores brillantes. El número 1 es su marca roja y azul, y muy pronto se hace evidente que los números deben ser autobiográficos. Todavía jubiloso a las 3, en un naranja luminoso; poniéndose un poco más azul a las siete. El último 0, que puede ser tanto el número como la letra de Love , es evidentemente el final de la vida, una visión gris plateada de un desvanecimiento.

Robert Indiana: Sculptures 1958-2018 estará en Yorkshire Sculpture Park hasta el 8 de enero de 2023