ARTE : " WE WILL WALK "

 El arte inquietante del sur americano profundo

Lanre Bakare

El pórtico del artista Emmer Sewell. 

Desde el linchamiento y la esclavitud hasta el movimiento por los derechos civiles, los artistas de Alabama expresaron los acontecimientos trascendentales que vivieron, como revela una nueva exposición histórica

Los quilts de Gee's Bend hacen arte con tela reciclada. Lonnie Holley elabora esculturas con neumáticos de automóviles y otros detritos humanos. El luthier autodidacta Freeman Vines talla guitarras de madera que provenían de un "árbol colgante", una vez utilizado para linchar a los hombres negros. Los "espectáculos de patio" de Dinah Young y Joe Minter son exposiciones permanentes de su arte, una cacofonía de " elegías de chatarra ". Casi todo este arte proviene de Alabama, y ​​todo aparece en "We Will Walk", la nueva e innovadora exposición de arte afroamericano del estado sureño y sus alrededores  en Turner Contemporary .

Variación de tejido de cesta por Mary Lee Bendolph.

Hecho de material encontrado y reciclado, este es un arte verdaderamente marginal. Es de lugares como Gee's Bend, la aldea segregada ahora conocida como Boykin, donde Martin Luther King viajó en 1965, tomando su mensaje sobre la importancia del registro de votantes. A pesar de sus humildes materiales, tiene ecos de otro hijo de Alabama, el líder de la banda de jazz y filósofo Sun Ra, y su mensaje Afrofuturista sobre sus propios orígenes interestelares y la excelencia negra de otro mundo.

El crítico cultural Greg Tate describe a los artistas en We Will Walk como "visionarios negros del sur y técnicos locales de lo sagrado" que se ocupan de "imaginaciones neo-hoodoo y gritos de fantasmas bebop ... personas que hicieron que el ritual pareciera una decoración de interiores", y "se convirtieron en césped ornamentación en forma de encantamiento ". Esa mezcla esotérica se ve en el trabajo de Minter, que incluye una gran recreación de la celda de la cárcel en Birmingham, Alabama , donde King estuvo recluido después de una protesta contra la segregación; aquí, seis dobermans de hormigón lo vigilan.

 De otro mundo ... Águila, 1988, por Ralph Griffin. 
















También se puede ver en Holley's Him and Her Hold the Root, una escultura compuesta por dos mecedoras con una raíz extendida sobre ellas, y en Ralph Griffin's Eagle, una representación en madera de un águila calva creada a partir de materiales encontrados. Pero por muy extraño que parezca el trabajo, gran parte tiene profundas raíces en la lucha por los derechos civiles de los Estados Unidos. "Estos artistas estuvieron rodeados de eventos trascendentales y esos eventos dieron forma a su arte", dice la curadora Hannah Collins.

"Mi abuela ayudó a cavar las tumbas de tres de las niñas que estaban en el bombardeo de la Iglesia Bautista de la calle 16", me dice Holley, refiriéndose al ataque terrorista de 1963 en Birmingham , que mató a cuatro niñas negras y sorprendió al país. “Así de cerca estábamos de lo que ustedes llaman el significado político de nuestra existencia. Nosotros vivimos en ella en Birmingham ".
El trabajo de Holley cuenta una historia secreta de la América negra, una que necesita una máquina Enigma para decodificar. Un músico célebre que todavía toca y hace álbumes, comenzó a hacer arte en 1979 cuando creó una lápida improvisada para su sobrina y sobrino que murieron en el incendio de una casa. Dos años después, su trabajo fue incluido en una muestra colectiva de arte de los Apalaches en el Smithsonian, en Washington DC.

"En un mundo más justo, Holley sería un Miguel Ángel" ... Lonnie Holley en su estudio de Atlanta. 

La historia de su vida es notable y horrible,  el número 7  de 27 niños durante la era de Jim Crow  afirma haber sido cambiado por una botella de whisky cuando tenía cuatro años.  Recogió algodón, tuvo poca educación formal y terminó en lo que entonces era la Escuela Industrial para Niños Negros de Alabama en Mount Meigs después de romper el toque de queda establecido por Eugene "Bull" Connor, el notorio comisionado segregacionista de seguridad pública de Birmingham.

Lonnie Holley con su escultura 'Drilling for Greedy', 2011

"En un mundo más justo, alguien como Lonnie Holley habría sido Michelangelo", dice Matt Arnett, hijo de William Arnett, el coleccionista de arte y curador que desempeñó un papel clave para llamar la atención del mundo sobre el arte de Alabama. "Pero él nació negro en Estados Unidos en el sur, por lo que en lugar de que su inteligencia y su perspectiva sean venerados, celebrados y nutridos, es golpeado y arrojado en una pandilla de niños a los 11 años". Holley eventualmente dejaría Alabama y se mudaría con uno de sus hermanos en Florida, donde trabajó en Disney World. Holley comenzó su vida artística en 1979 tallando lápidas para los dos hijos de su hermana, quienes murieron en el incendio de una casa. 

Las obras  se encuentran en la Aldea Africana de América, una galería al aire libre de varios acres frente a su casa; imágenes de ella saludarán a los visitantes de la exposición de Turner. Continuando con la tradición del "espectáculo de patio", donde los artistas organizarían sus esculturas en su propiedad, es uno de los últimos de su tipo. El espectáculo de patio de Holley, al que llamó The Environment, se desmontó cuando su propiedad fue reconstruida como parte de la expansión del aeropuerto. Ahora vive en Atlanta.

Las raíces del espectáculo se encuentran en la esclavitud: en 1819, los esclavos representaban más de un tercio de la población de Alabama. "Los astilleros eran tradicionalmente un espacio de música y práctica artística, el único lugar para la creatividad durante siglos", dice Collins.

"El bosque estaba tratando de decirme algo" ... 1967, de Freeman Vines.

El trabajo de Vines está igualmente arraigado en la experiencia negra del sur. Habla sobre los linchamientos que recuerda de niño, incluido uno de un hombre de unos 80 años que fue arrastrado detrás de un camión después de ser acusado de exponerse a dos mujeres blancas. La conexión no es solo a través de la memoria, también es física. Vines recuerda haber comprado madera para sus guitarras a un comerciante de madera. "Él dijo: 'Tal vez no quieras esa madera allí. Hombres negros fueron colgados en ese árbol. Luego investigamos a los jóvenes que fueron asesinados en ese árbol. Sentí que la madera estaba tratando de hablar conmigo, tratando de decirme algo ”. Es ese vínculo tangible y horrible entre los artistas y el pasado reciente de Estados Unidos al que We Will Walk aprovecha.

Para comprender We We Walk, debes comprender el blues, según Collins. Al igual que las canciones torturadas, enamoradas y agonizantes que sonaban desde debajo de la línea Mason-Dixon y se transformaron y mutaron en rock'n'roll, para ser consumidas por una audiencia blanca en gran parte ignorante de sus orígenes negros, el arte de Alabama resuena en todo el trabajo. de artistas blancos célebres, incluidos Jasper Johns y Robert Rauschenberg.

Robert Rauschenberg

"Si miras un Rauschenberg, hay una conversación en curso, pero es claramente unilateral", dice el curador. “Lo mismo es cierto para Johns: se trata de cosas ocultas. Exportaron ese lenguaje de manera similar al blues. Es como mucho que viene del sur: se ha exportado pero no con crédito. Esta es una oportunidad para reparar ese equilibrio ".

Jasper Johns

Ese linaje artístico también está presente en el trabajo de artistas afroamericanos contemporáneos como Mark Bradford, que utiliza vallas publicitarias desechadas para crear sus obras abstractas a gran escala, y la serie Broken Men de Rashid Johnson hecha con barras de aceite, jabón negro derretido, cera y pisos. "Todo el arte en la muestra está prefabricado o con materiales existentes, se trata de materiales, pero también se trata de usar lo que tienes y no usar recursos del mundo".

Rashid Johnson sobre hombres rotos,

Mientras que Holley, Minter, Thornton Dial, Purvis Young y Joe Light de Memphis han recibido algún reconocimiento, el trabajo de las artistas negras ha sido ignorado. "Algunos de los hombres han tenido carreras como artistas, pero para las mujeres no sabemos sobre ellos", dice Collins. “Las mujeres se quedaron en los patios”.

Sin embargo, por supuesto había artistas femeninas en el sur. El arte syard de Dinah Young y Emmer Sewell , este último con sillas y ramitas de plástico, está representado en el espectáculo, al igual que los quilters de Gee's Bend. Estos grupos de mujeres, que hicieron mantas de retazos grandes y complejas, tardaron décadas en recibir reconocimiento, y finalmente obtuvieron exposiciones en Houston y en Whitney en Nueva York.

Louisiana Bendolph, una acolchadora y artista visual, dice que cuando visitó una exhibición de colchas en Houston en 2002, se escondió entre la audiencia, ocultando su etiqueta debajo de su chaqueta, escuchando su opinión sobre el trabajo.

Edredones Gee's Bend ''Primero '' Edredón Louisiana Bendolph 

Un joven, un aprendiz de arquitecto, destaca en su memoria. Le sorprendió que a menudo hubiera una simetría en el trabajo a pesar de su construcción con tela desechada. "Él vio arte", dice Bendolph, cuya suegra Mary Lee Bendolph es una integrante de Gee's Bend. “Estaba asombrado por el trabajo y cómo las piezas se equilibraban. Se habían usado muchos de los edredones, y la gente veía una pequeña mancha y se daba cuenta de que esta era la vida de alguien: alguien dormía sobre ellos, otras personas podrían haber muerto en uno ”.

Louisiana P. Bendolph | Souls Grown Deep Foundation

Los edredones y las vidas que envolvieron se han exhibido en todo Estados Unidos, y ahora han recorrido 4.400 millas desde Gee's Bend hasta Margate en la costa de Kent. Es la primera vez que la mayor parte de este arte se verá en el Reino Unido y los visitantes verán una forma de arte que se está desvaneciendo. Muchos de sus practicantes han muerto, y el mundo en el que crecieron se ha ido o ha sido reemplazado por una forma más moderna de segregación. "Lonnie ha vivido lo suficiente como para ver a su genio reconocido", dice Arnett. "Pero muchas personas que vinieron de la cultura Lonnie nunca tuvieron la oportunidad de ver eso".

Para Collins, el arte es un antídoto contra la frustración de la política moderna y la vida social, una forma de ver cómo canalizar la ira puede ser positivo y cómo el arte puede ir más allá de la mercantilización. "Hay protestas, pero realmente no sabemos cómo hacer que eso sea efectivo", dice ella. “Hay un mundo del arte que se elimina de la vida cotidiana: es la fabricación de objetos para los súper ricos. Creo que este trabajo es lo contrario de eso ".

 We Will Walk (Caminaremos): Arte y resistencia en el sur de Estados Unidos se encuentra en Turner Contemporary, Margate , del 7 de febrero al 3 de mayo.